European Economic and Social Committee Comité économique et
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5 European Economic and Social Committee Comité économique et social européen 5 This publication is a part of a series of catalogues published in the context of the exhibitions organized by the EESC. La présente publication fait partie d’une collection de catalogues édités dans le cadre des expositions organisées par le CESE. The EESC’s mission Committed to the building of Europe, the EESC contributes to strengthening the democratic legitimacy and effectiveness of the European Union by enabling civil society organisations from the Member States to express their views at European level. It fulfils three key missions: • Advising the European Parliament, the Council and the European Commission so as to ensure that EU policies and legislation match economic, social and civic realities • Building a more participatory EU, closer to its citizens • Promoting EU values and civil society organizations globally Mission du CESE Engagé dans la construction européenne, le CESE contribue au renforcement de la légitimité démocratique et de l’efficacité de l’Union européenne (UE) en permettant aux organisations de la société civile des États membres d’exprimer leur avis au niveau européen. Le CESE accomplit trois missions essentielles: • assiste le Parlement européen, le Conseil et la Commission européenne afin que les politiques et la législation européennes soient mieux adaptées aux réalités économiques, sociales et civiques; • favorise le développement d’une UE plus participative et plus proche de ses citoyens; • promeut les valeurs de l’UE et les organisations de la société civile globalement. { Culture } expo Federico Fellini { EN } Prova d’orchestra (1978) Fellini tague the walls of the set representing a disused church transformed in concert hall Fellini tague les murs du set représentant une église désaffectée et improvisée en salle de concert. © PierLuigi 2 { FR } Cover / Couverture I clowns (1970) © Fondation Fellini pour le cinéma Fellini as demiurge and travelling performer Fellini démiurge et saltimbanque { Culture } expo Federico Fellini 4 { EN } { FR } The first landmark event in Fellini’s life took place in his early childhood. The story goes that at the age of seven the young Federico, captivated by the act of Pierino the clown, ran away to join the circus when the troupe left Rimini, the small town in Emilia-Romagna where he was born. Whether this episode from the summer of 1927 actually took place or was reinvented by Fellini for his “ideal” biography, it reminds us that the lights of the circus shone on the maestro’s cinematic birth and would go on to envelop his entire body of work, from La strada right up to and including his last testament, La voce della luna, in which the moon appears to swing on a trapeze above the earth. In a well-known essay1, Jean Starobinski draws a comparison between the artist and the figure of the “saltimbanque” or travelling performer, the modern creator’s transgressive wanderer double. Fellini is just such an itinerant artist-performer, with the enchanted circus ring of his childhood leading straight to the world’s most renowned big-top, Cinecittà’s Studio 5. Immersed in this space of infinite possibilities, the magician transforms the set, metamorphosing it into a Venetian lagoon (Casanova), a fantastical city (La città delle donne) or a small provincial town (Amarcord), and using it to reconstruct the Via Veneto, the subterranean world beneath Rome and an entire neighbourhood of the city (La dolce vita, Roma, Le tentazioni del Dottor Antonio). During the Years of Lead, a period of turmoil in Italy, this studio, in the guise of an old disused church, was to offer one of the most powerful metaphors on power, order and chaos (Prova d’orchestra). Later, in 1983, the set of Studio 5 became the maestro’s shipyard, where he built an operatic-ocean liner, the Titanic-esque Gloria N, which took the aristocracy of the Belle Époque down with it into the shipwreck of the First World War. However, like the