June 15-19, 2015 Curating Ethnomusicology Exhibiting Music

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The Canadian Society for Traditional Music
June 15-19, 2015
Curating Ethnomusicology
Exhibiting Music
Table of Contents
Cape Breton University Campus Map ................................................ 2
Welcome Messages
• Chairpersons............................................................................................. 3
• CSTM Society President........................................................................... 5
Organizers, Committees & Contributors............................................ 6
Curating Ethnomusicology Pre-Conference Workshop
• Schedule.................................................................................................... 7
• Abstracts.................................................................................................. 10
Exhibiting Music Conference
• Schedule.................................................................................................. 14
• Abstracts (English).................................................................................20
• Abstracts (French)..................................................................................30
*Registration Desk Open from 8:30am to 2:00pm Daily. Located along the Great Hall
in the Student Culture and Heritage Centre. (Please refer to campus map #19)
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THE CANADIAN SOCIETY FOR TRADITIONAL MUSIC ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
JUNE 15-19, 2015
From the CSTM 2015 Local Arrangements and Program Committee Co-Chair
On behalf of the Local Arrangements & Program
Committee, it is our pleasure to welcome you to the
2015 meeting of the Canadian Society for Traditional
Music at Cape Breton University! We are pleased to host you in Sydney, Nova Scotia.
Industrial Cape Breton, at its height of the industrial
boom a century ago, was arguably one of the most
culturally diverse regions in North America. A map
published in 1903 shows Sydney at the centre of
pathways along which goods and people moved around
the globe, to and through Cape Breton. The island has
been home to indigenous groups for millennia. In the
early 1900s, Industrial Cape Breton became the new
home of immigrants from all over Europe, the United
Kingdom, the U.S., and the West Indies, most of whom
were drawn to work in the local steel plant and coal
mines. Through a century of industrial booms and
busts, the music and culture of these many groups
continue to be celebrated by local community members,
national and international tourists. We hope that the
program we have planned for this week will facilitate
both your learning about and enjoyment of our region’s
communities and cultures.
It is also our honour to host you at Cape Breton
University, an institution with a vibrant music,
heritage and folklore research culture! We are proud
to be the home of two Canada Research Chairs
in ethnomusicology, and a past Canada Research
Chair in Intangible Cultural Heritage, as well as three
research centres funded by the Canadian Foundation
for Innovation, dedicated to collaborative, creative and
critical inquiry into music, movement, digital humanities
and new media. Also, a recently-inaugurated Bachelor of
Community Studies degree offers a music major, and an
opportunity for students to focus on traditional genres.
This year’s CSTM meeting includes a pre-conference
workshop – a first for our Society – funded by the Social
Sciences and Humanities Research Council of Canada
as part of a larger project that addresses ideas and
practices related to Exhibiting Sound (exhibitingsound.
ca). This interdisciplinary workshop involves community
and heritage institutional partners as well as scholars
and artists. It addresses the role of ethnomusicology and
its interlocutors in curatorial practices related to diverse
musics. It provides participants opportunities to learn
about, engage with and discuss a variety of ethnographic
media and music curation tools, as well as creative
models, methods and issues related to music creation,
translating field research, archives, and digital curation.
The CSTM conference comprises three full days of
papers, roundtables, films, workshops and exhibits,
dinner parties, concerts and a curated musical
excursion! These events bring together scholars and
artists together with heritage and music industry
professionals from across Canada and from overseas,
engaging in both French and English, to focus on
issues related to the curation and exhibition of
sound and music.
We encourage you to take full advantage of this year’s
meeting by attending the pre-conference workshop and
as many conference sessions as you can. We have come
together here to learn and to share with one another,
to ask questions, build relationships, develop ideas and
enjoy spending time with others who challenge and
inspire us.
We are looking forward to spending the coming days
with you. Thank you for participating,
Chris McDonald & Marcia Ostashewski
Program Co-Chairs
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JUNE 15-19, 2015
De la part des comités des arrangements locaux et de la programmation de la SCTM 2015
Au nom du comité d’arrangements locaux et du comité
de la programmation, c’est avec plaisir que nous vous
souhaitons la bienvenue à la réunion 2015 de la Société
canadienne pour les traditions musicales à l’Université du
Cap-Breton!
Nous sommes heureux de vous accueillir à Sydney, en
Nouvelle-Écosse. Cap-Breton, à son apogée du boom
industriel il y a de cela un siècle, était sans doute l’une des
régions les plus diversifiées culturellement en Amérique
du Nord. Une carte publiée en 1903 montre Sydney
comme lieu central où plusieurs personnes et richesses
s’y sont déplacées et ce, du monde entier. Cette île a été
la maison de nombreux groupes autochtones depuis des
millénaires. Dans le début des années 1900, le CapBreton industriel est devenu le nouveau domicile des
immigrants en provenance de l’Europe, du Royaume-Uni,
des États-Unis et des Antilles, dont la plupart s’y sont
établis pour travailler dans les mines locales d’aciérie et
de charbon. Grâce au siècle dernier et à une histoire de
booms industriels et de faillites, la musique et la culture
de ces nombreux groupes ont continué à être célébrées
par les membres de la communauté locale, nationale et
par les touristes internationaux. Nous espérons que le
programme que nous avons prévu pour cette semaine
facilitera à la fois votre connaissance et appréciation des
communautés et des cultures de notre région.
La rencontre de la SCTM de cette année comprend
une préconférence sous forme d’atelier - une
première pour notre société - financé par le Conseil
de recherches en sciences humaines du Canada
en sciences sociales et présenté dans le cadre d’ un
projet plus vaste qui aborde les idées et les pratiques
liées à Exhibiting Sound (exhibitingsound.ca). Cet
atelier interdisciplinaire rassemble des partenaires
institutionnels communautaires et patrimoniaux ainsi
que des chercheurs et des artistes. Il aborde le rôle de
l’ethnomusicologie dans les pratiques de conservation
liées à la musique. Les participants auront l’occasion de
discuter d’une variété de médias ethnographiques et
d’outils de conservation, ainsi que des modèles créatifs,
méthodes et questions liées à la création de la musique,
à la représentation de la recherche sur le terrain, les
archives et la conservation numérique.
La rencontre de la SCTM comprend trois jours complets
de conférences, de tables rondes, de films, d’ateliers et
d’expositions, des dîners, des concerts et une excursion
musicale organisée! Ces événements réuniront des
chercheurs et des artistes avec le patrimoine et l’industrie
de la musique professionnels de partout au Canada et de
l’étranger, se livrant à la fois en français et en anglais dans
le but de discuter sur des questions liées à la conservation
et à l’exposition des sons et de la musique.
Il nous fait également plaisir de vous accueillir à
l’Université du Cap-Breton, une institution détenant
une musique vibrante ainsi qu’une culture de recherche
dynamique sur le patrimoine et le folklore! Nous sommes
fiers d’être le foyer de deux chaires de recherche du
Canada en ethnomusicologie, d’une chaire de recherche
du Canada sur le patrimoine culturel immatériel, ainsi que
de trois centres de recherche financés par la Fondation
canadienne pour l’innovation, dédiés à la collaboration,
à la recherche créative et critique de la musique, du
mouvement, des sciences humaines numériques et des
nouveaux médias. En outre, un baccalauréat récemment
inauguré sur les études communautaires offre désormais
une majeure en musique, une occasion pour les étudiants
de se concentrer sur les genres et styles traditionnels.
Nous vous encourageons à profiter pleinement de
la rencontre de cette année en participant à l’atelier
préconférence et au maximum de conférences que vous
le pouvez. Nous sommes réunis ici pour apprendre et
partager les uns avec les autres, poser des questions,
établir des relations, développer des idées et passer
du temps avec des personnes qui nous remettent en
question et nous inspirent.
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Nous sommes impatients de passer les prochains jours
avec vous. Nous vous remercions de votre participation,
Chris McDonald & Marcia Ostashewski
Codirecteurs de la programmation
JUNE 15-19, 2015
CSTM President’s Message
As President of the Canadian Society for Traditional Music/Société canadienne pour les traditions musicales,
it is my great privilege to welcome you to the Society’s 2015 meeting. We are thrilled to have this opportunity
to meet in Cape Breton and to consider together what “Exhibiting Music” and “Curating Ethnomusicology”
mean within a society of scholars, performers, and enthusiasts.
Enormous thanks go to Conference Co-Chairs, Chris McDonald and Marcia Ostashewski, as well as the Local
Arrangements and Program committees, for putting together what promises to be an exciting meeting. Special thanks also to Cape Breton University and to the significant sponsorship of the Exhibiting Sound
project (funded by the Social Sciences and Humanities Research Council) that have enabled an especially
rich conference program. From the Louisbourg “curated experience” to the keynote address, from local
collaborators to research assistants at the University of Alberta, much of this week’s conference has been
made possible through their generous support.
May this year’s meeting provide meaningful dialogue and creative encounter for all attendees. I look forward
to learning from you! Judith Klassen
President, Canadian Society for Traditional Music/
Société canadienne pour les traditions musicales
Message du Président SCTM
En tant que présidente de la Canadian Society for Traditional Music/Société canadienne pour les traditions
musicales, c’est un grand privilège pour moi de vous accueillir à la rencontre 2015 de la Société. Nous
sommes ravis d’avoir cette occasion de nous rencontrer à Cap-Breton et d’examiner ensemble ce qu’
“exposer la musique” et ce que “l’ethnomusicologie de conservation” signifie au sein d’une société de savants,
d’artistes et d’amateurs.
De chaleureux remerciements vont aux coprésidents de la conférence, Chris McDonald et Marcia
Ostashewski, ainsi qu’aux comités des arrangements locaux et de la programmation, pour avoir créé ce qui
promet d’être une rencontre passionnante.
Un merci tout spécial à l’Université du Cap-Breton et à la commandite importante du projet Exhibiting Sound
(financé par le Conseil de recherches en sciences humaines) qui ont permis un programme de conférences
d’une richesse incroyable. De la “conservation d’expérience’’ au discours d’ouverture, des collaborateurs
locaux à la recherche d’assistants de l’Université de l’Alberta, une grande partie de la conférence de cette
semaine a été rendue possible grâce à leur généreux soutien.
Que la réunion de cette année fournisse un dialogue
constructif et des rencontres créatives pour tous les
participants. Je suis impatiente d’apprendre de vous!
