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05.02 - Gustav KLIMT
Biographie du peintre
Analyse de tableau « Le Baiser »
Gustav KLIMT (1862-1918)
Peintre et graphiste autrichien, c’est le principal représentant de l’Art Nouveau ou
Jugendstil.
Né à Baumgarten (près de Vienne), il est le fils aîné d’un orfèvre ciseleur. Pendant
que sa mère poursuit une carrière lyrique, il entre à l’école des Arts Appliqué de
Vienne où il devient l’élève de Ferdinand Laufberger, maître et chef de file du
style décoratif viennois. Tout comme lui, l'un de ses frères devient peintre.
Ses premières œuvres sont d’influences néo-classiques dans une forme assez
académique. Il s’inspire surtout de Hans Makart.
En 1883 il ouvre avec son frère Ernst et le peintre Franz Matsch un atelier de
décoration murale. Il y réalise des fresques et des rideaux de théâtres au goût très
marqué pour le détail naturaliste. Il réalise aussi des fresques théâtrales. Klimt
gardera toute sa vie ce goût pour les oeuvres de grandes tailles, presque
monumentales. Après le décès de son frère et de son père, il plonge dans une
crise profonde, alors même que son travail connaît un grand succès et que la
reconnaissance est au rendez vous avec de nombreuses récompenses.
Mais Klimt demeure insatisfait, trouvant que son art demeure trop proche d'une expression stylisée, qu'il
considère comme surfaite, héritée d'un temps qui n'est plus ou qui ne sera plus…
A partir de 1897, il entre dans une période extraordinairement créatrice qui le verra réaliser plus de 4000
dessins en moins de cinq ans. Ses thèmes sont alors l'érotisme, l'amour et la représentation du corps
humain dans toute sa fragilité. Il s’éloigne peu à peu de la tradition académique et fonde en 1887 la
Sécession viennoise avec, entre autre, les peintres Joseph Maria Olbrich et Joseph Hoffmann.
Cette même année 1897, il rencontre Emilie Flöge, qui demeurera sa compagne jusqu'à la fin de sa vie et
dont il ne réalise que deux portraits.
Il peint en 1898 le célèbre tableau Pallas Athénée qui marque en quelque sorte cette émancipation de
Gustav Klimt par rapport à l'art officiel. Sous un mode ironique, il détourne la représentation traditionnelle
du sujet en montrant sous le visage de la déesse aux traits d'une femme fatale, une gorgone qui tire la
langue. Cette toile fût l'objet de l'affiche de la première exposition de la "Sécession" en 1898.
A l'aube du XXe siècle, il commence à exposer partout en Europe et à y trouver une reconnaissance que
l'Autriche ne lui accorde plus. Les œuvres sont orientées contre l’historicisme et l’art officiel. La
Sécession prône une renaissance des arts contre l'ordre moral.
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Peintres, peintures et analyses
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Gustav Klimt
Les tableaux de cette période sont symbolistes et souvent fortement teintés d’érotisme. Ils sont mal
accueillis par la critique. Le cycle symbolique du plafond de l'université de Vienne, La Philosophie, La
Médecine et La Jurisprudence (1903), toiles détruites en 1945, provoquent une polémique par la crudité de
leur érotisme et l’asymétrie de leur composition.
Ces années 1902-1903 constituent un tournant dans l'oeuvre de Klimt et une période d'intense créativité.
Il entame la réalisation de son Cycle d'Or avec les Serpents d'Eau, le Portrait d'Adèle Bloch-Bauer, et
Danaé.
Les corps sont raffinés et maniérés, ils forment un contraste singulier avec les motifs précieux et
scintillants en mosaïque qui couvrent la toile et dont ils semblent surgir.
L’influence de Puvis de Chavannes et de Fernand Khnopff est visible dans les lignes courbes
ornementées ainsi que pour le choix des sujets d’un érotisme subtil souvent décadents. (L’Espoir (1903),
Judith Avec La Tête d’Holopherne (1901), Salomé et Jeune Fille).
En 1905 Klimt quitte la Sécession viennoise. Il devient très vite le portraitiste préféré des riches élégantes
viennoises . Ces toiles sont composées de mosaïques translucides sur des fonds sinueux. Les modèles
sont légèrement stylisés et presque impersonnels, ils forment avec le fond ornemental des compositions
surprenantes et très originales.