brightly-lit circus ring, Fellini’s Studio 5 is so much more than the scene of shifting sequences of images. It is a crucible for the shaping of a ‘total’ art, one that gives form to the dreams of director and spectator, suddenly united in the same disconcerting adventure. An event in itself, each film seems to break and reinvent the rules of cinema and the rules of narrative. Each film represents a new universe, where, as in Otto e mezzo (8½), every artist’s most intimate questions seem, for the first time, to find a response. Le premier événement crucial de la vie de Fellini remonte à son enfance. Enchanté par le numéro du clown Pierino, le jeune Federico, alors âgé de 7 ans, fugua et rejoignit la troupe du cirque lorsque celui-ci quitta Rimini, sa petite ville natale d’Emilie Romagne. Que cet épisode de l’été 1927 soit authentique ou recomposé par Fellini pour sa biographie idéale, il nous rappelle que le Maestro est né au cinéma dans la lumière du cirque et que cette lumière enveloppera toute son œuvre, de La strada à La voce della luna, ce film testament où l’astre de la nuit fait du trapèze sur le monde. Dans un essai fameux1, Jean Starobinski rapproche l’artiste de la figure du saltimbanque, ce double errant et transgressif des créateurs modernes. En ce sens Fellini est un artiste saltimbanque: la piste enchantée du cirque de son enfance s’est prolongée dans le plus fameux chapiteau du monde, le Teatro 5 à Cinecittà. Immergé en ce lieu de tous les possibles, le magicien métamorphose le set en lagune vénitienne (Casanova), en ville fantasmatique (La città delle donne) ou en petit bourg de province (Amarcord), il y reconstruit la Via Veneto, le sous-sol et un quartier entier de Rome (La dolce vita, Roma, Le tentazioni del Dottor Antonio). Pendant les Années de plomb et les troubles majeurs en Italie, ce studio transformé en ancienne église désaffectée proposera l’une des plus puissantes métaphores sur le pouvoir, l’ordre et le chaos (Prova d’orchestra). En 1983, le Teatro 5 deviendra l’Arsenal du Maestro: il y bâtit un navire-opéra, le Gloria N, sorte de Titanic emmenant l’aristocratie de la Belle époque vers le naufrage de la Première Guerre mondiale. Mais le Teatro 5 de Fellini, comme l’arène illuminée du chapiteau, révèle bien plus que des fantasmagories, c’est un creuset où prend forme un art total déclinant les rêves du créateur et du spectateur, soudain unis dans une même aventure déconcertante. Chaque film est un événement, car chaque film semble réinventer et transgresser les règles du cinéma et les règles du jeu narratif, chaque film représente un univers inédit ou, comme Otto e mezzo, semble répondre pour la première fois aux interrogations les plus intimes de tout artiste. 1. Jean Starobinski, Portait of the Artist as Saltimbanque, Skira, 1970. 1. Jean Starobinski, Portrait de l’artiste en saltimbanque, Skira, 1970. La dolce vita (1960) © Fondation Fellini pour le cinéma Amarcord (1973) Fellini mime the scene in which Tita (Bruno Zanin) caress the leg of Gradisca (Magali Christmas) Fellini mime la scène où Tita (Bruno Zanin) caresse la jambe de la Gradisca (Magali Noël) © PierLuigi { Culture } expo Federico Fellini 5 { EN } { FR } “Within the radius of the spotlight lay the world in which he was born anew each evening2 .” This homage to clowns from the American novelist, Henry Miller (who, incidentally, played a key role alongside Georges Simenon, the president of the 1960 Cannes Film Festival panel, in securing the Golden Palm for La dolce vita) encapsulates the sense of Fellini’s poetry. In the director’s own words, it is in this “light that cannot be given by the sun” that life and memory can be reborn, death becomes laughable and history takes on new and different meanings. Thus, in Fellini’s Casanova, the amorous adventures of Giacomo Girolamo Casanova, Knight of Seingalt, are replaced by a string of lavish and grotesque episodes, leading the famous but now unrecognisable libertine into the belly of a whale at the heart of an improbable London fairground, inhabited by a giantess and two dwarves. Although Venice was originally