Fiche Roméo et Juliette-Administrateur

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© Julie Le Lay
ROMEO & JULIETTE
LE SPECTACLE
Roméo aime Juliette, Juliette aime Roméo, c’est simple et pourtant lourd de
conséquence… La compagnie du Vélo Volé propose ici une adaptation de l’œuvre célèbre
de Shakespeare, dans laquelle Frère Laurent, confident de Roméo, quitte pour un instant le
plateau et traverse les siècles comme par magie pour nous raconter cette tragédie.
NOTE D ’INTENTION
Les raisons mêmes de ces maux ont été oubliées. Étrange recommencement. Phénomène
récurrent, ici et là, hier et aujourd’hui. A ceci près que Shakespeare nous parle de
noblesse ...
Ne nous méprenons pas. L’affrontement des Capulet et des Montaigu est encore plus
absurde, s’il existe une échelle de l’absurde dans la guerre ! Les conflits d’aujourd’hui ont
d’autres sources, non seulement absurdes mais aussi financières, politiques, raciales ou
religieuses ; la liste n’est malheureusement pas exhaustive.
[…] Le texte ne parle pas que de guerre et c’est la beauté de l’amour que lui oppose
Shakespeare que nous devons faire passer. S’il ne peut combattre et attaquer ce qui le
révolte, l’artiste peut et doit défendre au quotidien ce qui fait la beauté et la bonté de
l’humain.
LES ORIGINES DE LA PIECE
Roméo et Juliette (Romeo and Juliet) est une tragédie de William Shakespeare.
Probablement rédigée entre 1591 et 1595, la pièce est publiée pour la première fois en
1597. Écrite vers le début de sa carrière, elle raconte l'histoire de deux jeunes amants dont
la mort réconcilie leurs familles ennemies.
SOURCES HISTORIQUES
La pièce de Shakespeare s'inscrit dans une série d'histoires d'amour tragiques remontant
jusqu'à l'Antiquité, comme celles de Pyrame et Thisbé, Tristan et Yseult, ou celles du
Panchatantra Indien.
Son intrigue est basée sur un conte italien de Luigi da Porta (1485-1529) traduit en anglais
et en vers par Arthur Brooke en 1562 sous le titre The Tragical History of Romeus and
Juliet. Shakespeare approfondit l'intrigue en développant les personnages secondaires,
notamment Mercutio et le comte Pâris.
RÉFÉRENCES ANTIQUES
Shakespeare livre avec Roméo et Juliette une « très excellente et très lamentable
tragédie», comme il l'intitule lui-même, proche de la tragédie grecque qu'il appréciait tant.
Le théâtre tragique est un mode d'expression typique de l'antiquité où des personnages
sont pris dans le tourbillon de la force du destin et où un choeur accompagne
l'intrigue en mettant en lumière la fatalité des chemins tracés.
Shakespeare utilise ce choeur, et la voix du peuple est quant à elle
présente dans la pièce à travers le Prince, qui fait entendre et
appliquer la loi de la cité.
MISE EN SCENE
M ONTER ROMÉO ET JULIETTE AU XXIÈME SIÈCLE
Cécile Leterme, angliciste et comédienne de la troupe Le Vélo
Volé, a réalisé en collaboration avec François Ha Van une
adaptation contemporaine mais respectueuse de l’oeuvre de
Shakespeare et de sa chronologie.
Dans cette adaptation, le personnage de Frère Laurent devient
central : il crée le lien entre notre présent et l’intrigue
Shakespearienne. Il assume tantôt le rôle d’un conteur, à l’heure même de la
représentation, tantôt son propre rôle dans la pièce. Il traverse les siècles... et les théâtres
pour témoigner contre l’absurdité.
Bien qu’ancrée dans notre siècle, la mise en scène élude la
référence à une époque particulière. Le choix du noir et blanc
dans la scénographie et les costumes pourra renvoyer à un
passé, mais créera davantage l’étrangeté, la contrainte, une
absence de repère. Seules de rares touches de rouge
surgissent par contraste : le rouge éclatant de l’amour, celui
des roses sur le corps de Juliette, mais surtout le rouge du
sang, de la mort. Cinq morts sur le plateau, cinq taches de sang.
