dossier de presse presse release

DOSSIER DE PRESSE
PRESSE RELEASE
SEPT.
15
T H I N G S T H A T M A K E O N E’ S H E A R T B E A T
Par ce titre d’exposition emprunté aux Notes de Chevet de Sei Shônagon*, écrivaine japonaise du Xème siècle, Serge Bensimon nous invite à
prendre le temps de voir et de ressentir.
Hommage non dissimulé au Japon d’une part, terre fertile en traditions,
il a sélectionné chez Dan Yeffet les dessins de pièces emblématiques
en pierre de la région de Sendai afin d’en révéler la beauté ; un travail
exceptionnel mettant en valeur les gestes de chacun, et une véritable
ode à la beauté de la Nature.
With the title of this exhibition, taken from Sei Shônagon’s Pillow Book,
a japanese writer of the tenth century, Serge Bensimon invites us to
take the time to see and to feel.
Undisguised tribute to Japan on the one hand, fertile land in tradition,
he selected from Dan Yeffet the drawing of emblematic pieces, made
of stone of the Sendai area, so as to reveal its beauty ; an exceptional
job that brings out the actions of each participant, and an ode to the
beauty of nature.
Partage sincère d’émotions personnelles d’autre part, il livre aussi
une collection de meubles en bois de Sugi et Keyaki, réalisée par les
meilleurs artisans locaux ayant travaillé pour les grandes références du
design nippon.
Sincere sharing of personal emotions on the other hand, he also delivers a collection of wooden furniture from Sugi and Keyaki, made
by the finest local artisans who worked for the greatest references of
Japanese design.
De ce voyage quasi méditatif sur les matières, la Gallery S. Bensimon
compose une sélection d’objets d’émerveillement afin de faire vibrer
davantage cette atmosphère de « Wa ». Doug Johnson, Roberto Sironi
propose des Choses rares* reliant technique artisanale et savoir-faire
antique dans des gestes ou des compositions quasi hypnotiques. Choses que l’on ne peut comparer*, Sabine Marcellis et Nao Tamura nous
convient au plaisir de l’épure grâce à des magnifiques créations dont
la lumière est un prétexte au partage d’émotion. Florian Richter, photographe berlinois, nous plonge dans les Choses splendides* que sont ses
paysages, prémices de son exposition de Novembre, là encore, déclaration d’amour aux forces naturelles et à l’art qui nous révèle leurs beautés. De ce bout de chemin parcouru ensemble sur le flanc de la montagne, on retient cette philosophie positive de partage et l’attention
portée aux personnes derrière les objets, Choses qui égayent le cœur*.
From this almost meditative journey about materials, the Gallery
S. Bensimon composes a selection of objects of wonder that amplifies
this atmosphere of «Wa». Doug Johnson and Roberto Sironi propose
Rare Things, linking craftsmanship and ancient know-how in almost
hypnotic gestures or compositions. Things that cannot be compared,
Sabine Marcelis and Nao Tamura initiate us to the pleasure of simplification, through wonderful creations whose light is a pretext to the
sharing of emotions. Florian Richter, a Berlin photographer, plunges
us into the Splendid Things that his landscapes are, first fruits of his
November exhibition, here again, a declaration of love to natural forces
and to art that reveals their beauties.
Of this road we shared on the mountainside, we hold onto this positive
philosophy of sharing, and the attention given to the people behind
the objects, Things that brighten the heart.