envisaged as the location, the film finally had to be shot in Rome, a long way from the Most Serene City. In Fellini’s recreation, which renounces both realism and aesthetic conventions, the master of the waters, like some ancient Poseidon, uses huge fans to whip up a stormy plastic sea and the historical figure of Casanova is duly obliterated and recast as a serial loser. « Dans le champ du projecteur gisait, cerné, l’univers où tous les soirs, renaissait Auguste2 . » Dans cet hommage qu’Henry Miller consacra au clown, Le Sourire au Pied de l’échelle, le romancier américain qui, faut-il le rappeler, joua un rôle clé aux côtés de Georges Simenon, président du jury du Festival de Cannes en 1960, pour l’attribution de la Palme d’0r à La dolce vita, dit en un mot tout le sens de la poésie fellinienne: dans une lumière qui n’est pas celle que peut donner le soleil, selon les mots mêmes de Fellini, la vie et la mémoire peuvent renaître, la mort devient dérisoire et l’histoire prend un sens différent. Ainsi les aventures galantes de Giacomo Girolamo Casanova, Chevalier de Seingalt, feront place dans Il Casanova de Fellini à une répétition d’épisodes fastueux et grotesques, entrainant le célèbre libertin, devenu méconnaissable, dans le ventre d’une baleine au cœur d’un improbable luna park londonien peuplé d’une géante et de nains. Un moment envisagée à Venise, la réalisation ne peut finalement prendre forme qu’à Rome, bien loin de la Sérénissime, où le maître des eaux, à la manière de l’ancien Poséidon, agite une mer de plastique avec d’immenses ventilateurs, loin de la réalité et des conventions esthétiques, pour cette liquidation en règle du Casanova historique devenu serial looser. 2. «Within the radius of the spotlight lay the world in which he was born anew each evening.», Henry Miller, The Smile at the Foot of the Ladder (1959). 2. « Within the radius of the spotlight lay the world in which he was born anew each evening. », Henry Miller, The Smile at the Foot of the Ladder. (1959). Il Casanova di Federico Fellini (1976) Whale transformed into room projection. La baleine transformée en salle de projection. © PierLuigi 6 { EN } { FR } La strada (1954) Giulietta Masina (Gelsomina), Anthony Quinn (Zampano), Aldo Silvani (clown Colombaioni, Monsieur Giraffe) © Fondation Fellini pour le cinéma To understand all that Fellini owes to the circus and why the circus ended up transforming the young caricaturist from the satirical magazine Marc’Aurelio into a true demiurge, we need to immerse ourselves in the world of the filming itself. Fellini did not simply make his films with technicians. Instead, he assembled a “troupe” of artists – screenwriters (Tullio Pinelli, Ennio Flaiano, Bernardino Zapponi, Tonino Guerra and Gianfranco Angelucci), actors (Marcello Mastroianni, Giulietta Masina), set designers (Italo Tomassi, Piero Gherardi), a cinematographer (Giuseppe Rotunno), and lastly the musical genius whose career was not confined to the films, Nino Rota – keeping this troupe around him for as long as possible, as it was this that gave him not just the impression but the certainty that he could achieve the impossible. Today, the set of eighty-four films that Fellini created over a span of forty years have entered into our collective memory. Several (including La dolce vita) have become the defining representation of their era and changed the way in which we relate to the visual image. One after the other, the greatest creators of the 20th Century, Balthus, Alberto Moravia, Andreï Tarkovski, Vincente Minnelli and Louis Malle, were right to visit the maestro on his film sets, just as people once went to consult the Oracle at Delphi. This exhibition could be seen as extending this privileged experience, taking the visitor directly to the maestro and the secret creative process behind his masterpieces. Pour comprendre tout ce que Fellini doit au cirque et pourquoi le cirque finit par transformer le jeune caricaturiste du journal Marc’Aurelio en un véritable démiurge, il faut s’immerger dans l’espace même de ses tournages. Fellini ne réalise pas ses