Si le drame se déroule à Vérone, il s’apparente à des conflits divisant les peuples aux
quatre coins du monde. De l’universalité de l’oeuvre est né le choix de divers emprunts
culturels. La musique, jouée sur le plateau, est à forte influence tzigane. Elle soutient le cri
de désespoir mais aussi d’amour que porte le texte. Cette musique rit, pleure, mais jamais
ne se plaint. A la manière gitane, elle conserve dignité et vie. La tête haute, elle se place
constamment au-dessus. Les combats empruntent à l’Orient son esthétique guerrière.
François Ha Van, aidé d’un maître d’art martial, a réglé les combats à main nue, au couteau
et au bâton, donnant à la violence et au danger une réalité forte.
ENERGIE RYTHME MOUVEMENT
Dans l’oeuvre de Shakespeare, on passe en une fraction de seconde
du trouble innocent de Juliette qui va perdre sa virginité, à l’horreur de
la mort : la disparition de Tybalt. Dans cette adaptation, le rythme se resserre encore et le
travail de scénographie a été en rapport avec cet enchaînement rapide de tableaux.
L’évolution des espaces, éphémères, crée l’urgence de la situation. Un simple coup de
crayon de Frère Laurent transporte le spectateur de la chambre de Juliette aux rues de
Vérone. La lumière, qui parfois à elle seule sculpte les lieux,
prolonge ces esquisses et participe dans sa brusquerie ou sa
temporisation aux différentes atmosphères. Les acteurs, les
musiciens, les mouvements du combat ou de la danse, répondent à
cette formidable énergie que demande la multitude de
changements, de lieux et de rythmes.
LE THEÂTRE
QU ’EST CE QUE LE THÉÂTRE ?
Une triple définition : Le mot théâtre désigne à la fois l'art de la représentation dramatique,
un genre littéraire particulier et le bâtiment dans lequel se déroulent les spectacles de
théâtre.
Un terme générique : L’art du théâtre en général désigne les spectacles dans lesquels des
acteurs incarnent des personnages pour un regard extérieur (le public), dans un temps et
un espace limités.
UN PEU D ’HISTOIRE
Le théâtre est né en Grèce au Vème siècle avant notre ère. Il se
déroulait alors en plein air et les acteurs jouaient masqués. Il existait
deux sortes de pièces : les tragédies, où les héros affrontaient leur
destin, et les comédies, destinées à faire rire le public.
Au Moyen Âge, on représentait des épisodes de l’Histoire Sainte lors de spectacles appelés
mystères qui se jouaient souvent sur les parvis des cathédrales.
Au XVIème siècle, les acteurs italiens inventèrent la Commedia dell’arte,
forme de théâtre comique faite de bastonnades, de bouffonneries et de textes
improvisés par des comédiens masqués.
A l’heure actuelle, on joue toujours des pièces anciennes, mais les différentes
mises en scène apportent un regard neuf sur ces textes qui ont traversé les
siècles. Et le théâtre reste un art en perpétuel renouvellement, les auteurs
écrivant encore aujourd’hui de grandes pièces de théâtre contemporaines.
LE THÉÂTRE ÉLISABÉTHAIN
Le théâtre, qui fut la vraie vie de Shakespeare, occupe dans la
civilisation élisabéthaine une place unique. Dans la maigre
compagnie d'acteurs, il y avait par obligation des bouffons et des
fous qui intervenaient lors d'interludes comiques placées au sein des
histoires dramatiques ou épiques. C'est l'une des gloires de
Shakespeare d'avoir cependant incorporé, comme il l'a fait, le
comique et le grotesque à la vie même.
A cette époque, le théâtre est relégué dans les faubourgs, comme
un mauvais lieu. Il est dangereux pour l'ordre moral. On voit la municipalité de Londres
fermer en 1582 les « auberges théâtres » de la ville ; mais en 1583, la reine Elisabeth fonde
sa troupe et Shakespeare devient l'auteur de la Cour.
Dans ce contexte historique, il ne paraît pas une femme sur la scène anglaise. Les
rôles de femmes sont tenus par des hommes vêtus de robes somptueuses.
Les archives du théâtre font état de quelques accessoires de scène. Il
y avait si peu de décors que, dans ses prologues, Shakespeare
invitait souvent les spectateurs à les suppléer par l'imagination.