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THE CANADIAN SOCIETY FOR TRADITIONAL MUSIC Judith Klassen
Présidente, Canadian Society for Traditional Music/
Société canadienne pour les traditions musicales
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JUNE 15-19, 2015
Organizers, Committees, and Contributors
Pre-Conference Workshop: “Curating Ethnomusicology”
Conference: “Exhibiting Music”
Chair: Marcia Ostashewski
Co-Chairs: Chris McDonald & Marcia Ostashewski
Exhibiting Sound Research Team:
Project Leads: Michael Frishkopf (University of Alberta)
Marcia Ostashewski (Cape Breton University)
Co-Investigators: Scott Smallwood (University of Alberta)
Michael Cohen (University of Aizu, Japan)
Jeff Todd Titon (Brown University)
Beverley Diamond (Memorial University of
Newfoundland)
Program Committee:
Judith Klassen (Canadian Museum of History)
Kaley Mason (University of Chicago)
Greg Marquis (University of New Brunswick)
Heather Sparling (Cape Breton University)
Marcia Ostashewski (Cape Breton University)
Chris McDonald (Cape Breton University)
Collaborators: Regula Qureshi (University of Alberta)
Chris McDonald (Cape Breton University)
Judith Klassen (Canadian Museum of History)
Dylan Robinson (Queen’s University)
Kaley Mason (University of Chicago)
Event Coordinator: Brittany Erickson
Event Assistance Team:
Ely Rosenblum
Dana Wylie
Rachel Oselon
Daria Storoshchuk
Aaron Eldridge
CBU Digitization Lab Technician: Chris Jones
Project Partners:
Aga Khan Museum, Art Gallery of Alberta, The Beaton
Institute, Canadian Museum of History, Canadian
Centre for Ethnomusicology, DC3 Art Projects, Kule
Institute for Advanced Study, Society for New Music in
Edmonton, Royal Alberta Museum, St. John’s Institute
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THE CANADIAN SOCIETY FOR TRADITIONAL MUSIC Community & Institutional Partners:
The Fortress of Louisbourg Association
Parks Canada - Fortress Louisbourg
Chartwells Catering
Flavor on the Water
La Cuisine des Gourmets
Governors Pub & Eatery
The Beaton Institute
Centre for Cape Breton Studies
Department of History & Culture
Cape Breton University
Railroad Recording Productions
Brookside Baskets and Décor
Katy McEwan
JJ Denny
Andrea Dennis
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JUNE 15-19, 2015
Curating Ethnomusicology:
Pre-Conference Program
Monday, June 15, 2015
All pre-conference workshop sessions will take place in the Multi-Purpose Rooms A & B
9 - 10:30
Welcome and Keynote
Opening Prayer: Katy McEwan
Welcome: Michael R. Denny (Traditional Welcome), Cape Breton University President Dr. David Wheeler
Keynote: Jeff Todd Titon (Brown University), “Caring with People Making Music”
10:30 - 10:45 (coffee, nutrition break)
10:45 - 12:45
Local Integrity and National Collections – Getting at Nuance and Complexity
Presenters: Catherine Arseneau (Cape Breton University), Wendy Bergfeldt (CBC Cape Breton), Marlene Ivey
(Nova Scotia College of Art and Design), Mitch McNutt (Fortress Louisbourg Association), James Watson
(Nova Scotia Highland Village), Judith Klassen (Canadian Museum of History)
12:45 - 1:15
Lunch
1:15 - 1:45
Mobilizing communities and cultural knowledge: diversitycapebreton.ca (preliminary launch and workshops)
Presenter: Marcia Ostashewski (Cape Breton University)
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JUNE 15-19, 2015
1:45-2:45
Doing Creative Media Ethnography
Presenter: Ely Rosenblum (Cambridge University)
2:45 - 3:00 (coffee, nutrition break)
3:00 - 5:00
Curating Ethnomusicology in Cyberworlds: “World Music in Wonderland” (presentation, workshops)
Presenters: Rasika Ranaweera (University of Aizu), Michael Frishkopf (University of Alberta), Michael Cohen
(University of Aizu)
7:00 pm
Great Hall, meeting place for taxis (optional), 6:45pm
Flavor on the Water – optional dinner for delegates in town, to be arranged Monday morning during workshop
registration. This dinner will have a “local” theme with many menu items locally sourced in Cape Breton. The price is
$20.00 (*let us know if you’d like to join the group so that we know how many places to reserve at the restaurant)
Tuesday, June 16, 2015
All pre-conference workshop sessions will take place in the Multi-Purpose Rooms A & B
9:00-10:00
Translating Fieldwork – Archiving and New Media
Presenters: Sam Lee and James McDonald (Song Collectors Collective)
10:00-10:15 (coffee, nutrition break)
10:15-11:15
Screening and Film workshop
Presenter: Dana Dansereau (National Film Board of Canada)
11:15 – 12:15
Song mapping / Song tagging (Session 1 of 2)
Presenters: Dylan Robinson (Queen’s University), Cheryl L’Hirondelle (Cree/Metis)
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JUNE 15-19, 2015
12:15-12:45 Lunch
12:45 – 2:00
Song mapping / Song tagging (Session 2 of 2)
Presenter: Amber Ridington (Memorial University of Newfoundland)
2:00 – 3:45
Contested Spaces of Song Making: Between Protocol and Innovation
Presenters: Jennifer Himmelreich (San Jose State University), Cheryl L’Hirondelle (Cree/Metis), Amber Ridington
(Memorial University of Newfoundland)
3:45 – 4:00 (coffee, nutrition break)
4:00 – 5:00
Closing plenary: Reflections and Future Directions
Presenter: Beverley Diamond (Memorial University of Newfoundland)
Closing Prayer: Katy McEwan
6:00 – 7:00
Cape Breton University Verschuren Centre Atrium
Cocktail reception – featuring live, local music entertainment by Breagh MacKinnon
7:00
Dinner for workshop delegates
Following dinner there will be an opportunity for participatory music and dance. Michael R Denny,
along with JJ Denny, and Andrea Dennis will perform a traditional Ko’Jua, and invite guests to join
with the song and dance.
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JUNE 15-19, 2015
Curating Ethnomusicology: Pre-Conference Abstracts
Keynote “Caring with People Making Music” - Jeff Todd Titon (Brown University)
Applied ethnomusicologists and public folklorists in North
America know that repeated visits to a musical community,
with resultant friendships between culture workers and
people making music, can lead to partnerships involving
joint curation with goals of music-culture integrity and
sustainability in the face of disturbance and change. Yet
outer-directed strategies for achieving those goals, such
as marking traditions as intangible cultural heritage for a
creative, tourist-oriented economy, have had problematic
consequences. Inner-directed resilience strategies aimed
at achieving continuity in the political, economic, cultural
and ecological as well as musical characteristics of each
community offer a more promising alternative.
Local Integrity and National Collections: Getting at Nuance
and Complexity - Catherine Arseneau (Cape Breton
University), Wendy Bergfelt (CBC Cape Breton), Mitchell
McNutt (Fortress Louisbourg Association), James Watson
(Nova Scotia Higland Village), Marlene Ivey (Nova Scotia
College of Art and Design) Judith Klassen (Canadian
Museum of History)
This panel will feature several local events, online
resources and cross-institutional collaborations
concerning collections of intangible cultural heritage
from Maritime Canada. Through recent virtual exhibit
projects the Beaton Institute, Cape Breton’s regional
archive, will provide examples that address the archival
considerations when curating digital exhibits using sound
recordings and cultural collections. The panel will have
participation from the Fortress Louisbourg Association
discussing the development and piloting of a new festival
Roots to Boots; the Nova Scotia Highland Village’s Gaelic
language ‘An Drochaid Eadarainn’ project will be presented
as an example of language preservation through digital
collections and finally, CBC Cape Breton representative will
present on the corporation’s work with regional archives as
partners in preserving sound archives.
Judith Klassen will act as respondent to the local projects
convened. Drawing from her work with the Canadian
Museum of History, she will build on some of the ideas and
questions that initiatives raise vis-à-vis regionally, culturally,
and linguistically distinct objects and archival materials.
Catherine Arseneau, Beaton Institute
Wendy Bergfeldt, CBC Cape Breton
Mitchell McNutt, Fortress Louisbourg Association
James Watson, Nova Scotia Highland Village and
Marlene Ivey, Nova Scotia College of Art and Design
Respondent, Judith Klassen, Canadian Museum of History
Mobilizing communities and cultural knowledge: diversitycapebreton.ca (preliminary launch and workshops) Marcia Ostashewski (Cape Breton University)
diversitycapebreton.ca is a web portal that attends to
Eastern and Central European communities and cultures
in Cape Breton, expanding the ethnocultural profile of
the island beyond more familiar Scottish, Acadian and
Mi’kmaq groups. This portal project arises in the context
of ongoing collaborations with local communities
that mobilize existing and emerging research. In this
session, Ostashewski, who leads the project research
and development teams, will describe the community
engagement and development of the portal. She will
introduce the portal for a preliminary launch limited to
the pre-conference workshop delegates, its various
repository and interactive resource components, including
the a multimedia map and virtual world that will be
addressed in subsequent presentations. (Feedback
from workshop delegates will be integrated into the
web portal prior to its public launch in August 2015 at
a major in-community event.)
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THE CANADIAN SOCIETY FOR TRADITIONAL MUSIC JUNE 15-19, 2015
Doing Creative Media Ethnography - Ely Rosenblum (Cambridge University)
This workshop teaches the basics of audiovisual media
and their implementation in locative technologies and
free software for enriching research representations of
ethnographic engagements. Ely Rosenblum will provide
participants with instruction on working with portable
recorders, point of view cameras, mobile phones, tablets
and computer to create and interact with media. Part
of this workshop is an introduction to sound mapping,
presenting a step-by-step introduction to collecting,
organizing and presenting ethnographic materials.
Curating Ethnomusicology in Cyberworlds: “World Music in Wonderland” (presentation, workshops)
Presenters: Rasika Ranaweera (University of Aizu), Michael Frishkopf (University of Alberta),
Michael Cohen (University of Aizu)
In this workshop we outline and demonstrate a
general-purpose cyberworld spatial sound system,
“World Music in Wonderland” (WMiW), a distributed
application incorporating audio clips, ancillary artwork,
metadata, and virtual landscapes and cityscapes, enabling
collaborative information seeking through virtual realitystyle music browsing. This extensible system (built using
the Open Wonderland Java-based open source toolkit for
creating collaborative 3D virtual worlds) defines a virtual
audio-visual space comprising a series of maps and a built
environment (streets, buildings, rooms), and populated
by arbitrary collections of sonic tracks (speech, music,
sound), together with metadata. Each track, positioned
by a visual marker, broadcasts looped sonic content
within an audio sphere (its “nimbus”). Within this virtual
space, each real-world user appears as (one or more)
avatars. As in the familiar video game paradigm, avatars
are capable of moving (walking, flying, or teleporting),
communicating (via speech or text) with other users,
listening to spatialized audio, and browsing metadata;
real-world users receive sensory inputs corresponding to
the immersive binaural experience of its corresponding
avatar(s). Our workshop is in four parts. (1) Michael Cohen
will survey the scope of virtual reality and “fish-tank”
VR (displayed through a desktop monitor). He will also
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THE CANADIAN SOCIETY FOR TRADITIONAL MUSIC review the psychophysical bases of spatial sound, explain
“audio windowing” (articulated soundscape channels),
“narrowcasting” (information stream filtering for privacy
and attention management), and “multipresence”
(supporting multiple simultaneous self-associated
avatars). (2) Rasika Ranaweera will outline WMiW design,
implementation, and functionality, demonstrating how
the system combines audio tracks, images, metadata,
and cityscape models using Sketchup. He will outline the
workflow for digital contents creation, preview WMiW
features and interaction, and describe organization and
topography of the custom-designed virtual space. He will
also provide a brief demonstration of system capabilities.
(3) Michael Frishkopf will review the value of such virtual
audio-visual spaces for “curating ethnomusicology”,
including collaborative music discovery; virtual music
analysis and critique; leveraging of social networks;
distance learning; classroom use; telepresence
conferencing; extensions to gaming environments;
and ethnomusicological research. (4) Finally, we invite
workshop participants to embark on cyberjourneys of
their own, exploring an instance of WMiW using local wifi
connections, with assistance from the presenters. For this
purpose, we strongly encourage participants to bring a
laptop on which Java has been installed.
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Translating Fieldwork - Sam Lee, James McDonald (Song Collectors Collective)
The London-based Song Collectors Collective (SCC) is an
open-source online resource of British, Irish and Scottish
traveler communities’ music, run by Mercury prize nominee
and founder of the Nest Collective Sam Lee, and filmmaker
and singer James McDonald.
Together, Sam and James specialize in galvanising
communities around the participants, contributing to
making “song collecting” less a disciplinary method of
folkloric research, and more of a movement towards
greater social understanding. Their activities include
making recordings, developing a Creative Commons
licensed website, curating oral histories through new
media, and developing song collecting methodologies with
Irish Traveller communities. The SCC hosts a conference
each year, detailing their own research and teaching
aspiring folklorists the process of collecting, cataloguing
and archiving materials. This workshop features the
research they have conducted with traveler communities
across the UK and Ireland, bringing their music to public
audiences for the first time.
Film Screening and Interactive Media Workshop – Dana Dansereau (National Film Board of Canada)
With an emphasis on the experimental, Dana Dansereau
Producer/Creative Technologist from the National Film
Board’s Digital Studio will review a number of interactive
documentary and interactive animation projects built for
desktop, tablet and installation. Using its unique processes
and technological know-how, the NFB’s commitment to
creative forms of storytelling innovates in the realm of
cinema and interactive storytelling. This workshop will
present a diverse set of interactive multimedia – interactive
documentaries, video and animations, photographic art
and essays, data visualizations, mobile and locative media,
community media, and user-generated media – as well as
provide scholars and media makers with an outline of the
desirable qualities a production should possess.
