Untitled - Bard College
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2 The LUMA Foundation was established in 2004 to support the activities of independent artists and pioneers, as well as institutions working in the fields of art and photography, publishing, documentary, and multimedia. The foundation specializes in challenging artistic projects combining a particular interest in environmental issues, human rights, education, and culture in the broadest sense. Our current focus is to develop a truly experimental cultural center in the Parc des Ateliers in the city of Arles, France, working with the architect Frank Gehry. This ambitious project envisions an interdisciplinary center for artistic production and research, exhibitions, education, and archives. The LUMA Arles summer program 2011 is an integral part of the evolutionary process we have undertaken to develop what we hope will become a cultural model for the early part of our century. In addition to the 2011 LUMA Award, which will be announced by Trisha Donnelly, recipient of the 2010 edition, on Monday, July 4 at the Alyscamps, Donnelly will be presenting a selection of films by George Kuchar projected at the Hôtel du Cloître and one of her pieces can be seen at the Alyscamps throughout the summer. On the main square in Arles, the Place de la République, the first chapter in Doug Aitken’s installation Arles: City of Moving Images will be presented from the 4 till the 12 of July. A second chapter of this installation is programmed for October in the Grande Halle at the Parc des Ateliers. The projection will take place every evening from 10:30 pm starting on July 4. That same evening, from 11:00 pm, a series of public conversations will be staged at the Alyscamps site featuring Hans-Peter Feldmann, Juergen Teller, and Taryn Simon, accompanied by a slideshow. The LUMA Foundation is also pleased to present a symposium titled “The Human Snapshot,” which brings together many of today’s leading thinkers to discuss the effect of the photographic image, its distribution through new media, and its impact on human rights. This academic symposium was produced by the Center for Curatorial Studies at Bard College, NY, as a first example of possible long-term co-productions between Bard College and the LUMA Foundation. The LUMA Foundation aims to explore crossovers between the visual arts, human rights, and the environment in the broadest sense. LUMA Foundation’s Arles Summer program is the beginning of our efforts to develop a unique discourse that develops in Arles. 3 THE HUMAN SNAPSHOT July 2–3, 2011 Site des Alyscamps, rue Renaudel, 13200 Arles The Human Snapshot is a conference on latter-day forms of universalism as circulated and consolidated through contemporary art and photography. The conference is organized by the LUMA Foundation in collaboration with the Center for Curatorial Studies at Bard College (CCS Bard): Thomas Keenan and Tirdad Zolghadr, in collaboration with Johanna Burton and Tom Eccles, originally based on a research project by Ariella Azoulay. HUMANISM & UNIVERSALISM While it is commonplace today in academia and politics alike to invoke the claims and norms of human rights, the apparent conceptual underpinnings of this discourse—humanism and universalism—have been subject to radical challenges in recent years. As it happens, one of the major sites of the critique of universalism is critical discourse on the visual arts and the photographic image, which is, in fact, one of the most important operators of what we might call actually-existing universality today. Arguably, it is even that very critique, and the discourse of local and cultural context, which grants contemporary art the luxury and efficiency of an unchecked universalist agenda. Complex presumptions of universal communicability are always already at play in ambitious projects of international scope, and are all the more volatile as a result. A crucial question here is to which extent the discourses of both contemporary art and human rights are irrevocably linked to a classical universalist foundation. Can the two traditions be unhinged, and what difference would the separation make? Moreover, what role does the image, in all its material manifestations, continue to play within this ideological apparatus? These and other questions are to be discussed through a series of lectures and a workshop in Arles, beginning with a discussion of the legendary 1955 exhibition “The Family of Man,” drawing on recent research by visual theorist Ariella Azoulay. Other speakers will discuss the actual channels of distribution the discourses and images of universalism have at their disposal, but also the class interests at stake in any such distribution, and, finally, the impact of new forms of technology, from the democratization of the camera image to revolutions broadcast online. THE FAMILY OF MAN AND ITS CHANNELS OF DISTRIBUTION This event takes the photo exhibition “The Family of Man” and its critical legacy as a point of departure. Organized by Edward Steichen at the Museum of Modern Art in 1955, it selected roughly five hundred images from nearly two million submissions, taken by 273 photographers in almost seventy countries. Among the things that set the 1955 exhibition apart, its forceful universalist agenda stands out. What are present-day pendants of “The Family of Man,” and how might the exhibition’s thematic ground resonate with ongoing debates in contemporary art and human rights? “The Family of Man” was one of the most widely visited exhibitions ever, and its catalogue is still among the most widely distributed. Moreover, its reception was 4 dramatic and polarized, sparking pedagogical initiatives and polemical “counterexhibitions.” Taking Steichen’s exhibition as a point of departure, the event explores contemporary sites of exhibition and circulation that facilitate the circulation of ideas ranging from artworld internationalism to the discourse of human rights. Which narratives and imageries have proven easier to export and import, which particular shades of humanist ideology are spawned in the process, and whose interests are at stake in the configurations at hand? The event will also investigate the historical implications of the respective media defining the imagery in question. Online culture, with its purportedly universal interactivity à la YouTube and Facebook, has altered our relationship to the image, to its potential credibility, and to ideas of a globalized visual culture itself. THE HUMAN SNAPSHOT: SCHEDULE SATURDAY, JULY 2, 2011 9:45 AM Introduction Maja Hoffmann, President, LUMA Foundation Tirdad Zolghadr, Senior Academic Advisor and LUMA Foundation Fellow, Center for Curatorial Studies, Bard College 10:00 AM Keynote Address Ariella Azoulay, Leverhulme Visiting Professor, Durham Centre for Advanced Photography Studies The Family of Man as a Visual Universal Declaration of Human Rights The exhibition “The Family of Man” was a landmark event in the history of photography and human rights. It was visited by millions of spectators across the world and was an object of critique that has become paradigmatic in the fields of visual culture and critical theory. Roland Barthes was the leading voice. He shaped the intellectual reception of the exhibition and set the tone for later critics. His conceptual observations were precise and compelling. A contemporary revision of “The Family of Man” should start with questioning Barthes’s observation and his role as a viewer. In my lecture I will argue that Barthes missed most of what the photographs in the exhibition showed, that what he claimed to see were invisible ideas, and that the hidden ideology he ascribed to the exhibition was nothing more than Steichen’s explicit intention in curating it. Instead of granting Steichen the position of an omnipotent author, as Barthes did, I propose to pay close attention to the exhibition’s potentialities, and instead of reading the photographs as descriptive statements with universal claims, I propose to read them as prescriptive statements claiming universal rights. In short, I will propose to reconstruct the exhibition as the first visual declaration of human rights. 5 10:30 AM Roger Buergel, independent curator, curator of documenta 12 in 2007 The Conditions for the Appearance of an Image Two legendary exhibitions, “The Family of Man” (1955) and “documenta” (1955), will be compared to “Bahia no Ibirapuera,” an exhibition conceived by Lina Bo Bardi and Martim Gonçalves during the fifth Bienal de São Paulo in 1959. While the two Western exhibitions, due to their ideological underpinnings, had to be unashamedly universalist in their poetic zeal, “Bahia no Ibirapuera” (as well as other exhibitions by Bo Bardi) suggested an elegant way out of the impasse of an unspecified or humanist viewership. By foregrounding contingency or the aleatory as principles of display, Bo Bardi staged forms of sensual collaboration in which relational regimes based on individuality (and knowledge) lose their footing in favor of what Leo Bersani calls “the multiplication of the individual’s positionality in the universe.” 11:00 AM Respondent Anselm Franke, writer and curator at the House of World Cultures in Berlin 11:30 AM Half hour audience Q&A 12:00 PM Lunch Break 1:00 PM Alessandro Petti, Director, Decolonizing Architecture Art Residency, Bethlehem Sandi Hilal, Director, Decolonizing Architecture Art Residency, Bethlehem Return to the Commons Territorially speaking, the Common is a concept that is different to both the public and the private. Private and public lands are institutionalized relations between people and things, regulated by the state, which guarantees private property and maintains the public one. In Palestine, the idea of the public is particularly toxic. Although prior to Israeli colonization there existed a wide multiplicity of collective lands, upon occupying the land and excluding its people, the Israeli state flattened them all into one category—“State Land”—and seized control. State lands were reserved to the only public acknowledged as legitimate—the Jewish Israeli one. The contours of public land become the blueprint for colonization, and state lands are often transformed into settlements. This form of sovereignty is willing to acknowledge Palestinian individual rights, in the “best” of cases, but, as we know, colonization has severely targeted Palestinian private property too. So in what way is the Common any different? It is a set of relations between people and things, organized by the principle of equality, that is not necessarily mediated by the state and through which the Palestinian-Israeli context provides priceless occasions for 6 reflecting on old dichotomies anew. 1:30 PM Michel Feher, philosopher, co-founder, and President of the association Cette France-là, Paris A Xenophobic Democracy This talk addresses the advent of a new regime of a xenophobic democracy in the European Union. More precisely, the question is the following: How are we to make sense of the fact that an increasingly overt xenophobic immigration policy is arguably the main object of consensus among European governments, considering that the EU is supposed to be both morally cemented by the “never again” of 1945 and politically informed by the victory of liberal democracy and its universal values in 1989? The purpose is not to expose the hypocrisy of political elites or question the nature of their proclaimed universalism but to understand why the so-called “problem of immigration” has become so central in their discourses while claiming to hold true to humanist values. 