AVANT LE SPECTACLE
T RAVAILL ER
AUTOUR DE L A COMPAGN IE
> Dossier artistique de la compagnie du Vélo Volé
Voir sur notre site : www.theatre.terresdemontaigu.fr (Onglet scolaire)
- La ligne directrice de la compagnie (ce qui fait son engagement
dans le spectacle vivant et qui explique le parti pris de la mise en
scène du spectacle « Roméo et Juliette »)
- Les objectifs de la compagnie et les moyens pour les appliquer
(suite de son engagement et sa mise en œuvre au travers de ses
créations)
- Les différents projets de la compagnie (axes de travail mis en place par le metteur en
scène, qui dirige la compagnie)
- La compagnie et le jeune spectateur (quelle pédagogie défend la compagnie, par le biais
de quelles actions, peut-on dire que la compagnie est engagée dans la formation du jeune
spectateur, etc …)
- Le répertoire de la troupe (après 10 ans de création, la compagnie affiche aujourd’hui un
large répertoire, développe-t-elle différents styles, selon les présentations des spectacles
sont-ils tous mis en scène comme Roméo et Juliette, etc, …)
- Critiques journalistiques (dans quel sens vont les critiques des médias, est-ce un tremplin,
une promotion pour la compagnie, …)
POUR
ALL ER PLUS LO IN
- Les comédiens ont-ils besoin de formation pour pratiquer ce métier, et si oui quelles
peuvent-elles être ? (se référer au dossier artistique de la compagnie qui présente quelques
grandes écoles formant aux métiers du spectacle)
- Qui est François HA VAN ? Quels métiers assure-t-il ?
- Autour de l’affiche du spectacle, imaginer l’univers du spectacle, l’ambiance qui se
dégage, les costumes des personnages, la mise en scène, les décors, etc ?
- Mise en scène classique / Mise en scène contemporaine : décryptage au travers des
dossiers artistiques et photos des spectacles Roméo et Juliette de la compagnie le Vélo
Volé et Ruy Blas de Tréteaux Théâtre (dossier du second spectacle téléchargeable sur
www.thalie.terresdemontaigu.fr, onglet scolaire).
Ruy Blas
Roméo & Juliette
APRES LE SPECTACLE
ANALYSE COMPLÈTE ET CRITIQUE
Le tableau ci-dessous est une sorte de résumé des questions que l’on peut se poser sur un
spectacle. Le compléter après la venue au spectacle, à partir des impressions : il aidera à
rédiger des commentaires et une argumentation. Certaines questions peuvent aussi
amener à réfléchir différemment au sujet de ce qui a été vu.
Le récit
(qu’est-ce que ça raconte ?)
Y avait-il un texte dans ce spectacle ?
Quelle était la part (son importance dans le spectacle )
du texte ?
S’agissait-il d’une pièce (texte dramatique), d’u n montage de texte, d’une réécriture ou de l’adaptation à la
scène d’un texte non dramatique ?
Qui est l’auteur de la pièce ou du texte ? Est-ce un auteur contemporain ?
Le spectacle était-il fondé sur une histoire que je
connaissais ? Laquelle ?
Était-il utile pour comprendre le spectacle de connaître
l’histoire au préalable ? Ou bien l’histoire pouvait-elle se
comprendre facilement pendant le spectacle ?
Les thèmes abordés dans le spectacle
J’essaie de dresser une liste des " sujets " dont il est
question à mon avis dans ce spectacle
Certains thèmes étaient-ils surprenants, dérangeants ?
Lesquels ?
Certains thèmes étaient-ils intéressants ? Lesquels ?
(de quoi ça parle ?)
APRES LE SPECTACLE
Narration, organisation
Ai-je remarqué comment le spectacle était " découpé ",
organisé ? Y avait-il plusieurs partie s dans cette histoire ? Lesquelles ?
Y avait-il des systèmes de découpage en différentes
parties (des "noirs ", des " rideaux ", des sons, des sorties de personnages...) ?
Ce découpage m’a-t-il ennuyé, troublé, ou au contraire
l’ai-je trouvé in téressant, original ?
Sur quelle durée l’histoire était-elle censée se dérouler ? Quels moyens étaient employés pour le suggérer ?
L’espace
Y avait-il un décor ? Puis-je le décrire ? Ou le dessiner ?
S’agissait-il d’un lieu uniq ue ou bie n plusieurs lieux
étaient-ils évoqués ?
Comment l’espace était-il organisé ?
