Smells Like Bitch Spirit

Transcription

Alexandra
Kawiak
2005 / 2010
Le 26 mai 1984 à 18h 30, Tom Marioni performe Tom Marioni
of San Francisco, By Any Stretch of the Imagination au
Consortium de Dijon.
Je nais à 21h.
Fille de Tomek Kawiak - artiste et de Claudine Lemoine - Business woman, j’ai été initiée dès le plus jeune âge aux univers de
créations : musique, art et voyages étaient les éléments fondateurs de notre famille. C’est tout naturellement que pour défier
ma génitrice je me déclarais artiste vers l’âge de 14 ans.
Le 28 septembre 2000, l’hebdomadaire allemand Die Zeit
pointe les lacunes de la Charte des droits fondamentaux de
l’Union européenne. Je rencontre Brigite Bardelot et Louise
Aspegren, la première est professeur d’arts plastiques de mon
lycée, la deuxième y est étudiante. Ces deux rencontres vont me
propulser irrévocablement dans une pratique artistique qui depuis n’a cessé de se renforcer.
13 juillet 2002, mariée à Dheeraj Sharma, je rentre en France
après un an passé en Inde.
15 septembre 2003, divorcée, je rentre aux Ateliers de
Sèvres pour une année préparatoire.
10 octobre 2004, je commence mon cursus à l’Ecole Nationale
Supérieure des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier d’Annette Messager.
24 Novembre 2007, La biodiversité du Lac de Beaulieu se
porte à merveille, de nombreux oiseaux (Hérons et Aigrettes)
ont été aperçus au sommet des arbres. Je fais la connaissance de
Romain Courtois, artiste conceptuel qui sera par la suite mon
avocat.
Je rencontre également Tom Uféras, mon complice et sauveur
de catastrophes graphiques.
8 Octobre 2007 je bois un thé vert au café Nemours place
Colette avec celui qui deviendra mon galeriste, Frédéric Lacroix.
Le 6 Novembre 2008 j’y ferai ma première exposition individuelle.
16 décembre 2009, je termine mes études des beaux-arts dans
l’atelier de Jean-Luc Vilmouth.
Il fait - 2 degrés.
On the 26th of may 1984 at 6.30 pm, Tom Marioni
performs Tom Marioni of San Francisco, By Any Stretch
of the Imagination at the Consortium in Dijon, France.
I was born at 9 p.m.
Daughter of Tomek Kawiak - artist - and Claudine Lemoine
- business woman, I was initiated at the earliest age to the
worlds of creation: music, art, travels were the foundations
of our family. It is very natural that to defy my progenitor, I
declared myself an artist at the age of 14.
September 28th, 2000, the german newspaper Die Zeit
points the weakness of the Fundamental Rights in the European Union. I meet Brigite Bardelot and Louise Aspegren,
first one is the art teacher of my high-school, the second one
is a student there. Those two meetings irrevocably hurled me
in an artistic process that never stopped growing until then.
July 13th, 2002, married to Dheeraj Sharma, I go back
home sweet home in France after a year in India.
September 15th, 2003, divorced, I enter the Ateliers de
Sèvres for a preparatory year.
October 10th, 2004, I start my course at the École
Nationale Supérieure des Beaux-Art of Paris in Annette
Messager’s studio.
November 24th, 2007, the biodiversity in Beaulieu’s lake is
marvellous, many birds (Herons and Egrets) were seen at the
top of the trees. I meet Romain Courtois, conceptual artist
who will eventually end up becoming my lawyer.
I also meet Tom Uféras, my partner in crime and saviour of
graphic disasters.
October 8th, 2007, I drink a green tea at Café Nemours,
place Colette, with Frédéric Lacroix who will later become
my gallerist. November 6th, 2008 I’m having my first solo exhibition there.
December 16th, 2009, I am finishing my studies at the
Beaux-arts in Jean-Luc Vilmouth’s studio.
Temperature is minus 2 degrees celcius.
Alexandra Kawiak
Alexandra Kawiak
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Alexandra Kawiak :
L'Art Du
Malentendu
The Art Of
Misunderstanding
Julie Crenn
2010
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L’œuvre d’Alexandra Kawiak porte un éclectisme technique et
matériel assumé et revendiqué. L’artiste jongle aussi bien avec la
vidéo, la photographie, les installations ou la couture. La plupart
du temps elle ne travaille pas seule, elle collabore avec des personnes rencontrées qui l’aident à donner forme à ses projets. Elle dit :
« L’éclectisme de mes formes reflète la complexité des idées que je
traite ». Sa réflexion toujours tournée vers l’Autre, soulève trois thématiques essentielles qui sont les mots, les femmes et les échanges
entre Nord/Sud. Kawiak pointe du doigt de manière subtile les travers et injustices de notre société. Une partie de son travail repose sur les mots avec lesquels elle joue avec une grande aisance
pour nous faire prendre conscience des malaises actuels. En explorant tour à tour notre société sur un mode humoristique ou
un mode plus cynique, Kawiak offre toujours au public une critique pertinente de l’absurdité de notre monde. En cela, les armes
d’Alexandra Kawiak sont la subtilité, l’ironie et l’humour.
En 2007, elle réalise une sculpture intitulée Silo, une reproduction en bois à l’échelle 1 d’un silo agricole. Le silo est entièrement
rempli de confettis multicolores, qui, par le biais d’un mécanisme,
s’extraient du silo et se déposent au sol. Kawiak détourne la fonction première de l’outil agricole pour créer une métaphore de la
création dans son ensemble. En effet, elle se plait à penser que
Silo est un autoportrait. « Les confettis, synonymes de fête, illustrent dans ce cas le travail de l’artiste je suis, en opposition au
travail « réel » et « douloureux » qu’évoquent pour moi le métier
d’agriculteur. » L’apparente simplicité et le décalage produit grâce
aux confettis est finalement un statement fort de Kawiak sur sa
vision du statut de l’artiste. Un être qui crée sans contrainte et qui
jouit d’une liberté sans limite.
La même année, elle présente Hope au New York Art Center. Une installation composée de 1000 étiquettes de bijoutiers à
fils rouges recréant le mot Hope (Espoir). Chaque étiquette est
suspendue et collée au plafond du lieu d’exposition. Un processus qui oblige le visiteur à regarder vers le haut. La typographie
choisie par Kawiak est similaire à celles des néons publicitaires,
en lien avec notre société de consommation. L’œuvre recèle une
double lecture. D’abord, l’espoir d’un jeune artiste de percer dans
le monde de l’art, sous entendu le marché de l’art. L’œuvre propose aussi une réflexion sur ce que peuvent être les espoirs de la
société actuelle : fonder une famille, acquérir des biens, manger,
être logé, avoir un travail, réaliser ses rêves etc. Les étiquettes et
la typographie renvoient inévitablement à la question de l’argent
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The work of Alexandra Kawiak carries a technical and material eclectism she assumes and, even more, claims, juggling with video, photography as well as installations and
sewing. Most of the time she doesn’t work alone, she collaborates with people she meets and who help her give shape to
her projects. The artist states : “The eclectism of my shapes
reflects the complexity of the ideas I deal with”. Her brainstorming always turned towards the Other, conveys three essential themes : words, women and links between North and
South. Kawiak subtly pinpoints the mistakes and injustices
of our society. Part of her work lies on the words she easily
plays with in order to make us aware of the contemporary
uneasiness. While exploring our society either in a humoristic or in a more cynical way, she offers an accurate critic
of the absurdity of our world. With this in mind, Alexandra
Kawiak uses subtlety, irony and humor as weapons.
In 2007, she realizes a sculpture entitled Silo, a wooden
reproduction at scale 1 of an agricultural silo. The silo is
entirely filled up with multicolored confetti which, through
a mecanism, is splitted out of the silo and ends up on the
ground. Kawiak hijacks the primary function of the agricultural tool to build a metaphor about creation itself. Indeed,
she enjoys thinking that Silo is a self-portrait. “The confetti,
synonymous of parties and fun, illustrates in this case the
work of the artist I am, in opposition to the ‘real’ and ‘painful’
work that is to me the work of a farmer”. Finally the obvious
simplicity and the gap produced thanks to the confetti is a
strong statement on her vision of the artist’s status. A being,
creating without boundaries and who enjoys an unlimited
freedom.
The same year, she presents Hope at the New York Art
Center, an installation consisted of 1000 jeweler’s label’s etiquette with red strings, each one attached and glued to the
ceiling of the exhibition room and recreating the word ‘Hope’.
A process binding the viewer to look up. The typography chosen by Kawiak is similar to those of commercial neon signs,
linked with our consumer’s society. The work offers a double
reading. First, the hope of a young artist to integrate the art
world, understood as the art market. And therefore a reflexion on what hopes can be in our contemporary society : starting a family, acquiring goods, eating, finding a home, a job,
realising our dreams, etc. The labels and the typography in-
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qui représente pour beaucoup un rêve ou une nécessité. Hope
nous renvoie à ces rêves inaccessibles et éphémères. Une fois
l’exposition terminée, les étiquettes sont décrochées et l’œuvre
disparaît à jamais.
À l’inverse une œuvre comme 46 Feuilles Mortes (2005) ancre l’éphémère dans le temps, l’éternité. Alexandra Kawiak a
passé une commande auprès d’une entreprise funéraire, leur
demandant de produire une plaque mortuaire en granit sur
laquelle est gravé « Ici reposent 46 feuilles mortes ». L’œuvre
est un hommage aux feuilles mortes de l’automne. Mettre en
lumière l’insignifiant du quotidien par le biais de l’humour
est caractéristique de son œuvre. L’artiste nous invite à regarder notre environnement et à se pencher sur les détails de
notre quotidien souvent empruntés à des situations cocasses.
Arte Christ est une photographie urbaine, prise à Kassel en 2007,
soulignant deux enseignes disposées l’une à côté de l’autre :
« Arte » et « Christ ». Nous comprenons aussi combien les mots
et leurs interprétations multiples sont importants dans l’œuvre
de Kawiak qui aime jouer avec les malentendus et les doubles
sens. En 2007, elle réalise Love is on Strike, une installation composée de banderoles en tissus, sur lesquelles l’artiste a bombé des
slogans en anglais, comme celles que nous avons l’habitude de
voir lors des manifestations. « Love is Enough », « You are Safe »,
« You Deserve to be Loved » ou encore « Keep Faith », des slogans rassurants et protecteurs vis-à-vis de la souffrance qu’une
personne peut éprouver lors d’une rupture ou d’une période de
doute sentimental. Kawiak entre au plus près des sentiments de
ses spectateurs, provoquant leurs réactions avec ces messages à la
fois chocs et positifs.