films avec de simples techniciens, il constitue une « troupe » d’artistes qu’il maintiendra le plus longtemps possible autour de lui, car elle lui donne non seulement l’impression mais la certitude qu’il pourra réaliser grâce à elle l’impossible: scénaristes (Tullio Pinelli, Ennio Flaiano, Bernardino Zapponi, Tonino Guerra, Gianfranco Angelucci), acteurs et actrices (Marcello Mastoianni, Giulietta Masina), scénographes (Italo Tomassi, Piero Gherardi), chef de la photographie (Giuseppe Rotunno), enfin le génie musical qui a transcendé ses films, Nino Rota. Aujourd’hui l’ensemble des vingt-quatre films de Fellini réalisés sur quarante ans a rejoint la mémoire collective. Plusieurs d’entre eux ont littéralement représenté leur époque (La dolce vita) et ont changé notre rapport à l’image. Les plus grands créateurs du XXe siècle ne s’y sont pas trompé lorsque l’un après l’autre, Balthus, Alberto Moravia, Andreï Tarkovski, Vincente Minnelli, Louis Malle, ils visitent le Maestro dans les décors mêmes de ses films, comme on allait autrefois à Delphes écouter la Pythie. Cette exposition poursuit en quelque sorte cette expérience privilégiée et, à son tour, elle emmène le visiteur auprès du Maestro dans l’élaboration secrète de ses chefs d’œuvre. Stéphane Marti President of the Fellini Film Foundation* Stéphane Marti Président de la Fondation Fellini pour le cinéma* * Founded in 2001 Fellini Film Foundation has the largest collection in the world on the work of Maestro. It presented more than 70 exhibitions and cultural events in Switzerland and abroad as a partner in prestigious museums, festivals and galleries. It coordinates a cultural center and an educational program dedicated to cinema in Sion, Switzerland, where it is domiciled. * Créée en 2001 la Fondation Fellini pour le cinéma possède la plus importante collection au monde concernant l’œuvre du Maestro. Elle a présenté plus de 70 expositions et événements culturels en Suisse et à l’international comme partenaire de prestigieux musées, festivals et galeries. Elle anime un centre culturel et un programme éducatif consacré au cinéma à Sion en Suisse où elle est domiciliée. { Culture } expo Federico Fellini 7 8 Biography of Fellini Biographie de Fellini Fellini and his brother Riccardo on the beach of Rimini Fellini et son frère Riccardo sur la plage à Rimini © Pandis Le tentazioni del Dottor Antonio (1962) episode/épisode: Le tentazioni del Dottor Antonio Fellini directs the young actress symbolizing Cupid in this satire of criticism Fellini dirige la jeune actrice symbolisant Cupidon dans cette satire de la critique © Fondation Fellini pour le cinéma { Culture } expo Federico Fellini 9 Amarcord's clap (1973) Clap d’Amarcord (1973) © Fondation Fellini pour le cinéma { EN } { FR } After more than fifty years of friendship, Fellini’s main biographer, the journalist and film critic Tullio Kezich, found himself unable to condense the life and work of his friend, Il Maestro, into several hundred pages (Federico Fellini, 2002). So, these short lines must begin by emphasising that Fellini’s cinematographic works include some of cinema’s greatest masterpieces, La strada (1954), La dolce vita (1960), Otto e mezzo (8½) (1963), and Amarcord (1973). Through his films, Fellini reveals himself to be an artist capable of expressing a personal world in a radically original way, without losing sight of the historical context of the time in which he lived or the broader framework of Italian history. Après plus de cinquante ans d’amitié, Tullio Kezich, journaliste, critique de cinéma et biographe principal de Fellini, n’a pas pu réduire l’œuvre et la vie de son ami Il Maestro en plusieurs centaines de pages (Federico Fellini, 2002). Ces lignes doivent d’abord rappeler que l’œuvre cinématographique de Fellini comprend quelques-uns parmi les plus grands chefs d’œuvre du 7e art, La strada (1954), La dolce vita (1960), Otto e mezzo (1963), Amarcord (1973). Dans ses films, Fellini se révèle comme un artiste capable d’exprimer un monde personnel d’une manière radicalement originale, sans nier le contexte de l’histoire de