2:00 PM Respondent Eyal Sivan, Associate Professor, Media Production, School of the Humanities and Social Sciences, University of East London 2:30 PM Half hour audience Q&A 3:00 PM Coffee break 3:30 PM Marion von Osten, artist and Professor at the Academy of Fine Arts Vienna The Colonial Modern. Of Pylons, Airplanes and Donkeys A lecture performance with five projected images and a public reading that could start like this: “Since World War II, aerial photographs are urban planners’ preferred perspective for land-surveying purposes, and are a strong example of civil applications of military technologies. In ‘La Découverte Aérienne du Monde,’ (1948) the French sociologist Paul-Henry Chombart de Lauwe, a key thinker of French post-war urbanism, formulates a methodology for ‘extracting’ geospatial information from aerial photographs. Aerial photography was a particularly important tool for urban intervention in the case of ‘New Towns,’ such as the master plan of Casablanca under French colonial rule.” 7 4:00 PM Eyal Weizman, Director of the Centre for Research Architecture, Goldsmiths College, University of London The Family of the Dead The universalizing anthropology of Steichen’s 1950s exhibition may well be challenged by the forensic anthropologists of today. For these scientists digging up grave sites, jungles, and killing fields in Spain, Guatemala, and Bosnia in search of the victims of state crime, classifications of images of the living from around the world are replaced with those of the dead. Here, the study of bone and skull morphology becomes an epistemic and historiographic problem. Developments in the study of skulls, by means of algorithmic computing, have also led to another type of image/interpretation technique. Face recognition software of the kind that connects skull morphology—the “topography of the face”—with actual or potential crime bares strange resemblances to phrenology, the nineteenth century racial classification of skulls in relation to behavioral tendencies. In both cases, physical anthropology poses urgent questions of aesthetic and political nature. In this talk I will refer to work undertaken with Shumon Basar and Jane and Louise Wilson (Face Scripting) and research undertaken in collaboration with Tom Keenan and the Forensic Architecture project team. 4:30 PM Respondent Thomas Keenan, Associate Professor of Comparative Literature, Director, Human Rights Project, Bard College 5:00 PM Half hour audience Q&A SUNDAY JULY 3, 2011 9:45 AM Introduction Tom Eccles, Executive Director, Center for Curatorial Studies, Bard College Thomas Keenan, Associate Professor of Comparative Literature, Director, Human Rights Project, Bard College 10:00 AM Dominique Gonzalez-Foerster, artist Tropicale Modernité In this presentation, artist Dominique Gonzalez-Foerster revisits key moments in her practice from a particular angle, exploring the notion of “tropical modernism” in relation to architecture, film, and literature—starting with Tropicale Modernité, her 1999 proposal for the Mies van der Rohe Pavilion in Barcelona. 8 10:30AM Bassam el Baroni, director of Alexandria Contemporary Arts Forum Matters of Universality in Fine Art, Contemporary Art, and Cultural Politics This talk will address the differences in the particular universalities pertaining to “fine art” and “contemporary art” and discuss what it means for a universality to be functional or non-functional. Moreover, it will consider universality as a largely clouded and unannounced space for contestations between different art practices and cultural politics. Most peoples’ image of what art is can be tagged under the term “fine art,” art characterized by the academic application or manipulation of canonical art histories. Contemporary art’s hostility towards “fine art” is perhaps because, unlike the latter, it lacks populist credentials. “Fine art” can be defined as art with a non-functional universality, a universality created by the canon, long expired yet still effective, whereas contemporary art’s universality is a functional universality, existing as a matter of sheer fact. In other words, what makes contemporary art contemporary is its willingness, or perhaps its need, to be compatible with a dominant and functional form of universality at present. 11:00 AM Respondent Katya Sander, artist 11:30 AM Half hour audience Q&A 12:00 PM Lunch break 1:00 PM Suhail Malik, Reader in Critical Studies at Goldsmiths The Politics of Neutrality The moral viability of globalization is partly consolidated by the mutual support of three distinct practical universalisms: (a) human rights, claiming a neutrality that gives them common validity; (b) contemporary art, constructing particularized indeterminacies of experience and interpretation; and (c) photography and its offshoots, materializing image-realities ubiquitously. Their convergence constructs a “second humanism,” giving credence to globalization on the basis of indefinite, non-prescriptive claims—a formalism generating democracy as its recognized quasi-order. Is there a politics adequate to this powerless-powerful affirmation of equivocation and contingency on a world-scale? What/who is its subject? 9 1:30 PM Georges Didi-Huberman, philosopher and art historian at École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHSS) Paris Fragments of Humanity This talk proposes some fragments from an ongoing reflection on what might be called “l’exposition des peuples” (the exhibition of peoples). Beginning with the double sense of the term “exhibition,” which denotes the act of making visible, but also the inherent menace of this act itself (to be “exhibited” is to be threatened—at times one is even “exhibited to disappear”), thus invoking the very conditions of the appearance of the people (or peoples) both in theoretical discourse and the production of images. 2:00 PM Respondent Hito Steyerl, artist and Professor at the University of Art Berlin 2:30 PM Half hour audience Q&A 3:00 PM Coffee break 3:30 PM Alex Klein, artist and Program Curator, ICA Philadelphia, University of Pennsylvania Humanist Correspondence: Thomas Hirschhorn’s Family of Man (Man) This talk uses the notion of humanist correspondence—the familiar letter as a mode of public address—as a framework to consider ongoing debates surrounding photography and universalism. Drawing on themes in Renaissance Humanism, personal anecdote, and critiques surrounding Edward Steichen’s exhibition “The Family of Man,” the talk will revisit an exchange between Thomas Hirschhorn and Thierry de Duve as an opportunity to question the limits of photographic representation within art practice. 4:00 PM Hal Foster, Townsend Martin ’17 Professor of Art and Archaeology, Princeton University Toward a Grammar of Emergency In this talk I consider the work of Thomas Hirschhorn, who represents Switzerland in the current Venice Biennale. I take up four concepts key to his practice but with relevance far beyond it: the precarious, the bête, expenditure, and emergency. 10 4:30 PM Respondent Denis Hollier, filmmaker, author, and producer. Professor of media art at the University of Arts Berlin 5:00 PM Half hour audience Q&A THE LIBRARY IS ON FIRE In conjunction with “The Human Snapshot” symposium, Charles Arsène‐Henry, at the invitation of Maja Hoffmann and the LUMA Foundation, is developing a reading room forming a three‐dimensional bibliography of sorts. The Library is on Fire is the first installment of the LUMA library, and will be open to the public this autumn in London, functioning as an antechamber and laboratory for the future library. It will include four rooms: A reading room, in which different library designs will be tested. A printing room, where a series of publications will be produced. A projection room, where images of all types will be programmed. An empty room, mainly used as a place to experiment with the lecture format. The Library is on Fire will also initiate the acquisition of books that will form the collection of the LUMA library. This collection will develop along specific forms of inquiries, in parallel to the institution’s other departments, and generate its own research engine. PARTICIPANT AND ORGANIZER BIOGRAPHIES Charles Arsène-Henry is a writer and editor based in London. In 2009, he founded White Box Black Box, which inquires into the different formats of research and fiction. In 2010, he taught a unit at the Architectural Association Summer School where students produced a collective speculative fiction. In 2011, he curated “Translated By” with Shumon Basar. He has been reading French literature for Faber and Faber since 2006. Ariella Azoulay, Hermeneutics and Cultural Studies, Bar Ilan University Director of Photo-Lexic, International Research Group, Minerva Center, Tel Aviv University 2010 Gladstein Visiting Professor, Human Rights Center, University of Connecticut 2011 Leverhulme Research Professor, Durham University. Bassam el Baroni is a curator and art critic from Alexandria, Egypt. He is the co-founder and director of the non-profit art space Alexandria Contemporary Arts Forum and was co-curator of Manifesta 8, 2010 in Murcia, Spain. Recent exhibi11 tions and engagements include the ongoing collaborative archive project “The Arpanet Dialogues,” started in 2010 with Jeremy Beaudry and Nav Haq; “Trapped in Amber: Angst for a Re-enacted Decade,” co-curated with Helga-Marie Nordby at UKS, Oslo, Norway in 2009; and “Cleotronica 08,” an international media art festival in Alexandria, 2008. Since 2009, el Baroni has developed and performed a series of dramatized context-specific lectures titled FOXP2, which combine notions of pre-history, genealogy, economics, and art criticism to create episodes of possible universalisms. Roger M. Buergel was educated at the Academy of Fine Art in Vienna and Vienna University. He has organized various exhibitions, often jointly with Ruth Noack, such as “Things we don’t understand” (2000, Generali Foundation, Vienna), a reappraisal of aesthetic autonomy, and “The Government” (2003-05, MACBA Barcelona, MAC Miami, Secession Vienna, and Witte de With Rotterdam), an exploration of contemporary governmentalities in Western societies. Buergel was the Artistic Director of documenta 12 (2007). He taught art history at the Art Academy Karlsruhe while organizing a retrospective of Ai Weiwei’s works in 2010 (“Barely Something,” Museum DKM Duisburg). He is currently working on a “Museum of Global Trade Routes,” due to open in Zurich in spring 2013. Johanna Burton was appointed Director of the Graduate Program at CCS Bard in July 2010. Burton is a New York–based art historian and critic who has written extensively on postwar and contemporary art for numerous publications, including Artforum, Parkett, and Texte zur Kunst, and is the editor of Cindy Sherman (2006), a collection of critical essays on the artist for The MIT Press’s October Files series. Burton’s other recent writings include texts on the women-only art magazine Eau de Cologne (published in Witness to Her Art, eds. Rhea Anastas and Michael Brenson, Center for Curatorial Studies, 2006) and Lee Lozano (on the occasion of the artist’s inclusion in an exhibition curated by Helen Molesworth at the Wexner Center in Columbus, Ohio, in Spring 2008); and she has written catalogue essays for recent career survey exhibitions of Dara Birnbaum, Mel Bochner, and Mary Heilmann. She was Associate Director and Senior Faculty Member at the Whitney Independent Study Program in New York from June 2008—July 2010. Georges Didi-Huberman has been teaching as Maître de Conférences at the Centre d’Histoire et Théorie des Arts, part of the École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHSS) in Paris since 1990. In his numerous publications, DidiHuberman challenges art historical methodologies and opens them up to a theory and philosophy of the image that includes rigorous psychological queries pertaining to art and the gaze. He has also taught at Johns Hopkins University, Northwestern University, University of California, Berkeley, University of Tokyo, the Freie Universität Berlin, and the Courtauld Institute in London, and has curated several exhibitions, including “L’Empreinte” at the Centre Georges Pompidou Paris in 1997. In 1997 Didi-Huberman received the Hans-Reimer-Preis of the Aby Warburg Foundation (Hamburg), and in 2007 he received the Humboldt Award for research. 