C’est avec cette volonté d’entrer au cœur des préoccupations
des Autres, qu’Alexandra Kawiak a rapidement montré au sein de
ses productions plastiques, un engagement social et politique. Elle
développe une réflexion sur les nombreuses formes d’exclusions
inhérentes à nos sociétés. Au cours de ses nombreux voyages sur
les différents continents, Kawiak photographie et interroge le
statut des femmes, des sans abris ou encore des flux migratoires
(les conditions de vie des immigrés). Elle réalise en 2006 une installation intitulée Château Carton, qui, comme son titre l’indique
est un château construit à l’aide de divers morceaux de carton,
destiné aux sans abris d’un quartier parisien. C’est d’ailleurs avec
leur collaboration que le projet a pu voir le jour. Le château impliquant une connotation de grandeur et de luxe, auxquels les sans
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evitably send us back to the issue of money which represents
to many a dream or a necessity. Hope is an echoe of these
temporary and inaccessible dreams. Once the show is over,
the labels are unglued and the art piece disappears, forever.
On the contrary, a work like 46 Dead Leaves (2005) anchors
the temporary in time, in eternity. Alexandra Kawiak ordered
a granit mortuary plate to be engraved by a funeral company with the inscription “Here lie 46 dead leaves”. The piece
is a tribute to dead autumn leaves. Enlightening the every
day meaningfulness through humor is a specification of her
work. The artist invites us to look at our surrounding and to
bend over some details of our every day’s lives often borrowed by odd situations. Arte Christ is a urban photograph,
taken in Kassel in 2007, underlining two signs disposed one
along side the other: “Arte” and “Christ”. We thus understand how much words and their multiple interpretations are
important in Kawiak’s work. She likes to play with misunderstandings and double meanings. In 2007, she completes Love
is on Strike, an installation made up of banners on which the
artist has sprayed slogans, inspired by those we usually see
in strikes : ‘Love is Enough’, ‘You are Safe’, ‘You Deserve to
be Loved’ or ‘Keep Faith’, reassuring and protective slogans
related to the pain one can feel while experiencing a break
up or a time of sentimental doubt. Kawiak gets as close as
she can to her public’s feelings, she calls them out with these
messages which are at the same time shocking and positive.
It is with this will of steel that Alexandra Kawiak enters the
Other’s preoccupations which are rapidly shown in her production as political and social preoccupations. She develops
a reflexion on the numerous forms exclusion can take in our
society. During her travels or journeys to different continents,
Kawiak has taken pictures and has questioned the status of
women, of homeless people and yet also the status of migratory flows ( the living conditions of immigrants). In 2006, she
realizes Cardboard Castle. As its name indicates, this installation is a castle built out of different pieces of cardboard,
vowed to the homeless people of a certain neighbourhood
of Paris. It is actually thanks to their collaboration that the
project was brought to existence. Castles imply wealth and
luxury, facts homeless people are of course estranged from
due to a disastrous accommodation policy in France. In her
usual and consistent approach of the Other, Kawiak opens a
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abris n’ont pas le droit à cause d’une politique de logement désastreuse en France. Avec cette même volonté d’aller à la rencontre
de l’Autre, Kawiak dialogue et travaille avec une femme nommée
Rita en 2008. En franchissant le seuil d’un salon de coiffure à
Château Rouge, l’artiste fait la connaissance d’une coiffeuse malienne, Rita. De leurs discussions est né un projet commun, une
réalisation artistique à quatre mains. Il s’agit d’une sculpture composée d’un mannequin socle et de cheveux synthétiques tressés.
Une silhouette de femme est reconnaissable, son corps et son
visage sont totalement recouverts de longues tresses de cheveux
noirs. La masse de tresses prend visuellement la forme d’une
burka, vêtement religieux (et quotidien) associé aux femmes afghanes. L’œuvre procède alors à un retournement visuel et culturel. La chevelure, objet sacré devant être enlevé aux yeux des
hommes dans la culture islamique, est ici exacerbée et prend la
forme de l’objet dissimulateur : la burka. Ce qui doit être caché est
ici montré. Le fait de volontairement choisir de longues tresses
noires, ce que le spectateur associe immédiatement à la culture
africaine, amène également à une réflexion sur les conditions de
vie des femmes africaines sur le continent africain, mais aussi
dans leurs pays d’accueil comme la France. Sans visage, réduite
à sa chevelure, Rita de Kawiak parle de la perte totale d’identité.
Elle renvoie aux dogmes extrêmes religieux, au patriarcalisme et
à la censure du genre féminin. L’artiste réitère l’expérience de type
participative lors de son exposition organisée par Karin Gavassa à
la WE Gallery (Turin) en 2010. Elle réalise une installation en plein
air, Tea for More, avec un groupe de femmes immigrées travaillant au Centro Interculturale delle Donne Alma Mater. Ensemble,
elles établissent des projets autour de la multiculturalité dans la
ville de Turin. Il s’agissait d’un salon de thé implanté dans une
rue piétonne devant la galerie où se tenait l’exposition. Un salon
de thé qui reprenait les codes et habitudes des peuples nomades
présents dans certains pays en Afrique. Un salon de thé éphémère
comme le sont les campements de ces peuples. Kawiak a toujours
été touché par l’entraide des femmes immigrées qui se soutiennent les unes aux autres dans l’adversité d’un quotidien souvent
rude. L’artiste leur a demandé de participer au salon de thé en
préparant du thé à la menthe et des pâtisseries traditionnelles
faisant écho à leurs propres cultures. Les femmes ont pu se retrouver et partager leurs idées dans ce nouvel espace de détente
offert par Kawiak. L’idée étant de créer du lien entre ces
femmes qui du fait de leur statut sont exclues de la société,
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dialogue and works with a woman named Rita, a hairdresser
from Mali whom she met in 2008 by crossing the threshold of
a hairdressing salon in Chateau d’Eau. Out of their encounter
and discussions, a common project was born, an artistic realization made by four hands: Rita is a sculpture elaborated
on a model base and consisted of braided synthetic hair. A
woman’s silhouette is recognizable, her body and face are
totally covered with long plaits of black hair. The mass of hair
visually takes the shape of a burka, religious clothing (meant
for daily life) mostly associated to afghan women. The work
therefore operates a visual and cultural reversal. The hair,
a sacred attribute that ought to be hidden from men’s eyes
in the Islamic culture, is here enhanced and takes the shape
of the dissimulating object: the burka. What shall be hidden
is here shown. The choice of long plaits of black hair, directly assimilated to African culture, also leads to a reflexion
about African women’s living conditions on the African soil,
but also on their reception grounds like for instance France.
Faceless, reduced to her hair, Kawiak’s Rita talks about total
loss of identity. It goes back to the religious extreme dogmae,
to patriarcalism and to the censorship of the feminine kind.
The artist reiterates this participative experience during her
show organized by Karin Gavass at the WE Gallery (Turin) in
2010. She creates an open air installation, Tea for More, with
a group of immigrant women working at the Centro Interculturale delle Donne Alma Mater. Together, they established
projects around multiculturalism in the city of Turin. The installation consisted of a tearoom planted into a pedestrian
street in front of the gallery where the exhibition was held;
a tearoom using the codes and habits of nomad people living
in some African countries; a temporary tearoom as are the
camps of these people. Kawiak was touched by the mutual
aid of the immigrant women who support each other in adversity and in an often rough everyday life. The artist asked
them to participate in the tearoom by preparing mint tea and
traditional pastries, an echo to their own culture. Women
were able to gather and share their ideas in this new relaxing space offered by Kawiak. The intention was to create a
link between these women, excluded from society because
of their status, the visitors of the exhibition and more widely
the passers-by.
For personal reasons, Alexandra Kawiak maintains an in-
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les visiteurs de l’exposition et plus largement les passants.
Pour des raisons personnelles, Alexandra Kawiak entretient
une relation intime et essentielle avec le continent Africain.
Lorsqu’en 2008, elle réalise Bamboula, une œuvre néon qui
dénonce le vocabulaire colonial et raciste toujours présent dans
une latence insupportable. Dans le cadre de sa réflexion sur
l’Afrique, elle souhaite travailler plus longuement sur la société
sud-africaine qu’elle part explorer en 2011. Dans cette optique,
les deux œuvres vidéos intitulées Parking Orchestra (2007) et La
Rumeur approfondissent la problématique des rapports existants
entre Nord et Sud, plus particulièrement entre Europe et Afrique.
Parking Orchestra tournée en Afrique du Sud, dans la ville du
Cap, montre des hommes et des femmes Noirs vêtus de chasubles
de sécurité. Des chasubles aux couleurs fluo signalent la présence
d’un « agent » préposé à la sécurité d’autrui. Ces hommes, venus
pour la plupart de la République Démocratique du Congo, du
Zimbabwe ou plus largement d’Afrique de l’Ouest, occupent ces
emplois d’une grande précarité afin de s’insérer à la fois dans un
nouveau pays, mais aussi dans une nouvelle vie. Ici, ils garent des
voitures contre une pièce ou deux. Ils sont en attente. Cette posture d’attente est révélatrice de l’actuelle politique d’immigration
en Afrique du Sud. Ces hommes arrivés des pays du Nord, ne sont
pas les bienvenus et sont violemment rejetés par les Africains du
Sud. Le fond sonore du film amène une rythmique intéressante, à
la fois douce et inquiétante. Ces hommes et femmes sont les acteurs d’un étrange ballet, d’une valse entre la misère et l’espoir. La
musique, spécialement écrite pour le film, amène une dynamique
et un sentiment de malaise. Un malaise causé par l’impression
de voyeurisme, les scénettes filmées semblent en effet être des
images volées. Des images dérobées à une vie quotidienne précaire et violente. Ceci est accentué par le fait que les images soient parfois floues et les mouvements de caméras rapides. Parking
Orchestra nous amène donc à penser les rapports entre les différents pays du continent africain où les flux migratoires posent
les mêmes problèmes et apportent leurs mêmes réactions qu’avec
le continent Européen. Avec La Rumeur, Kawiak cible son attention sur la ville de Tanger, avec laquelle elle entretient un rapport personnel et affectif. Lors de ses multiples séjours à Tanger,
l’artiste filme la jeunesse tangéroise afin de proposer une photographie de la ville oscillant entre modernité et tradition. Kawiak y
réserve une part importante à la mer, elle écrit : « La mer toujours
la mer, cette mer ou plutôt cette eau (mélange de Méditerranée et
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timate and essential relationship with the African continent.