*traduction de André Beaujard/ Gallimard-Unesco
DESIGNERS PRESENTES
DAN YEFFET
SABINE MARCELIS
NAO TAMURA
ROBERTO SIRONI
JOANNA LOUCA
DOUG JOHNSTON
JEROEN WAND
GERMANS ERMICS
DESIGNERS PRESENTES
MORGAN RUBEN
MAARTEN BAPTIST
FLORIAN RICHTER
EXCLUSIVITES GALLERY S. BENSIMON
GALLERY S. BENSIMON EXCLUSIVITES
> collection «Aston(E)ishing black» de Dan Yeffet en collaboration
avec Okurayama Studio
> «Aston(E)ishing black» collection by Dan Yeffet with
Okurayama Studio
> tables «Wooden patterns» de Maison Bensimon
> «Wooden patterns» tables by Maison Bensimon
> suspensions «Momento» de Nao Tamura éditées par Wonderglass
> «Momento» suspensions by Nao Tamura for Wonderglass
> suspensions «Calimero» de Dan Yeffet éditées par Wonderglass
> «Calimero» suspensions by Dan Yeffet for Wonderglass
> luminaires «VOIE Light» de Sabine Marcelis
> «VOIE Light» by Sabine Marcelis
> Nouveautés luminaires «Brokis» de Dan Yeffet & Lucie Koldova
> «Brokis» lights collections by Dan Yeffet & Lucie Koldova
> séparateurs «Woven structures» de Joanna Louca
> «Woven structures» by Joanna Louca
> collection «Shaping colour» de Germans Ermics
> «Shaping colour» collection by Germans Ermics
> chaise «Lucky Love» de Maarten Baptist
> «Lucky Love» chair by Maarten Baptist
> «Formes» de Doug Johnston (en coton tissé)
> «Formes» by Doug Johnston (woven cotton)
> vases «Phases» de Jeroen Wand
> «Phases» vases by Jeroen Wand
> vases «Buccheri» de Roberto Sironi
> «Buccheri» vases by Roberto Sironi
> «Terra/Sanctuaria» de Morgan Ruben
> «Terra/Sanctuaria» by Morgan Ruben
> Photographies «Dammkar I & II» de Florian Richter
> Photographies «Dammkar I & II» by Florian Richter
OKURAYAMA STUDIO
Okurayama Studio Ltd.Fondé en 1887
Chozo Yamada, fondateur d’Okurayama Studio, naît en 1861 dans le département de
Hyogo, région florissante dans le domaine de la production de pierre de construction.
En 1887, il se rend dans le département de Miyagi pour se charger des travaux de
construction des piliers du grand pont conduisant au château d’Aoba (municipalité de
Sendai). Vers 1925, il gravit le mont Okurayama, dans le sud du département de Miyagi,
pour y lancer l’extraction de la pierre datekanmuri.
Lorsque l’on arrive à la 3ème génération avec Masaichi Yamada, une extraction à grande échelle a été développée, et dans les années 60, près de 30 artisans travaillent à
l’extraction des pierres dans la montagne. Alors que les blocs sont expédiés dans tout
le reste du pays à une cadence toujours plus soutenue, la montagne subit les effets
de cette extraction, et au début des années 70, les terres aux tons bruns rougeâtres
ont cédé la place à des flancs montagneux dénudés. Masahiro Yamada, 4ème du nom,
décide de ramener la verdure sur ces terres malmenées. Après avoir fait remblayer et
reboiser, il aborde en 1988 le cadre de la montagne comme un lieu de création global,
et avec plusieurs créateurs, il lance un « camp de travail ». Grâce à la collaboration entre
ces créateurs et la région, le paysage de montagne prend forme peu à peu pour finalement renaître sous sa magnifique apparence d’aujourd’hui.
Actuellement, le mont Okurayama est divisé en une zone d’extraction de la pierre et
une zone d’activités culturelles. Tout en restant un site d’extraction actif, Okurayama
accueille des structures culturelles comme un théâtre en plein-air ou un salon intérieur
employant sa pierre, ses arbres et sa terre, et est devenu aujourd’hui un lieu de diffusion
de la culture et des arts via des concerts ou des conférences, etc.
Okurayama Studio Ltd.- Established in 1887
The founder of Okurayama Studio, Chozo Yamada was born in 1861 in Hyogo Prefecture
where stone production was a flourishing business. In 1887, Chozo moved to Miyagi
Prefecture in order to work in bridge pier construction for the Ohashi Bridge which
extends to Aobajo Castle (Sendai).Mining for Date Kanmuri stone started in Mt. Okurayama in the southern part of Miyagi Prefecture around 1925.