Song Mapping / Song Tagging (1 of 2) – Dylan Robinson (Stó:lō, Queen’s University), Cheryl L’Hirondelle (Cree/Métis)
Cultural Graffiti. During the Summer of 2013 artist Peter
Morin participated in an artist residency at the Indigeneity
in the Contemporary World project at Royal Holloway,
University of London (UK). Out of this residency emerged
his Cultural Graffiti series that took the form of singing
Tahltan songs to British landmarks (the Houses of
Parliament, Magna the Carta monument, and Buckingham
Palace) while a separate group of public interventions
involved singing to Indigenous monuments (Pocahontas’
gravesite and Kwakwaka’wakw carver Mungo Martin’s
Totem Pole in Great Windsor Park). In both cases, Morin
envisioned his interventions not as performances for
audiences, but as a form of communicating with our
other-than-human relations (both colonial ancestors
and Indigenous objects). Each sites visit resulted in
different strategies of song intervention: for the colonial
monuments he visited, Morin used his voice to “tag” the
monuments with the Talhtan national anthem. To conclude
his interventions Morin stated “We are still here”. In those
interventions to colonial monuments, this phrase was an
assertion of survivance, while in those visits to Indigenous
sites, the phrase enacted forms of Indigenous nation-tonation contact with ancestors, assuring them they were
not alone despite the distance from their homelands and
communities. These urban interventions became a kind
of graffiti, an ephemeral form of song-tagging. While Peter
Morin is unable to attend on this day, Dylan Robinson will
provide a presentation on his work.
Nikamon Ohci Askiy (songs because of the land):
Conversation between Cheryl L’Hirondelle (Cree/Métis)
and Dylan Robinson. This project explored the relationship
between sound, space and identity as experienced through
a Cree worldview. By creating a “performative audio map”,
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THE CANADIAN SOCIETY FOR TRADITIONAL MUSIC JUNE 15-19, 2015
L’Hirondelle negotiated a journey through Vancouver’s
downtown eastside, developing a nomadic relationship
with the land. Her actions/singing were in direct response
to her encounters within the territory – the physical
environment she finds herself in and its inhabitants.
During the month of December, L’Hirondelle made daily
journeys throughout the downtown eastside to “sing” the
landscape she encountered. These encounters will be
captured by mobile phone by the artist and whatever other
technologies are made available by participating viewers/
audience (video, photo, audio). Additionally, they resulted
in an interactive online project: www.vancouversonglines.ca
Song Mapping / Song Tagging (1 of 2) – Amber Ridington (Memorial U Newfoundland, and independent folklorist).
Following the trail of Song in Doig River First Nation’s
online exhibition: Dane Wajich – Dane-zaa Stories and
Songs: Dreamers and the Land. (http://www.museevirtuelvirtualmuseum.ca/sgc-cms/expositions-exhibitions/
danewajich/).
Dane Wajich means, “The people speak.” This communitydirected exhibition is built around oral histories and songs
connected to seven places in the First Nation’s territory.
The central “Places” page contains a map that voices the
Dane-zaa place name as the user journeys over the map of
the land with the cursor. The user is then lead by hyperlinks
to watch and listen to performances of Dreamers’ songs
associated with that place. Each place is also accompanied
by oral histories, interpretive text, and archival and
contemporary images that showcase some of the First
Nation’s experience(s) there. Along with traditional stories
and songs, many of the narratives address concerns faced
by the community as they negotiate legacies of colonialism
and a changing relationship to the land.
The project represents the possibilities of digital media for
indigenous self-documentation and cultural curation. It
has extended Dane-zaa oral tradition into the digital realm,
and has provided new tools to teach and disseminate
traditional knowledge no longer learned through intensive
immersion.
Amber will draw upon the concepts of oral curation and
digital curation and use these ideas as a springboard
for discussion about the possibilities of digital media for
mapping traditional songs.
Contested Spaces of Song Making: Between Protocol and Innovation – Amber Ridington (Memorial U Newfoundland),
Jennifer Himmelreich (San Jose State University) Cheryl L’Hirondelle (Cree/Métis)
This workshop focuses on the ways in which artists,
singers, curators and ethnomusicologists are working with
Indigenous song archives, creating new song repertoires,
and ‘re-activating’ songs within the various communities
in which they live and work. Our focus will be on the often
precarious processes of working with songs to create
new works, teaching songs to members of Indigenous
communities, while navigating cultural and community
protocols.
• L’Hirondelle’s work developing new songs with Indigenous
women in prisons.
• Review of digital curation/archive tools currently available
- folklorist Amber Ridington and Navaho archivist Jennifer
Himmelreich
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THE CANADIAN SOCIETY FOR TRADITIONAL MUSIC Conversations with the workshop participants will
encourage sharing knowledge about the ways in which
indigenous groups are working to balance protecting
and sharing their heritage materials which are more
easily distributed in digital forms through the internet
than are material objects housed in physical archives
and museums. Indigenous experiences and solutions
to merging traditional law with western digital rights
management protocols and law will be used to inspire
dialogue about cultural property rights and protocols,
group versus individual intellectual property rights, and
copyright issues currently at the forefront of the
indigenous digital archive field.
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Exhibiting Music:
Conference Program
Wednesday, June 17, 2015
8:30 Registration
9:00-10:30
Room CE 261: Music and Museums: European Perspectives (Chair, Judith Klassen, Canadian Museum of History)
“Irishness on Display: Performing Irish Traditional Music at the Harn Museum,” Colin Harte (University of Florida)
“Ethnomusicology in Museums: Perspectives from Europe,” Christina Homer (University of Manchester)
“Practices of Exhibiting Popular Music in Portugal: When My Music is Not That of Yours,” Alcina Maria Cortez (New
University of Lisbon)
Multi-Purpose Room B: ROUNDTABLE: “Re-thinking research and representations of culture in Cape Breton,” Marcia
Ostashewski (Cape Breton University), Ely Rosenblum (University of Cambridge), Jelka Vukobratović (University for
Music and Performing Arts, Graz), Jana Zoric (City University of New York)
Multi-Purpose Room A: Nutrition Break to follow sessions
11:00-12:00
Workshops
Art Gallery: “Sound on Display: An Interactive Digital Exhibit about Music,” Heather Sparling (Cape Breton University)
Multi-Purpose Room B: “The 1956-57 Westminster Choir Tour Project: Reflections on Incorporating Public
Musicology into the Undergraduate Music History Curriculum,” Eric Hung (Rider University)
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14
THE CANADIAN SOCIETY FOR TRADITIONAL MUSIC -----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------JUNE 15-19, 2015
12:00-1:30
Multi-Purpose Room A: Lunch (CSTM Executive Meeting - CE 261)
Multi-Purpose Room B: Frederic Leotar, “A Music Lesson;” “Recording Lute Music with Gameboy Speakers,”
Two Short Films (12:30-1)
1:30-2:30
Multi-Purpose Room B: Official Welcome: Chris McDonald, Marcia Ostashewski (co-chairs), and Andy Parnaby
(Chair, Department of History and Culture)
Keynote Address: “Exhibiting Music in a Sound Community,” Jeff Todd Titon (Brown University)
Sound and Memory at Fortress Louisbourg: An Immersive Curated Experience
Meeting Place for Bus: Great Hall
3:00 Departure
Fortress Louisbourg National Historic Site, situated on Cape Breton’s dramatic coastline, includes a reconstruction
of an 18th Century French settlement. The fortress, in its heyday, was a major centre for fishing and trade. It also
experienced a turbulent history during decades of conflict between the French and British empires.
A curated experience, exploring multiple sensory aspects of history represented at the site, was specially developed
for our conference delegates in partnership with Parks Canada the Fortress Louisbourg Association. Our visit to
Fortress Louisbourg includes: a tour with musical encounters representative of the historical period, a banquet
featuring foods inspired by historical cuisine, as well as a concert and chanson respond led by local musicians.
3:00 Bus to Louisbourg
4:00 Touring
5:30 Dinner
6:30 Concert
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15
Thursday, June 18, 2015
8:30 Registration
9:00-10:00
Room CE 261: Singing Traditions & Canons (Chair, Marcia Ostashewski, Cape Breton University)
“Survivors Make a Difference: Songs of Death from Newfoundland,” Joseph Scanlon and Peter Knowlton
(Carleton University)
“Singing Cowboy: 1950s Folksongs of Alberta by Stu Phillips,” Mike Tod (York University)
Multi-Purpose Room B: Music, Spirituality & Health (Chair, Louise Wrazen, York University)
“The Ecology of Groups: Conditions for Collaborative Music and Health Making in West African style Drum and Dance
Ensembles,” Kathleen Armstrong (Carleton University)
“Co-Opting Orientalism: The Discursive Politics of Coptic Music Archives,” Carolyn Ramzy (Carleton University)
10:30-12:00
Room CE 261: Past and Present Indigeneities (Chair, Beverley Diamond, Memorial University of Newfoundland)
“Singing Frog Plain: Representing Canadian/Metis Relations through Falcon’s Song,” Monique Giroux
(Independent Scholar)
“Straddling Tradition & Innovation: From Katajjaq to Beat-Boxing,” Raj Singh (York University)
“Teaching Business through Gaming, Hooking Students with Music: The Making of Music Mogul,” Janice Tulk (Cape
Breton University)
Multi-Purpose Room B: ROUNDTABLE: “Folkways in Wonderland: A Cyberworld for Ethnomusicological Exhibition
and Research,” Michael Frishkopf (University of Alberta), Michael Cohen (University of Aizu), Rasika Ranaweera
(University of Aizu)
12:00-2:00
Multi-Purpose Room A: Lunch and CSTM AGM
Viewing of Folk Alliance Award Film on CSTM
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16
12:00-2:00
Multi-Purpose Room A: Lunch and CSTM AGM
Viewing of Folk Alliance Award Film on CSTM
2:15-3:15
Workshops
Art Gallery: “iCreate Cape Breton: Interdisciplinary Inquiry and Community-Engaged Research,” iCreate Cape Breton
Research Team (Facilitator, Marcia Ostashewski)
Multi-Purpose Room B: “Exhibiting Audio Cultures of India: Record Collectors, Scholars, Performers,” Ameera Nimjee,
(University of Chicago)
3:30- 5:00
Room CE 261: Libations and Libidos: Cross-Cultural Perspectives on Music and Pleasure (Chair, Ian Brodie,
Cape Breton University)
“Seeing Double: Irony, Alcohol, and Small-Time Performance,” Marion MacLeod (University of Chicago)
“Drinking with the Gods: Palm Wine, Mood, and Masculinity in Ritual Performance,” Kaley Mason (University
of Chicago)
“Singing about Sex: The Performance of Comic and Risqué Songs in Late Georgian London,” David Gregory
(Athabasca University)
Multi-Purpose Room B: ROUNDTABLE: “What is Music if Not Traditional?: Revisiting and Reflecting on Notions of
Tradition,” Margaret Walker (Queen’s University, Chair), Sherry Johnson (York University), Dylan Robinson (Queen’s
University), Janice Tulk (Cape Breton University)
6:00-9:30
Pub Night & Open Mic/Session (Governors Pub and Eatery, 233 Esplanade, Sydney)
Great Hall, meeting place for taxis (optional), 5:45pm
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17
Friday, June 19, 2015
8:30 Registration
9:00-10:30
Room CE 261: Popular Music, Canons and Value (Chair, Chris McDonald, Cape Breton University)
“The High School Mix Tape Project,” Christianna Barnard (Rider University)
“Is Progression Allowed in Progressive Rock? How Rush’s ‘Subdivisions’ Divided More than Just Time,” Holly Quibell
(York University)
“David Bowie Is? Valuation, Auto-Biography and Branding,” Hélène Laurin (University of Ottawa)
Multi-Purpose Room B: ROUNDTABLE: “Contemporary Trends in Canadian Ethnomusicology: Paradigms, Questions
and Future Directions,” Sherry Johnson (York University), Anna Hoefnagels (Carleton University), Judith Klassen
(Canadian Museum of History)
11:00-12:30
Room CE 261: Orality, Mediation, and Display (Chair, Heather Sparling, Cape Breton University)
“Representing Oral Stories and Folksongs: Challenges in the Catherine Gallagher Project,” Cindy Campbell Stone
(Helen Creighton Folklore Society)
“Les enjeux de l’« oralité médiatisée » dans la transmission et la performance de la musique traditionnelle : apports et
difficultés,” Marie-Laure Boudreau (University of Louisiana at Lafayette)
“Tradition et médiatisation : le cas de Chéticamp,” Ronald Labelle (Cape Breton University)
Multi-Purpose Room B: ROUNDTABLE: “Getting it ‘write’: Communicating effectively through the written word”
Student Initiatives Panel (Chair, Ian Hayes, Memorial University of Newfoundland)
Anna Hoefnagels (Carleton University), Kati Szego (MUN), Michael Frishkopf (University of Alberta), and Kaley Mason
(University of Chicago).