12 Tom Eccles is Executive Director of the Center for Curatorial Studies, Bard College and former Director of the Public Art Fund, New York (1997–2005). Since joining CCS Bard in 2005, he has overseen the construction of the Hessel Museum of Art, which opened in November 2006, co-curated the inaugural exhibition of the Marieluise Hessel Collection, “Wrestle,” and has organized exhibitions with Martin Creed, (2007), Keith Edmier (2008), Rachel Harrison (2009), and Josiah McElheny (2011). In 2005, he organized the U.S. version of “Uncertain Sates of America” at CCS Bard. He also commissioned the permanent installation of Olafur Eliasson’s The parliament of reality on the grounds of Bard College (2009). Also in 2009, he curated Ernesto Neto’s anthropodino at the Park Avenue Armory and “As Long As It Lasts,” a group exhibition at Marian Goodman Gallery (both in New York). Michel Feher is a philosopher, founding editor of Zone Books, NY, and President of Cette France-là, Paris. He is the author of Powerless by Design: The Age of the International Community (2000) and the co-editor of Nongovernmental Politics (2007), with Gaëlle Krikorian and Yates McKee. He most recently co-authored and edited cette France-là 1, 06-05-2007/30-06-2008, and cette France-là 2, 01-07-2008/30-06-2009. Hal Foster, Townsend Martin ’17 Professor of Art and Archaeology, came to Princeton in 1997. He teaches lecture and seminar courses in modernist and contemporary art and theory and directs the graduate proseminar in methodology. Foster is an associate member of the School of Architecture and the Department of German and works with the programs of Media and Modernity and European Cultural Studies. Recent books include Art Since 1900 (2005), a co-authored textbook on 20th-century art; Prosthetic Gods (2004), concerning the relation between modernism and psychoanalysis; and Design and Crime (2002), on problems in contemporary art, architecture, and design. His book, Figment: Painting and Subjectivity in the First Pop Age, is due out in 2011, to be followed by Image Building: Essays on the Art-Architecture Rapport. He is presently at work on a theory of modernism as a way (in the words of Walter Benjamin) “to outlive culture, if need be.” A member of the American Academy of Arts and Sciences, Foster continues to write regularly for October (which he co-edits), Artforum, and the London Review of Books. Anselm Franke is a curator and critic based in Berlin and Brussels. Until the end of 2010, he was the Director of Extra City Kunsthal Antwerp, where he curated exhibitions such as “No Matter How Bright the Light, the Crossing Occurs At Night” (2007), “Mimétisme” (2008), and “Sergei Eisenstein: The Mexican Drawings” (2009). In 2008, he was a co-curator of Manifesta 7 in Trento, Italy and a co-curator of the first Brussels Biennale. His long-term project “Animism” started in Antwerpen (Extra City and MuHKA Antwerpen) and Kunsthalle Bern in 2010, and will be shown in different versions in the Generali Foundation in Vienna (September 2011) and the House of World Cultures in Berlin (March 2012). Since 2011, Anselm Franke is responsible for the theory program at the Higher Institute 13 for Fine Arts (HISK) in Ghent and he teaches at the HfG Karlsruhe, among others. He is currently completing his PhD at the Center for Research Architecture/Visual Cultures at Goldsmiths College, University of London. Dominique Gonzalez-Foerster is a French artist working with video and installations and was the recipient of the Marcel Duchamp Prize in 2002. She lives and works in Paris and Rio de Janeiro. Gonzalez-Foerster’s work was first exhibited in Britain in the 1992 group exhibition “Exhibit A,” which took place at the Serpentine Gallery in London. In 1994, she was included in the group exhibition “The Winter of Love” at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and in “Traffic” (March 1996, the CAPC), curated by Nicolas Bourriaud. In 2006, her work was included in the São Paulo Bienal and in 2008, she produced an installation for the Tate Modern turbine hall called TH.2058—the title an acronym for “Turbine Hall [in the year] 2058.” On 14 April 2011, Gonzalez-Foerster created the large-scale performance 2011.T.1912 at the Guggenheim Museum, New York. Denis Hollier is a literary scholar and professor of French at NYU. He has published Against Architecture: The Writings of Georges Bataille (October, The MIT Press), The Politics of Prose: Essays on Jean-Paul Sartre (University of Minnesota Press), and Absent without Leave: French Literature in Front of Threat of War (Harvard University Press). Sandi Hilal is an architect based in Bethlehem. She is consultant with the UNRWA on the camp improvement program and visiting professor at Al-Quds/Bard University in Abu Dis-Jerusalem. She is a founding member of DAAR— Decolonizing Architecture Art Residency. In 2006, she obtained the title of research doctorate in transborder policies for daily life in the University of Trieste. She is a co-author of different research projects published and exhibited internationally: “Stateless Nation,” with Alessandro Petti and “Border devices,” with multiplicity. Her publications include Senza Stato una Nazione (Marsilio, Venezia 2003); “Living Among the Dead” (Domus 880, April 2005); “Road Map” (Equilibri, August 2004), La Stanza dei Sogni (Liguori Editore, 2004); and “Stateless Nation” (Archis, Preview # 4 2003). Her projects have been published in national and international newspapers and magazines, such as the New York Times, The Guardian, Il Manifesto, Al Ayyam, Al-Quds, Artforum, and Archis. Thomas Keenan teaches human rights, literature, and media theory at Bard College, where he is Associate Professor of Comparative Literature and Director of the Human Rights Project. He is the author of Fables of Responsibility: Aberrations and Predicaments in Ethics and Politics (Stanford University Press, 1997), and co-edited The End(s) of the Museum (Barcelona, 1996), New Media, Old Media (Routledge, 2005), and Thinking in Dark Times (Fordham University Press, 2009). His forthcoming book, about media, conflict, and human rights, is called Live Feed: Crisis, Intervention, Media. He has served on the boards of the Soros Documentary Fund, WITNESS, the Journal of Human Rights, the Crimes of War Project, and Scholars at Risk. 14 Alex Klein is an artist working between Los Angeles and Philadelphia, where she was recently appointed Program Curator at the ICA Philadelphia, University of Pennsylvania. She is a co-founder of Oslo Editions, which organized and published the lecture series CONTRA MUNDUM I-VII (2010) and in 2009 she edited the critical volume on photography Words Without Pictures (LACMA / Aperture, 2010). She has been a visiting lecturer at the USC Roski School of Fine Arts, UCLA, and Otis College of Art and Design and has held positions at the Los Angeles County Museum of Art and The Metropolitan Museum of Art, New York. She received her MFA from UCLA and her MA in the History of Art from the Courtauld Institute of Art, London. Suhail Malik is Reader in Critical Studies at Goldsmiths, London. Recent writings include: “Why Art? The Primacy of Audience,” Global Art Forum, Dubai (2011); “The Wrong of Contemporary Art: Aesthetics and Political Indeterminacy” (with Andrea Phillips) in Reading Rancière (2011); “Screw (Down) the Debt: Neoliberalism and the Politics of Austerity” in Mute (2010); “You Are Here” for Manifesta 8 (2010); “Civil Society Must Be, Like, Totally Destroyed” in Sanity Assassin (2010); and “Abu Ghraib and the Onto-Politics of the Spectacle” in Episode (2008). Marion von Osten works as an artist, author, and curator. The main interests of her projects are the changed conditions of the production of cultural work in post-colonial societies, technologies of the self and the governance of mobility. Since 2006, she has been a professor at the Academy of Fine Arts Vienna. From 1999–2006, she was professor for artistic practice at HGK Zurich and researcher at the Institute for the Theory of Art and Design and Institute for Cultural and Gender Studies, HGK Zurich, and lecturer at Critical Studies program at the Malmö Art Academy. From 1996–1998, she was curator at Shedalle Zurich. Publications include Das Erziehungsbild. Zur visuellen Kultur des Pädagogischen (edited with Tom Holert, Vienna, 2010); Colonial Modern. Aesthetics of the Past. Rebellions for the Future (edited with Tom Avermaete and Serhat Karakayali, London 2010); Projekt Migration (edited with Aytac Erylmaz, Martin Rapp, Regina Römhild, and Kathrin Rhomberg, Köln 2005); Norm der Abweichung, T:G 04 (Zurich/Vienna, 2003); MoneyNations (edited with Peter Spillmann, Vienna, 2003); and Das Phantom sucht seinen Mörder. Ein Reader zur Kulturalisierung der Ökonomie (edited with Justin Hoffmann, Berlin, 1999). Alessandro Petti is an architect, urbanist and researcher based in Bethlehem. He teaches at Honors College Al-Quds/Bard University in Abu Dis-Jerusalem, Director of the research office DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency. He is involve with Sandi Hilal and Eyal Weyzman in the research project Decolonizing Architecture, a project that explores the problems and potentiality associated with re-use, re-inhabitation, and subversion of colonial structures. In 2010, they won the Price Claus Prize for Architecture and were shortlisted for the Chrnikov Prize. In 2006, he obtained the title of Research Doctorate in Urbanism at the IUAV University of Venice under the supervision of Prof. Giorgio Agamben. Petti 15 has written on the emerging spatial order dictated by the paradigm of security and control in Arcipelaghi e enclave (Archipelagos and enclaves, Bruno Mondadori, Milan, 2007). He co-curated different research projects on the contemporary urban condition such as “Border devices” (2002–2007), with multiplicity, and “Stateless Nation” with Sandi Hilal (2002–2007), see www.statelessnation.org. His recent publications are: “Return to Nature” in Ecological Urbanism (Lars Muller Publishers, 2010); “Asymmetries” in State of Exception and Resistance in the Arab World (Arab Unity Studies, 2010); “Future Archaeology” (Afterall, February 2009); “Dubai Offshore Urbanism” in Heterotopia and the City (Routledge, 2008); and “Temporary Zones. Alternative Spaces or Territories of Social-spatial Control?” in Post-it City (CCCB, 2008). Katya Sander is a conceptual artist, working especially with architecture, interventions, text, and films that explore the influence of the imaginary on political issues, everyday life, and language. For Sander, the imaginary is not only subjective ideas, but also shared, collective articulations and projections of what is possible and what can be imagined. Architecture and language and their roles in the production of meaning and sociality thus play a central role. Often through specific notions or figures, Sander investigates how social imaginations are constructed, and how they influence our actions and reflections. Especially production of spectatorship and consumption—and thus issues of gaze, desire, address, and projection— in contemporary society is of interest for Sander. Sander’s method combines factual information and real actions placed in various levels of stagings or settings, as well as the opposite: performed actions or interventions carried out in the framework of everyday spaces, activities, and functions—often not art-spaces. Sander thus inquires into relations between the narrative and the real, questioning how political subjectivity comes into being. Eyal Sivan was born in 1964 in Haifa, Israel and grew up in Jerusalem. Sivan is currently Reader (associate professor) in media production and co-leading the MA program in Film, Video and New Media at the School of Humanities and Social Sciences, at the University of East London (UEL). After working as a professional photographer in Tel-Aviv, Sivan left Israel in 1985 and settled in Paris. Since then he splits his time between Europe and Israel. Known for his controversial films, Sivan directed more than ten worldwide awarded political documentaries and produced many others. His cinematographic body of work was shown and awarded various prizes in prestigious festivals. Besides worldwide theatrical releases and television broadcasts, Sivan’s