Ce que je pense de cet espace : ses formes, ses couleurs, son utilisation m’ont-ils plu ? Avaient-ils de l’importance dans ce spectacle ?
Musique, son
Y avait-il des sons ? Etait-ce :
- une bande sonore ?
- de la musique interprétée en direct sur scène ?
Si oui, à quoi servait-elle :
- créer une atmosphère particulière ?
- évoquer un lieu ?
- marquer un changement dans l’histoire ?
- commenter l’histoire ?
- autre chose ?
Ai-je des souvenirs sonores précis du spectacle ? Lesquels ?
Ai-je trouvé l’utilisation des sons originale, intéressante
ou assez secondaire, banale ? Et pourquoi ?
APRES LE SPECTACLE
Relations entre le texte et l’image
Dans ce spectacle, est-ce le texte ou l’image qui l’emporte ?
Qu’est-ce qui composait les images le s plus fortes :
- le décor ?
- les costumes ?
- la lumière ?
- la place des comédiens dans l’espace ?
- les accessoires ?
- le travail sur les couleurs ?
Qu’est-ce qui m’a le plu s frappé ?
Le jeu des comédiens
Est-ce un jeu assez classique ou bien assez origin al ?
De toutes ces formules toutes faites, le squelles me
semblent convenir :
- ils savaient bien leur texte
- ils récitaient le ur texte
- ils semblaient vivre leur texte
- ils étaient très à l’aise, bougeaie nt bien dans l’espace,
semblaient se déplacer naturellement
- j’ai cru à l’existence de leurs personnages
- il y avait des acteurs qui jouaie nt toutes sortes de personnages
- ils n’essayaient pas de faire ressentir des émotions
mais de raconter une histoire
- ils tenaient compte de notre présence en s’a dressant
à nous
- ils faisaient comme si nous n’étio ns pas là
Y avait-il des techniques particulières de jeu ? Apportaient-elles quelque chose de supplé mentaire au spectacle ?
Quels sont le s personnages que tu as aimés ?
Pourquoi ?
Quels sont le s personnages que tu n’as pas aimés ?
Pourquoi ?
Les comédiens utilisaient-ils des marionnettes ? Si oui,
quel était le rôle de ces marionnettes ?
APRES LE SPECTACLE
Originalité, invention, créativité
- J’ai l’impression d’avoir souvent vu ce genre de spectacle.
- ou, au contraire, je suis étonné.
Il y a des éléments du spectacle que je n’a vais jamais
vus : lesquels ?
Est-ce que je les trouve ordinaires ou bien sont-ils originaux, différents, " nouveaux " ? Est-ce que cela m’a
plu ?
Questions sur le spectacle
Avais-tu vu l’affiche, lu le programme et pris connaissance de la distribution ?
Connaissais-tu la compagnie qui a réalisé ce spectacle?
Quels ont été, selo n toi, les rôles respectifs de l’auteur,
du metteur en scène, du scénographe ?
As-tu vu d’autres spectacles réalisés par cette compagnie ? Lesquels ?
METIER DU SPECTACLE
LE METTEUR EN SCÈNE
Un spectacle peut difficilement voir le jour sans metteur en scène. Porteur du projet du
début à la fin, il est le garant de la cohérence du spectacle et lui permet d’être apprécié par
un public. Un rôle essentiel !
Le travail du metteur en scène est au centre de la production théâtrale. Il a la tâche délicate
et ardue de réunir tous les éléments d'une production, le texte, les comédiens, le décor, les
costumes, l'éclairage, le son et la musique en un tout cohérent. Pour y arriver, le metteur en
scène doit :
- Interpréter le texte
- Distribuer les rôles
- Collaborer avec les concepteurs et équipes de production
- Guider les comédiens dans leur travail tout au long des répétitions.
Le travail du metteur en scène s'appuie sur une connaissance profonde du texte de la
pièce. C'est en lisant et en relisant le texte attentivement que le metteur en scène en vient à
une compréhension claire des intentions de l'auteur et à une vision personnelle de la pièce
qui nourrira son interprétation. C'est en se laissant guider par sa compréhension de « ce
que l'auteur veut vraiment dire » que le metteur en scène construira tous les autres aspects
de la production.
Le metteur en scène doit aussi étudier attentivement les personnages de la pièce et réunir
le plus d'information possible sur leurs traits physiques et psychologiques. C'est là une
préparation essentielle à la distribution des rôles et au choix des comédiens les mieux en
mesure de faire vivre les personnages et de les rendre crédibles.