12:30-1:30
Multi-Purpose Room A: Lunch
Room CE261: Chris McDonald, Richard MacKinnon, Film Showing: “Doug MacPhee and Cape Breton’s Celtic Piano
Style” (12:45-1:15)
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18
1:30-3:00
Room CE 261: Folk and Popular Music in Historical Perspective (Chair, Andy Parnaby, Cape Breton University)
“‘An Age of High Adventure and Romance’: Marius Barbeau and the Cultural Politics of Folk Song,” Andrew Nurse
(Mount Allison University)
“Exhibiting Music: Labour Song-Poems of Steel in Early Twentieth Century Cape Breton Island,” Richard MacKinnon
(Cape Breton University)
“Atlantic Canadians in Nashville North: Music and Migration in Postwar Toronto,” Greg Marquis (University of New
Brunswick)
Multi-Purpose Room B: ROUNDTABLE: “The Calgary Collection: On Exhibiting a Folk Community Online,” Mike Tod
(York University, Chair), John Leeder, Gillian Turnbull (Ryerson University), Tim Rogers
3:30-5:00
Multi-Purpose Room B: Music, Identity, and Remembering (Chair, Janice Tulk, Cape Breton University)
“Memories and Identity: Song Repertoire in Placentia Bay, Newfoundland,” Ian Hayes (Memorial University
of Newfoundland)
“Sustaining a Musical Community: African Nova Scotian Music from the Dr. Helen Creighton Collection,”
Clary Croft (Helen Creighton Folklore Society)
“Regilaul: Tradition and Transformation,” Susan Kahro (York University)
5:00 Adjournment & Farewell
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19
“Exhibiting Music”
Abstracts
Irishness on Display: Performing Irish Traditional Music at the Harn Museum
Colin Harte, University of Florida
Irish traditional music has time-honored practices that involve communally shared, participatory musical
experiences. Recently, Irish traditional music has been presented in contexts that differ from its older,
performative practices. The presentation and exoticization of this music in institutional settings indicates certain
assumptions, understandings and perceptions of the nature of the music and its role in a larger European cultural
arts narrative. At the University of Florida (UF) Harn Museum’s “Celebration of Europe” exhibit, the UF’s Irish
traditional music ensemble performed. The performativity of perceived Irishness raised a host of academic
issues regarding nationalism, imagined communities, tradition/transformation, and representations of the
“other” in European cultures.
Ethnomusicology in Museums: Perspectives from Europe
Christina Ruth Homer, University of Manchester
Using four museums in the UK and the Netherlands as case studies, this paper explores how museums can use
musical instruments to provide insight into world music-making, and inspire contemporary music-making in
their own spaces. The first issue begets problems analogous with ethnography: the ethics of representation and
interpretation of musical culture. The second issue mirrors the shift in ethnomusicological research from defining
music in terms of its materiality to considering it an active process. Through “hands on” experiences, interactive
technologies, and live performance, museums show innovative ways of bringing to life the musical objects on display
within their galleries.
Practices of Exhibiting Popular Music in Portugal: When My Music is Not That of Yours
Alcina Maria de Oliveira Cortez, New University of Lisbon
This paper sets out to reflect on the implications of the heritagisation of popular music by the museum.
Making the case of the Portuguese exhibition A Magia do Vinil, a Música que Mudou a Sociedade two specific domains
are analysed: the types of objects selected for exhibition and the interactive practices they foster with audiences; and
the concepts and narratives used to address popular music discursively, as well as the interpretative practices they
allow. The analysis of this case study suggests that the practice adopted for popular music exhibitions by museums in
Portugal largely matches that of conventional museums.
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20
“Re-thinking research and representations of culture in Cape Breton”
Marcia Ostashewski, Cape Breton University, Ely Rosenblum, University of Cambridge, Jelka Vukobratovic,
University for Music and Performing Arts Graz, Jana Zoric, City University of New York
Researchers of the “East and Central European Communities and Cultures in Cape
Breton” web portal project discuss issues arising in the context of their ethnographic and curatorial practices,
including:
• The politics of representation for communities overshadowed by Cape Breton’s Scottish heritage;
• Interlocutors’ (re)discovery and (re)construction of ethnocultural identities through research processes;
• Innovative means of representing culture and performance afforded through the project (community outreach;
• radio broadcast; exhibitions and installations; digital, virtual and web-based technologies);
• New ethical issues in the context of this innovative research.
This discussion highlights ways in which collaborative and dialogic research provides opportunities for scholars to
re-think research processes.
Sound on Display: An Interactive Digital Exhibit about Music
Heather Sparling, Cape Breton University
This 60-minute workshop will complement the CBU Art Gallery exhibit, “Canary in the Mine: Nova Scotia Mining
Disasters and Song,” which will be open during the conference. This project will be used to provide a general
introduction to developing a music-focused exhibit. After a brief overview of the exhibit, I will discuss how I came
to develop a digital exhibit, as well as some of the challenges encountered. I will discuss a range of issues, from
budgeting and copyright to collaborations and interactivity. The audience will have plenty of time to experience the
exhibit and to ask questions.
The 1956-57 Westminster Choir Tour Project: Reflections on Incorporating Public Musicology into the
Undergraduate Music History Curriculum
Eric Hung, Rider University
Over the past three years, Westminster Choir College of Rider University has begun incorporating public
musicology—which we define as a cross between the disciplines of public history and applied ethnomusicology—
into its undergraduate music history curriculum. In Fall 2014, students in the upper-level “Music Since 1900” course
completed an exhibit and a podcast on the 1956-57 State-Department-sponsored Westminster Choir tour, which
took students from this college to over twenty countries in East and Southeast Asia, the Middle East, and Eastern
Europe. This presentation reflects on the challenges and benefits of this type of pedagogy.
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Frederic Leotar, “A Music Lesson;” “Recording Lute Music with Gameboy Speakers,” Two Short Films
A Music Lesson (11’31mn)
How is knowledge transmitted between a bard and his students in the Karakalpak tradition of Central Asia? This
short film introduces the autonomous republic of Karakalpakstan located within Uzbekistan, as well as of some of the
musical traditions of this Turkic people of Central Asia. Afterward, the camera takes the viewers into a classroom at
the Institute of the Arts in the city of Nukus, the capital of Karakalpakstan, where the young and promising Miyasar
follows the gestures and advices of her master Gayrat Baqsi during her daily lesson. In 2012, this film was selected by
the International Ethnographic Film Festival of Québec.
In Karakalpak, subtitled in English.
Recording lute music with gameboy speakers: an experiment in Central Asia
This film traces the implementation of an interdisciplinary research to solve an ethnomusicological and technical
problem: How to record separately the strings of the traditional two-stringed lute (duwtar) from Karakalpakstan? The
microphones found on the market can not isolate and thus record separately two strings that are half an inch apart.
A new type of microphone had to be created. This film documents a collaboration between Martin Hermant, engineer
in electronics, and Frederic Leotar, ethnomusicologist, from the design of this new microphone up until its field
testing with Karakalpak bards of Central Asia.
In French and Karakalpak, subtitled in English.
Keynote: Exhibiting Music in a Sound Community
Jeff Todd Titon, Brown University
In a sound community music is as natural as breathing. In a sound community music is communicative, relational,
and cooperative. In a sound community, musical beings communicate in their acoustic niches. In a sound
community, music is free. In a sound community, music is a shared, commons resource. It is like the air and
the oceans: it is not captured, owned, bought, or sold. In a sound community, music is exhibited every time it is
expressed. In a sound community, exhibiting music strengthens and sustains individuals and communities. In a
sound community, exhibiting music sustains life on planet earth.
Survivors Make a Difference: Songs of Death from Newfoundland
Joe Scanlon and Peter Knowlton, Carleton University
Newfoundland is an island with a tradition of folk songs about mass death incidents. When there are survivors,
these songs generally depict the way the incident occurred and – often – depict the terror the victims felt when it
was happening. When there are no survivors the songs instead describe the sorrow of those left behind, especially
the community. They also venerate the victims portraying them as brave. These differences are illustrated by a
comparison of 17 songs of death from seven Newfoundland incidents where there were survivors with 17 songs from
three incidents where there were no survivors.
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22
Singing Cowboy: 1950s Folksongs of Alberta by Stu Phillips
Mike Tod, York University, Department of Music, MA
Alberta has had, and continues to have, a viable folk tradition that is unique to the region. In this paper I examine
previous criteria for defining “folk song” and how more recent understandings allow us to place the country music of
Alberta in the 1950s into an ever growing folk song cannon. Focusing on Stu Phillips, a “singing cowboy,” I consider
how the songs he wrote are part of the Albertan folk song cannon. Broadly, I question how his work contributes to a
broader and more inclusive definition of folk song.
The Ecology of Groups: Conditions for Collaborative Music and Health Making in West African style Drum and
Dance Ensembles
Kathleen Armstrong, Carleton University
Drum and dance ensembles are found throughout North America in both educational and community settings. The
importance of rhythm as an evolutionary tool is now being recognized through recent developments in neuroscience.
I offer an analysis of a Gahu performance in Ottawa featuring two drum and dance ensembles that I direct. This
investigation explores rhythmic perception, our capacity for rhythmic entrainment, tactile memory, and how these
factors contribute to community wellness. The vibrant and energetic experience of the ensemble underlines the
powerful forces at play in participatory music and the social and health benefits it can provide.
Co-Opting Orientalism: The Discursive Politics of Coptic Music Archives at the U.S. Library of Congress
Carolyn Ramzy, Carleton University
When the U.S. Library of Congress launched the largest online music archive of Coptic liturgical recordings and music
transcriptions in the Ragheb Moftah Collection, an excitement rippled through the Coptic Community. Moftah, an
amateur Egyptian collector, had commissioned an English composer, Ernest Newlandsmith, to notate and record the
entire Orthodox hymnody. They both believed that the ancient melodies lay buried under a debris of Arabic and other
ornamentation” (Newlandsmith, Music Standard 37, 1932: 146). In this paper, I explore how today’s Coptic Christians
strategically co-opt Western orientalism to authenticate themselves as Egypt’s last remaining modern sons of the
pharaohs in a Muslim majority nation.
Singing for Frog Plain: Representing Canadian/Metis Relations through “Falcon’s Song”
Monique Giroux, Independent Scholar
Pierre Falcon (1793–1876) is best-known for his song “La chanson de la gournouillère,” composed in 1816 following
the Metis victory at Frog Plain. While the song tells the story of Metis strength in the face of Canadian westward
settlement, the various published and recorded sources of “La chanson” curate a broader story about Canadian/Metis
relations. This paper examines this curated relationship, exploring the often problematic ways that Metis music is
represented by dominant Canada. It also addresses the approach taken by the Red River Metis Nation as it works to
re-present one of its traditional songs.
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Straddling Tradition and Innovation: From Katajjaq to Beat-Boxing
Raj Singh, York University
Indigenous modernity is concerned with how Indigenous musicians and artists innovate tradition. Katajjaq or vocal
games is practiced traditionally by Inuit women, however, recent trends indicate that katajjaq is being reinvented
by numerous Inuit musicians. Nelson Tagoona, one of the very few male Inuk throat singers, combines katajjaq and
beat-boxing to form a genre he calls “throat-boxing”. This paper will provide a case study of Nelson Tagoona and
examine how he constructs new contexts for katajjaq. Attention will be given to Nelson’s creative process and how he
negotiates between tradition and innovation. An interview with Nelson will provide insight to these concerns.
Teaching Business through Gaming, Hooking Students with Music: The Making of Music Mogul
Janice Tulk, Cape Breton University
In this auto-ethnographic examination, I describe the Music Mogul project, which attempts to promote interest
in business to Aboriginal high school students through an educational game. I reflect on the decision to include
Aboriginal music and imagery; review the process of obtaining permission to include First Nation, Métis, and Inuit
music; and demonstrate how music is incorporated into game play. Throughout, I engage with notions of identity,
representation of Aboriginal culture and gender, diversity, and authenticity. I conclude with preliminary data on the
success of the game in achieving its educational goals and the players’ responses to the music.