films are regularly exhibited in major exhibitions around the world. He publishes and lectures on the Israeli-Palestinian conflict, documentary filmmaking and ethics, political crimes and representation, political use of memory, genocide and representation, and so forth. Sivan is the founder and artistic director of the Paris-based documentary film production company momento! and the film distribution agency Scalpel. He is the founder and Chief Editor of South Cinema Notebooks—a journal of cinema and political critique edited by the Sapir Academic College in Israel, where he lectures regularly. He is a member of the editorial board of the Paris-based publishing house La Fabrique, as 16 well as of the French social and political studies journal De l’Autre Côté. Hito Steyerl lives and works in Berlin as a documentary filmmaker and author. In addition to philosophy, she studied cinematography and documentary filmmaking at the Academy of Visual Arts, Tokyo, and the Munich Academy of Television and Film. She has published essays concerning questions of (cultural) globalization, urbanism, racism, and nationalism. Other research interests include political theory, global feminism, and migration. Her latest book is Die Farbe der Wahreit (The Color of Truth), 2006. Eyal Weizman is an architect and Director of the Centre for Research Architecture at Goldsmiths, University of London, and Director of the ERC-funded research project Forensic Architecture. Since 2007, he is a founding member of the architectural collective DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency. Weizman has taught, lectured, curated, and organized conferences in many institutions worldwide. His books include The Least of all Possible Evils (Nottetempo 2009, Verso 2011), Hollow Land (Verso, 2007), A Civilian Occupation (Verso, 2003), the series Territories 1,2, and 3, Yellow Rhythms, and many articles in journals, magazines, and edited books. Weizman is a regular contributor and an editorial board member for several journals and magazines including Humanity, Cabinet, and Inflexions. He has worked with a variety of NGOs worldwide and was member of B’Tselem’s board of directors. Weizman is the recipient of the James Stirling Memorial Lecture Prize for 2006–2007, a co-recipient of the 2010 Prince Claus Prize for Architecture (for DAAR), and has been nominated to deliver the Paul Hirst and the Edward Said Memorial Lectures amongst others. He studied architecture at the Architectural Association in London and completed his PhD at the London Consortium/Birkbeck College. Tirdad Zolghadr is Senior Academic Adviser and the LUMA Foundation Fellow at the Center for Curatorial Studies, Bard College. Curatorial work includes the Taipei Biennial 2010 with Hongjohn Lin, the UAE Pavilion, Venice Biennale, 2009, “Lapdogs of the Bourgeoisie” with Nav Haq, and the Sharjah Biennial 2005 with Jack Persekian & Ken Lum. He writes for frieze magazine and is author of Solution 168-185 and editor of Necessities (both Sternberg Press, 2010). His novel Softcore was published in 2007 (Telegram Books, transl. German, Italian), the working title of his second novel is Top Ten. Zolghadr is a curatorial advisor to the Artist Pension Trust and editor-at-large for Cabinet magazine. The Center for Curatorial Studies at Bard College (CCS Bard) The Center for Curatorial Studies at Bard College (CCS Bard) is an exhibition, education, and research center dedicated to the study of art and curatorial practices from the 1960s to the present day. In addition to the CCS Bard Galleries and Hessel Museum of Art, the Center houses the Marieluise Hessel Collection, as well as an extensive library and curatorial archives that are accessible to the public. The Center’s two-year M.A. program in curatorial studies is specifically designed to deepen students’ understanding of the intellectual and practical tasks 17 of curating contemporary art. Exhibitions are presented year-round in the CCS Bard Galleries and Hessel Museum of Art, providing students with the opportunity to work with world-renowned artists and curators. The exhibition program and the Hessel Collection also serve as the basis for a wide range of public programs and activities exploring art and its role in contemporary society. For further information, call +1-845-758-7598, e-mail [email protected], or visit www. bard.edu/ccs. 18 LUMA AWARD 2011 Award Announcement on July 4 from 11:30 pm. Entrance of the Alyscamps, Avenue des Alyscamps The first edition of the LUMA Award took the form of an exhibition featuring fifteen artists, all using the medium of photography as a central part of their practice. It was presented at the 2010 Rencontres d’Arles photography festival. The winner of the 2010 award, Trisha Donnelly (selected by Peter Fischli and David Weiss), will choose the recipient of the 2011 LUMA Award. The artists nominated for this year’s award, presented in a freely distributed book, represent a focus on research, archives, and what has broadly become known as “knowledge production.” Rather than considering art as an isolated activity, they share a belief in the centrality of art and the image to an understanding of our time. Nominees for the 2011 LUMA Award are: Shadi Habib Allah, Uri Aran, Kenneth Anger, Desire Machine Collective, Sharon Hayes, Aaron Flint Jamison, Helen Marten, Raya Martin, Jonas Mekas, Christodoulos Panayiotou, Trevor Paglen, James Richards, Albert Serra, Rania Stephan, and Erik Wysocan Nominated by Tom Eccles, Liam Gillick, Hans Ulrich Obrist, Philippe Parreno, and Beatrix Ruf. Presented in a special Mousse publication. 19 EXHIBITIONS AND CONVERSATIONS OPENING JULY 4, 2011 TRISHA DONNELLYJULY 4–AUGUST 29, ÉGLISE SAINT-HONORAT DES ALYSCAMPS Trisha Donnelly is among a generation of artists to have come of age over the past decade or so, whose practice seems rooted in incommunicability and opacity. Often taking the form of gatherings of objects in various media, from assembled sculptures to drawings and photographs, Donnelly’s exhibitions tease the viewer with their intimations of meaning and orientation within these spaces is seldom straightforward, but is pregnant with possibility. Curators: Hans Ulrich Obrist and Beatrix Ruf. VARIETY OF VIDEO SHORTS FROM THE WORLD OF GEORGE KUCHAR July 4–12, 2011, Hôtel du Cloître Daily from 11:00 am to 6:00 pm. Full projection cycle ca. 07:10:00 Trisha Donnelly will present a selection of works by the American filmmaker George Kuchar, who belonged to Andy Warhol’s New York underground scene, at the Hôtel du Cloître. George Kuchar directed over 200 films and videos (including over fifteen with his twin brother Mike Kuchar), many of which are short films by students in his courses at the San Francisco Art Institute. His work is archived at the Video Data Bank (http://www.vdb.org/artists/george-kuchar). In the Critics’ Poll of the 100 best films of the twentieth century, which originally appeared in the January 4, 2000 edition of the Village Voice, Hold Me While I’m Naked was ranked 52nd. DOUG AITKEN, ARLES: CITY OF MOVING IMAGES 4–12 JULY, PLACE DE LA RÉPUBLIQUE, Daily projection starts at 10:30 pm. The first chapter of Doug Aitken’s installation Arles: City of Moving Images will be presented on the main square in Arles, the Place de la République. This multimedia installation is made of images filmed in Arles and in the Camargue, projected on a custom-made screen visible on both sides. A second chapter of this installation is scheduled for October 2011 at the Grande Halle of the Parc des Ateliers. “The piece itself is a unique piece that will never be an edition or travel anywhere outside this landscape. To me, the importance is that it’s created from the DNA of that place but it will only ever reside in it. It almost sits in the middle of this huge invisible grid we’ve created to make the work, and it’s a deposit of all of those faults and divisions of the landscape coming together to create one—almost holographic—fictional landscape.” Doug Aitken 20 PUBLIC EVENING CONVERSATIONS AND SCREENINGS July 4, from 11:00:30 pm. Entrance of the Alyscamps site, Avenue des Alyscamps Simon Baker, Curator Photography and International Art, Tate Modern, and Taryn Simon, artist. Hans Ulrich Obrist, Co-Director of Exhibitions and Programs and Director of International Projects at the Serpentine Gallery, and Hans-Peter Feldmann, artist. Beatrix Ruf, Director/Curator of the Kunsthalle Zurich, and Juergen Teller, Photographer. PRACTICAL INFORMATION For directions, details about summer 2011 LUMA Foundation events, and reservations for the symposium and public talks, please visit the LUMA Office at Hotel du Cloître, 13200 Arles. +33(0)4.90.96.54.07 (The office will be open from June 27–July 16). More information is also available at www.bard.edu/ccs For press inquiries, please contact Brunswick Arts: Maria Finders, [email protected] Or Mustapha Bouhayati, [email protected] 21 La Fondation LUMA a été créée en 2004 pour soutenir les activités d’artistes indépendants et de pionniers, ainsi que d’institutions travaillant dans les domaines de l’art, notamment de la photographie, de l’édition, du documentaire et du multimédia. La fondation se spécialise dans les projets artistiques provocateurs qui affichent un intérêt particulier à la fois pour les problèmes environnementaux, les droits de l’homme, l’éducation et la culture au sens le plus large. Nous cherchons actuellement à mettre en place un centre culturel authentiquement expérimental au Parc des Ateliers de la ville d’Arles, en France, en collaboration avec l’architecte Frank Gehry. Ce projet ambitieux porte sur un centre interdisciplinaire regroupant production artistique, recherche, expositions, enseignement et archives. Le programme d’été à Arles de la Fondation LUMA 2011 fait partie intégrante d’un processus évolutif engagé pour créer ce que nous espérons deviendra un modèle culturel pour ce début de siècle. Outre l’annonce du prix LUMA 2011, lundi 4 juillet aux Alyscamps, Trisha Donnelly, lauréate de l’édition 2010 présentera une sélection de films de George Kuchar projetés à l’Hôtel du Cloître, et une de ses œuvres pourra être visionnée aux Alyscamps pendant tout l’été. Sur la place principale d’Arles, la Place de la République, le premier chapitre de la série de Doug Aitken Arles : Une ville d’images mouvantes sera présenté du 4 au 12 juillet. Un deuxième chapitre de cette série est programmé en octobre à la Grande Halle du Parc des Ateliers. La projection aura lieu tous les soirs à 22h30 à partir du 4 juillet. Ce même soir, à partir de 23h00, une série de débats publics sera organisée aux Alyscamps, avec la participation de Hans-Peter Feldmann, de Juergen Teller et de Taryn Simon, assortis d’un diaporama. La Fondation LUMA a également le plaisir de présenter un colloque intitulé « The Human Snapshot », qui réunit de nombreux penseurs de renom pour discuter des effets de l’image photographique, de sa diffusion dans les nouveaux médias et de son impact sur les droits de l’homme. Ce colloque universitaire, produit par le Center for Curatorial Studies at Bard College, dans l’État de New York, est la première d’une série de coproductions entre Bard College et la Fondation LUMA qui pourraient s’inscrire dans la durée. La Fondation LUMA vise à explorer la rencontre entre les arts visuels, les droits de l’homme et l’environnement au sens large. Le programme d’été à Arles de la Fondation LUMA est notre première tentative de matérialisation d’un discours original en cours de gestation à Arles. 