Large scale mining started during the time of the third president Masaichi and around
30 craftsmen were mining stone in the mountain during the 1960s. This mining led to
stones being shipped to many different locations and the mountain itself gradually became ravaged. By the 1970s, the reddish brown colored land had been stripped down
to its bare form. The fourth president Masahiro was determined to restore greenery to
the wasteland. After refilling soil and planting trees, he used the entire mountain as a
creative space to start a work camp with other artists in 1988. With help from these
artists and cooperation from the local people, the mountain began to gradually form a
landscape and it currently has been revived into a mountain filled with beauty.
Mt. Okurayama is currently divided into a quarry and a culture activities area. While still
being an active mine, this mountain holds cultural facilities such as an outdoor theater
and an indoor salon which were built with the stone, lumber and soil of Mt. OkurayamaThere are also opportunities to experience culture and art here including concerts and
speeches.
DAN YEFFET
Dan Yeffet, né en 1971 à Jérusalem, est le fondateur du Jellylab d’Amsterdam, créé
après son BA en design industriel obtenu à l’Académie Gerrit Rietveld. Depuis 2005, il
travaille à Paris, nombre de ses pièces sont d’ores et déjà dans les collections des musées comme Chicago, Philadelphie, le Modam, le V&A ou le Fnac en France. Entre 2010
et 2012, Dan Yeffet collabore avec la designer tchèque Lucie Koldova sur de nombreux
projets (lampes Muffins, Balloons, Shadows : collections éditées par le fabricant tchèque Brokis et distribuées en exclusivité par la Gallery S. Bensimon.)
Dan Yeffet, born in Jerusalem in 1971, is the founder of Jellylab Amsterdam, created after receiving his BA in Industrial Design from the Gerrit Rietveld Academy. He has worked in Paris since 2005; many of his pieces are already part of collections in museums
such as Chicago, Philadelphia, the Modam, the V&A or France’s Fnac.
Between 2010 to 2012, Dan has collaborated with the Czech designer Lucie Koldova on
various projects (Muffins, Balloons, Shadows collections for a Czech traditional manufacturer Brokis, and exclusively distributed in France by Gallery S. Bensimon.)
« ASTON(E)ISHING BLACK » collection
Collection de 3 tables basses, 1 miroir sculpture, 3 miroirs et éléments de table
Matériau: pierre japonaise «datekanmuri»
L’ensemble de l’archipel japonais a connu il y a 20 millions d’années de violents mouvements de la croûte terrestre et l’on considère que c’est la riche activité volcanique
qui a façonné le mont Okurayama. Les roches sont de type andésite et les fronts de
taille de la carrière présentent une structure en prismes. Des pierres de construction
aux multiples visages sont produites, certaines présentent des formes arrondies tandis
que d’autres apparaissent en strates aux fissures irrégulières, leur charme a conquis les
sculpteurs non seulement au Japon mais aussi dans le monde entier.
Le célèbre sculpteur Isamu Noguchi dans les années 70 et 80, ou bien l’artiste anglais
Richard Long créateur de paysages dans les années 1990, ont utilisé la pierre datekanmuri dans leurs créations. C’est en particulier Isamu qui l’a employée dans beaucoup
de ses œuvres et qui est l’un des créateurs ayant été les plus fascinés par toutes les
expressions de ce matériau.
Le contraste entre les tons de rouille de sa surface qui rappellent ceux de la céramique
japonaise et les teintes noires aux motifs uniques à l’intérieur élargit les possibilités de
création offertes et lui confère des expressions encore plus riches.