COLLABORATION
Les premières rencontres du metteur en scène avec les concepteurs des décors, des
costumes, de l'éclairage et du son témoignent bien de l'esprit de collaboration si essentiel à
une production théâtrale. Le metteur en scène communique alors au scénographe et au
directeur technique toutes les idées qu'il (ou elle) a pu avoir quant aux aspects techniques
de la production. L'échange d'idées qui se produit à cette étape contribue à préciser la
vision d'ensemble du metteur en scène.
Les précisions données dans le texte quant aux lieux où se déroule l'action doivent être
prises en compte dès le point de départ car elles sont déterminantes tant pour le décor que
pour les déplacements des comédiens sur scène. Les lieux, les entrées et les sorties, les
meubles et les accessoires indiqués dans le texte ou souhaités par le metteur en scène
sont autant d'éléments essentiels qui devront entrer dans la conception des décors.
Vient alors le moment de planter le décor. Il s'agit de tracer un plan du décor, comme si on
le voyait d'en haut, en surplomb. C'est une étape essentielle car elle permet au metteur en
scène de faire sa mise en place. On entend par mise en place la détermination point par
point des déplacements et des regroupements des comédiens sur la scène.
L'esprit de collaboration s'étend aussi aux rapports du metteur en scène avec les
comédiens tout au long des répétitions. Les comédiens proposent leurs propres
interprétations du projet et amènent parfois le metteur en scène à repenser
la sienne. Tous travaillent en étroite collaboration pour donner vie aux
répliques et comprendre les motivations profondes des personnages.
Plus tard, le travail du metteur en scène en répétition sera de portée
plus large et s'appliquera à l'aspect général de la production, au
rythme, aux enchaînements de scènes et à l'intégration du décor,
des costumes et des éléments techniques de la production.
CHARTE DU SPECTATEUR
Objectifs : connaître les codes d’observation d’un spectacle, rappeler le cadre, préparer la
venue des élèves au spectacle.
Mise en place : la charte peut être lue avec les élèves ou construite directement avec eux.
LES DROITS DU SPECTATEUR
Avant le spectacle :
- Être bien informé sur le spectacle.
- Être confortablement installé et voir sans problème l’espace de jeu.
Pendant le spectacle :
- Pouvoir réagir (rire, applaudir) mais avec discrétion, pour respecter l’écoute des autres
spectateurs et le travail des comédiens.
- Pouvoir s’ennuyer mais en silence car les autres spectateurs savourent peut être ce
moment.
Après le spectacle :
- Ne pas avoir envie de parler du spectacle, de dire son ressenti de ce qu’on a vu.
- Critiquer le spectacle, dire ce qu’on en pense, s’exprimer, échanger, confronter ses idées,
ses jugements avec les autres spectateurs.
- Garder une trace de ce moment particulier en écrivant, en dessinant.
- Revenir au spectacle avec sa famille, ses camarades pour partager cette expérience avec
eux, prendre du plaisir ensemble, apprendre des choses, grandir…
LES DEVOIRS DU SPECTATEUR
Avant le spectacle :
- Être calme, attentif.
- S’ouvrir pour vivre un moment agréable.
- Éteindre complètement son téléphone portable : les sonneries intempestives et la lueur
des écrans est un des plus forts désagréments au théâtre car il casse la magie du
spectacle.
Pendant le spectacle :
- Ne pas se manifester quand le noir se fait dans la salle.
- Ne pas bavarder avec ses voisins car les bruits et les chuchotements s’entendent même
sur scène.
- Ne pas sortir pendant la représentation (sauf en cas d’urgence) parce que tous les
déplacements dans la salle perturbent l’attention générale.
- Se rendre disponible et écouter.
- Ne pas manger.
- Ne pas gigoter sur son siège.
Après le spectacle :
- Respecter les avis et commentaires des autres.
- Éviter les jugements trop rapides et brutaux.
- Réfléchir à ce qu’on a vu, entendu, compris ou pas.
Document réalisé à partir du travail de l’équipe du Grand T,
Scène conventionnée Loire-Atlantique,
Côté Court de la Ligue de l’Enseignement,
Scène jeune public Franche Comté et la Ligue de l’Enseignement (FAL 53)