22 THE HUMAN SNAPSHOT 2 au 3 juillet 2011 Site des Alyscamps, rue Renaudel, 13200 Arles Conférence à Arles sur les formes les plus récentes d’universalisme véhiculées et réaffirmées par l’art contemporain et la photographie. Cette conférence, organisée par la Fondation LUMA en collaboration avec le Center for Curatorial Studies at Bard College (CCS Bard) en la personne de Thomas Keenan et Tirdad Zolghadr, en collaboration avec Johanna Burton et Tom Eccles, s’appuie à l’origine sur un projet de recherche de Ariella Azoulay. HUMANISME ET UNIVERSALISME Bien qu’il soit courant d’invoquer des principes et des normes régissant les droits de l’homme dans le monde universitaire et politique, les fondements conceptuels apparents de ce discours (l’humanisme et l’universalisme) ont donné lieu à de vives polémiques au cours de ces dernières années. Il se trouve que l’une des principales manifestations de la critique de l’universalisme porte sur le discours critique concernant les arts visuels et l’image photographique, qui constitue un des éléments essentiels de ce que nous pourrions appeler aujourd’hui l’universalité dans toute sa réalité. On peut même dire que ce sont cette critique elle-même ainsi que le discours du contexte local et culturel, qui offrent à l’art contemporain le luxe et l’efficacité d’un programme universaliste sans contrainte. Les hypothèses complexes sur la capacité à transmettre un message universel sont d’ores et déjà appliquées dans le cadre de projets ambitieux de portée internationale et sont donc d’autant plus variables. Une question cruciale s’impose à nous : dans quelle mesure les discours tant de l’art contemporain que des droits de l’homme sont-ils irrévocablement associés à un socle universaliste classique ? Ces deux traditions sont-elles inséparables et, le cas échéant, qu’apporterait une séparation ? Par ailleurs, quel rôle l’image, dans toutes ses manifestations matérielles, continue-telle à jouer au sein de ce système idéologique ? Il s’agit là de quelques-unes des questions qui seront traitées dans une série de conférences et d’ateliers à Arles, en commençant par un débat sur l’exposition légendaire de 1955 « Family of Man », alimenté par une étude récente de Arielle Azoulay, théoricienne des arts visuels. D’autres intervenants parleront des canaux de diffusion des discours et des images de l’universalisme disponibles actuellement, mais également des intérêts de classe en jeu dans une telle diffusion et, pour conclure, de l’impact des nouvelles technologies, de la démocratisation de l’image photographique à la diffusion des images des révolutions en ligne. THE FAMILY OF MAN ET SES CANAUX DE DIFFUSION Cet événement prend l’exposition photographique « The Family of Man » comme point de départ. Organisée par Edward Steichen au Museum of Modern Art de New York en 1955, elle portait sur une sélection d’environ 500 images sur près de 2 millions de photos envoyées, prises par 273 photographes dans près de 70 pays. Parmi les éléments qui donnaient à l’exposition 1955 son caractère unique, son programme universaliste se situait au premier plan. Quels sont les pendants actuels de « The Family of Man » et dans quelle mesure la thématique de fond de 23 l’exposition trouve-t-elle un écho dans les débats actuels sur l’art contemporain et les droits de l’homme ? « The Family of Man » fut l’une des expositions les plus visitées qui soient et son catalogue est toujours parmi les plus diffusés. En outre, l’accueil qui lui a été réservé a été incroyable et polarisé, et elle fut à l’origine d’initiatives pédagogiques et de « contre-expositions » polémiques. Prenant comme point de départ l’exposition d’Edward Steichen, l’événement explore les sites d’art contemporain consacrés aux expositions et à la diffusion des œuvres qui facilitent la circulation des idées, de l’internationalisme du monde artistique au discours sur les droits de l’homme. Quels récits et quels imaginaires se sont révélés les plus faciles à exporter et à importer, quelles nuances particulières de l’idéologie humaniste se développent dans le cadre de ce processus et quels intérêts sont en jeu dans les configurations en question ? L’événement se consacrera également à l’examen des implications historiques des médias concernés dans la définition de l’imagerie étudiée. La culture en ligne et sa prétendue interactivité universelle (YouTube, Facebook, etc.), ont altéré notre relation à l’image, à sa crédibilité potentielle et aux idées d’une culture visuelle mondialisée. THE HUMAN SNAPSHOT : PROGRAMME SAMEDI 2 JUILLET 2011 9h45 Introduction Maja Hoffmann, présidente, Fondation LUMA Tirdad Zolghadr, conseiller d’études en chef et LUMA Foundation Fellow au Center for Curatorial Studies, Bard College 10h00 Discours Ariella Azoulay, professeure invitée Leverhulme, Durham Centre for Advanced Photography Studies The Family of Man, déclaration universelle visuelle des droits de l’homme L’exposition « The Family of Man » a été un événement marquant dans l’histoire de la photographie et des droits de l’homme. Elle a accueilli des millions de spectateurs du monde entier et a fait l’objet d’une critique désormais devenue un incontournable dans les domaines de la culture visuelle et de la théorie critique. Roland Barthes en a été le principal porte-parole. Il a exercé une influence décisive sur l’accueil réservé à l’exposition dans le monde intellectuel et sur les critiques formulées par la suite. Il a formulé des observations conceptuelles précises et pertinentes. Une révision contemporaine de « The Family of Man » devrait débuter par une remise en question de l’observation de M. Barthes et de son rôle en tant que spectateur. Lors de ma conférence, je déclarerai que M. 24 Barthes est passé à côté de ce qui constituait l’essentiel dans les photographies de l’exposition, que ce qu’il prétendait avoir vu était en fait des idées invisibles et que l’idéologie masquée qu’il reprochait à l’exposition d’infuser n’était rien d’autre que ce qu’Edward Steichen avait l’intention explicite de mettre en valeur. Au lieu d’accorder à M. Steichen un rôle d’auteur omnipotent, comme l’a fait M. Barthes, je propose de porter notre attention sur les potentialités de l’exposition et, au lieu de lire les photographies comme des énoncés descriptifs affirmant des principes universels, je propose de les lire comme des énoncés prescriptifs affirmant des droits universels. En bref, je proposerai de reconcevoir l’exposition comme la première déclaration visuelle des droits de l’homme. 10h30 Roger Buergel, conservateur indépendant, conservateur de documenta 12 en 2007. Les conditions d’apparition d’une image Deux expositions légendaires, « Family of Man » (1955) et « documenta » (1955), seront comparées à « Bahia no Ibirapuera », exposition conçue par Lina Bo Bardi et Martim Gonçalves pendant la cinquième Biennale de São Paulo en 1959. Contrairement aux deux expositions occidentales qui, en raison de leurs fondements idéologiques, se devaient d’afficher un universalisme sans ambages dans leur élan poétique, « Bahia no Ibirapuera » (tout comme les autres expositions de Lina Bo Bardi) nous suggérait une façon élégante de sortir de l’impasse d’une position de spectateur indéfinie ou humaniste. En mettant en avant la contingence ou l’aléatoire comme principes d’exposition, Lina Bo Bardi a montré des formes de collaboration sensuelles dans lesquelles les régimes relationnels reposant sur l’individualité (et le savoir) cèdent la place à ce que Leo Bersani appelle « la multiplication de positionnements de l’individu dans l’univers ». 11h00 Répondant Anselm Franke, écrivain et conservateur de House of World Cultures à Berlin. 11h30 Séance de questions-réponses d’une demi-heure avec le public 12h00 Déjeuner 13h00 Alessandro Petti, directeur, Decolonizing Architecture Art Residency, Bethléem Sandi Hilal, directrice, Decolonizing Architecture Art Residency, Bethléem Retour aux biens communs En matière de territoire, le bien commun est un concept différent selon qu’on parle du domaine public ou du domaine privé. Les domaines privés et publics corre25 spondent à des relations institutionnalisées entre les personnes et les choses, régies par l’État, qui garantit la propriété privée et conserve la propriété publique. En Palestine, le concept de domaine public est particulièrement toxique. Avant la colonisation israélienne, une grande diversité de terres collectives existait. Lors de l’occupation du territoire et de l’expulsion des individus, l’État israélien a tout regroupé dans une seule catégorie, le domaine public dont il a pris le contrôle. Le domaine public était réservé au seul public reconnu comme légitime, les Israéliens juifs. Le périmètre du domaine public est ainsi devenu la ligne de démarcation de la colonisation et les terres du domaine public sont souvent transformées en colonies. Cette forme de souveraineté se montre disposée à reconnaître les droits individuels des Palestiniens (dans le meilleur des cas), mais, comme nous le savons tous, la colonisation a sérieusement affecté la propriété privée palestinienne. En quoi le bien commun est-il donc différent ? Il s’agit d’un ensemble de relations entre les personnes et les choses, organisées selon le principe d’égalité, dans lesquelles n’intervient pas nécessairement l’État et au sujet desquelles la situation israélo-palestinienne offre de multiples et rares opportunités de réexaminer les anciennes dichotomies. 13h30 Michel Feher, philosophe, cofondateur et président de l’association Cette Francelà, Paris Une démocratie xénophobe Ce discours traite de l’avènement d’un nouveau régime de démocratie xénophobe dans l’Union européenne. Pour être plus précis, la question se pose de la façon suivante : comment accepter le fait qu’une politique migratoire de plus en plus ouvertement xénophobe constitue le principal objet de consensus parmi les États européens, si l’on considère que l’UE est censée avoir été fondée sur le principe moral du « plus jamais ça » de 1945 et avoir atteint sa maturité politique après la victoire de la démocratie libérale et de ses valeurs universelles en 1989 ? Le but n’est pas d’exposer l’hypocrisie des élites politiques ou de questionner la nature de leur universalisme proclamé, mais de comprendre pourquoi le soi-disant « problème de l’immigration » occupe désormais une place centrale dans leur discours, alors qu’ils se déclarent fidèles aux valeurs humanistes. 14h00 Répondant Eyal Sivan, maître de conférences, production audiovisuelle, School of the Humanities and Social Sciences, University of East London 14h30 Séance de questions-réponses d’une demi-heure avec le public 15h00 Pause café 26 15h30 Marion von Osten, artiste et professeure à l’Académie des Beaux-Arts, Vienne Le style colonial moderne : des pylônes, des avions et des ânes Conférence accompagnée de la projection de cinq images et d’une lecture publique qui pourrait démarrer comme suit : « Depuis la Seconde Guerre mondiale, les photographies aériennes constituent la perspective préférée des urbanistes pour l’arpentage et constituent un exemple saisissant des applications civiles de technologies militaires. Dans « La Découverte Aérienne du Monde » (1948), le sociologue français Paul-Henry Chombart de Lauwe, penseur de premier plan de l’urbanisme d’après-guerre en France, élabore une méthodologie pour « extraire » des informations géospatiales de photographies aériennes. La photographie aérienne a constitué un outil particulièrement important pour l’intervention urbaine dans le cas des villes nouvelles, comme pour le plan directeur de Casablanca, sous la domination coloniale française. » 16h00 Eyal Weizman, directeur du Centre for Research Architecture, Goldsmiths College, University of London La famille des morts L’anthropologie universalisante de l’exposition de 1950 de Edward Steichen pourrait bien être remise en question par les anthropologues médico-légaux. Pour ces scientifiques qui fouillent les charniers, les jungles et les champs de massacres en Espagne, au Guatemala et en Bosnie à la recherche des victimes de crimes d’État, la classification des images des vivants du monde entier est remplacée par celle des morts. L’étude de la morphologie des os et des crânes devient un problème épistémique et historiographique. Les avancées réalisées dans l’étude des crânes, au moyen de calculs algorithmiques, ont également débouché sur une autre technique d’imagerie/interprétation. Les logiciels de reconnaissance des visages qui mettent en relation la morphologie de la boîte crânienne avec des crimes réels ou potentiels entretiennent une étrange relation avec la phrénologie, classification raciale des crânes en fonction des tendances du comportement utilisée au 19ème siècle. Dans les deux cas, l’anthropologie physique pose des questions urgentes de nature esthétique et politique. Au cours de cette conférence, je ferai référence à un travail entrepris par Shumon Basar en compagnie de Jane et Louise Wilson (Face Scripting) et à des travaux de recherche entamés en collaboration avec Tom Keenen et l’équipe du projet Forensic Architecture (Architecture médico-légale). 