DAN YEFFET
« ASTON(E)ISHING BLACK » collection
Collection of 3 coffe tables, 1 sculpture mirror, 3 mirrors and table elements
Materials : japonese stone name «datekanmuri»
20 million years ago when the Japanese archipelago experienced crustal deformation
in all areas, active volcanoes are considered to have caused the formation of Mt. Okurayama. The stone found here is a type of andesite and the working face of the mine has
the appearance of a columnar joint. Stone materials with a variety of appearances such
as round stones and geographical formations which create stones with irregular cracks
are yielded here. Sculptors which are attracted to the allure of these stones have come
from not only Japan, but from all over the world.
Works of art using Date Kanmuri stone were created by the Isamu Noguchi who was a
well known sculptor in the 1970s and 1980s along with the British landscaper Richard
Long in 1990s. Isamu Noguchi is particularly known for being an artist who was able to
strongly exhibit the expressions of Date Kanmuri stone through using it in a lot of his
sculptures.
There is a contrast between the rusty surface color similar to Japanese earthenware and
the inkstone colored inside with its unique patterns. This contrast expands the range of
production capabilities and creates a higher abundance of expressions.
MAISON BENSIMON
Issu de la collection des bois de la Maison Bensimon, Serge Bensimon a dessiné une
collection de trois tables en hommage à Georges Nakashima.
Plusieurs dimensions disponibles.
WOODEN PATTERNS
Collection de tables hautes et basses
Matériaux : bois japonais cédar ou chataîgnier
piètement en métal laqué noir
NAO TAMURA
Nao Tamura est une designer dans le sens contemporain du terme. Ses talents mixent
une culture multiple, les langues étrangères, les disciplines, styles...
Issues des communautés créatives de Tokyo et New York, ses créations sont
aussi aisées en 2 et 3D avec une incomparable capacité à trouver une connexion émotionnelle avec le public.
Nao Tamura défie toutes idées de catégorisation, ses créations touchent au minimalisme et possèdent un rare équilibre entre innovation et beauté.
Nao Tamura is a designer in the most modern terms. Her talents cross-over cultures,
languages, disciplines, concepts and styles with consistency of smart thinking always
at the heart of her work. She is truly global in her insights and execution. As a product
of Tokyo and New York City creative communities, her solutions are equally at ease in
the world of 2-D and 3-D with an uncanny ability to find that emotional connection with
the audience. Nao defies the kind of categorization that the industry status quo often
insists upon. Her unique solutions are more than simply design and possess a rare balance of innovation and beauty.
MOMENTO
EDITEUR : WONDERGLASS
Cette collection interprète un dialogue immédiat entre nature et technologie qui saisit
l’instant même d’une goutte d’eau tombant d’une feuille.
Momento fige cet instant de beauté éphémère et le transforme en une source lumineuse.
Matériaux : verre soufflé Murano
Dimensions : diamètre 350mm
DAN YEFFET
Dan Yeffet, né en 1971 à Jérusalem, est le fondateur du Jellylab d’Amsterdam, créé
après son BA en design industriel obtenu à l’Académie Gerrit Rietveld. Depuis 2005 il
travaille à Paris, nombre de ses pièces sont d’ores et déjà dans les collections des musées comme Chicago, Philadelphie, le Modam, le V&A ou le Fnac en France. Entre 2010
et 2012, Dan Yeffet collabore avec la designer tchèque Lucie Koldova sur de nombreux
projets (lampes Muffins, Balloons, Shadows : collections éditées par le fabricant tchèque Brokis et distribuées en exclusivité par la Gallery S. Bensimon.)
Dan Yeffet, born in Jerusalem in 1971, is the founder of Jellylab Amsterdam, created after receiving his BA in Industrial Design from the Gerrit Rietveld Academy. He has worked in Paris since 2005; many of his pieces are already part of collections in museums
such as Chicago, Philadelphia, the Modam, the V&A or France’s Fnac.
Between 2010 to 2012, Dan has collaborated with the Czech designer Lucie Koldova on
various projects (Muffins, Balloons, Shadows collections for a Czech traditional manufacturer Brokis, and exclusively distributed in France by Gallery S. Bensimon.)