In 2008, she realizes Bamboula, a neon piece condemning
the racist and colonialist vocabulary; a common vocabulary,
sign of an unbearable ordinary racism. Within the framework of her reflexion on Africa, she wishes to vow more time
to her work on South African society; she therefore goes to
explore it in 2011. In this perspective, the two video works
entitled Parking Orchestra (2007) and The Rumor deepen
the question of existing links between North and South,
and more specifically between Europe and Africa. Shot in
Cape town, South Africa, Parking Orchestra shows men and
women wearing pinafore dresses of safety. Pinafore dresses in florescent colors indicate the presence of an “agent”
appointed to the security of others. These people, most of
them originated from the Democratic Republic of Congo,
Zimbabwe or even more importantly from Western Africa,
occupy these very precarious jobs to fit into a new country,
but at the same time into a new life. Here, they park cars for
a penny or two. They wait. This posture of expectation reveals the current immigration policy in South Africa. These
men coming from the northern countries aren’t welcomed
and are violently rejected by South Africans. The movie’s
background soundtrack brings an interesting rhythm, soft
and disturbing at the same time. Men and women are here
the actors of a strange ballet, a waltz between misery and
hope. The music, especially written for the movie, creates a
dynamic feeling of uneasiness. An uneasiness provoked by
an impression of voyeurism, the filmed shots seem indeed
to be stolen images and this is stressed by the fact that the
camera moves rapidly and the images are sometimes blurry.
Parking Orchestra makes us think of connections between
the various nations of the African continent where migratory
flows raise the same issues and spark the same concerns
than on the European Continent. With The Rumor, Kawiak
targets her attention on the city of Tangiers, with which she
has a personal and emotional relationship. Throughout her
numerous stays there, the artist shot the local youth in order
to offer a picture of a city oscillating between modernity and
tradition. Kawiak reserves an important part to the sea, she
writes: ‘’The sea, always the sea or rather this water ( this
mix between Mediterranean sea and Atlantic Ocean) with
Spain, Europe, horizon, a dream reachable to the eyes of
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d’Atlantique) avec pour horizon l’Espagne, l’Europe, le rêve aux
yeux de tous, les lumières de Tarifa qui narguent les tangérois
inlassablement. » La jeunesse dont les yeux brillent en voyant ses
lumières venues du continent Européen, voudrait y trouver un
avenir, au même titre que les Congolais et Zimbabwéens en Afrique du Sud. Chacun recherche une forme de survie et voit en
l’autre, dans l’ailleurs, l’espoir d’une vie meilleure. La jeune artiste
a d’ailleurs choisi de participer en tant que commissaire à un projet de biennale artistique entre les villes de Faro, au Portugal, et
Tanger, au Maroc. Les deux villes choisies, l’une au Nord, l’autre
au Sud, symbolisent un flux migratoire caractérisé à la fois par
l’espoir et l’effroi. En regardant Parking Orchestra et La Rumeur,
le spectateur ne peut s’empêcher de penser aux jeunes hommes et
femmes n’hésitant pas à embarquer sur des bateaux de fortunes,
au péril de leurs vies, afin de rejoindre la côte espagnole. En cela
Rita, la jeune femme Africaine installée à Paris, devient un personnage emblématique dans la réflexion de Kawiak. Rita incarne
l’oscillation entre l’accomplissement d’une nouvelle vie sur une
terre considérée comme « promise » par une majorité de la jeunesse africaine et le désir d’un retour en terre natale.
L’exposition Mad Zimbabwe est un aboutissement de sa réflexion sur les relations entre le Nord et le Sud. L’idée du projet est né à partir d’un site archéologique au Zimbabwe : Mad
Zimbabwe, ou le Grand Zimbabwe. Un site envisagé aujourd’hui
comme un trésor et une fierté nationale, dont le nom du pays est
lui-même extrait. Seuls les vestiges des anciennes habitations de
ce village Shona demeurent. Des petites cases construites grâce
à l’empilement ingénieux de plaques en granit. Une case dénote
pourtant, elle est plus grande, isolée des autres. Elle ne comporte
ni porte, ni fenêtre, aucun accès pour y pénétrer. L’exposition
est composée de deux volets : une partie documentaire où sont
présentées des images d’archives, des posters de propagande du
gouvernement de Mugabe, des photographies etc. Et une partie sculpturale. Alexandra Kawiak s’est en effet inspirée de la
grande case du site archéologique pour fabriquer une reconstitution en bois brut. La forme diffère de la case originale puisque
l’artiste a repris l’architecture de type traditionnelle de la case
africaine. Kawiak joue volontairement avec les stéréotypes liés
à la culture africaine pour les déconstruire. La reconstitution de
la case retient le côté absurde de la grande case zimbabwéenne
puisqu’elle ne possède ni porte ni fenêtre. Seul le sommet du toit
est ajouré. Une passerelle permet au spectateur d’accéder au toit
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all, the lights of Tarifa defiying tirelessly tangerese people”.
The youth whose eyes shine when they see these lights coming from the European Continent, would like to find a future
there, in the same way as the Congoleses and the Zimbabweans in South Africa. Everyone looks for a shape of survival
and sees in the Other, in a somewhere else, the hope of a
better life. Alexandra Kawiak chose to participate as a curator to an artistic biennale project between the cities of Faro,
in Portugal, and Tangiers, in Morocco. The two elected cities, one in the North, the other in the South, symbolize a migratory flow characterized at once by hope and terror. While
watching Parking Orchestra and The Rumor, one cannot help
thinking about the young men and women who don’t hesitate
to get on very cheap boats, at the risk of their lives, to reach
the Spanish coast. Through this progression, Rita, the young
African woman living in Paris, has become an emblematic
figure in Kawiak’s reflexion. Rita embodies the oscillation
between the fulfillment of a new life on a ground considered
as “promised” by a majority of the African youth and the desire of a return to native land.
The exhibition Mad Zimbabwe is an outcome of her observations on the relations between the North and the South.
The idea of the project was born from an archeological site
in Africa : Mad Zimbabwe or the Great Zimbabwe. A site considered today as a treasure and a national pride, from which
the name of the country is extracted itself. Only the vestiges
of this Shona village reside, small huts built thanks to ingenious pileup of granite plaques. One of them still denotes, bigger and isolated from the others. It has no door, no window,
nor any possible access inside. The exhibition consists of two
shutters : a documentary part where archive images are presented, propaganda posters of Mugabe’s government, photographies, etc, and a sculptural part. Alexandra Kawiak got
her inspiration from the big hut of the archeological site to
make a reconstitution in raw wood. The shape differs from
the original hut because the artist uses the traditional architecture of the African hut. Kawiak deliberately plays with
stereotypes linked to African culture to deconstruct them.
The reconstitution of the hut holds the absurdity of the big
Zimbabwean hut as it also has no window or door. Only the
top of the roof is opened. A footbridge allows the viewer to
reach the roof and observe the hut’s interior. On the cylindri-
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et d’observer l’intérieur de la case. Sur les parois cylindriques
est projetée une œuvre vidéo. Au centre sont disposés des objets hautement symboliques. Mad zimbabwe propose un regard
critique sur le regard néocolonial que les Occidentaux portent
sur les cultures périphériques. En ce sens, le visiteur occidental
observe « de haut » l’intérieur, l’intimité de la case. Une analyse
à laquelle se fond une critique acerbe de la politique actuelle du
président Robert Mugabe qui tient d’une main de fer le Zimbabwe depuis son indépendance en 1980. Kawiak s’interroge sur la
situation politique et humaine épineuse dans laquelle est plongé
le Zimbabwe depuis les années 1980. Un contexte extrêmement
difficile à juger, les torts étant partagés, il est complexe de nommer les coupables d’un imbroglio où la part des choses entre intérêt général et intérêt personnel n’est pas faite. Par le biais de ce
groupe d’œuvres, Alexandra Kawiak se focalise sur les différents
sentiments causés par les mouvements de populations, du Sud
vers le Nord, mais aussi du Nord vers le Sud. Mouvements dans
lesquels l’individu tend à se situer, géographiquement, socialement et politiquement, dans un monde où la machine globale
aspire tout sur son passage et où l’argent fait loi pour survivre.
Les difficultés à trouver une place, sa place, dans un monde où
l’individu refuse de se noyer dans la masse.
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cal walls is projected a video. In the center, a tape recorder broadcasts a lesson of Shona language in which we can
hear the voice of the artist repeating sentences which at first
seem harmless but are evidently suspicious at the same time
“Help me”, “My house is smaller than yours”, “I am black”.
Mad Zimbabwe offers a critical statement about the neocolonialist approach of Westerners on peripheral cultures. In
that sense, the occidental visitor looks at the interior, the
intimacy of the hut, “from above”. An analysis in which bottoms an acerbic denounciation of the current policy of president Robert Mugabe who holds Zimbabwe with an iron hand
since its independence in 1980. Kawiak wonders about the
thorned political and human situation in which Zimbabwe
has fallen since the 1980’s. A context extremely difficult to
judge, the faults being shared. And it is complex to appoint
the guilty party of an imbroglio where the partition between
general interest and personal interest is not made.
By the means of this group of works, Alexandra Kawiak
focuses on the various feelings caused by the movements
of populations, from South to North, but also from North to
South. Moves in which the individuals tend to locate themselves, geographically, socially and politically in a world
where the global machine sucks up everything on its way and
where money dictates the law to survival. She points out the
difficulties to find a place, our own place, in a world where
the individuals refuse to be drowned in the general mass.
21
All Apologies?
Page 27
Smells Like
Bitch Spirit
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Conversation
Page 71
Come As You
Are Not
Page 83
Evermind
Page 113
25
All Apologies?
27
La Rumeur
Projection à la
Cinémathèque de Tanger
28
Les trois actrices
Mejda, Wahba
et Khaoula Bensabih
2010
Video, 12 : 38
La Rumeur est une compilation d'images tournées
à Tanger, Maroc depuis 2007.
C'est une réflexion sur la jeunesse tangéroise, les
personnages principaux sont trois jeunes femmes
qui se questionnent sur la ville qui les entoure.
Narrée en Arabe mais écrit en français, le texte
original de Stephanie Gaou a été composé durant
le montage vidéo. Une composition à quatre
mains, telle une orchestration poétique.