16h30 Répondant Thomas Keenan, maître de conférences en littérature comparée ; directeur, Human Rights Project, Bard College 27 17h00 Séance de questions-réponses d’une demi-heure avec le public DIMANCHE 3 JUILLET 2011 9h45 Introduction Tom Eccles, directeur exécutif, Center for Curatorial Studies, Bard College Thomas Keenan, maître de conférences en littérature comparée ; directeur, Human Rights Project, Bard College 10h00 Dominique Gonzalez-Foerster, artiste Tropicale Modernité Lors de cette présentation, l’artiste Dominique Gonzalez-Foerster reviendra sur les moments clés de sa carrière sous un angle particulier, l’exploration de la notion de « modernité tropicale » en rapport avec l’architecture, le cinéma et la littérature, en commençant par sa proposition Tropicale Modernité pour le Pavillon Mies van der Rohe à Barcelone. 10h30 Bassam el Baroni, directeur de l’Alexandria Contemporary Arts Forum Questions d’universalité dans les beaux-arts, l’art contemporain et la politique culturelle Cette conférence s’attachera à mettre en exergue les différences entre les universalités particulières des « beaux-arts » et de l’« art contemporain », et la signification d’une universalité fonctionnelle ou non fonctionnelle. Par ailleurs, la discussion se centrera autour de l’universalité en tant qu’espace considérablement brouillé et inédit de contestations entre les différentes pratiques artistiques et les politiques culturelles. L’image la plus répandue concernant la définition de l’art peut être rangée sous l’étiquette « beaux-arts », art caractérisé par l’application ou la manipulation académique d’histoires de l’art canoniques. L’hostilité de l’art contemporain envers les « beaux-arts » vient peut-être du manque de crédit dont il jouit auprès du public, à l’inverse de l’autre. Les « beaux-arts » peuvent être définis comme un art revêtant une universalité non fonctionnelle, une universalité créée par le canon, périmé depuis longtemps mais toujours en vigueur, tandis que l’universalité de l’art contemporain est une universalité fonctionnelle, qui existe de manière purement factuelle. Autrement dit, ce qui définit l’« art contemporain », c’est sa volonté, ou peut-être son besoin, d’être compatible avec une forme dominante et fonctionnelle d’universalité au présent. 11h00 Répondant Katya Sander, artiste 28 11h30 Séance de questions-réponses d’une demi-heure avec le public 12h00 Déjeuner 13h00 Suhail Malik, Chargé de cours en Études critiques à Goldsmiths College, University of London Politique de neutralité La viabilité morale de la mondialisation repose en partie sur trois différents types d’universalismes pratiques qui s’appuient mutuellement : (a) les droits de l’homme, en affirmant une neutralité qui leur accorde une validité commune, (b) l’art contemporain, en construisant des indéterminations particularisées de l’expérience et de l’interprétation et (c) la photographie et ses ramifications, en matérialisant des réalités-image omniprésentes. Leur convergence crée un « second humanisme », accordant ainsi du crédit à la mondialisation sur la base d’affirmations indéfinies sans énoncé de principes : une démocratie génératrice de formalisme comme son quasi-ordre reconnu. Existe-t-il une politique pour cette affirmation puissante/ impuissante de l’équivocation et de la contingence à l’échelle mondiale ? Quel/qui en est le sujet ? 13h30 Georges Didi Huberman, philosophe et historien d’art à l’École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHSS), Paris Parcelles d’humanité Nous proposerons quelques fragments d’une réflexion en cours sur ce qu’on pourrait nommer l’exposition des peuples. En partant du double sens de ce mot exposition, qui dénote l’acte de rendre visible, mais aussi la menace inhérente à cet acte même (être « exposé », c’est être menacé, c’est donc, à la limite, être « exposé à disparaître »), nous évoquerons les conditions de l’apparition des peuples dans les dispositifs théoriques et dans la production des images. 14h00 Répondant Hito Steyerl, artiste et professeure à l’Université des Arts de Berlin 14h30 Séance de questions-réponses d’une demi-heure avec le public 15h00 Pause café 29 15h30 Alex Klein, artiste et conservatrice de programme, ICA Philadelphia, University of Pennsylvania Correspondance humaniste : Family of Man (Man) selon Thomas Hirschhorn Cette conférence aborde la notion de correspondance humaniste, la fameuse lettre utilisée comme instrument de communication avec le public, comme cadre pour réfléchir aux débats actuels à propos de la photographie et de l’universalisme. S’appuyant sur des thèmes de l’humanisme de la Renaissance, des anecdotes personnelles et les critiques de l’exposition « The Family of Man » de Edward Steichen, la discussion s’attardera sur un échange entre Thomas Hirschhorn et Thierry de Duve pour questionner les limites de la représentation photographique dans la pratique de l’art. 16h00 Hal Foster, professeur d’art et d’archéologie, Townsend Martin ‘17, Princeton University Vers une grammaire de l’urgence Lors de cette discussion, je m’intéresse à l’œuvre de Thomas Hirschhorn, qui représente la Suisse à la Biennale de Venise cette année. J’en extrais quatre concepts dont la pertinence s’étend bien au-delà de l’œuvre : le précaire, le bête, la dépense et l’urgence. 16h30 Répondant Denis Hollier, réalisateur, auteur, producteur et professeur d’arts audiovisuels à l’Université des Arts de Berlin 17h00 Séance de questions-réponses d’une demi-heure avec le public THE LIBRARY IS ON FIRE Parallèlement au colloque « The Human Snapshot », Charles Arsène-Henry, sur invitation de Maja Hoffmann et de la Fondation LUMA, organise une salle de lecture constituée d’une sorte de bibliographie en trois dimensions, complétée par un livret présentant toutes les références. Ainsi, le public pourra découvrir, sur un site proche et sous différents formats, la toile de fond intellectuelle et affective du colloque, entre, avant et après les différents débats. The Library is on Fire constitue la première étape de la bibliothèque de la Fondation LUMA. Cette bibliothèque, qui fera partie de la future institution LUMA à Arles, est encore en cours de planification. C’est pourquoi, il ne s’agit pour le moment que d’un site temporaire, qui permet de réfléchir à la nature contemporaine 30 de l’accès au contenu et de sa production. Elle ouvrira cet automne à Londres et servira d’antichambre et de laboratoire à la future bibliothèque LUMA. La bibliothèque comporte quatre pièces : Un salon de lecture, dans lequel différentes conceptions de bibliothèques seront testées. Une salle d’impression, où une série de publications sera produite. Une salle de projection, où des images de tous types seront programmées. Une salle vide, principalement utilisée comme lieu d’expérimentation du format de lecture. The Library is on Fire commencera également à acquérir des livres qui formeront partie de la collection de la bibliothèque LUMA. Cette collection sera étoffée en fonction des demandes, parallèlement aux autres départements de l’institution et génèrera son propre moteur de recherche. BIOGRAPHIES DES PARTICIPANTS ET DES ORGANISATEURS Charles Arsène-Henry est un éditeur et un écrivain qui vit à Londres. En 2009, il a créé l’agence de pensée White Box Black Box, dont le premier projet est une série de Capsules du savoir, sous forme imprimée et numérique, destinées à des personnes ou institutions spécifiques. Les thèmes passés et présents de son travail sont notamment Images du cerveau, Texture de rêves, Structure de la nuit et Infinité. Ariella Azoulay Herméneutique et études culturelles, Bar Ilan University Directrice de Photo-Lexic, groupe de recherche internationale, Minerva Center, Tel Aviv University Professeure invitée Gladstein 2010, Human Rights Center, University of Connecticut Professeure de recherche Leverhulme 2011, Durham University. Bassam el Baroni est conservateur et critique d’art à Alexandrie, en Égypte. Il est cofondateur et directeur de l’espace artistique à but non lucratif Forum des arts contemporains d’Alexandrie et était co-commissaire de Manifesta 8, en 2010 à Murcie, en Espagne. Ses expositions et ses participations récentes comprennent un projet d’archivage collaboratif en cours, « The Arpanet Dialogues » (Les dialogues d’Arpanet), démarré en 2010 avec Jeremy Beaudry et Nav Haq, « Trapped in Amber: Angst for a Re-enacted Decade », pour laquelle il était cocommissaire avec Helga-Marie Nordby à l’UKS d’Oslo, en Norvège en 2009, et « Cleotronica 08 », festival d’arts audiovisuels international à Alexandrie, en 2008. Depuis 2009, M. el Baroni a élaboré et présenté une série de conférences dramatisées adaptées au contexte intitulées FOXP2, qui combinent des notions de 31 préhistoire, de généalogie, d’économie et de critique d’art pour créer des épisodes d’universalismes possibles. Roger M. Buergel a étudié à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne et à l’Université de Vienne. Il a organisé plusieurs expositions, souvent en collaboration avec Ruth Noack, telles que « Things we don’t understand » (Les choses que nous ne comprenons pas) (2000, Fondation Generali, Vienne), réévaluation de l’autonomie esthétique, ou « The Government » (Le gouvernement) (2003-05, MACBA Barcelone, MAC Miami, Sécession viennoise et Witte de With, Rotterdam), exploration des gouvernementalités contemporaines dans les sociétés occidentales. M. Buergel a été directeur artistique de documenta 12 (2007), puis a enseigné l’histoire de l’art à l’Académie des arts de Karlsruhe tout en organisant une rétrospective de l’œuvre d’Ai Weiwei en 2010 (« Barely Something » (À peine quelque chose), au musée DKM de Duisburg). Il travaille actuellement sur un Musée des routes mondiales du commerce, dont l’ouverture est prévue à Zurich au printemps 2013. Johanna Burton, nommée directrice du programme de second cycle de CCS Bard en juillet 2010, historienne et critique d’art vivant à New York, est l’auteur de multiples écrits sur l’art d’après-guerre et l’art contemporain pour de nombreuses publications, notamment Artforum, Parkett et Texte zur Kunst. Elle est éditrice de Cindy Sherman (2006), collection d’essais critiques sur l’artiste pour la série October Files de MIT Press. Ses autres écrits récents incluent des textes sur la revue d’art destinée à un public exclusivement féminin Eau de Cologne (publiée in Witness to Her Art ; éditeurs : Rhea Anastas et Michael Brenson, Center for Curatorial Studies, 2006) et Lee Lozano (à l’occasion de l’inclusion de cette artiste dans une exposition dont l’organisateur était Helen Molesworth au Wexner Center de Columbus, Ohio, au printemps 2008). Elle a écrit des essais de catalogue pour de récentes expositions explorant la carrière de Dara Birnbaum, Mel Bochner et Mary Heilmann. Elle a été directrice associée et membre aînée de la faculté au Whitney Independent Study Program à New York de juin 2008 à juillet 2010. Georges Didi-Huberman. Depuis 1990, Georges Didi-Huberman est maître de conférences au Centre d’histoire et de théorie des arts, rattaché à l’École des hautes études en sciences sociales (EHSS) à Paris. Dans ses nombreuses publications, Didi-Huberman remet en question les méthodologies de l’histoire de l’art et les ouvre à une théorie et une philosophie de l’image comportant des interrogations psychologiques rigoureuses en rapport avec l’art et le regard. Il a également enseigné à la Johns Hopkins University, à la Northwestern University, à l’University of California à Berkeley, à l’Université de Tokyo, à la Freie Universität de Berlin et au Courtauld Institute de Londres, et a été conservateur de plusieurs expositions, notamment « L’Empreinte » au Centre Georges Pompidou, à Paris en 1997. En 1997, Didi-Huberman a reçu le Hans-Reimer-Preis de la Fondation Aby Warburg (Hambourg) et, en 2007, le Prix Humboldt de la recherche. 