CALIMERO collection
EDITEUR : WONDERGLASS
Matériaux : verre soufflé Murano et cuivre
Dimensions: 3 tailles
Small: Ø160mm
Medium: Ø180mm
Large: Ø350mm
SABINE MARCELIS
Sabine Marcelis est une designer néo-zélandaise et hollandaise, son studio est à Rotterdam. Dès son diplôme en 2011 à la Design Academy de Eindhoven, elle travaille en
indépendante. Les collaborations sont une part importante de la vision en design, une
forme de travail qu’elle initie souvent tant avec d’autses designers qu’avec l’industrie
et les marques. Son travail couvre différents domaines mais elle tente à chaque fois de
valoriser le dialogue entre l’objet et son utilisateur.
Sabine Marcelis is a Dutch/New Zealand product designer who has her studio based
in Rotterdam, (NL). After graduating from Design Academy Eindhoven in 2011 she has
been working as an independent designer. The importance of collaborations are a big
part of Sabine’s vision for design, she has undertaken various collaborative efforts with
other designers, industry and brands. Sabine works across a varied field within design
but always strives to create a dialogue between the object and the user.
VOIE light series #1
Edition limitée de 5 pièces.
La série de lampes « voie » est le premier résultat d’une recherche dans le domaine de
la manipulation de la lumière. Ayant choisi le néon comme première source lumineuse,
l’objet dessiné crée une interaction entre le faisceau lumineux et la matière additionnelle. La matière ajoutée, bloc de résine polyester sculpté, diffuse la lumière et utilise
cette source pour sublimer la matière qu’elle traverse. Une combinaison bénéfique qui
révèle les propriétés de chaque élément.
Cette première édition est constituée de 6 pièces en tout, chacune révélant un aspect
différent de l’interaction entre les deux matières.
Limited edition of 5
The ‘voie’ light series is the first result of an investigation into the manipulation of
light-paths. Having chosen neon as the primary light source, the designed objects
create an interception on the path the light follows through the addition of a singular
extra material. The addition of cast polyester resin diffuses the light path and in turn
uses the light source to enhance the colour properties within the resin. A new moment
is created when this mutually beneficial relationship is formed between the materials,
defining the unique properties of each where the two meet.
The first edition consists of 6 pieces; each focussing on a different aspect of how the 2
materials can influence one another.
BROKIS
BROKIS a été fondé par un groupe d’entrepreneurs enthousiastes qui ont consacré leur
vie à la production de luminaires raffinés. L’expérience de la société dans la production
de verre de qualité et sa collaboration avec des designers du monde entier ont donné
naissance à une ligne de luminaires contemporains réalisés à la main. Cet accomplissement atteste bien que un beau design doit être accompagné de la meilleure qualité.
BROKIS – a synthesis of exquisite design, superior quality, and the remarkable craftsmanship of Bohemian glass artisans. Based in the Czech Republic, BROKIS produces
exclusive glass lighting born of the skill of outstanding artisans continuing the age-old
Bohemian glassblowing tradition. Its original lighting collections are designed by worldrenowned Czech and international artists and have won numerous awards in prestigious
design competitions both at home and abroad.
Collections MUFFINS & BALLOONS - Nouvelles finitions
Designers : Dan Yeffet & Lucie Koldova
BALLOONS
Coloris de verre : transparent, gris fumé
Nouvelle finition : marron fumé
Finition réflecteur : aluminium noir, blanc, rouge, cuivre ou laiton
Nouvelle finition : chrome
Matière : Verre soufflé moulé
Dimensions : 3 tailles - ht 40, 60, 80 cm
MUFFINS
Coloris de verre : transparent, gris fumé, marron fumé, ambre, cognac, violet
Finition de bois : chêne naturel, chêne teinté noir ou blanc
Nouvelle finition : noyer
Dimensions : 5 lampes à poser et 2 tailles de suspensions
JOANNA LOUCA
Joanna Louca a étudié le tissage à l’Université du Middlesex et a obtenu un master en
textile à la Goldsmiths University de Londres.