2010
Video, 12 : 38
La Rumeur is a complation of images I shot in
Tangier, Morocco, since 2007.
It is a reflexion on the youth who lives there,
the major characters are three young women,
questionning themselves about the city that
surrounds them. Narrated in Arabic, the text
was written in french by Stephanie Gaou a
young poet living in Tangier. She was writing
while I was editing the video and this four
hands work leaded to a poetic orchestration of
symbolic views on the city how I see it.
29
Tea for more
Making cushions
32
We gallery, Torino
2010
Intervention urbaine, Turin, Italie
Coussins, tissu, tables, tapis, thé à la menthe,
gâteaux
2010
Urban Intervention, Torino, Italy.
Cushions, fabric, tables, carpets, mint tea,
cakes.
Invitation
33
Tea For More, intervention urbaine, (Via Maddalene 40/b), en
collaboration avec l’association Alma mater, Turin, Italie. Cette
exposition propose une vue d’ensemble de la pratique éclectique
d’Alexandra Kawiak. Ce projet comprends des oeuvres originales
spécialement conçues pour l’exposition ainsi qu’une installation
in-situ.
Le travail d’Alexandra Kawiak (Paris, 1984) s’occupe des conditions de vie des femmes immigrées en Europe et les relations
qu’elles entretiennent entre leurs émotions et leur intimité dans
leur vie quotidienne.
Après avoir voyagé en Afrique du sud, Maroc, Tunisie et
Zimbabwe, ses recherches ce sont resserrées autour de sujets tels
que la perte d’identité, le mal du pays et la condition des femmes
qui souvent se traduisent par la complicité, le soutien et l’entraide.
A cette occasion, Alexandra Kawiak présente Tea For More, une
intervention créée en collaboration avec le Centro Interculturale
delle Donne Alma Mater, Turin, une référence pour les femmes
immigrées qui y travaillent sur les cultures multi-ethniques. Tea
For More est une expérience, un salon de thé en plein air, dans la
rue piétonne Via Maddalene, à Turin. Un espace éphémère pour
un groupe de femmes de l’association Alma mater, ou elles peuvent se rencontrer et partager leurs projets. Kawiak veux leur offrir un espace pour se relaxer, discuter, rester ensemble. Après
une série de rendez-vous avec ces femmes, Kawiak s’est concentrée sur leurs expériences, aspirations et désirs en transformant la
rue en un espace ou l’on peut y boire un thé, manger des gâteaux
dont les recettes viennent de différentes cultures, les partager
avec les voisins ou les passants, invitant quiconque à se joindre à
cet espace en plein air, pour y découvrir les histoires de chacun et
stimuler un sens pour la communauté.
Karin Gavasssa, Turin, 2010.
34
Tea For More, urban intervention (Via Maddalene 40/b),
in collaboration with Alma Mater, Torino. The exhibition
project builds on an overview of the eclectic practice of
French artist Alexandra Kawiak. The exhibition will comprise
original contributions especially conceived for this show as
well as site specific installation and videos.
The work of Alexandra Kawiak (Paris, 1984) deals with
the conditions of migrant women living in Europe and
the relationship between emotions and intimacy in their everyday lives. After traveling in South Africa, Morocco, Tunisia
and Zimbabwe, her research focused on immigrant topics
such as the loss of identity, homesickness and the condition
of females that often turns into complicity, support and mutual aid.
On this occasion, Alexandra Kawiak presents Tea For
More, an intervention made in collaboration with the Centro
Interculturale delle Donne Alma Mater, Turin, a well-known
point of reference for native and migrant women which works
on a multi-ethnic culture in Turin. Tea For More is an experiment, an open air tea room on the pedestrian only street, Via
Maddalene, in Torino. An ephemeral space for a group of
women from the Alma Mater where they can meet and discuss their various projects. Kawiak wants to offer them a
place to relax, have a chat, stay together. After a series of
meetings with these women, Kawiak focused on their experiences, aspirations and desires transforming the street into
a place where one could drink some tea and try cakes from
their own recipes and traditions, share them with neighbours
and passers-by, inviting everyone to join in this open space,
discovering one anothers’ stories and fostering a sense of
community.
Karin Gavasssa, Torino, 2010.
35
Beau Gosse
2008
Video 4: 30
Interview absurde du président Iranien
Mahmoud Ahmadinejad.
36
2008
Video 4: 30
Absurd speech from Iran’s president,
Mahmoud Ahmadinejad.
37
Where is Africa?
Cape town, SA
38
2008
Installation
Collection des différentes cartes d’Afrique trouvées sur le moteur de recherche internet Google.
200 x 150 cm
2008
Installation
Collection of the diffrent African maps found
on the internet search-engine Google.
200 x 150 cm
39
H.U.O.
2007
Installation
Dimensions variables
Hans Ulrich Obrist est une superstar dans
l’univers de l’Art Contemporain, également un
très redouté et redoutable curator. Mais en
dehors de cet univers, personne ne connaît son
nom.
2007
Installation
Variable dimensions
Hans Ulrich Obrist is a superstar of the
Contemporary Art world. But outside
this world, no one knows his name.
41
Chinese Whispers [ tSaI’ni : z ‘wispε(r)] or “Telephone” is
a game in which each successive participant secretly whispers to the next a phrase or a sentence whispered to them by
the preceding participant.
Cumulative errors from mishearing often result in the
sentence heard by the last player differing greatly and amusingly from the one uttered by the first.
It is most often played by children as a party game or in the
playground.
It is often invoked as a metaphor for cumulative error, especially the inaccuracies of rumours.
The game as many other names, including the telephone
game, Broken telephone, Operator, Grapevine, Whisper down
the lane and Pass it down.
In the United States, “Telephone” is the most common name
for the game.
The name Chinese whispers reflects the former stereotype
in Europe of the chinese language being incomprehensible.
It is little-used in the United States and may be considered
offensive.
However, it remains the common name in the United Kingdom and many British-influenced countries.
Chinese Whispers
2007
Performance
Une jeune femme d’origine asiatique est assise et
devant elle une chaise libre invite le spectateur
a s’asseoir. Elle se penche pour murmurer à son
oreille à chaque fois une phrase différente :
“Je ne suis pas chinoise, je suis japonaise”
“Je ne suis pas chinoise, je suis coréenne”
“Je ne suis pas chinoise, je suis vietnamienne”
42
2007
Happening
A young asiatic woman is sitting and in front
of her a free chair invites the viewer to take
place. She leans over and murmurs to its ear:
“I’m not chinese, I’m japanese”
“I’m not chinese, I’m korean”
“I’m not chinese, I’m vietnamese”
43
Slowccer
2007
Installation Vidéo
Deux projections vidéo, l’une à côté de l’autre.
J’ai demandé à une équipe de footbal marocaine,
de jouer un match au ralenti, dans un stade
tangérois. Ce travail traite des clichés racistes
critiquant la lenteur des arabes.
44
2007
Video installation
Two Video projections, side by side.
I asked the Tangier’s football team to play in
slow motion, this work is related to racists
clichés about arabic people being slow.
45
Chateau Carton
2006
Installation
Carton, scotch, ficelle.
250 x 200 x 400 cm
Château Carton est un château fait de carton, par
et pour des sans abris d’un quartier parisien.
2006
Installation
Cardboard, scotch tape, rope
250 x 200 x 400 cm
Château Carton (Cardboard Castle) is a castle
made out of cardboard, realised by and for
homeless people from a parisian area.
47
Smells Like
Bitch Spirit
51
Smells Like Bitch Spirit
Exposition personnelle à la galerie Frédéric
Lacroix, Paris, France, Mars-avril 2010
Solo show at Frédéric Lacroix gallery, Paris,
France, March-April 2010
53
Sur le circuit de la trivialité collective, où se croisent sans
cesse esbroufes gonflées et éternuements violents, l’accident est
bien trop rare. Alors il faut un jour se résoudre à le provoquer
soi-même, sous peine de manquer rompre cet infini paisible et
imposé, toupies colossales et navrantes. — Verbaliser ces mouvements insipides avant l’Achèvement. — Fonder entre la terre
et l’évier, un ouragan de liqueur transbrillante des bouteilles
de carburant qu’on évide dans nos gorges d’aluminium, autoroutes du temps tranchées par la seule souplesse des hautes
paires de cuisses de chair, d’or et de pneu, écartées, racoleuses,
qui forment des ponts cyclopéens au-dessus de la grande piste
homologuée, voie de manège, d’où quand même, surplombée,
la vitesse s’incline pour laisser parfois à son pilote, lorsque ses
paupières capricieuses le lui permettent, la chance d’entrevoir
à travers son bouclier teinté et de Norme Française, un fragment de seconde, une grotte obscure et profonde où se réfugier. — Sortie de route !... — Dégringoler le long d’un de ces rubans de tissus organiques, rétrograder du sombre au rouge, puis
du rouge au vif, avant de se jeter dans un dernier verre plein...
propulsé par le souffle brûlant d’un cri de départ nouveau. Infiniment loin du fébrile coup de drapeau manucuré et résonnant
encore mais de manière infiniment peu certaine... S’il faut fuir,
songe-t-il, ce sera pour courir s’abriter dans un bunker de bois ;
très loin de la bande d’arrêt d’urgence ; un de ces jours qui échappent indéniablement au calendrier grégorien, un de ces jours si
peu évidents qu’ils nécessitent nul nom, nul verrou, seulement
un emplacement : précisément à l’encoignure des semaines, un de
ces fameux jours qui se situent à l’abri du temps et du ciel, sous
un plafonnier, très exactement entre dimanche et lundi. Un de ces
jours infiniment nombreux mais étroits, et qui se referment sur
une existence en marge, volontairement solitaire, libre, secrète et
vouée à cette seule perpétuité qui vous déloge enfin de l’ennui et
des autres, mais fatalement aussi, de la probabilité d’un nouvel
accident.
On the racetrack of mass coarseness, where thick smokescreens meet with fierce sneezes, accidents never happen.