32 Tom Eccles est directeur exécutif du Center for Curatorial Studies, Bard College et ancien directeur du Public Art Fund de New York (1997–2005). Depuis qu’il a rejoint le CCS Bard en 2005, il a supervisé la construction du Hessel Museum of Art, qui a ouvert ses portes en novembre 2006, il a été co-commissaire de l’exposition inaugurale de la collection Marieluise Hessel, « Wrestle » (Lutte) et il a organisé des expositions avec Martin Creed, (2007), Keith Edmier (2008), Rachel Harrison (2009) et Josiah McElheny (2011). En 2005, il a organisé la version américaine de « Uncertain Sates of America » (Incertains États d’Amérique) au CCS Bard. Il a également été conservateur de l’exposition permanente The parliament of reality (Le parlement de la réalité) d’Olafur Eliasson dans les installations du Bard College (2009). De même, en 2009, il fut conservateur de l’exposition « anthropodino » d’Ernesto Neto à Park Avenue Armory et de « As Long As It Lasts » (Tant que ça dure), exposition collective à la Marian Goodman Gallery (toutes deux à New York). Michel Feher, philosophe, est éditeur fondateur de Zone Books, dans l’État de New York, et président de Cette France-là, à Paris. Il est l’auteur de Powerless by Design: The Age of the International Community (2000) et co-éditeur de Nongovernmental Politics (2007), avec Gaëlle Krikorian et Yates McKee. Il a tout récemment co-écrit et édité Cette France-là 1, 06-05-2007/30-06-2008 et Cette France-là 2, 01-07-2008/30-06-2009. Hal Foster, titulaire de la chaire Townsend Martin 1917 et professeur d’art et d’archéologie, est arrivé à Princeton en 1997. Il dispense des cours et des séminaires sur la théorie, l’art moderne et contemporain ; il dirige également le groupe de travail des étudiants de troisième cycle en méthodologie. Foster est membre associé de la School of Architecture et du Department of German ; il travaille également sur les programmes d’études concernant les médias, la modernité et les cultures européennes. Ses récents ouvrages sont Art Since 1900 (2005), un manuel scolaire sur l’art du XXè siècle (comme co-auteur), Prosthetic Gods (2004) concernant la relation entre le modernisme et la psychanalyse et Design and Crime (2002) sur les problèmes de l’art contemporain, de l’architecture et du design. Son livre, Figment: Painting and Subjectivity est attendu pour 2011 et sera suivi de Image Building: Essays on the Art-Architecture Rapport. Il travaille actuellement sur une théorie du modernisme comme moyen de « survivre à la culture, s’il le faut » (« to outlive culture, if need be », selon les mots de Walter Benjamin). Membre de l’American Academy of Arts and Sciences, Foster continue d’écrire régulièrement pour October (qu’il coédite), Artforum et the London Review of Books. Anselm Franke est conservateur et critique à Berlin et à Bruxelles. Jusqu’à la fin de l’année 2010, il était directeur d’Extra City - Kunsthal à Anvers, dans le cadre duquel il a organisé des expositions comme « No Matter How Bright the Light, the Crossing Occurs At Night » (2007), « Mimetism » (2008) et « Sergei Eisenstein : The Mexican Drawings » (« Sergei Eisenstein : les dessins mexicains ») (2009). En 2008, il a été coconservateur de Manifesta 7 à Trente, en Italie et de la première Biennale de Bruxelles. « Animism », son projet à long terme, a démarré à 33 Anvers (à l’Extra City et au MuHKA d’Anvers) et à la Kunsthalle de Bern en 2010 : il sera présenté dans différentes versions à la Generali Foundation de Vienne (septembre 2011) et à la Haus der Kulturen der Welt à Berlin (mars 2012). Depuis 2011, Anselm Franke est chargé du programme théorique au Higher Institute for Fine Arts (HISK) de Gand et enseigne, entre autres, à la HfG Karlsruhe. Il termine actuellement son doctorat au Center for Research Architecture/Visual Cultures du collège Goldsmiths, à l’université de Londres. Dominique Gonzalez-Foerster est une artiste française travaillant avec vidéo et installations. Elle a été lauréate du prix Marcel Duchamp en 2002. Elle vit et travaille à Paris et à Rio de Janeiro. L’œuvre de Gonzalez-Foerster a d’abord été exposée en Grande-Bretagne lors de l’exposition collective « Exhibit A » de 1992, qui s’est déroulée à la Serpentine Gallery de Londres. En 1994, elle a participé à l’exposition collective « The Winter of Love » au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris et à « Traffic » (en mars 1996, au CAPC) dont le conservateur était Nicolas Bourriaud. En 2006, son œuvre a été exposée à la Biennale de São Paulo et, en 2008, elle a produit une installation pour le Turbine hall de la Tate Modern appelée TH.2058 — le titre étant un acronyme de « Turbine Hall [de l’an] 2058 », c’est-à-dire 50 ans dans le futur. Le 14 avril 2011, Gonzalez-Foerster a réalisé une représentation de grande envergure, au musée Guggenheim de New York, intitulée 2011.T.1912. Denis Hollier est professeur de littérature française à l’université de New York. Il a publié Against Architecture: The Writings of Georges Bataille (October, The MIT Press), The Politics of Prose: Essays on Jean-Paul Sartre (University of Minnesota Press) et Absent without Leave: French Literature in Front of Threat of War (Harvard University Press). Sandi Hilal est architecte à Bethléem. Elle exerce en tant que consultante à l’UNRWA dans le cadre du programme d’amélioration des camps et en tant que professeure invitée à l’ Al-Quds/Bard University d’Abu Dis-Jérusalem. Elle est membre fondatrice de la DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency. En 2006, elle a obtenu le titre de Docteur en recherche en politiques transfrontalières pour la vie quotidienne, à l’université de Trieste. Elle a coécrit différents projets de recherche publiés et diffusés sur le plan international : « Stateless Nation » en collaboration avec Alessandro Petti et « Border devices » avec le collectif Multiplicity. Ses publications comprennent Senza Stato una Nazione (Marsilio, Venise 2003), « Living Among the Dead » (Domus 880, avril 2005), « Road Map » (Equilibri, août 2004), La Stanza dei Sogni (Liguori Editore, 2004) et « Stateless Nation » (Archis, aperçu n° 4, 2003). Ses projets ont été publiés dans des journaux et des magazines nationaux et internationaux comme the New York Times, The Guardian, Il Manifesto, Al Ayyam, Al-Quds, Artforum et Archis. 34 Thomas Keenan enseigne les droits de l’homme, la littérature et la théorie sur les médias au Bard College, dans lequel il est professeur invité de littérature comparée et Directeur du Human Rights Project. Il est l’auteur de Fables of Responsibility: Aberrations and Predicaments in Ethics and Politics (Stanford University Press, 1997) et a coédité The End(s) of the Museum (Barcelona, 1996), New Media, Old Media (Routledge, 2005), ainsi que Thinking in Dark Times (Fordham University Press, 2009). Son prochain ouvrage, qui traitera des médias, des conflits et des droits de l’homme, est intitulé Live Feed: Crisis, Intervention, Media. Il exerce au sein des comités éditoriaux du Soros Documentary Fund, du Journal of Human Rights, the Crimes of War Project, and Scholars at Risk et a participé au groupe de réflexion de WITNESS. Alex Klein est une artiste travaillant entre Los Angeles et Philadelphie, où elle a été récemment nommée conservatrice de programme à l’ICA Philadelphia, de l’université de Pennsylvanie. Cofondatrice d’Oslo Editions qui ont organisé et publié la série de conférences CONTRA MUNDUM I-VII (en 2010), elle a édité en 2009 un ouvrage fondamental sur la photographie, Words Without Pictures (LACMA / Aperture, 2010). Elle a été conférencière invitée à la USC Roski School of Fine Arts, UCLA et à l’Otis College of Art and Design et a assumé des fonctions au Los Angeles County Museum of Art et au Metropolitan Museum of Art de New York. Elle détient une maîtrise en beaux-arts obtenue à l’UCLA et une maîtrise en histoire de l’art du Courtauld Institute of Art de Londres. Suhail Malik est maître de conférences aux Critical Studies à Goldsmiths, à Londres. Dans ses récents ouvrages figurent « Why Art? The Primacy of Audience », Global Art Forum, Dubai (2011); « The Wrong of Contemporary Art: Aesthetics and Political Indeterminacy » (en collaboration avec Andrea Phillips) dans Reading Rancière (2011), « Screw (Down) The Debt: Neoliberalism and the Politics of Austerity » dans Mute (2010), « You Are Here » pour Manifesta 8 (2010), « Civil Society Must Be, Like, Totally Destroyed » dans Sanity Assassin (2010) et « Abu Ghraib and the Onto-Politics of the Spectacle » dans Episode (2008). Marion von Osten est artiste, auteure et conservatrice. Le principal intérêt de ces projets réside dans les conditions modifiées de la production de l’œuvre culturelle dans les sociétés postcoloniales, les technologies du soi et la gouvernance de la mobilité. Elle exerce depuis 2006 le poste de professeur à l’Academy of Fine Arts de Vienne. De 1999 à 2006, elle a été professeure de pratique artistique à la HGK de Zurich, chercheuse à l’Institute for the Theory of Art and Design et à l’Institute for Cultural and Gender Studies à la HGK de Zurich, ainsi que conférencière au programme d’Études critiques à la Malmö Art Academy. De 1996 à 1998, elle a été conservatrice à la Shedhalle de Zurich. Elle a entre autres publié Das Erziehungsbild. Zur visuellen Kultur des Pädagogischen (édité avec Tom Holert, Vienne, 2010), Colonial Modern. Aesthetics of the Past. Rebellions for the Future (édité avec Tom Avermaete et Serhat Karakayali, Londres 2010), Projekt Migration (édité avec Aytac Erylmaz, Martin Rapp, Regina Römhild et Kathrin Rhomberg, à 35 Cologne en 2005), Norm der Abweichung, T:G 04 (Zurich/Vienne, en 2003), MoneyNations (édité avec Peter Spillmann, Vienne en 2003) et Das Phantom sucht seinen Mörder. Ein Reader zur Kulturalisierung der Ökonomie (édité avec Justin Hoffmann, Berlin, 1999). Alessandro Petti est architecte, urbaniste et chercheur à Bethléem. Il enseigne à l’Honors College Al-Quds/Bard University d’Abu Dis-Jérusalem, il est directeur du bureau de recherches de la DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency. En collaboration avec Sandi Hilal et Eyal Weyzman, il participe au projet de recherche sur l’architecture de décolonisation, qui explore les possibilités et les problèmes associés à la réutilisation, à la récupération et à la subversion des structures coloniales. En 2010, ils ont remporté le prix Claus Prize d’architecture et ont été présélectionnés pour le prix Chrnikov Prize. En 2006, il a obtenu le titre de Docteur en recherche en urbanisme à l’université IUAV de Venise, sous la supervision du professeur Giorgio Agamben. Petti a pris pour sujet l’ordre spatial émergent fondé sur le le paradigme de la sécurité et du contrôle, dans son ouvrage Arcipelaghi e enclave (Archipels et enclaves, Bruno Mondadori, Milan, 2007). Il a organisé différents projets de recherche sur la condition urbaine contemporaine comme « Border devices » (de 2002 à 2007) avec le collectif Multiplicity et « Stateless Nation » (de 2002 à 2007) en collaboration avec Sandi Hilal. De plus amples informations sont disponibles sur www.statelessnation.org. Ses publications récentes sont : « Return to Nature » dans Ecological Urbanism (Lars Muller Publishers, 2010), « Asymmetries » dans State of Exception and Resistance in the Arab World (Arab Unity Studies 2010), « Future Archaeology » (Afterall, février 2009), « Dubai Offshore Urbanism » dans Heterotopia and the City (Routledge, 2008) et « Temporary Zones. Alternative Spaces or Territories of Social-spatial Control? » dans Post-it City (CCCB 2008). Katya Sander est une artiste conceptuelle, qui se consacre notamment à l’architecture, aux interventions, aux écrits et aux films qui explorent l’influence de l’imaginaire sur les enjeux politiques, le quotidien et le langage. Pour Sander, l’imaginaire ne se compose pas uniquement d’idées subjectives mais comporte également des articulations et des projections collectives communes de ce qui est possible et de ce qui peut être imaginé. L’architecture et le langage, ainsi que leur rôle dans la production de signifiance et de sociabilité jouent ainsi un rôle central. Fréquemment, au moyen de notion ou d’images spécifiques, Sander examine la manière dont les imaginations sociales sont construites et en quoi elles influencent nos actions et nos réflexions. En particulier, l’élaboration de l’interaction avec le spectateur et la consommation — et ainsi les enjeux du regard, du désir, du discours et de la projection — dans la société contemporaine intéressent Sander. La méthode de Sander associe les informations factuelles aux actions réelles, positionnées à des niveaux divers de scènes ou de décors, aussi bien que le contraire : des actions ou des interventions réalisées dans le cadre des espaces, des activités et des fonctions du quotidien — des espaces rarement réservés à l’art. Sander étudie alors les relations entre le narratif et le réel, posant la question de la manière dont la subjectivité politique prend naissance. 