son temps et plus largement l’histoire de l’Italie. Born in Rimini on 20 January 1920, Fellini was fascinated as a child by the world of the circus, and by the age of 18, was already making a name for himself as a satirical cartoonist, first for local papers and then for the Marc’Aurelio and Travaso magazines during and after World War Two. After working with Roberto Rossellini on the film Roma città aperta (1945), he forged a close friendship with the master of Italian neo-realism. Rossellini’s influence is evident in the choice of social themes in his early films (I Vitelloni, 1953, La strada, 1954, Il bidone, 1955, Le notti di Cabiria, 1957), but Fellini’s genius was already at work, supported by an 10 Né à Rimini le 20 janvier 1920, Fellini est un enfant fasciné par le monde du cirque, et dès l’âge de 18 ans, il dessine des caricatures pour les journaux locaux d’abord, puis pour le Marc’Aurelio et le Travaso pendant et après la Deuxième Guerre mondiale. Collaborant avec Roberto Rossellini pour le film Roma città aperta (1945), il deviendra un ami proche du maître du néo-réalisme italien. Dans la première partie de son œuvre (I Vitelloni, 1953, La strada, 1954, Il bidone, 1955, Le notti di Cabiria, 1957), l’influence de Rossellini se manifeste dans le choix de certains thèmes sociaux, mais le génie de Fellini est déjà à l’œuvre, secondé par un créateur musical aussi inspiré que lui, Nino Rota, auteur de ses musiques de films jusqu’en 1979 (Prova d’orchestra). Fellini { EN } { FR } equally inspired musical creator, Nino Rota, who composed the music for his films right up to 1979 (Prova d’orchestra). Fellini achieved international recognition as a director when he was awarded the Silver Lion for I Vitelloni in Venice in 1953 and went on to receive his first Oscar for La strada in 1957. This first Oscar was followed by four more, for Le notti di Cabiria, in 1958, Otto e mezzo (8½), in 1964, Amarcord in 1975 and for lifetime achievement in 1993, the year in which he died. devient un réalisateur de dimension internationale en obtenant le Lion d’argent à Venise en 1953 pour I Vitelloni et en 1957 en recevant son premier Oscar pour La strada. Cet Oscar sera suivi de quatre autres, en 1958 pour Le notti di Cabiria, en 1964 pour Otto e mezzo, en 1975 pour Amarcord et en 1993 pour l’ensemble de sa carrière, l’année de sa disparition. Following La dolce vita, which won the Golden Palm at the Cannes Film Festival in 1960 and was at the centre of a heated polemic in Italy, Fellini turned to making a new style of multi-episode films, in which he seemed to be reinventing cinematic narrative and imagery. In 1976, he made a very free adaptation of Casanova’s memoirs in a film for which Venice was re-created in Rome’s Cinécittà Studios. His last films had a genuinely critical or even prophetic dimension (as evidenced in the critique of TV in Ginger et Fred, 1985). His final film, La voce della luna (1990), was a work of pure poetry, starring Roberto Benigni, an actor who would himself go on to achieve great fame. Le notti di Cabiria (1957) Mexican poster Affichette mexicaine © Fondation Fellini pour le cinéma À partir de La dolce vita qui obtiendra la Palme d’or au Festival de Cannes en 1960 et qui sera au centre d’une polémique en Italie, Fellini crée des films-événements où il semble réinventer la narration et l’imagerie du cinéma. Il adaptera très librement les Mémoires de Casanova en 1976 dans un film reconstituant Venise à Rome dans les studios de Cinécittà. Ses derniers films ont une réelle dimension critique, voire prophétique (critique de la TV dans Ginger et Fred, 1985). Son dernier film est une œuvre de poésie pure, La voce della luna (1990) où le rôle central est joué par un acteur destiné à devenir célèbre à son tour, Roberto Benigni. Fondation Fellini { Culture } expo Federico Fellini Fondation Fellini 11 Fellini on the set of E la nave va (presented to the press on March 16, 1983, Cinecitta) Fellini sur le set de E la nave va (lors de la présentation à la presse du film le 16 mars 1983 à Cinecittà) © Roma Press Photo 12 { EN } { FR } Interview