Folkways in Wonderland: a cyberworld for ethnomusicological exhibition and research
Michael Frishkopf, University of Alberta, Michael Cohen, University of Aizu, Rasika Ranaweera, University of Aizu
In this paper we describe a musical cyberworld together with an experimental design outlining a subdiscipline:
the ethnomusicology of controlled musical cyberspaces. Cyber-exhibition of music implies the need for
an ethnomusicology of such exhibits. Research in ethnomusicology has typically been conducted through
qualitative fieldwork in uncontrolled settings. In our research, we design a custom musical cyberworld as a virtual
ethnomusicological laboratory, a platform for research to suggest better ways of designing online musical exhibitions
for discovery, learning, and aesthetic contemplation, as well as contributing towards our general understanding of the
role of music in human interaction and community formation.
Seeing Double: Irony, Alcohol and Small-Time Performance
Marion MacLeod, University of Chicago
Alcohol often accompanies popular music performances. Venues sell liquor, performers drink during a performance,
lyrics and stage banter make reference to alcohol and audiences, who are often drinking too, express appreciation by
raised glasses. But while the presence of alcohol in a performance brings some audiences closer, it risks excluding
others. It adds an element of indirection to the already inherently uncertain world of live performance and functions
as irony does— thriving on the in-between and untranslatable. This highlights a key point: in gradations, some
participants see a performance in terms of musical execution, while others see the communication of philosophical
and social material as well as musical material.
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Drinking with the Gods: Palm Wine, Mood, and Masculinity in Ritual Performance
Kaley Mason, University of Chicago
Synergies of music and intoxication can be traced to early treatises in Indian classical aesthetic theory. According to the
Natyashastra, the quality of an artistic experience depended on the ability to create and appreciate rasa—literally the
juice or taste—of a performance. This association of rasa with liquid and gustation lives in culinary favourites like rasam,
a South Indian peppery bouillon. Drawing on ethnographic work with male ritual performers who divinize their bodies for
Hindu communities of worship, this paper examines ways in which the presence or absence of palm wine contributes to a
performer’s ability to embody the character and mood of local deities in Southwestern India.
Singing about Sex: The Performance of Comic and Risqué Songs in Late Georgian London
David Gregory, Athabasca University
This paper explores a neglected aspect of English urban vernacular culture in the first decades of the nineteenth century,
before Victoria ascended the throne. Drawing on forty-nine songsters with such titles as Fanny Hill’s Bang-up Reciter, Friskey
Songster, and Amorous Toast Master, it focuses on the performance of comic, bawdy, drinking, and cockney dialect songs in
London’s taverns, men’s clubs and brothels. Who wrote such songs, where could they be heard, and who sang them? The
paper provides some answers to these questions, with illustrations from the various types of vernacular song found in these
songsters.
What is Music if Not Traditional?: Revisiting and Reflecting on Notions of Tradition in the Canadian Music Context
Margaret Walker, Queen’s University, Janice Esther Tulk, Cape Breton University, Dylan Robinson, Queen’s University,
Sherry Johnson, York University
The concept of “tradition” has been a topic of debate since the publication of The Invention of Tradition in 1983. Yet, the
term maintains meaningful currency in many circles including our society, although such uses are often unexamined.
This roundtable seeks to address questions of traditions in Canadian music through a series of four position papers. Each
participant will draw on his or her own research, inviting discussion and debate. Through our areas of study, which comprise
a variety of manifestations including First Nations, settler, and diasporic music-making, we hope to engage the audience in a
healthy and energetic discussion.
iCreate Cape Breton: Interdisciplinary Inquiry and Community-Engaged Research
iCreate Cape Breton Research Team
iCreate Cape Breton is a pilot project focused on the theme of slow violence, involving local youth as co-researchers. Our
methodology fosters positive personal development and social change through arts-based research and integrating scientific
investigation, facilitating a synergy between the outcomes of scientific and artistic research. In this workshop session,
members of the Project Team introduce and discuss the project and its outcomes, a prime example of “applied” aspects of
performance studies, including the exhibition currently installed in the Cape Breton University Art Gallery.
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Exhibiting Audio Cultures of India: Record Collectors, Scholars, Performers
Ameera Nimjee, University of Chicago
In this paper, I consider strategies for developing a traveling exhibit based on a documentary CD featuring audio
tracks from rare recording collections in South Asia. The CD and exhibit follow a two-year pilot project (2013-14)
called “Audio Cultures of India: Rethinking the Performance Archive.” The pilot project explored how the methods of
“big science” might elucidate and facilitate the humanistic understanding of music, dance, speech, and other audio
expression. For example, we considered how collaborating with computation analysts and record collectors might
contribute to writing new sound histories of India.
Christianna K. Barnard, Rider University
The High School Mixtape Project: Exploring and Exhibiting the Evolution of Identity through Music
An exhibit will be presented, featuring oral histories on the topic of high school musical preferences and the evolution
of identity. In the fall of 2014, Christianna and six interviewees aged 18-24 created mixtapes representing musical
selections pertinent to our own evolving identity as adolescents, and then completed interviews explaining the
importance of these selections in our personal growth. These interviews were then exhibited alongside their musical
counterparts on a website targeted towards general public. This project will be used to demonstrate the potential
uses of digital media and narrative in exhibiting musical projects focused on community development.
Is Progression Allowed in Progressive Rock? How Rush’s “Subdivisions” Divided More Than Just Time
Holly Quibell, York University
Rush’s “Subdivisions” from the 1982 album Signals did more than just divide time signatures -it divided its audience.
“Subdivisions” marked an important change in the band’s style. It was also initially rejected by many fans. However,
this song is now understood as one of the most influential of their long career, by both scholars and fans. In this
paper, I examine how musical change is understood and received by audiences, and postulate that if not initially
successful, change is better received when listeners are able to fit the change into a chronological understanding of
the band’s development through retrospection.
David Bowie Is? Valuation, Autobiography, and Branding
Hélène Laurin, University of Ottawa
In the Fall of 2013, the Art Gallery of Ontario presented David Bowie Is, a large museum exhibition originally curated
by the Victoria & Albert Museum in London, UK. The exhibition established an extreme reverence towards Bowie, who
was actually much involved in the curating process, to a point where there seems to be a willingness –from Bowie
himself – to be perceived as an “über-creator”. In this paper, I want to analyze how the exhibition manages to achieve
three things at once: it accomplishes valuation (even canonization), while telling and showing Bowie’s life story, and
establishing a strong branded image: Bowie as the original ever-changing musical artist.
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Contemporary Trends in Canadian Ethnomusicology: Paradigms, Questions and Future Directions
Sherry Johnson, York University, Judith Klassen, Canadian Museum of History, Anna Hoefnagels, Carleton
University
This round table will consider the state of ethnomusicological research in Canada within the context of the
conference theme, Exhibiting Music. Using publications (print and multi-media), museum collections, and university
programs as reference points, this round table extends Diamond’s 2006 discussion of ethnomusicological trends
in Canada as we consider current scholarship, dissemination practices and new media platforms. Drawing on
discussions with session participants, we question the ways we frame our research with music communities and
consider the impact that our research may have on future discourses about music in Canada.
Presenting Oral Stories and Folksongs, Challenges In The Catherine Gallagher Project
Cindy Campbell-Stone, Helen Creighton Folklore Society
Catherine Gallagher was one of the primary tradition bearers who worked with Dr. Helen Creighton. A significant
informant, she had a repertoire of over 40 songs which she learned orally from her mother and/or father. Catherine’s
songs were a significant part of her daily routine as she often used them as ‘work songs’ while doing household
chores. Catherine’s life changed, when Helen Creighton arrived at Chebucto and began a lifelong friendship and
professional relationship. She began to leave her isolated world and became a local celebrity and performer of songs
on radio, in film and in concert for many years afterwards until her death in 1957.
Tradition and Media : The Case of Cheticamp
Ronald Labelle, Cape Breton University
In Canada, as elsewhere in the Francophone world, the transmission of traditional Acadian songs has declined during
the 20th century, due to the arrival of new musical forms. Yet, an Acadian community has been able to use new
media to maintain the vitality of its musical traditions. This is in the francophone region of Cheticamp, Cape Breton,
where a real musical industry has developed around an arts centre, a cultural centre, community radio and television,
as well as a professional studio recording. In this paper, I will explore the strategies employed by cultural agents in
Cheticamp to promote music, both in formal and informal settings.
The Issues of “Publicized Orality” in the Transmission and Performance of Traditional Music: Contributions and
Challenges
Marie-Laure Boudreau, University of Louisiana at Lafayette
Since its development, audio and/or audiovisual recording has imposed significant changes to the transmission and
performance of folk music. Based on the theories of Paul Zumthor, and through the example of Cajun music and
Louisiana Creole, I show how, by considering the “intertextuality “ between different versions of a musical piece, it
can be interesting to create an exhibition showcasing, at least in part, the evolution of traditional music through the
decades. This approach allows a contextualization of archival records, making them accessible to a wider audience.
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27
Getting it “Write:” Communicating Effectively Through the Written Word
Anna Hoefnagels, Carleton University, Kati Szego, Memorial University of Newfoundland, Michael Frishkopf,
University of Alberta, Kaley Mason, University of Chicago
Graduate school is often the first time we are asked to write on a large scale about topics in which we are intensely
invested: incorporating original research and perspectives into book-length narratives becomes the looming and,
sometimes, paralyzing challenge that we all face with varied abilities to cope. The purpose of this panel is to “pull
back the curtain” on the writing process, bringing together narratives from some of Canada’s most experienced
writers in ethnomusicology, folklore, and the arts to offer practical advice on how to communicate efficiently and
effectively through the written word.
An Age of High Adventure and Romance: Marius Barbeau and the Cultural Politics of Folk Song
Dr. Andrew Nurse, Mount Allison University
This paper explores the cultural work of Marius Barbeau, the leading figure in twentieth-century Canadian folklore,
as a case study into the history of folk music in the modern age. It argues that Barbeau’s work as a folklorist and folk
music promoter both secularized conceptions of traditional music and carried with it ironic results, repositioning
folk songs in modern culture by linking them to broader cultural processes such as consumerism, copyright, and the
mystification of history. The effect, this paper argues, is not a critique of Barbeau but instead illustrates how modern
cultural processes affected traditional music.
Exhibiting Music: Labour Song-Poems of Steel in Early Twentieth Century Cape Breton Island
Richard MacKinnon, Cape Breton University
This paper focuses on the song- poems of the twentieth century that relate to the steel industry and experiences of
steelworkers and their families in Cape Breton Island. This presentation will focus on the songs recorded for an audio
cd and the contextual information about the songs, composers and contemporary musicians who are participating
in the project. A web site provides much of the historical context for each song, biographies and photographs of the
song makers and contemporary Cape Breton Island musicians. The project has the potential to create some new
knowledge or benefits for both musicians and the museum and archival community.
Atlantic Canadians in Nashville North: Music and Migration in Postwar Toronto”
Greg Marquis, University of New Brunswick
The migration of Maritimers and Newfoundlanders to Ontario after WWII included musicians rooted in traditional
dance-based fiddle and accordion music and those who performed American country music. Much like the migration
of blue collar people from Appalachia to the American Midwest, migration created a demand for country music in
Toronto, which became known as ‘Nashville North.’ This paper examines the nature of the country music scene in
1960s and 1970s Toronto, with special emphasis on the role of musicians and singers from Atlantic Canada. These
include Tom Connors, Harry Hibbs, Dick Nolan, Carol Baker, Roy Payne and Norma (Gallant) Gale.
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The Calgary Collection: On Exhibiting a Folk Community Online
Mike Tod, York University, John Leeder, Honorary President of CSTM, Tim Rogers, University of Calgary, Gillian
Turnbull, Ryerson University
The exhibitive option offered by the internet spells new discursive opportunities and transformations in the
understanding and reconfiguring of what folk music means. In 2013, Calgary’s folk music culture was documented in
a series of web-based vignettes called The Calgary Collection. This panel will explore the process, aims, and results of
the films. How does one document folk music culture for a disparate, geographically dispersed, web audience? How
does the performer adapt to this new medium? And how do we reframe folk music discourse and performance as the
genre absorbs ever-changing musical and technological influences in the 21st Century?