One has to come to terms with the idea of self provokation ; otherwise one would miss the opening to break this
self-imposed peaceful infinity, prodigious and heartbreaking whirligig. – To verbalize these insipid moves before the
Achievement. – Found in between the earth and the sink, a
hurricane of glistening bottles of this black gasoline liqueur
flowing down our aluminium throats, highways of times solely sliced up by the high pair of thighs made of flesh, bones
and tyre, wide-opened, hookers, that create these cyclopean
bridges over the large homologated highway, lane of merry-go-rounds, from where yet, overhung, the velocity bows
down before its pilot, when his erratic eyelids offers him the
chance of catching a glimpse of the deep and obscure cave
where to hide. – Pulling off the road !... – Tumbling along a
ribbon of organic tissue, shift from dark to red, then red to
bright before plunging into a last drink... propelled by the
burning breath from a scream into a fresh start. Infinitely far
from the feverish shot and manicured flag still ringing but so
uncertainly ... If we need to flee, he thinks, it will be to run
for shelter in a wooden bunker, very far from the emergency
lane, one of these days undeniably beyond the Gregorian calendar, one of these days so little obvious that they need no
name, no lock, only one location: just at the corner of weeks,
one of those famous days that are sheltered from time and
sky, under a ceiling light, very precisely between Sunday and
Monday. One of these days, but infinitely many however narrow and closed on an existence on the margins, Deliberately
solitary, free, secret and dedicated to this single eternal life
that you finally remove from the tedium and others, but inevitably also the probability of another accident.
Smells like Male spirit by Romain Courtois
Smells like Male spirit Par Romain Courtois
54
55
Jeu, Mort, Désir
Honey, Darling, Sweetie,
Frédéric Lacroix and friend.
56
2010
Sculpture en bois, circuit, 2 voitures, bande
sonore, bouteilles de whisly, verres, livres
infiniesques, drapeau de départ.
320 x 100 x 105 cm
Courtesy Galerie Frédéric Lacroix
2010
Wood sculpture, racing circuit, 2 cars, soundtrack, whisky bottles, glasses, infinite
books, flag.
320 x 100 x 105 cm
57
Bibliothèque infinie (Infinite Library)
2010
Collection de 450 livres comportant dans leurs
titres le mot “infini”.
Contiennent tous une intervention différente de
l’artiste.
Dimensions Variables
2010
Collection of 450 books with the word
“infinite” in their titles.
Original intervention in every book
Variables dimensions
59
60
61
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64
65
Drapeaux (Flags)
2010
Tissu, broderies main, mâts bois, appliques métal
60 x 90 cm chacun
66
Vestiaire (Cloakroom)
2010
Fabric, hand-embroideries, wood masts,
metal fixing
60 x 90 cm each
2010
Perruque brodée main
26 x 32 x 3 cm
2010
Hand embroidered wig
26 x 32 x 3 cm
67
Conversation Avec
Alexandra Kawiak
A Discussion With
Alexandra Kawiak
Julie Crenn
2010
71
Silo (2007) est votre autoportrait. Comment définiriez-vous
votre statut d’artiste ?
J’aime l’idée que l’artiste soit un chef d’entreprise. Dans mes
différents projets, les collaborations entre artisans/spécialistes et
l’artiste sont très importantes. Je ne cherche pas à acquérir un
savoir-faire que je n’ai pas quand j’en ai besoin mais au contraire
de faire appel à des professionnels compétents. Mon objectif, à
terme, serait de créer un système bureaucratique absurde qui
remplacerait le système de travail à l’atelier, où tous les codes du
monde en entreprise tendraient vers des pratiques irrationnelles.
C’est ce qu’illustre Silo, cet « outil » agricole qui, en fait, déverse
des confettis.
Votre exposition à la galerie Frédéric Lacroix, Smells Like
Bitch Spirit, était le parcours symbolique d’un homme assouvissant ses derniers fantasmes avant de mourir. Au bout du
parcours est disposée la Bibliothèque de l’Infini insérée dans la
sculpture Jeu, Mort, Désir, pouvez-vous nous en dire plus ?
Je collectionne les livres depuis longtemps. J’en achète bien plus
que je ne peux en lire, et c’est une grande frustration de savoir
qu’une vie ne suffit pas à lire tous les ouvrages que je souhaiterais.
De là est né le projet de la Bibliothèque Infinie, une collection absurde de livres qui contiennent tous le mot « infini » dans leurs
titres.
Avez-vous des influences artistiques ? Je pense notamment à
la photographie intitulée Pierre Bismuth after Dan Flavin.
Mes influences ne viennent pas tellement d’autres artistes mais
plutôt d’hommes politiques ou de personnages publics. Plus simplement de la vie quotidienne. Pierre Bismuth after Dan Flavin
ou encore H.U.O sont des projets sur la politique du monde de
l’art. La notoriété de l’un et les hommages de l’autre me servent
à ironiser une situation, en l’occurrence un monde élitiste où les
protagonistes se mordent la queue.
Je suis plus influencée par l’Histoire de l’art au sens général,
les mouvements, les copinages et les appartenances. Mais surtout je trouve mon inspiration dans les différentes façons d’écrire
l’Histoire avec un grand H. Les livres d’Histoire sud-africains
édités pendant l’Apartheid sont par exemple très intéressants à
étudier.
72
Silo (2007) is your self-portrait. How would you define
your status as an artist?
I like the idea that the artist is an entrepreneur. In my various projects, collaborations between craftsmen/specialists
and the artist are very important. I do not seek to acquire
know-how that I don’t have when I need it, but rather to call
upon skilled professionals. My goal, ultimately, would be to
create an absurd bureaucratic system that would replace the
system of work in the studio, where all codes in the business
world would tend towards irrational practices. This is illustrated in Silo, this farm ‘tool’ that, in fact, discharges confetti.
Your exhibition at Galerie Frédéric Lacroix, Smells Like
Bitch Spirit, was the symbolic journey of a man fulfilling his
final fantasies before dying. At the end of the trail was the
Library of Infinity inserted into the sculpture Game, Death,
Desire, can you tell us more?
I have been collecting books for a long time. I buy much
more than I can actually read, and it’s a great frustration to
know that one life is not enough for all the books I would like
to read. It is from this that was born the project of the Infinite
Library, an absurd collection of books that contain the word
“infinite” in their titles.
Do you have artistic influences? I refer specifically to the
photograph entitled Pierre Bismuth after Dan Flavin.
My influences do not come so much from other artists, but
rather from politicians or public figures, or even simpler,
from everyday life. Pierre Bismuth after Dan Flavin or even
H.U.O. are projects on politics of the art world. I use the
reputation of one and the tributes to the other to put irony
in situations, and more specifically in an elitist world where
protagonists bite their own tail.
I’m more influenced by the History of Art in a general
sense, by movements, cronyism and memberships. But mostly I find my inspiration in different ways to write History
with a capital H. History books published in South Africa during the Apartheid are, for example, very interesting to study.
BPI is a subversive work against the great thinkers, writers and philosophers. References that seem outdated?
Not really “outdated”, but I have long believed everything
73
BPI est une œuvre subversive à l’encontre des grands théoriciens, écrivains et philosophes. Des références qui vous semblent dépassées ?
Pas vraiment « dépassées », mais j’ai longtemps cru tout ce que
je lisais. J’étais intimidée et naïve, les grands mots suffisaient à
m’impressionner. Petit à petit j’ai commencé à comprendre et
donc à réfuter ces textes. Cette performance-là se moque de ces
auteurs qui se prennent tellement au sérieux… Je me suis plutôt
rapprochée de l’absurde maintenant, ou la dérision est en fait la
plus grande vérité à mes yeux.
H.U.O (Hans Ulrich Obrist, 2007) est également une œuvre
critique …
Oui, elle s’inscrit dans la même perspective critique et ironique, pourtant je ne remets pas en question le travail d’H.U.O.
mais plutôt sa notoriété et le pouvoir qu’il exerce sur le monde de
l’art. En dehors de ce petit monde élitiste, personne ne le connaît.
C’est un hommage et en même temps une pierre tombale…
Pour reprendre la fameuse question de Hans Ulrich Obrist :
Il y a-t-il un projet auquel vous avez dû renoncer pour des
raisons techniques ou autres ?
Presque tous ! Principalement pour des questions d’argent,
quand on est jeune artiste, on ne peut pas tout réaliser mais ça
n’est pas plus mal, on apprend à faire avec peu de choses. Lorsque
je voyage et que j’expose à l’étranger, je travaille sur place et fais
avec ce que j’ai.
L’humour et la dérision jouent un rôle important dans
votre travail.
Oui.
Revenons un instant sur votre installation à Turin en 2010,
Tea For More. Comment s’est passée la rencontre avec les
femmes avec qui vous avez collaboré ?
Je devais au départ établir un projet autour de l’œuvre Rita qui
était le point de départ de l’exposition. À Turin j’ai rencontré la
commissaire d’exposition Karin Gavassa, qui m’a mis en contact
avec cette association de femmes immigrées. L’échange qui a fait
naître Rita avec une immigrée malienne, nous a donné l’envie
d’intégrer le même genre de processus et d’inviter cette association à participer au projet. Quand je les ai rencontrées, il a été dif-
74
I read. I was shy and naive and big words were enough to
impress me. Gradually I began to understand and thus to
refute these texts. This performance then mocks those authors who take themselves so seriously... I’m pretty close to
the absurd now, where derision is really the greatest truth
to me.
H.U.O (Hans Ulrich Obrist, 2007) is also a critical work…
Yes, it takes the same critical perspective and irony, yet I
do not question the work of H.U.O. but his fame and the power that it exerts on the world of art. Outside this little elitist
world, nobody knows him. It is a tribute and at the same time
a tombstone…
To quote the famous question of Hans Ulrich Obrist: Is it
there a project you’ve had to abandon due to technical reasons or other?
Almost all of them! Mainly for money reasons, when you’re
a young artist, you cannot achieve everything but it is not so
bad, you learn to do with little. When I travel and I exhibit
abroad, I work there with what I have.
Humour and irony play an important role in your work.
Yes.
Let us go back to your installation in Turin in 2010, Tea
For More. How did you meet with the women with whom you
collaborated?
I had initially set up a project around the work Rita, which
was the starting point of the exhibition. In Turin I met the
curator Karin Gavassa, who put me in contact with this association of immigrant women. The exchange that Rita has
created with a Malian immigrant, gave us the desire to integrate the same kind of process and invite this association to
participate. When I met them, it was difficult to make them
understand that the installation Tea For More was for them
and not by them. They actually wanted to know what “work”
they would have to do for this project, while the idea was to
offer them a sitting area for resting and exchanging.
The status of women is an important subject to you,
isn’t it?
75
ficile de leur faire comprendre que l’installation Tea For More était
pour elles et non par elles. C’est-à-dire qu’elles voulaient savoir ce
qu’elles auraient à faire comme « travail » pour ce projet. Alors
que l’idée était de leur offrir un espace de repos et d’échange.