36 Eyal Sivan est né en 1964 à Haïfa, en Israël, et a grandi à Jérusalem. Actuellement maître de conférences (professeur agrégé) dans la production de médias, Sivan codirige le programme de maîtrise en film, vidéo et nouveaux médias à la School of Humanities and Social Sciences, à l’université d’East London (UEL). Après avoir exercé en tant que photographe professionnel à Tel-Aviv, Sivan a quitté Israël en 1985 et s’est installé à Paris. Depuis lors, il partage son temps entre l’Europe et Israël. Connu pour ses films controversés, Sivan a dirigé plus de 10 documentaires politiques, auxquels ont été décernés des prix du monde entier, et en a produit beaucoup d’autres. Son abondante œuvre cinématographique a été présentée et récompensée par plusieurs prix dans de prestigieux festivals. Outre la distribution dans les salles et les diffusions télévisées à l’échelle planétaire, les films de Sivan sont régulièrement projetés à l’occasion de grandes expositions dans le monde entier. Il publie et donne des conférences sur le conflit israélopalestinien, la réalisation de films documentaires, l’éthique, les crimes politiques et leurs représentations, l’utilisation politique de la mémoire, le génocide et sa représentation, et ainsi de suite. Sivan est le fondateur et le directeur artistique de la société parisienne de production de films documentaires momento! et de l’agence de distribution de films Scalpel. Il est le fondateur et le rédacteur en chef de South Cinema Notebooks — un journal de cinéma et de critiques politiques éditées par le Sapir Academic College d’Israël, où il donne régulièrement des conférences. Il est membre du comité éditorial de la maison d’édition parisienne La Fabrique, ainsi que du journal d’études sociopolitiques français De l’Autre Côté. Hito Steyerl vit et travaille à Berlin en tant que cinéaste documentaire et auteur. Outre la philosophie, elle a étudié la cinématographie et la réalisation de films documentaires à l’Academy of Visual Arts de Tokyo et à l’Academy of Television and Film de Munich. Elle a publié des essais concernant les questions de la mondialisation, de l’urbanisme, du racisme et du nationalisme (culturels). Dans le cadre de ses recherches, elle s’intéresse aussi à la théorie politique, au féminisme mondial et à la migration. Son dernier ouvrage s’intitule Die Farbe der Wahreit (La couleur de la vérité), 2006. Eyal Weizman est architecte, directeur du Centre for Research Architecture de Goldsmiths, à l’université de Londres et du projet de recherche financé par l’ERC sur l’architecture judiciaire. Depuis 2007, il est membre fondateur du collectif architectural DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency de Beit Sahour, en Palestine. Weizman enseigne, donne des conférences, exerce en tant que conservateur et organise des congrès dans de nombreuses institutions du monde entier. Parmi ses ouvrages figurent The Least of all Possible Evils (Nottetempo 2009, Verso 2011), Hollow Land (Verso, 2007), A Civilian Occupation (Verso, 2003), la série Territories 1, 2 et 3, Yellow Rhythms, et de nombreux articles dans des journaux, des magazines, et des livres publiés. Weizman est un intervenant régulier et membre du comité éditorial de plusieurs journaux et magazines, parmi lesquels Humanity, Cabinet et Inflexions. Il a travaillé avec nombre d’O.N.G. du monde entier et a fait partie du conseil d’administration de B’Tselem’s. Weizman a reçu le prix James Stirling Memorial Lecture en 2006 et en 2007, a été colauréat du 37 prix Prince Claus d’architecture (pour la DAAR) 2010 et a, entre autres, été invité à prononcer les discours commémoratifs en hommage à Paul Hirst et à Edward Said. Il a étudié l’architecture à l’Architectural Association de Londres et a obtenu son doctorat au London Consortium/Birkbeck College. Tirdad Zolghadr est conseiller d’études en chef et LUMA Foundation Fellow au Center for Curatorial Studies au Bard College. Sont à mettre à l’actif de son travail de conservateurla Biennale 2010 de Taipei en collaboration avec Hongjohn Lin, le pavillon de l’UAE, la Biennale 2009 de Venise, « Lapdogs of the Bourgeoisie » avec Nav Haq et la Biennale 2005 de Sharjah en compagnie de Jack Persekian et Ken Lum. Il écrit pour le magazine frieze, est l’auteur de Solution 168-185 et éditeur de Necessities (parus tous deux chez Sternberg Press, 2010). Son roman Softcore a été publié en 2007 (Telegram Books, traduit en allemand et en italien), le second roman sur lequel il travaille s’intitule Top Ten. Zolghadr est conseiller en conservation pour l’Artist Pension Trust et envoyé spécial du magazine Cabinet. Le Center for Curatorial Studies de Bard College (CCS Bard) Le Center for Curatorial Studies de Bard College (CCS Bard) est un centre d’exposition, d’enseignement et de recherche dédié à l’étude de l’art et aux pratiques de conservation depuis les années 60 jusqu’à ce jour. En plus des CCS Bard Galleries et du Hessel Museum of Art, le centre héberge la Marieluise Hessel Collection, ainsi qu’une bibliothèque étendue et des archives accessibles au public. Le programme d’études de Maîtrise en curatoriat sur deux ans, proposé par le Centre, est spécifiquement destiné à approfondir la compréhension des étudiants relative aux tâches intellectuelles et aux pratiques curatoriales en matière d’art contemporain. Des expositions sont présentées tout au long de l’année dans les CCS Bard Galleries et au Hessel Museum of Art, offrant aux étudiants l’opportunité de travailler avec des artistes et des conservateurs de renommée mondiale. Le programme d’exposition et la Hessel Collection servent également de base pour une large gamme d’activités et de programmes publics explorant l’art et son rôle dans la société contemporaine. Pour de plus amples informations, composez le +1-845-758-7598, faites parvenir un courrier électronique à l’adresse [email protected] ou rendez-vous sur www.bard. edu/ccs. 38 PRIX LUMA 2011 Remise du prix le 4 juillet à partir de 23h30. Entrée des Alyscamps, avenue des Alyscamps La première édition du prix LUMA s’est déroulée sous la forme d’une exposition présentant 15 artistes, mettant tous la photographie au centre de leur pratique. Elle a été présentée au Festival de la photographie lors des Rencontres d’Arles 2010. La gagnante du prix 2010, Trisha Donnelly (sélectionnée par Peter Fischli et David Weiss) choisira le lauréat du prix LUMA 2011. Les artistes nominés pour la récompense cette année, présentés dans un livret distribué gratuitement, s’intéressent à la recherche, les archives et à tout ce qui est, de manière générale, désormais connu sous le nom de « production du savoir ». Plutôt que de considérer l’art en tant qu’activité isolée, ils ont en commun la conviction du rôle central joué par l’art et l’image dans une compréhension de notre temps. Les nominés pour le prix LUMA 2011 sont : Shadi Habib Allah, Uri Aran, Kenneth Anger, Desire Machine Collective, Sharon Hayes, Aaron Flint Jamison, Helen Marten, Raya Martin, Jonas Mekas, Christodoulos Panayiotou, Trevor Paglen, James Richards, Albert Serra, Rania Stephan et Erik Wysocan Proposés par Tom Eccles, Liam Gillick, Hans Ulrich Obrist, Philippe Parreno et Beatrix Ruf. Présentés dans une publication spéciale de Mousse. 39 EXPOSITIONS ET DÉBATS OUVERTURE LE 4 JUILLET 2011 TRISHA DONNELLY DU 4 JUILLET AU 29 AOÛT, À L’ÉGLISE SAINT-HONORAT DES ALYSCAMPS Trisha Donnelly appartient à une génération d’artistes qui ont atteint leur maturité professionnelle au cours de ces dix dernières années et dont la pratique semble enracinée dans l’incommunicabilité et dans l’opacité. Prenant souvent la forme de recueils d’objets sur différents supports, depuis les assemblages de sculptures jusqu’aux dessins et aux photographies, les expositions de Donnelly taquinent le spectateur avec leurs suggestions de sens, tandis que l’orientation à l’intérieur de ces espaces, rarement explicite, s’avère féconde en possibilités. Conservateurs : Hans Ulrich Obrist et Beatrix Ruf DIFFÉRENTS EXTRAITS VIDÉO DU MONDE DU GEORGE KUCHAR Du 4 au 12 juillet 2011, à l’Hôtel du Cloître Tous les jours de 11h00 à 18h00. Environ 7h10 de cycle de projection intégrale Trisha Donnelly présentera une sélection des œuvres du cinéaste américain George Kuchar, qui a appartenu à l’univers underground du New York de Andy Warhol, à l’Hôtel du Cloître. Georges Kuchar a dirigé environ 200 films vidéo (dont plus de 15 avec son frère jumeau Mike Kuchar), dont bon nombre sont des court-métrages d’étudiants de ses cours au San Francisco Art Institute. Son œuvre a été archivée dans une banque de données vidéo à l’adresse (http://www.vdb.org/artists/george-kuchar). Dans la liste des 100 meilleurs films du XXe siècle du Critics Poll, initialement parue dans le numéro du 4 janvier 2000 du Village Voice, Hold Me While I’m Naked était classé 52ème. DOUG AITKEN, ARLES : UNE VILLE D’IMAGES MOUVANTES DU 4 AU 12 JUILLET, PLACE DE LA RÉPUBLIQUE, La projection quotidienne commence à 22h30. Le premier chapitre de l’installation de Doug Aitken, Arles : Une ville d’images mouvantes, sera présenté place de la République, la place principale d’Arles. Cette installation multimédia est composée d’images filmées à Arles et en Camargue, projetées sur un écran spécial visible des deux côtés. Un second chapitre de cette installation est programmé pour octobre 2011 à la Grande halle du Parc des ateliers. « La pièce en soi est une pièce unique qui ne sera jamais reproduite ni déménagée hors de ce cadre. Ce qui est primordial, pour moi, est que celle-ci soit créée à partir de l’ADN de ce lieu mais qu’elle reste à jamais en lui. Elle est presque 40 sise au beau milieu de cette prodigieuse grille invisible, que nous avons créée afin de réaliser l’œuvre, et elle représente le gisement de toutes les anomalies et de toutes les divisions du cadre s’assemblant pour ne plus créer qu’un paysage imaginaire — presque holographique. » Doug Aitken DEBATS ET VISIONNAGES PUBLICS DU SOIR 4 juillet, à partir de 23h30 Entrée du site des Alyscamps, avenue des Alyscamps Simon Baker, conservateur en photographie et art international au Tate Modern, et Taryn Simon, artiste. Hans Ulrich Obrist, codirecteur des expositions et programmes, et directeur des projets internationaux à la Serpentine Gallery, et Hans-Peter Feldmann, artiste. Beatrix Ruf, directrice et conservatrice de la Kunsthalle de Zurich et Juergen Teller, photographe. INFORMATIONS PRATIQUES Pour obtenir des indications sur les modalités d’accès au site et des détails sur les événements organisés par la Fondation LUMA au cours de l’été 2011, ainsi que pour effectuer des réservations pour le colloque et les conférences publiques, veuillez vous rendre au bureau de la Fondation LUMA à l’Hôtel du Cloître, 13200 Arles, ou composer le +33(0)4.90.96.54.07. (Le bureau sera ouvert du 27 juin au 16 juillet). De plus amples informations sont disponibles sur www.bard.edu/ccs Pour les demandes émanant de la presse, veuillez contacter Brunswick Arts : Maria Finders, à l’adresse [email protected] ou Mustapha Bouhayati, à l’adresse [email protected] 41 Notes Notes
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