Memories and Identity: Song Repertoire in Placentia Bay, Newfoundland
Ian Hayes, Memorial University of Newfoundland
In an area of Newfoundland that is known for its musical traditions and connection to the sea, the outport
communities of Placentia Bay have experienced ship wrecks, natural disasters, and economic challenges. All of these
things have been reflected in the song traditions of Placentia Bay, which preserve community memory and identity.
This paper will explore the repertoire of the area’s songs through an examination of the archival field recordings from
the 1970s made by Newfoundland musician and folksong collector, Eric West., which have also come to form the
basis of the community-based website and electronic exhibit, The Voices of Placentia Bay.
Sustaining a Musical Community: African Nova Scotian Music from the Creighton Collection, 1943 to 2015
Clary Croft, Helen Creighton Folklore Society
From 1943 to 1967, Dr. Helen Creighton collected material from tradition bearers in the African Nova Scotian
community. While not without controversy, her fieldwork assembled one of the richest and most diverse bodies of
music from peoples of African descent in Canada. Dr. Creighton’s archivist and biographer, Clary Croft, continues
to work with the African Nova Scotian community to help make these materials accessible. Using Dr. Creighton’s
field recordings and his own experiences, Clary explores how the archive was established and made available to all
Canadians. Most importantly, he will demonstrate how the material is still being used today.
Regilaul: Tradition and Transformation
Susan Kahro, York University
The ancient singing tradition of regilaul originated with the Finno-Ugric people of the Baltic and was largely
developed by Estonian women who created this rich source of story telling. This paper will discuss the background
regilaul, the significance of its revival as seen in some presentational settings as well as the art music of Tormis
and the rock group, Metastöll. I will also examine the significance of traditional regilaul to Estonians today in these
distinctly different genres and how its participatory nature engages singers to connect with each other while
transforming and preserving an important national music tradition.
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Resumés pour “Exposer la Musique”
“Regard sur l’irlandicité: Jouer de la musique traditionnelle irlandaise au musée de Harn’’
Colin Harte, Université de Floride
La musique traditionnelle irlandaise détient des pratiques ancestrales qui impliquent un partage collectif et
une expérience musicale participative. Récemment, la musique traditionnelle irlandaise a été présentée dans
des contextes différents à sa tradition. La présentation et l’exotisation de cette musique dans des contextes
institutionnels ouvrent la porte à plusieurs hypothèses concernant la compréhension et la perception de la musique
et sur son rôle dans le contexte artistique et culturel européen. C’est à l’exposition « Célébration de l’Europe » du
musée de Harn à l’Université de Floride (UF) que le UF Traditional music ensemble a joué. L’irlandicité perçue par le
public a soulevé une foule de questions académiques concernant le nationalisme, les communautés imaginées, la
dualité tradition/transformation, et les représentations de «l’autre» dans les cultures européennes.
L’ethnomusicologie dans les musées: les perspectives de l’Europe
Christina Ruth Homer, Université de Manchester
Avec comme sujet d’étude quatre musées du Royaume-Uni et des Pays-Bas, cette présentation explore comment les
musées utilisent les instruments de musique pour donner un aperçu de la création des musiques du monde et ainsi,
y inspirer une création musicale contemporaine. Le premier point de cet exposé traite des problèmes analogues
avec l’ethnographie: soit l’éthique de la représentation et de l’interprétation de la culture musicale. Le deuxième point
traite du changement dans la recherche ethnomusicologique quant à la capacité de définir la musique en fonction
de sa possibilité à être considérée comme un processus actif. Grâce à des expériences pratiques, des technologies
interactives et à des performances en direct, certains musées proposent des façons novatrices de faire revivre les
objets musicaux par la présentation de ceux-ci dans des galeries.
Exposer les pratiques de la musique populaire au Portugal : lorsque ma musique n’est pas la vôtre
Alcina Maria de Oliveira Cortez, Nouvelle Université de Lisbon
Cette présentation vise à mettre en lumière les implications de la patrimonialisation de la musique populaire par le
musée. En prenant comme objet d’étude l’exposition portugaise A Magia ne Vinil, a Música Que Mudou un Sociedade,
deux aspects spécifiques seront analysés: d’abord les types d’objets sélectionnés pour l’exposition et les interactions
qu’ils favorisent avec le public; puis les concepts et récits utilisés pour traiter de la musique populaire discursive
ainsi que des pratiques interprétatives qu’ils engendrent. Cette analyse vise à démontrer que la pratique adoptée
pour les expositions de musique populaire par les musées portugais correspond largement à celle des musées
conventionnels.
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Repenser la recherche et la représentation de la culture à Cap-Breton
Marcia Ostashewski, Université du Cap-Breton, Ely Rosenblum, Université de Cambridge, Jelka Vukobratovic,
University for Music and Performing Arts Graz, Jana Zoric, City Université de New York
Les chercheurs du projet web « Communautés européennes de l’Est et du Centre et des cultures au Cap-Breton »
discuteront de différentes questions soulevées dans le cadre de leurs pratiques ethnographiques et de conservation,
telles que:
• Les politiques de la représentation des communautés éclipsées par l’héritage écossais de Cap-Breton;
• La (re)découverte et (re)construction des identités ethnoculturelles par l’entremise des processus de recherche;
• Les moyens novateurs de représentation de la culture et de la performance offerte par le projet (approche
communautaire; émission de radio, expositions et installations, technologies numériques, virtuelles et en ligne);
• Les nouvelles questions éthiques dans le cadre de cette recherche innovatrice.
Cette discussion fera ressortir les différentes possibilités que la recherche collaborative et dialogique offre aux
chercheurs afin de repenser les processus de recherche.
Son et exposition: une exposition interactive et digitale sur l’exposition Music So net
Heather Sparling, Université du Cap-Breton
Cet atelier de 60 minutes complétera l’exposition “CBU Art Gallery, Canary in the Mine: Nova Scotia Mining
Disasters and Song”, qui sera présentée durant la conférence. Ce projet aura pour but de fournir une introduction à
l’élaboration d’une exposition axée sur la musique. Après un bref aperçu de l’exposition, je vais discuter de la façon
dont j’en suis venue à réaliser une exposition numérique, ainsi que certains des défis que j’ai rencontrés. Je vais
discuter d’une série de questions entourant la budgétisation et les droits d’auteur en contexte de collaboration et
d’interactivité. Le public aura amplement de temps pour découvrir l’exposition et poser des questions.
Le “1956-57 Westminster Choir Tour Project”: Réflexions sur l’incorporation de la musicologie publique dans un
cours d’histoire de la musique du premier cycle.
Eric Hung, Université Rider
Au fil des trois dernières années, la chorale Westminster College de l’Université Rider a commencé à incorporer
la “musicologie publique” - que nous définissons comme étant un croisement entre l’histoire publique et
l’ethnomusicologie appliquée - dans son programme d’histoire de la musique au premier cycle. À l’automne 2014,
les étudiants du cycle supérieur du cours “Musique depuis 1900” ont complété une exposition et un podcast sur la
tournée Westminster Choir 1956-1957 parrainée par le département, ayant sélectionné des étudiants du collège et
de plus de vingt pays de l’Asie de l’Est/Sud-Est, du Moyen-Orient et de l’Europe de l’Est. Cette présentation vise à faire
ressortir les défis et les avantages de ce type de pédagogie.
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Frederic Leotar
Les courts-métrages que vous allez visionner sont les deux premiers volets d’une série consacrée aux traditions
musicales d’Asie centrale, à partir d’images collectés sur le terrain depuis 2007. Ils ont été tournés au Karakalpakstan,
une région désertique qui a depuis 1936 un statut de république autonone à l’intérieur de l’Ouzbékistan. Établis
le long du fleuve Amou Daria qui se jetait jadis dans la Mer d’Aral, les Karakalpaks ont développé des traditions
musicales originales, notamment au niveau épique, avec un fond exceptionnel d’une soixantaine d’épopées
répertoriées au cours du 20ème siècle. Ce corpus constitue le meilleur exemple en Asie centrale de la rencontre
entre les nomades turciques d’origine sibérienne et les sédentaires d’origine persane, tant au niveau des instruments,
que de la voix, du contenu des paroles ou encore du style.
Les deux films sont centrés autour d’un même barde, Gayrat Otemuratov, considéré comme l’un des gardiens de
la tradition kara-kalpake. Le premier des deux décrit comment l’art des épopées est transmis de maître à élève.
Quant au deuxième, il suit les différentes étapes qui ont mené de la conception à l’expérimentation sur le terrain de
microphones d’un nouveau type.
Intitulé A Music Lesson, le premier court-métrage a été tourné en 2008. Après une brève introduction sur la
république autonome du Karakalpakstan, la caméra nous fait entrer dans une salle de classe où Gayrat Otemuratov
donne sa leçon quotidienne à Miyasar, son élève la plus prometteuse. Dans les séquences filmées, j’ai voulu mettre
l’accent sur les postures et les mouvements corporels à travers lesquels la relation entre professeur et élève se tisse,
depuis le salut initial jusqu’aux conseils finaux, en passant par le correction de certains gestes techniques corrigés
par le professeur. La salle de classe devient ainsi un lieu privilégié pour observer l’actualisation à chaque cours d’une
tradition orale patrimonialisée.
Le deuxième court-métrage est le fruit d’une collaboration avec un ingénieur. Je cherchais alors un moyen qui me
permettrait d’analyser les mélodies jouées au luth à deux cordes par les bardes karakakpaks pour pouvoir ensuite les
transcrire. Le microphone ne devait pas gêner le jeu du barde, il devait pouvoir s’adapter à des luths de différentes
tailles, et il ne devait pas modifier le timbre de l’instrument. J’ai travaillé sur cette question avec Martin Hermant,
ingénieur en électronique, qui m’a fait différentes propositions avant de s’arrêter sur un procédé particulièrement
ingénieux, testé à l’Université de Montréal avant d’être expérimenté sur le terrain karakalpak. Là-bas, je l’ai testé
avec Gayrat Otemuratov auprès de qui j’ai pu enregistrer l’intégralité du répertoire qu’il maîtrise au duwtar avec des
microphones spécialement conçus pour cette recherche. Retraçant en introduction les enjeux impliqués par l’analyse
ethnomusicologique, le film suit les différentes étapes de cette démarche expérimentale qui a eu lieu en 2012, entre
l’Université de Montréal et Nukus, la capitale karakalpake.
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Exposer la musique dans une communauté sonore
Jeff Todd Titon, Université Brown
Dans une communauté sonore, la musique est aussi naturelle que respirer. Dans une communauté sonore,
la musique est communicative, relationnelle et coopérative. Dans une communauté sonore, les musiciens
communiquent dans leurs niches acoustiques. Dans une communauté sonore, la musique est libre. Dans une
communauté sonore, la musique est un partage, une ressource commune. Elle est comme l’air et les océans: elle
n’est pas prisonnière, possédée, achetée ou vendue. Dans une communauté sonore, la musique est présentée
chaque fois qu’elle est exprimée. Dans une communauté sonore, la musique renforce et soutient les individus et les
communautés. Dans une communauté sonore, la musique soutient la vie sur la planète terre.
Les survivants font la différence: Chants de morts de Terre-Neuve
Joe Scanlon and Peter Knowlton, Université de Carleton
Terre-Neuve est une île avec une tradition de chansons folkloriques portant sur les incidents mortels de masse.
Lorsqu’il y a survivants, ces chansons représentent généralement la façon dont l’incident a eu lieu et - souvent représentent la terreur ressentie chez les victimes durant l’évènement. Quand il n’y a pas de survivants, ces chansons
décrivent plutôt la douleur de ceux qui restent, en particulier la communauté. Elles glorifient les victimes, les
représentant comme des braves. Ces différences sont illustrées par une analyse comparative de 17 chansons de la
mort relatant sept incidents de Terre-Neuve avec survivants contre 17 chansons de trois incidents où il n’y a eu aucun
survivant.