by Stéphane Marti, Cinecittà, 16 March 1983 Propos recueillis par Stéphane Marti, Cinecittà, 16 mars 1983 Fellini speaks on the set of E la nave va Fellini parle sur le plateau de E la nave va “If I’ve sometimes expressed a certain pessimism about the cinema, it’s to do with what are essentially generational arguments around restraints on the expression of our creativity and the things we want to do. There have been times when I’ve felt that the kind of films we have always made, films made for love and identified with life, are no longer possible, probably also because nobody wants this kind of cinema any more. These are the kind of thoughts that can come over you at melancholy moments and let’s hope that they will be beaten back by that age-old urge to keep doing something new. I think we need to look at several factors that have suddenly come to the fore .... Here, I’m repeating something that I’ve often said to the gentlemen from the press: it seems to me that cinema, not just as a ritual, a pastime, a way of spending an afternoon or an evening, a meeting place, but also cinema and the cinematic image as a form of expression, cinema as that vast ectoplasmic screen on which huge shadows and immense faces appear, with its promises of the exotic and the unknown, it seems to me that this cinema has lost its prestige. The cinema used to exert a mysterious fascination, which it has now lost, not so much because of the competition from television, since films are also produced for TV, but because television shrinks the visual image and turns it into so much confetti. You could say that television has mutilated the visual image to some degree. A new type of viewer has emerged, one who is less captivated. Twenty years of relating to television have introduced a new power relationship. We are no longer enthralled by visual images as we were at the cinema. We own the images, we zap from one image to another, one channel to another. So we have to recognise that the suggestive cinematographic image has lost some of its shine, had some of its enamel chipped off. [...] I need to believe that the cinema is my life. I find it hard to fathom that we don’t do cinema like that any more. So, here we are, standing on a hydraulic floor built by that great film-making institution known as Cinecittà, for what ought to be a final tribute, a goodbye to film-making as it used to be. But I hope that the opposite is true, that I will be able to continue building these vast and very costly mechanised sets in Studio 5 and that I will be able to keep forging ahead.” «Si quelquefois je me suis exprimé avec un certain pessimisme avec le cinéma, cela s’identifie par des motifs de type générationnel en somme, qui remettent en question la «programmation» de ta créativité ou de ce que tu veux faire. J’ai eu la sensation que le cinéma comme nous l’avons toujours fait, en l’aimant et en l’identifiant avec la vie, ce cinéma, il n’est plus possible de le faire, aussi parce qu’il n’est plus demandé probablement. Ce peut être des pensées par moments mélancoliques, niées espéronsle par cette vieille et chatouilleuse stimulation à faire quelque chose de neuf. Je pense que l’on doit tenir compte de tant de facteurs qui soudainement sont identifiés... Ici je répète ce que j’ai déjà souvent dit à ces messieurs de la presse : il me semble que le cinéma non seulement comme rituel, passe-temps, manière de passer l’après-midi, la soirée, comme point de rendez-vous, mais le cinéma comme phénomène expressif, avec cette image cinématographique, le cinéma vu comme un vaste écran ectoplasmatique où apparaissent de grandes ombres, d’immenses visages, avec ses aspects exotiques inconnus, il me semble que ce cinéma a perdu de son prestige. Il a perdu de sa fascination mystérieuse qui en émanait étant donné que la télévision - non pas au niveau de la compétition, vu que la télévision produit aussi des films – rapetisse l’image, elle la transforme comme un confetti. On peut dire qu’elle a un peu mortifié l’image. Un nouveau type de spectateur est né qui a un rapport de fascination réduit. Vingt ans