Apparently yes! I bring up women in several of my works
almost unconsciously. People often ask me where this feminist spirit comes from?! I was raised with four men at home;
I probably instinctively look for contacts with other women.
La condition des femmes est un sujet important à vos yeux ?
Apparemment oui ! J’évoque la femme dans plusieurs de mes
pièces de manière quasi inconsciente. On me demande souvent
d’où me vient cet esprit féministe ? ! J’ai été éduquée avec quatre
hommes à la maison, je crois que malgré moi je cherche le contact
avec d’autres femmes.
Your work, often in a comical way, emphasizes the injustices and discomfort inherent to our societies. Is Hope
indicative of this suffering ?
Hope is an installation that I first carried out as a young
artist having an exhibition for the first time in New York. The
city where anything is possible. But the work has several levels of interpretation and, given my usual concerns, the work
does not concern me only. This word is universal, everyone
identifies with it and projects his/her desires in it, from the
immigrant from Zimbabwe to the Russian billionaire.
Votre travail, souvent sur un mode cocasse, souligne les injustices et les malaises inhérents à nos sociétés. Hope est-elle
révélatrice de ces maux ?
Hope est une installation que j’ai d’abord réalisé en tant que
jeune artiste exposant pour la première fois à New York. La ville
où tout est possible. Mais l’œuvre possède plusieurs niveaux
de lecture et, compte tenu de mes préoccupations habituelles,
l’œuvre ne me concerne pas seulement. Ce mot est universel, tout
le monde s’y identifie et y projette ce qu’il désire, de l’immigré
Zimbabwéen au milliardaire russe.
Vous menez une réflexion sur les relations entre Nord/Sud
et la situation des personnes immigrées en Occident.
Oui, j’ai toujours été intriguée par les déplacements, ayant
moi-même voyagé dès mon plus jeune âge, je me suis vite rendu
compte que cette liberté de mouvement n’était pas la même pour
tout le monde. Aussi bien au niveau financier, car il faut pouvoir
payer son voyage mais surtout sur le plan territorial. Ne pas être
en droit de quitter son pays par exemple ou de ne pouvoir résider
facilement dans un autre est une source d’ambiguïtés et de frustrations qui m’intéresse car elle génère des situations complexes,
d’impossibilités, qui nourrissent l’imagination. Ces citoyens sont
alors plongés dans l’imagination de l’ailleurs et ces formes me
passionnent.
Dans la continuité de cette réflexion, vous souhaitez vous
engager en tant que commissaire dans un projet de biennale
entre le Portugal et le Maroc. Quelles sont vos idées et quel
est votre objectif ?
Lors de mes nombreux déplacements à Tanger au Maroc, j’ai
76
You follow a train of thoughts on relations between
North/South and the situation of immigrants in the West.
Yes, I’ve always been intrigued by the displacements, having myself started travelling from my childhood ; I quickly
realized that this freedom of movement was not the same for
everyone. Financially, because you have to pay for the trip,
but especially geographically. Not being allowed to leave his/
her own country for example or not being able to easily reside
in another, is a source of ambiguities and frustrations that
interests me because it creates complex situations, impossibilities, which nourish the imagination. These people are
then immersed in imagination and its forms fascinate me.
In line with this thinking, you want to get involved as a
commissioner in a biennial project between Portugal and
Morocco. What are your ideas and what is your goal?
During my many trips to Tangier in Morocco, I have discovered many artists, Moroccans but also artists of other nationalities who live and work there. It is a very special place;
the end of Europe and the beginning of Africa, it makes this
city a “zone” of “possibilities”.
There are arts events in Marrakech, Rabat and Casablanca, but very few in the North and that is why I had the desire
to create something there. I desire to bring together works of
artists whose concerns encompass the geopolitical context
of Tangier. I work on this project with a Portuguese curator
77
découvert de nombreux artistes, marocains mais aussi d’autres
nationalités qui vivent et travaillent là-bas. C’est un endroit très
particulier, la fin de l’Europe et le commencement de l’Afrique
font de cette ville une « zone » de « possibles ». Il y a des événements artistiques à Marrakech, Rabat et Casablanca mais très peu dans le Nord et c’est pour cela que j’ai eu
l’envie d’y créer quelque chose. J’ai le désir d’y réunir des œuvres
d’artistes dont les préoccupations géopolitiques embrassent le
contexte Tangérois. Je travaille sur ce projet avec un commissaire
d’exposition Portugais, Nuno Sacramento, qui m’a rendu visite à
Tanger et qui s’est lui aussi tout de suit rendu compte du potentiel inexploité au niveau de la création artistique de cette ville. Le
projet est en développement.
78
Nuno Sacramento, who came to visit me in Tangier and who
also immediately realized the untapped potential in terms of
artistic creation in this city. The project is in progress.
79
Come As You
Are Not
83
Come As You Are Not
Exposition personnelle à la galerie Frédéric
Lacroix, Paris, France, novembre-décembre 2008
Solo show at Frédéric Lacroix's gallery, Paris,
France, november-december 2008
85
Viens comme t'es pas.
Viens comme tu penses être.
Viens comme les gens pensent que tu n'es pas.
Viens parce que les gens savent pas qui tu es.
Viens parce que t'es pas invité.
Viens quand même.
Viens parce que certains aimeraient que tu sois pas là.
Viens à la place de quelqu'un que tout le monde adore.
Come as you are not.
Come as you think you are.
Come as people think you are not.
Come because people do not know who you are.
Come because you are not invited.
Come anyway.
Come because some would like you not to be there.
Come instead of someone who everyone loves.
Viens comme t'étais avant d'être nudiste :
Viens habillé en femme.
Viens comme t'étais avant d'être une business woman :
Viens habillée en femme.
Viens comme t'étais avant de t'habiller en femme :
Viens à poil.
Come as you were before being a nudist:
Come dressed as a woman.
Come like you were before being a business woman:
Come as a woman.
Come as you were before you dressed like a woman:
Come naked.
Viens voir ceux qui sont pas venus :
Viens pas.
Viens te demander pourquoi t'es venu.
Viens voir ce que t'es devenu.
Viens voir ce que tu vas devenir.
Viens voir ta future coupe de cheveux.
Come see those who didn’t come:
Do not come.
Come to ask yourself why you came.
Come see what you became.
Come see what you are going to be.
Come see your next haircut.
Viens parler uniquement dans ta tête.
Viens parler avec tes mains.
Viens à pied.
Come speak only in your head.
Come speak with your hands.
Come by foot.
Viens comme t’es plus :
Une planète de mer et de terre.
Viens à la nage si t'aimes pas ta mère.
Viens en marchant sur l'eau si t'as jamais connu ton père.
Viens prendre des news de Jesus.
Come as you are not anymore:
A planet of sea and land.
Come by swimming if you do not like your mother.
Come by walking on the water if you do not know your father.
Come check some news of Jesus.
Viens en planche à roulettes, comme les jeunes.
Viens faire la bamboula.
Viens danser sans meuf sur du rap français.
Viens faire semblant de pas reconnaître quelqu'un.
Va saluer quelqu'un qui t'aimes pas.
Viens choisir qui tu vas être.
Come by skateboard, like the teenagers.
Come do the Bamboula.
Come dance without a chick on french rap music.
Come act like you did not recognise someone.
Come say hi to someone that does not like you.
Come choose who you want to be.
Par Romain Courtois
86
By Romain Courtois
87
Kawiak & Courtois
88
Eating Kurt
Vues de l'exposition
Insights of the exhibition
89
Rita
2008
Cheveux synthétiques, mannequin-socle
50 x 50 x 170 cm
2008
Synthetic hairs, mannequin base
50 x 50 x 170 cm
Atelier , 2007
90
91
… ] La jeune artiste, Alexandra Kawiak, s’est intéressée à
l’univers des salons de coiffures afro et a présenté entre novembre
et décembre 2008, son exposition personnelle Come As You Are
Not à la galerie Frédéric Lacroix. Une œuvre surprenante y figure,
Rita (2008), une sculpture composée d'un mannequin socle et de
cheveux synthétiques. Une silhouette de femme est reconnaissable, son corps et son visage sont totalement recouverts de longues
tresses de cheveux noirs. La masse de tresse prend la forme d'une
burka, vêtement religieux associé aux femmes afghanes. L'œuvre
procède à un retournement visuel et culturel. La chevelure, objet
sacré devant être enlevé aux yeux des hommes dans la culture islamique, est ici exacerbée et prend la forme de l'objet dissimulateur : la burka. Ce qui doit être caché est montré.Le fait de volontairement choisir de longues tresses noires, ce que le spectateur
associe immédiatement à la culture africaine, vient d'une rencontre de l'artiste avec une coiffeuse malienne, Rita. Au cours de ballades dans le quartier dit Africain de la capitale française, Château
d'Eau, Alexandra Kawiak s'est intéressée aux nombreux salons de
coiffures afro. Ce qui frappe le passant, ce sont ces tas de cheveux
coupés étendus sur les trottoirs. Le salon de coiffure afro est bien
plus qu'un simple salon de coiffure, c'est un lieu où les femmes se
retrouvent pour échanger, manger, s'occuper d'elles. Un espace
intergénérationnel au sein duquel les femmes parlent de leurs
préoccupations, du quotidien, elles parlent des femmes. Kawiak
y a rencontré Rita, lui a exposé son projet et elles l'ont co-réalisé.
Après avoir voyagé en Afrique du Sud, Au Maroc, au Zimbabwe
et en Tunisie, la jeune artiste, imprégnée de ses expériences a voulu réfléchir sur la vie des femmes immigrées installées en France.
Elle dit : « Le mix de mes voyages et préoccupations, a abouti au
désir de travailler avec les femmes immigrées vivant a paris, sans
papiers et dans des situations difficiles,psychologiquement surtout.
Habitant à paris et nostalgique des ambiances de ce qu'on appelle
l'Afrique. » Sans visage, réduite à sa chevelure, la femme Rita de
Kawiak parle de la « perte totale d'identité ». Elle renvoie aux dogmes extrêmes religieux, au patriarcalisme et à la censure du genre
féminin. Les tresses comme symbole de l'Afrique se retrouvent
dans les travaux de nombreux artistes (Occidentaux et extra Occidentaux). Elles sont en lien étroit avec l’intimité et les femmes,
comme nous l’avons vu avec Rita de Kawiak, les tresses plongent
le spectateur dans le monde des femmes Noires, celui de leur quotidien et de leurs préoccupations. Les cheveux sont pour elles un
signe extérieur d’élégance, mais aussi de fierté culturelle.