Le cowboy chantant: chansons folkloriques de l’Alberta par Stu Phillips
Mike Tod, Université York
L’Alberta a eu et continue d’avoir une tradition folklorique viable et unique dans la région. Dans cette présentation,
j’examinerai les critères servant à définir la “chanson folklorique” et comment certains savoirs récents nous
permettent de replacer la musique country de l’Alberta des années 1950 dans un répertoire de chansons folkloriques
en pleine évolution. En me concentrant sur Stu Phillips, un “cow-boy chantant”, j’analyserai la façon dont les chansons
qu’il a écrites s’inscrivent dans le répertoire de la chanson folklorique albertaine. Globalement, je me demanderai
comment son travail contribue à une définition plus large et plus inclusive de la chanson folklorique.
L’écologie de groupes: les conditions de la musique collaborative et de la santé dans les ensembles de tambour
africain de l’Ouest et de danse.
Kathleen Armstrong, Université de Carleton
En Amérique du Nord, on retrouve des ensembles de tambours et de danse tant dans des contextes éducatifs que
communautaires. L’importance du rythme comme outil évolutif est maintenant reconnue par de récentes recherches
en neurosciences. Je vous propose une analyse d’une performance Gahu à Ottawa mettant en vedette deux
ensembles de tambours et de danse que je dirige. Cette recherche explore la perception rythmique, notre capacité d’
entraînement rythmique, la mémoire tactile et la façon dont ces facteurs contribuent au mieux-être communautaire.
L’expérience dynamique et énergique de l’ensemble souligne les puissantes forces mises en jeu dans la musique
participative et les avantages qu’elles peuvent fournir tant au niveau social que celui de la santé.
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Récupéréer l’orientalisme: Les politiques discursives d’archivage de musiques coptes à la Bibliothèque du Congrès
des États-Unis
Carolyn Ramzy, Université de Carleton
Lorsque la Bibliothèque du Congrès des États-Unis a lancé la plus grande archive en ligne d’enregistrements
liturgiques coptes et de transcriptions musicales dans la collection Moftah Ragheb, on a vu naître un important
engouement de la part de la communauté copte. Moftah, un collectionneur amateur égyptien, avait demandé à
un compositeur anglais, Ernest Newlandsmith, d’annoter et d’enregistrer l’ensemble des hymnes orthodoxe. Ils ont
tous deux estimé que les anciennes mélodies étaient ensevelies sous un “débris d’arabe et d’autres ornements”
(Newlandsmith , Standard Musique 37 , 1932 : 146). Dans cette présentation, j’explorerai la façon dont les chrétiens
coptes utilisent l’orientalisme occidental d’aujourd’hui comme moyen de s’associer aux derniers fils modernes des
pharaons de l’Égypte dans une nation majoritairement musulmane.
Chanter pour Frog Plain: représenter la relation entre Canadiens et Métis à travers les chansons de Falcon
Monique Giroux
Pierre Falcon (1793-1876) est principalement connu pour sa chanson « La chanson de la gournouillère », composée
en 1816 suite à la victoire des Métis à Frog Plain. Alors que la chanson raconte l’histoire de la résistance des Métis
face à la colonisation de l’ouest du Canada, les diverses sources d’enregistrement et de publication de “La chanson”
présentent une histoire intéressante des relations entre Canadiens et Métis. Cette présentation examine cette
relation, en explorant les manières (souvent problématiques) que la musique métisse est représentée par le Canada
colonisateur. J’aborderai également l’approche adoptée par la nation Métis de la Rivière Rouge pour représenter l’une
de ses chansons traditionnelles.
Entre tradition et innovation: Du Katajjaq au Beat-Box
Raj Singh, Université de York
La modernité autochtone est préoccupée par la façon dont les musiciens et les artistes innovent dans la tradition.
Le Katajjaq ou (jeu vocal) est traditionnellement pratiquée par les femmes inuites. Cependant, de récentes
tendances indiquent que le katajjaq tend à être réinventé par de nombreux musiciens inuits. Nelson Tagoona, un
des rares hommes chanteurs de gorge inuits, combine le katajjaq avec le beat-box afin de créer un genre qu’il
appelle “le gorge-boxing”. Cette présentation étudiera le cas de Nelson Tagoona afin d’examiner comment il parvient
à construire de nouveaux contextes pour le katajjaq. Une attention particulière sera accordée aux processus de
création de Nelson et ainsi qu’à la façon dont il négocie la tradition d’avec l’innovation. Une entrevue avec Nelson
permettra un aperçu de ces préoccupations.
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Enseigner le monde des affaires à travers le jeu, intéresser les étudiants avec la musique: les dessous de Music
Mogul
Janice Tulk, Université du Cap-Breton
Dans cet examen auto-ethnographique, je présenterai le Music Mogul project, qui fait la promotion du monde des
affaires à travers un jeu éducatif chez les étudiants autochtones du niveau secondaire. J’aborderai le choix d’inclure
de la musique et de l’imagerie autochtone; de revoir le processus d’autorisation pour l’inclusion de musique des
premières nations, Métis et Inuits; et montrer comment la musique est incorporée dans le jeu. Dans cette conférence,
j’aborderai les notions d’identité, de représentation de la culture autochtone, de la sexualité, de la diversité et de
l’authenticité. Je conclurai avec des données préliminaires sur le succès de ce jeu dans la réalisation de ses objectifs
éducatifs et les réponses des joueurs face à la musique.
Folkways au pays des merveilles: un cybermonde pour les expositions et recherches ethnomusicologiques
Michael Frishkopf, Université d’Alberta, Michael Cohen, Université d’Aizu, Rasika Ranaweera, Université d’Aizu
Dans cette présentation, nous décrivons un cybermonde musical grâce à un modèle expérimental d’une sousdiscipline: l’ethnomusicologie des cyberespaces musicaux contrôlés. Une cyberexposition de la musique implique
nécessairement le besoin d’une ethnomusicologie de celles-ci. La recherche ethnomusicologique est généralement
menée à travers le travail de terrain qualitatif dans des milieux non contrôlés. Dans notre recherche, nous
concevons un cybermonde musical personnalisé tel qu’un laboratoire virtuel ethnomusicologique et une plateforme de recherche afin de proposer de meilleures façons de concevoir les expositions de musique en ligne pour la
découverte, l’apprentissage la contemplation esthétique, ainsi que pour contribuer à notre compréhension générale
du rôle de la musique dans l’interaction humaine et la formation de la communauté.
Voir double: Ironie, alcool et performance
Marion MacLeod, Université de Chicago
L’alcool accompagne souvent les spectacles de musique populaire. Alors qu’on vend de l’alcool dans les salles de
spectacle, les artistes en boivent souvent lors de leur performance, les paroles et les plaisanteries sur scène font
référence à l’alcool et le public, qui a souvent trop bu, démontre son appréciation en levant son verre. Mais tandis que
la présence d’alcool dans un spectacle permet un rapprochement avec certains auditoires, elle risque d’en exclure
d’autres. Elle ajoute indirectement un élément au monde déjà intrinsèquement incertain de la performance, agissant
au même titre que l’ironie. Cela met en évidence un point essentiel: pour certains participants, une performance
s’apprécie en termes d’exécution musicale, tandis que d’autres y voient la communication entre la matière
philosophique et sociale au matériel musical.
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Boire avec les dieux: Vin de palme, sentiments et masculinité dans des performances rituelles
Kaley Mason, Université de Chicago
Les synergies de la musique et de l’ivresse peuvent être attribuées aux tout premiers traités sur la théorie esthétique
classique indienne. Selon le Natyashastra, la qualité d’une expérience artistique dépendait de la capacité de créer et
d’apprécier un rasa, désignant littéralement le jus ou goût d’une performance. Cette association entre rasa et liquide
ou gustation se retrouve dans un plat culinaire connu, le rasam, un bouillon poivré de l’Inde du Sud. Basée sur un
travail ethnographique avec des artistes de rituels masculins qui divinisent leurs corps pour des cultes hindous, cette
conférence examine les différents moyens avec lesquels la présence ou l’absence de vin de palme contribue à la
capacité d’un artiste à incarner le personnage et l’humeur des divinités locales dans le sud-ouest de l’Inde.
Chanter la sexualité: la performance de chansons risquées et comiques à la fin de l’ère georgienne à Londres
David Gregory, Université d’Athabasca
Cette présentation explore un aspect négligé de la culture urbaine vernaculaire anglaise dans les premières
décennies du XIXe siècle, avant même que Victoria ne monte sur le trône. Basée sur quarante-neuf chanteurs
avec des titres tels que Fanny Hill’s Bang-up Reciter, Friskey Songster, et Amorous Toast Master, cette recherche se
concentre sur la performance comique, de débauche, d’alcool, et de chansons cockney des tavernes de Londres, des
clubs et des bordels pour hommes. Qui a écrit ces chansons, où pourraient-elles être entendues et qui les chante?
Cette conférence fournit quelques réponses à ces questions avec des exemples des différents types de chanson
vernaculaire trouvés parmi ces compositeurs.
Qu’est-ce que la musique si elle n’est pas traditionnelle? Revisiter et réfléchir sur les notions de tradition dans le
contexte musical canadien
Margaret Walker, Université de Queen, Janice Esther Tulk, Université du Cap-Breton, Dylan Robinson, Université
de Queen, Sherry Johnson, Université de York
Le concept de «tradition» a été sujet de débat depuis la publication de l’invention de tradition en 1983. Pourtant, ce
terme reste monnaie courante dans de nombreux milieux, y compris dans notre société, bien que son utilisation soit
souvent peu réfléchie. Cette table ronde vise à répondre aux questionnements entourant les traditions de la musique
canadienne à travers une série de quatre présentations. Chaque participant se basera sur sa propre recherche,
invitant ainsi à une discussion et à un débat. Grâce à nos différents domaines d’étude qui comprennent une variété
de sujets différents (les Premières nations, les colons, et la musique de la diaspora) nous espérons engager le public
dans une discussion saine et énergique.
iCreate Cap-Breton: Enquête interdisciplinaire et recherche communautaire engagée
iCreate Cap-Breton équipe de recherche
iCreate Cap-Breton est un projet pilote axé sur le thème de la violence lente, impliquant la jeunesse locale comme
cochercheurs. Notre méthodologie favorise le développement personnel et le changement social positif par une
recherche axée sur les arts et sur l’intégration de la recherche scientifique, facilitant une synergie entre les résultats
de recherche scientifique et artistique. Dans cette session de l’atelier, les membres de l’équipe du projet doivent
introduire et discuter du projet et de ces résultats, un excellent exemple des aspects «appliqués» aux études de
performance, y compris l’exposition présentement installée à la galerie d’art de l’Université du Cap-Breton.
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Exposer les cultures audios de l’Inde: collectionneurs de disques, universitaire et interprètes
Ameera Nimjee, Université de Chicago
Dans cette conférence, j’analyse différentes stratégies afin de développer une exposition itinérante basée sur un CD
documentaire mettant en vedette les pistes audio inédites des collections d’enregistrements d’Asie du Sud. Le CD
et l’exposition succèdent à un projet pilote de deux ans (2013-2014) nommé “Audio Cultures of India: Rethinking
the Performance Archive”. Le projet pilote a exploré comment les méthodes de “big science” pourraient élucider et
faciliter la compréhension humaniste de la musique, de la danse, de la parole, et de toute autre expression audio.
Par exemple, nous avons examiné en quoi collaborer avec des analystes de calcul et des collectionneurs de disques
pourrait contribuer à l’écriture de nouvelles histoires sonores en l’Inde.
The High School Mixtape Project: Explorer et exposer l’évolution de l’identité à travers la musique
Christianna K. Barnard, Université Rider
Une exposition présentera diverses histoires à traditions orales sur le thème des préférences musicales à l’école
secondaire et sur l’évolution de l’identité. À l’automne 2014, Christianna et six autres personnes âgées de 18-24
ont choisi une sélection musicale les représentant en tant qu’adolescents, le tout complété d’entrevues expliquant
l’importance de ces sélections dans notre croissance personnelle. Ces entretiens ont ensuite été exposés aux
côtés de leurs homologues musicaux sur un site internet destiné au grand public. Ce projet sera utilisé afin de faire
connaître les utilisations potentielles des médias numériques et de la narration en présentant des projets musicaux
axés sur le développement de la communauté.