En 1904, un riche banquier Belge Adolphe Stoclet lui commande la réalisation des mosaïques murales de
la salle à manger d'un luxueux palais qu'il construit à Bruxelles sur les plans de l'architecte Hoffmann.
La richesse décorative de Gustav Klimt éclate dans L'Attente et dans L'Accomplissement qu'il réalise
pour Adolphe Stoclet.
Comme dans Le Baiser, (1907-1908) l'emploi d'une accumulation de petits motifs décoratifs stylisés et
l'illustration de thèmes d'inspiration érotique sont deux caractéristiques de l'art de Gustav Klimt.
Privilégiant l'utilisation de matières précieuses, l'artiste enveloppe dans un voile d'or les figures de ces
deux amants qui se détachent sur un fond plus sombre et dépouillé.
Klimt peint aussi des paysages d’une manière unique unissant le symbolisme et l’impressionnisme.
Les objets représentés se fondent dans une structure plane proche de l’abstraction mais qui demeure
décorative et ornementale. L’atmosphère est rendue par des éclairages très subtils. Pré Avec Coquelicots
(1907), Le Château de Kammer sur l’Attersée (1910), Parc (1910).
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Gustav Klimt
En 1910, Klimt participe à la Biennale de Venise où il retrouve le succès et la notoriété. Il reprend le titre
qu'on lui avait attribué de décorateur fin de siècle, de peintre de l'intelligentsia autrichienne, et
d'inventeur de l'art décoratif.
L’œuvre de Klimt est considérée comme l’apogée de l’Art Nouveau ou Jugendstil viennois. Elle se
caractérise par une thématique symbolique souvent empreinte d’érotisme et par une esthétique raffinée,
très personnelle dominée par le goût de l’ornementation et des effets décoratifs.
Les surfaces unies sont traitées dans le plan unidimensionnel du tableau, les lignes serpentines délimitent
strictement les motifs,
Il existe toujours une abondance d'ornements et de
matières précieuses. Qu'il soit symbolique, naturaliste ou
architectural, le travail de Klimt traite toujours des liens
entre l'érotisme et la mort. Klimt dessine les frontières entre
l'indécent et le morbide. Il concilie toujours sa volonté
d'établir un symbolisme garant de liberté et son goût pour la
luxuriance de l'ornementation.
Gustav Klimt a influencé bien d’autres peintres de premier
plan notamment Egon Schiele et Oskar Kokoschka. Son
œuvre demeure aujourd'hui reconnue et admirée comme
étant la source et le symbole de tous les mouvements en
rupture avec l'ancienne tradition picturale qui voient le jour,
du début du siècle à la Première Guerre Mondiale. .
Il meurt en 1918 d'une attaque d'apoplexie en laissant
inachevées de nombreuses toiles.
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Gustave Klimt – Le Baiser
Point de vue
Le couple évolue sur un parterre
de fleurs ou une prairie qui
semble situé au bord du vide. Il est
en dehors du temps et
de l’espace, mais à part l’étreinte
et du sentiment amoureux,
rien n’existe et pour cette raison il
n’y a aucun repère
spatial dans cette œuvre.
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Gustav Klimt – Le Baiser
Cadrage
L’étreinte est centrée sur les 4
points d’intérêt de la toile, à
l’intersection des 4 lignes de force
de l’œuvre. C’est le sujet
principal. Ce cadrage permet
d’aspirer instantanément le
regard vers cet enlacement du
couple.
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Gustav Klimt – Le Baiser
Division
La répartition des formes dans
l’espace pictural est
harmonieuse. Espaces pleins et
espaces vides s’équilibrent
parfaitement sur la toile.
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Gustav Klimt – Le Baiser
Lignes
L’œuvre est construite sur la
grande diagonale descendante
de gauche à droite. Les lignes
directrices du corps de la
jeune femme évoquent l’abandon,
celle du corps de
l’homme ne sont pas ou très peu
apparentes.
La frontière entre les motifs
masculins et féminins sur la
cape enveloppant le couple est
nette, marquant la différence
des sexes.
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Gustav Klimt – Le Baiser
Détails
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Gustav Klimt – Le Baiser
Lumière
La lumière provient du haut à gauche
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Gustav Klimt – Le Baiser
Harmonie et contraste
Le report des couleurs utilisées pour
l’élaboration de la toile indique une
grande harmonie entre couleurs très
chaudes qui expriment la passion
amoureuse.
Répartition
chaud
froid
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Gustav Klimt – Le Baiser
Palette
Harmonie entre couleurs
chaudes
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