Extrait de l'article : Black Hair : Signe extérieur
culturel, politique et social. Julie Crenn, 2008
94
… ] The young artist, Alexandra Kawiak, was interested in
the universe of the Afro hairdressing salons and presented
between November and December, 2008, her personal exhibition Come As You Are Not in the gallery Frédéric Lacroix. A
surprising work represents, Rita ( 2008 ), a sculpture made out
of a model pedestal and of synthetic hair. A feminine silhouette
is recognizable, its body and the face are totally covered with
long plaits of black hair. The mass of plait takes the shape of a
burka, a religious garment associated with the Afghan women.
The work proceeds to a visual and cultural reversal. The hair,
holy object that must be hidden from the eyes of the men in
the Islamic culture, is aggravated here and takes the shape of
the secretive object: the burka. What must be hidden is shown.
The fact of voluntarily choosing long black braids, which the
spectator immediately associates with the African culture,
comes from a meeting of the artist with a Malian hairdresser,
Rita. During walks in the African district of the French capital, called Château d’Eau, Alexandra Kawiak was interested in
the many Afro hairdressing salons. What strikes the passers
by, are these heaps of cut hair on the pavements. The Afro
hairdressing salon is much more than one simple hairdressing salon, it is a place where women come to talk, exchange
thoughts, to eat and take care of themselves. A generation
mixed space in which the women speak about their concerns,
their everyday life, they speak about women. Kawiak met Rita
there, exposed her project and then corealized it. After having
travelled to South Africa, Morocco, Zimbabwe and to Tunisia,
the young artist, impregnated by these experiments wanted
to reflect on the life of the immigrant women living in France.
She says: “The mixes of my travels and concerns, led to the
desire to work with immigrant women living in Paris, without
official papers and in difficult situations, especially psychologically. Living in Paris and being nostalgic about what is called
‘Africa’. Without face, reduced to her hair, the woman Rita of
Kawiak speaks about the “total loss of identity”. She returns
to the religious extreme dogmas, the patriarcalism and the
censure of the female kind. The braids as symbol of Africa are
found in works of many artists (Western and extra Westerners). They are in close link with the intimacy and the women,
as we saw with Kawiak’s Rita, the braids plunge the spectator
in the world of black women, that of their daily life and their
concerns. The hair is for them a sign external of elegance, but
also of cultural pride.
Extract of the article: Black Hair: Exterior sign of
culture, politics and society. Julie Crenn, 2008
95
Bamboula
2008
Néon peint et transformateur
110 x 25 x 3 cm
First
96
2008
Painted neon light
110 x 25 x 3 cm
RC
97
Palais De Tokyo
2008
Photographie
110 x 70 cm
Courtesy Collection Privée Patrick Goux
98
Map #2
2008
Photography
110 x 70 cm
Courtesy Private Collection Patrick Goux
2008
Impression numérique sur papier
Exemplaire unique
115 x 85 x 10 cm
2008
Laser print on paper
Single copy
115 x 85 x 10 cm
99
Arte Christ
hahahahaha
100
2007
Photographie
130 x 98 cm
Photographie prise à Kassel, Allemagne,
durant la Documenta XII.
2007
Photography
130 x 98 cm
Photograph taken in Kassel, Germany,
during Documenta XII.
101
Parking Orchestra
Projection a la Fondation Pierre Cardin, Paris, 2010
102
2007
Video, 2 : 53
Cette vidéo a été pensée et tournée en Afrique
du Sud dans la ville du Cap. Dans un contexte
Post-apartheid, la question de l’immigration est
omniprésente, autant dans la réalité quotidienne
que dans le positionnement politique du pays.
De nombreux immigrés s’y installent, venant majoritairement de la République démocratique
du Congo ou d’Afrique de l’ouest, et certains
d’entre eux se sont créés cet emploi de fortune
( garer votre voiture en échange d’une pièce )
qui de par leur gestuelle de l’attente sont une des
représentations du climat actuel.
2007
Video, 2 : 53
This video was created and shot in Cape town,
South Africa. In a post –apartheid context, the
question of immigration is ubiquitous, in everyday life reality as in political positions. Most
immigrants moving to South-Africa come from
Democratic Republic of Congo and Western
Africa. The poorest of them created this ‘job’
which consists in helping you park your car
and keeping an eye on it in exchange for a little
cash. I use their gestures which I think are
representative of the actual climate.
103
Hope
Photo / Fabio Cionini
104
2007
Installation
1000 étiquettes de bijouterie
100 x 300 cm
Courtesy Collection Privée
Micha Ziprkowski 1/3
2007
Installation
1000 jewellery tags
100 x 300 cm
Courtesy Private Collection
Micha Ziprkowski 1/3
105
Avec Hope, une œuvre réalisée pendant l’été 2007, Alexandra
Kawiak s’inscrit dans ces nouvelles postures artistiques qui sont
aussi attentives aux questions formelles qu’à la dimension sociale
et politique de l’art d’aujourd’hui.
La jeune artiste française a exécuté une pièce de 3 mètres
d’envergure sur 1 mètre de haut, confectionnée avec 1000 étiquettes de bijouterie dont les fils rouges mesurent 7 cm de long.
Le résultat le plus immédiatement visible sinon lisible est le mot
anglais HOPE. La typographie utilisée est celle que l’on retrouve
dans les devantures des magasins, plus exactement sur les enseignes commerciales.
Une des particularités de cette œuvre est d’être accrochée au
plafond, ce qui oblige le visiteur du New Art Center à New York a
lever la tête pour la voir. L’artiste a intégré dans cette présentation
une habitude visuelle de notre époque qui dans la rue nous conduit souvent à lever les yeux attiré par les publicités qui s’offrent
à nous, la chose étant encore plus vraie dans la verticalité new
yorkaise dessinée par l’architecture de la ville. Alexandra Kawiak
« surfe » sur cette habitude. Elle se situe dans la lignée des Pierre
Huygue ou Bruno Serralongue qui donne au spectateur un rôle
actif. Le spectateur est de fait en action devant cette œuvre qui
l’interpelle, qui demande une réaction, un échange.
Hope est sûrement tout d’abord, l’espoir immense que tout
artiste ressent lorsqu’il a la chance de présenter son art à New
York. C’est aussi pour une jeune artiste qui observe la société la
promesse d’espoir que tout être humain devrait avoir sur notre
planète. On sait bien que la réalité est cruellement différente et
qu’une partie de l’humanité semble bien, malheureusement, avoir
perdu tout espoir. Remplie de sens, cette œuvre est aussi politique
esthétiquement.
On ne saurait oublier dans l’analyse la métaphore de la société
de consommation irrémédiablement évoquée par des étiquettes
d’un produit destiné à ceux qui peuvent consommer…
Le monde a changé, pas seulement l’art, dont on voit bien que
le temps des avants gardes est révolu.Les Duchamp et les Klein,
pour ne citer qu’eux, ont ébranlé les citadelles et définitivement
frayé les passages entre les disciplines, dessins, photos, installations. C’est aussi en cela qu’Alexandra Kawiak est bien une artiste
de son temps qui se meut avec une grande aisance à travers toutes
les disciplines et réalise ici, une installation relationnelle, sinon
un art-événement !
With Hope, a work she created during summer 2007, Alexandra Kawiak belongs to these new artistic attitudes where
formal questions are just as important as the social and political dimension in present-day art.
The young French artist has produced a 3 metres long and
1 metre high piece of work made of 1000 jewellers’ labels
with red threads each measuring 7 cm. The most immediately visible if not readable result is the English word HOPE.
The typography used is the one you find in shop windows,
more precisely on billboards.
One of the specific features of this work of art is that it is
hanging from the ceiling, which forces the spectator to raise
his head to see it. The artist has included in this presentation the current visual habit whereby in the street one often
tends to look up to see the advertising. Alexandra Kawiak
“surfs” this habit. She is in the tradition of artists such as
Pierre Huygue or Bruno Serralongue who give an active part
to the spectator. The spectator is in action in front of this
work which appeals to him, asks for a reaction, an exchange.
First of all Hope is almost certainly the huge hope that any
artist feels when he is given the chance of presenting his art.
For a young artist who is watching the society, it is also the
promise of hope that any human being on our planet should
have. We all know that reality is cruelly different and that one
part of humanity has unfortunately totally lost hope. Full of
meaning, this work is also aesthetically political.
In the analysis one cannot leave out the metaphor of the
consumer society irremediably conjured up by the labels of a
product intended for those who can consume…
The world has changed, not only the art, in which we can
see that avant-garde times are over. The Duchamp and the
Klein, to only name these, have shaken the citadels and definitely cleared the ways between subjects, drawings, photos,
installations. In the same way Alexandra Kawiak is an artist
in line with her times, she moves with great ease amongst
these subjects and has here created a relational installation,
if not an event-art !
Henry Périer, August 20th 2007
Henry Périer, 20 août 2007
108
109
Evermind
113
Fight Racism: Marry A Tiger
2010
Photographie
47 x 62 cm
2010
Photography
47 x 62 cm
115
Pimp The Absurd - Reading Beckett
Samuel Beckett
116
2008
Collection d'images vidéos.
Artistes, pianistes, dentistes, cheerleaders, etc...
lisent un passage, de leur choix, d'un ouvrage
de Samuel Beckett.
2008
Video collection.
Artists, pianists, dentists, cheerleaders, etc...
read their favorite lines of a Samuel
Beckett's text.
117
Pierre Bismuth after Dan Flavin
2008
Photographie
80 x 68 cm
2008
Photography
80 x 68 cm
Most Wanted Man / Bruxelles (Dan Flavin)
Pierre Bismuth, 2006
118
119
Le projet consiste à installer un fax
derrière la vitrine de la galerie, sur une
table, un néon blanc au dessus comme
seule lumière afin de créer une atmosphère bureaucratique stérile. Tous les
jours, durant les heures d'ouverture habituelles de la galerie, un fax différent
sera envoyé.
La personne en charge devra les fixer à
l'aide de scotch transparent, directement
sur la vitrine, coté face du fax visible de
l'extérieur car le seul point de vue de
l'exposition sera en dehors de la galerie.
Le fax numéro 1 sera tout en haut à
gauche (vue extérieure), le fax numéro 2
sera à coté du fax numéro 1 (horizontalement) et ainsi de suite jusqu'au recouvrement complet de la vitrine.