de rapport avec la télévision proposent un rapport de domination. Nous ne sommes plus subjugués par l’image comme nous la voyons au cinéma, nous sommes les patrons de l’image, nous passons d’une image à l’autre, d’un canal à l’autre. Nous devons tenir compte maintenant que la suggestion de l’image cinématographique a un peu perdu de son brillant, de son émail. [...] J’ai besoin de croire que le cinéma est ma vie. Il m’est difficile de penser que l’on ne fait plus de cinéma de cette façon. Nous nous trouvons ici sur ce plancher pneumatique, construit par cet institution cinématographique qui s’appelle Cinecittà, qui devrait être ainsi comme un adieu, l’enlèvement d’un cinéma comme on le faisait, un ultime hommage au cinéma, j’espère au contraire que avoir encore la possibilité de continuer dans le Teatro 5 à planter de ces grandes machineries très coûteuses et aller de l’avant.» { Culture } expo Federico Fellini 13 E la nave va (1983) Final scene Scène finale © Fondation Fellini pour le cinéma E la nave va (1983) Fellini on the set Fellini sur le plateau © Fondation Fellini pour le cinéma 14 { EN } { FR } Filmography / Filmographie Screenplays / Filmographie 1949: In nome della legge, directed by / de Pietro Germi 1950: Francesco, giullare di Dio, directed by Roberto Rossellini Assistant 1948: L ’amore, film in two parts / film en deux parties (I: Una voce umana; II: Il miracolo), directed by / de Roberto Rosselini (with Fellini as assistant-director and actor in the second part / assistant-réalisateur et acteur sur la seconde partie) Director / Réalisateur Feature films / Longs-métrages 1950: Luci del varietà, co-directed with / coréalisation avec Alberto Lattuada 1952: Lo sceicco bianco 1953: I Vitelloni 1954: La strada 1955: Il bidone 1957: Le notti di Cabiria 1960: La dolce vita 1963: Otto e mezzo 1965: Giulietta degli spiriti 1969: Block-notes di un regista, TV documentary / documentaire TV 1969: Satyricon 1971: I clowns 1972: Roma 1973: Amarcord 1976: Il Casanova di Federico Fellini 1979: Prova d’orchestra 1980: La città delle donne 1983: E la nave va… 1985: Ginger e Fred 1987: Intervista 1990: La voce della luna Shorts / Courts-métrages 1953: L’amore in città – episode / épisode: Agenzia matrimoniale 1962: Boccaccio ‘70 – episode / épisode: Le tentazioni del Dottor Antonio 1968: Tre Passi Nel Delirio – episode / épisode: Toby Dammit, based on Edgar Allan Poe’s short story / d’après la nouvelle de Edgar Allan Poe Never Bet the Devil Your Head. { Culture } expo Federico Fellini 15 Il bidone (1955) German poster Affiche allemande © Fondation Fellini pour le cinéma 16 Giulietta dei spiriti (1965) Cuban poster Affiche cubaine © Fondation Fellini pour le cinéma { Culture } expo Federico Fellini 17 Giulietta dei spiriti (1965) Dutch poster Affiche hollandaise © Fondation Fellini pour le cinéma 18 La strada (1954) Italian poster Affiche italienne © Fondation Fellini pour le cinéma { Culture } expo Federico Fellini 19 Giulietta dei spiriti (1965) Japanese poster Affiche japonaise © Fondation Fellini pour le cinéma 20 Il Casanova di Fellini (1976) Casanova's mask (scene of the Carnival in Venice) Masque de Casanova (scène du Carnaval de Venise) Il Casanova di Fellini (1976) Hats worn by the soldiers of the Duke of Würtemberg Chapeaux portés par les soldats du Duc de Würtemberg © Fondation Fellini pour le cinéma { Culture } expo Federico Fellini 21 EESC website / Site internet du CESE www.eesc.europa.eu Facebook www.eesc.europa.eu/facebook Twitter www.eesc.europa.eu/twitter YouTube www.eesc.europa.eu/youtube LinkedIn www.linkedin.com/company/european-economic-and-social-committee European Economic and Social Committee Comité économique et social européen Rue Belliard/Belliardstraat 99 1040 Bruxelles/Brussel BELGIQUE/BELGIË Published by: “Visits and Publications” Unit Responsable d’édition: unité “Visites et Publications” EESC-2014-59-EN/FR © European Union / Union européenne, 2014 For any use or reproduction of the images and texts permission must be sought directly from the copyright holders. 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