Le progrès est-il permis dans le rock progressif? Comment la pièce “Subdivisions” du groupe Rush a divisé plus
d’une fois
Holly Quibell, Université York
La pièce “subdivisions “ de Rush sur l’album Signals datant de 1982 a fait plus que diviser le tempo de la chanson elle a divisé son public. “Subdivisions” marque un changement important dans le style de musique de ce groupe. Elle
a d’abord été rejetée par de nombreux admirateurs. Cependant, cette chanson est maintenant considérée comme
étant l’une des plus influentes de leur longue carrière, tant par les universitaires que les admirateurs. Dans cette
présentation, j’examine comment le changement musical est compris et reçu par le public, et, lorsque ce n’est pas le
cas, comment le changement est mieux reçu lorsque les auditeurs sont en mesure d’adapter ce changement dans
une compréhension chronologique du développement du groupe à travers une rétrospective.
David Bowie Is? Glorification, autobiographie et commercialisation
Hélène Laurin, Université d’Ottawa
À l’automne 2013, la Galerie d’art de l’Ontario a présenté David Bowie Is, une grande exposition organisée à
l’origine par le Victoria & Albert Museum à Londres, au Royaume-Uni. L’exposition, proposant un portrait de Bowie,
a été réalisée de paire avec l’artiste qui s’est beaucoup impliqué dans le processus de création de l’exposition, à
un point tel où on croit deviner une volonté -de Bowie lui-même - d’être perçu comme un “über-créateur”. Dans
cette présentation, j’analyserai comment l’exposition parvient à réaliser trois choses à la fois: elle accomplit une
glorification (voire même une canonisation) de Bowie en racontant et en montrant l’histoire de la vie de l’artiste tout
en établissant une image particulière de celui-ci: un Bowie authentique, quoiqu’en constante évolution musicale et
artistique.
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Enjeux contemporains dans l’ethnomusicologie canadienne: paradigmes, questions et prochaines directions
Sherry Johnson, Université de York, Judith Klassen, Musée canadien d’histoire, Anna Hoefnagels, Université de
Carleton
Cette table ronde examinera l’état de la recherche ethnomusicologique au Canada dans le cadre du thème de
la conférence, soit l’exposition de la musique. En utilisant les programmes de publications universitaires (autant
imprimées que multimédia) et les collections de musées comme points de référence, cette table ronde étend la
discussion de Diamonds en 2006 sur les tendances ethnomusicologiques au Canada en discutant sur le financement
actuel, les pratiques de diffusion et les plates-formes de médias. À partir de discussions avec les participants de
la session, nous nous interrogerons sur les moyens mis à notre disposition pour encadrer nos recherches avec les
communautés musicales et la façon dont nous considérons l’impact que notre recherche peut avoir sur les discours
à venir sur la musique au Canada.
Présenter des histoires de transmission orale et des chansons folkloriques, les défis dans le Catherine Gallagher
Project
Cindy Campbell-Stone, Helen Creighton Folklore Society
Catherine Gallagher était l’une des premières détentrices du répertoire de musique traditionnelle ayant travaillé
avec la Dre Helen Creighton. Étant une informatrice significative, elle détenait un répertoire de plus de 40 chansons
appris oralement de sa mère et/ou de son père. Les chansons de Catherine prenaient une partie importante de
sa routine quotidienne étant donné qu’elle les utilisant souvent comme « chants de travail » en faisant des tâches
ménagères. La vie de Catherine s’est transformée quand Helen Creighton est arrivée à Chebucto et qu’une longue
amitié et relation professionnelle s’est installée entre les deux femmes. Elle a quitté son monde isolé et est devenue
une célébrité locale en plus de devenir une interprète de chansons à la radio, au cinéma et en concert pendant de
nombreuses années, jusqu’à sa mort en 1957.
Tradition et médiatisation: le cas de Chéticamp
Ronald Labelle, Université du Cap-Breton
En Acadie comme ailleurs dans le monde francophone, la transmission de la chanson traditionnelle acadienne a
connu un déclin au cours du 20esiècle, dû à l’arrivée de nouvelles formes musical es. Une communauté acadienne
a pourtant su utiliser à profit les nouveaux médias pour maintenir la vitalité de ses traditions musicales. Il s’agit de
la région francophone de Chéticamp, au Cap-Breton, où une véritable industrie musicale s’est développée autour
d’un centre des arts, un centre culturel, une radio et télévision communautaires, ainsi qu’un studio d’enregistrement
professionnel. Dans cette communication, j’explorerai les stratégies employées par les agents culturels à Chéticamp
pour promouvoir la musique, autant dans un cadre formel qu’informel.
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Les enjeux de l’« oralité médiatisée » dans la transmission et la performance de la musique traditionnelle :
apports et difficultés
Marie-Laure Boudreau, University of Louisiana at Lafayette
Depuis son développement, l’enregistrement audio et/ou audio-visuel a fait subir des modifications importantes
à la transmission et la performance de la musique folklorique. En m’appuyant sur les théories de Paul Zumthor,
et à travers l’exemple de la musique cadienne et créole de Louisiane, je montre comment, en considérant l’ «
intertextualité » entre différentes versions d’une pièce, il peut êtreintéressant de monter une exposition qui retrace,
du moins en partie, l’évolution de la musique traditionnelle à travers les dernières décennies. Cette approche permet
une contextualisation des enregistrements d’archive, les rendant accessibles à un public plus large.
Getting it “write:” Communiquer efficacement par l’écriture
Anna Hoefnagels, Université de Carleton, Kati Szego, Memorial University of Newfoundland, Michael Frishkopf,
Université d’Alberta, Kaley Mason, Université de Chicago
C’est généralement aux études supérieures que nous sommes invités pour la première fois à écrire sur des sujets
dans lesquels nous sommes profondément investi: intégrer la recherche personnelle et ces perspectives dans une
thèse comparable à un livre deviennent un défi et, parfois, nous empêchent de mettre à profit les capacités pour
le faire. Le but de ce panel est de lever le voile sur les processus d’écriture, en réunissant des récits de certains des
écrivains les plus expérimentés du Canada en ethnomusicologie, en folklore et en arts afin d’offrir des conseils
pratiques sur la façon de communiquer à travers l’écriture.
Une ère d’aventure et de romance: Marius Barbeau et la politique culturelle de la chanson folklorique
Dr. Andrew Nurse, Université de Mount Allison
Cette présentation explore le travail culturel de Marius Barbeau (figure de proue du folklore canadien au XXe siècle)
comme étude de cas sur l’histoire de la musique populaire à l’époque moderne. Cette présentation a pour but de
démontrer que le travail de Barbeau en tant que folkloriste et promoteur de musique folklorique s’inscrit dans des
conceptions sécularisées de la musique traditionnelle menant à des résultats ironiques, repositionnant les chansons
folkloriques dans la culture moderne en fonction de processus culturels vastes tels que la consommation, le droit
d’auteur, et de la mystification de l’histoire. En somme, cette présentation n’est pas une critique de Barbeau, elle
illustre plutôt comment les processus culturels modernes peuvent affecter la musique traditionnelle.
Exposer la musique: poèmes chantés de sidérurgistes au début du vingtième siècle à l’Ile du Cap-Breton
Richard MacKinnon, Université du Cap-Breton
Cette présentation se concentre sur les poèmes chantés du XXe siècle qui se rapportent à l’industrie sidérurgique
ainsi qu’aux expériences des ouvriers et de leurs familles dans l’île du Cap-Breton. Cette présentation portera sur des
chansons enregistrées sur CD audio et sur les informations contextuelles des chansons, compositeurs et musiciens
contemporains qui ont participé au projet. Le site web fournit beaucoup d’informations sur le contexte historique de
chaque chanson, des biographies et des photographies des compositeurs et musiciens contemporains de l’île du
Cap-Breton. Ce projet a le potentiel de créer de nouvelles connaissances ou de faire bénéficier tant les musiciens que
la communauté muséale et d’archivage.
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Canadiens de l’Atlantique Nord à Nashville : Musique et migration dans l’après-guerre de Toronto
Greg Marquis, Université du Nouveau-Brunswick
La migration des Maritimes et de Terre-Neuve vers l’Ontario après la Seconde Guerre mondiale comprenait des
musiciens joueurs de violon et d’accordéon de musique traditionnelle de la musique country américaine. Tout
comme la migration des cols bleus des Appalaches vers le Midwest américain, la migration a engendré à Toronto
une demande pour de la musique country, désormais connue sous le nom de « Nashville North ». Cette présentation
propose d’examiner la nature de la scène musicale country dans les années 1960 et 1970 de Toronto, en portant un
regard particulier sur le rôle des musiciens et des chanteurs du Canada atlantique. On compte parmi ceux-ci Tom
Connors, Harry Hibbs, Dick Nolan, Carol Baker, Roy Payne et Norma (Gallant) Gale .
La collection de Calgary: une exposition d’une communauté folk en ligne
Mike Tod, Université de York, John Leeder, président honoraire de la SCTM, Tim Rogers, Université de Calgary,
Gillian Turnbull, Université de Ryerson
La tribune qu’offre internet ouvre la porte à de nouvelles opportunités et à différentes transformations dans la
compréhension discursive et la reconfiguration des musiques folkloriques. En 2013, la culture de la musique folk de
Calgary a été documentée dans une série de vignettes sur le Web appelé The Collection Calgary. Ce panel explorera
les processus, les objectifs et les résultats de ces films. Comment faire un seul document sur la culture populaire de la
musique alors qu’on s’adresse à une audience web disparate et géographiquement dispersée? Comment l’interprète
s’adapte-t-il à ce nouveau média? Et comment pouvons-nous recadrer le discours de la musique folklorique et de
son évolution face aux influences musicales et technologiques du 21e siècle ?
Les souvenirs et l’identité : chanson répertoire dans la baie de Placentia, Terre-Neuve
Ian Hayes, Memorial University de Terre-Neuve
Dans la région de Terre-Neuve qui est connue pour ses traditions musicales et sa proximité à la mer, les
communautés des petits villages isolés de la Baie Placentia ont connu les épaves de navires, les catastrophes
naturelles et les défis économiques. Tous ces éléments sont reflétés dans les traditions de la chanson de la Baie
Placentia, qui préserve la mémoire de la communauté et son identité. Cette présentation explore le répertoire des
chansons de cette région à travers l’étude d’enregistrements sur le terrain d’archives des années 1970 faits par Éric
West (musicien originaire de Terre-Neuve et collecteur de chansons folkloriques) qui a également créé une base de
données et une exposition en ligne, nommé The voices of Placentia Bay.
Soutenir une communauté musicale: la musique africaine de Nova Scotia de la collection Creighton, 1943 à 2015
Clary Croft, Helen Creighton Folklore Society
De 1943 à 1967, la Dre Helen Creighton a recueilli du matériel traditionnel de la communauté afro-néo-écossaise.
Non pas sans controverse, son travail de terrain assemble l’un des organes les plus riches et les plus diversifiés de la
musique des peuples de descendance africaine au Canada. L’archiviste et biographe de Mme. Creighton, Mme. Clary
Croft, continue de travailler avec la communauté africaine de la Nouvelle-Écosse afin d’aider à rendre ces matériaux
accessibles. Avec l’utilisation des enregistrements de terrain de M. Creighton et de ses propres expériences, Clary
explore comment ces archives ont été établies et mises à la disposition de tous les Canadiens. Plus important encore,
elle démontre comment ce matériel est encore utilisé à ce jour.
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Regilaul: Tradition et transformation
Susan Kahro, Université de York
L’ancienne tradition de chant de regilaul provient du peuple finno-ougrien de la Baltique et a largement été
développée par les femmes estoniennes, ayant créé ce riche répertoire destiné à raconter des histoires. Cette
présentation discutera de l’histoire du regilaul, de la signification de son revivalisme comme on le voit dans certains
contextes de performance ainsi que de la musique d’art de Tormis et du groupe de rock Metastöll. Je vais également
examiner la signification du regilaul traditionnel estonien d’aujourd’hui dans ces différents genres et comment sa
nature participative permet aux chanteurs de se connecter les uns aux autres tout en transformant et en préservant
cette importante musique traditionnelle nationale.
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41

June 15-19, 2015 Curating Ethnomusicology Exhibiting Music

Transcription

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