Le fax en lui même, la table et le néon
seront de moins en moins visibles au
fur et à mesure que les fax recouvriront la vitrine. A la fin de l'exposition,
l'accumulation de fax créeront une image
unique et indépendante.
Les fax seront de plusieurs natures :
dessins, photographies ou textes ainsi les
lignes qui créeront l'image finale apparaîtront aléatoirement.
Le premier fax sera envoyé le soir du
vernissage, à une heure exacte, tel une
performance.
Un texte explicatif ainsi que mon
adresse mail sera distribué au public,
n'importe qui pourra ainsi m'envoyer une
proposition de fax qui pourrait apparaître sur la vitrine.
The projects consists in a fax machine on a table, behind the window,
with a bright neon above it to create a
sterilised bureaucratic atmosphere.
Every day, during the usual opening
hours of the gallery, a different fax will
be sent.
The person in charge would have to
fix them, with transparent scotch tape,
directly on the show window, faxes facing the outside as the only point of
view will be from the outside.
Fax number One will be top left (viewed from outside), fax number Two
will be next to fax number One (horizontally), and so on until the whole window is full of fax messages.
The fax machine, the table, the neon
light and the gallery space will be less
and less visible day after day as the
fax messages will cover the show window more and more. At the end of the
exhibition, the accumulation of faxes will
create an independent image or text.
The faxes will be of all sorts: drawings,
pictures and texts on the background,
and the lines which will create the final image will appear at random. Some
faxes will then be completely white.
The first fax would be sent the night
of the opening, at an exact time, as a
happening.
A text explaining the situation with
my e-mail address will be passed
round and anyone from the public can
have the possibility to send me proposals that might appear as faxes on the
show window.
The Fax
2008
Installation
2008
Installation
Variable dimensions
Bed breakfast
120
121
Countdown
2007
Installation vidéo
Neuf télévisions en cercle. Les bâtiments tombent
après explosion, les uns après les autres comme
une suite de dominos.
122
2007
Video Installation
Variable dimensions
Nine televisions in circle. Buildings are slowly
falling one after an other, like dominos.
123
The Silo
Building up The Silo
124
Pole dance
2007
Sculpture
Bois, confettis
150 x 150 x 420 cm
The Silo est une reproduction à l’échelle d’un silo
industriel. Cette pièce, d’un format monumental,
prend toute sa force dans le détournement qu’elle
propose. En effet, les confettis multicolores qui se
déversent de cet immense réservoir offrent une
surprise de taille au spectateur. J’aime à dire que
c’est un autoportrait. Le silo représente à mes yeux
le monde du travail agricole, le travail difficile,
de dur labeur.Les confettis, synonymes de fête,
illustrent dans ce cas le travail de l’artiste que
je suis en opposition au travail « réel » et « douloureux » qu’évoquent pour moi les agriculteurs.
2007
Sculpture
Wood, confetti
150 x 150 x 420 cm
The Silo is a reproduction to scale of an
industrial silo. This work, of a monumental
size, takes all its power in the diversion that it
offers. In fact, the multicolored confetti
that runs out of this huge tank is surprising to
the viewer. I like to say that this work is a
self portrait. The silo is for me the symbol of
agricultural work which is really hard. The
confetti, symbolising festivity, illustrates in
this case the work of the artist that I am, in
comparison with the ‘real’ and ‘painful’ work
of a farmer.
125
Love Is On Strike
2007
Installation
Tissu, bois, peinture
450 x 300 x 250 cm
Tom Uféras, artiste
Fondation Pierre Cardin, Paris
126
2007
Installation
Textile, wood, paint
450 x 300 x 250 cm
Sweet Family
127
BPI
2007
Performance
La BPI est une des plus grande bibliothèque à
Paris. Située dans l’enceinte du Centre Pompidou.
Je m’y suis introduite pour y coller des fausses
moustaches, des « postiches » sur les visages de
philosophes, photographies sur les couvertures de
leurs livres.
128
Blind
2007
Happening
BPI is one of the biggest library in Paris. It
is located in the Centre Pompidou building.
I went there to stick fake moustaches on
philosophers's faces, pictures found on covers
of their books.
2007
Installation
Retroprojecteur au sol
Dimensions variables.
Un projecteur est placé au sol et diffuse alternativement une image vierge et le mot « blind »
(aveugle) difficilement visible.
2007
Installation
Projector on the floor.
Variable dimensions
A projector situated on the floor diffusing
alternatively a blank image and the
word “blind”, hardly visible.
129
A Dog Day Afternoon, Bali - New York
2006-2007
Installation Vidéo
8 : 35
Deux projections diffusent les images de deux
êtres errants. L’un est un chien Balinais, un chien
des rues, qui a chaud et soif, qui traine les pattes.
L’autre est un businessman new- yorkais, dont on
ne voit que les jambes qui se pressent dans le
rush du matin. Une mise en parallèle de deux
êtres, vivants aux antipodes, géographiques et
humaines, l’un de l’autre. Qui font face à des
choix, des décisions de directions, aléatoires pour
l’un, méticuleusement calculées pour l’autre.
130
2006-2007
Video Installation
8 : 35
Two video projections. One was shot in Bali,
a dog is slowly walking under the heat, the
second was shot in New-York, footsteps of a
businessman in New york city’s morning
rush , where only his legs are visible.
YouTube Rabbit
2006
Video, 22 sec.
http://www.youtube.com/watchv=loLdOKuljLA
2006
Video, 22 sec.
http://www.youtube.com/watchv=loLdOKuljLA
131
In Utero
2006
Installation vidéo
Tente-robe de mariée, paillasson animal
3,50m x 2,50m x 2m
Vidéo 4 :27
132
2006
Video Installation
Tent-wedding dress
Animal welcome mat
3,50m x 2,50m x 2m
Video 4 :27
133
Six
2006
Video 5 :12
Dans une forêt, six pattes d’un animal hybride
marchent.
2006
Video 5 :12
In a forest, six legs of an hybrid animal are
walking.
Kotlet at home
134
135
46 Feuilles Mortes (46 Dead Leaves)
Bruxelles, Belgium, 2008
136
2005
Installation
Plaque mortuaire en granit gravée
30 x 30 cm
Plaque mortuaire en granit réalisée par une entreprise de pompes funèbres à ma demande.
2005
Installation
Engraved granite stone
30 x 30 cm
Granite memorial stone I asked funeral
services to realise.
137
Loups VS. Moutons (Wolves VS. Sheeps)
2005
Installation Vidéo
2 vidéos, 26 min chacune, en boucle.
Deux écrans de télévision se font face. J’ai
demandé à des gens, trouvés dans l’annuaire,
dont les noms de famille sont « Loup » ,
sur le premier écran , de regarder des moutons
sur l’écran opposé.
138
2005
Video Installation
2 Videos, 26 min each, in loop
Variable dimensions
Two screens are facing eachother. I asked
people with the surname Wolf
(Loup in French) on one screen, to look at
sheep on the other screen.
139
Julie Crenn
A obtenu un Master recherche en histoire de l’art
à l’université Rennes 2, dont le mémoire portait
sur l’art de Frida Kahlo. Dans la continuité de ses
recherches sur les pratiques féministes et postcoloniale, elle est actuellement doctorante en Arts à
l'Université Michel de Montaigne,
Bordeaux III. Sa thèse est une réflexion sur les
pratiques textiles contemporaines (de 1970 à nos
jours). Des pratiques artistiques mettant en avant
les thématiques de la mémoire, l’histoire, le genre
et les identités (culturelles et sexuelles).
Henry Périer
Est Docteur en Histoire de l’art. Auteur de nombreux articles et de catalogues sur l’art, la parution de sa biographie sur Pierre Restany, un des
personnages les plus influents de l’art au niveau
international de la deuxième moitié du XXème
siècle, le positionne comme l’un des spécialistes
du Nouveau Réalisme, le pendant européen du
Pop art. Commissaire d’exposition indépendant,
il a organisé de nombreux événements, le dernier,
en 2009, étant la plus grande exposition Bernard
Buffet jamais réalisée en France depuis quarante
ans. C’est aussi un des spécialistes français de l’art
contemporain Chinois. Commissaire de l’Année
de la Chine en France en 2004 avec l’exposition
« Chine, le corps partout ? » au Musée d’Art Contemporain de Marseille, auteur en 2008 du texte
de China Gold, chez Gallimard. Une exposition
dont il a été le consultant au musée Maillol à
Paris. Il sera aussi le curator du Panda Fashion
Show de Zhao Bandi au Palais de Tokyo à Paris,
en mars 2009.
143
Alexandra Kawiak est représentée par la
Galerie Frédéric Lacroix,
13, rue Chapon,
75003 Paris, France
www.galeriefredericlacroix.com
Expositions Personnelles / Solo Shows
2010 : Alexandra Kawiak, WE gallery, Curated by Karin Gavassa, Torino, Italy
Smells Like Bitch Spirit, Galerie Frédéric Lacroix, Paris, France
2008 : Come As You Are Not, Galerie Frédéric Lacroix, Paris, France
2007 : The Silo et Love Is On strike, Ensba, Paris, France
2004 : Amnezja, Teatr NN, Lublin, Pologne
2002 : Glowy Glory, Galerie Megna, Bangalore, Inde
Expositions Collectives / Group Shows
2010 : Graouw, Galerie Intuiti, Paris, France
Collection Permanente, Curated by Isabelle Le Normand, Mains D’oeuvres,
Saint Ouen, France
Rita, Ici & Demain, Fondation Pierre Cardin, Paris, France
2009 : Reclame, Curated by Nuno Sacramento, Lisbon, Portugal
2008 : 3 days project, Design Festa Gallery, Tokyo, Japon
2007 : Safari, Arte Christ et Map #2, FROM TO, Une Trilogie Méditerranéenne,
Musée Palais des Arts Marseille, France
Hope, Curated by Serge Gregorian, En plein view : French Artists in New
York, New Art Center New York, U.S.A
46 Feuilles Mortes, In utero et Apcet…,
Exposition FROM TO, Melina Contemporary Art Center, Athenes, Grece
2005 : Né dans le béton, Installation dans le parc du Biez, Caen, France
Jeudi’s, Cycle d’interventions-performances au Centre Pompidou, Paris,
France
2004 : Amnezja, Château de la petite Malmaison, Rueil-Malmaison, France
145
[email protected]
www.alexandrakawiak.com
imsocontemporary.blogspot.com
© Alexandra Kawiak / 2010

Smells Like Bitch Spirit

Transcription

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