Depuis 1999, elle expose ses collections de tissages dans de nombreuses expositions et
installations personnelles, ou dans des magasins, showrooms et galeries, tant à Nicosie,
où elle vit et travaille, que dans le monde. En 2005, elle est repérée par le magazine «
Percorsi di creatività » du Groupe LVMH, comme un des talents émergeants.En 2012,
elle lance également sa collection pour la maison.
Le chemin créatif de Joanna Louca est particulièrement émotionnel, un chemin dans
lequel une construction harmonique est en jeu, s’équilibrant parfaitement entre la forte
volonté de repousser sans cesse les frontières des techniques et restrictions dues aux
stéréotypes du tissage, et un procédé de création méditative, dans laquelle les mains
et l’esprit s’unissent pour composer un tissu qui ravisse nos sens.
Joanna Louca studied woven textiles at Middlesex University and in 1998 obtained a
Masters degree in Textiles at Goldsmiths University, London.
From 1999, she has displayed her woven collections in numerous solo exhibitions and
installations, as well as shops, showrooms and galleries, both in Nicosia, where she lives
and works, and internationally. In 2005 the magazine ‘Percorsi di creativita’ by LVMH
on emerging talents features her work. In 2012 she launches ‘Joanna Louca Home’ collection
Joanna Louca’s journey of creation is a sensationally emotional one, a journey in which a
harmonious combination is at play, balancing perfectly, between an incessant challenge
to cross the boundaries of stereotype weaving techniques and restrictions, and a process of creative meditation, in which the hands and mind, come together to compose
fabrics that are pleasing to the human senses.
WOVEN structures
Panneaux décoratifs muraux tissés à la main
Matériaux : fibres naturelles et techniques
GERMAN ERMICS
German Ermics est né à Riga (Lettonie) en 1985. Après des études au Danemark, il
effectue un stage à Rasmus Koch Studio à Copenhague où il a développe des compétences dans la conception graphique. En 2007, il co-fonde le magazine de la culture lettone Veto, en tant que directeur artistique. Dans le même temps, il commence à étudier
à la Design Academy d’Eindhoven, dans le département Man & Living, où son objectif
principal se porte sur les meubles et intérieurs. Avant son diplôme en 2011, il effectue
un stage au Studio Robert Stadler à Paris et travaille sur divers projets de design d’intérieur et graphique pour des clients néerlandais et internationaux. En Septembre 2014,
il fonde son propre studio à Amsterdam.
German Ermics was born in Riga, Latvia in 1985. After studying design in Denmark he
went on an internship at Rasmus Koch Studio in Copenhagen where he developed skills
in graphic design. In 2007, He co-founded the Latvian culture magazine Veto, serving
as art director. At the same time he began studying at the Design Academy Eindhoven,
in the department Man & Living, where his primary focus was on furniture and interiors.
Prior to his graduation in 2011, he completed an internship at Studio Robert Stadler in
Paris. During the next two years he was working on diverse interior and graphic design
projects for both Dutch and international clients. In September 2014 he started his own
studio in Amsterdam.
SHAPING COLOUR collection
Matériau : verre
Table : 350 x 1000 x 350 mm
Console : 400 x 200 x 890 mm
Mirroir : 1200 x 400 mm
MAARTEN BAPTIST
Né en 1976, Maarten Baptist est le fondateur du collectif « Joine Office for Design »
à Eindhoven. Ses créations sont d’abord et surtout pensées pour un usage quotidien.
C’est au travers de petits détails inattendus que chacune parvient à dégager une présence élégante et singulière. « J’essaie de garder ma capacité d’émerveillement pour
les choses qui m’entourent et de la transmettre à mes objets ».
Diplômé de la Design Academy d’Eindhoven en 2002, publié dans Wallpaper, Forbes,
ou le New York Times, son single Sofa a reçu le Red Dot Award en 2010.
Born in 1976, Maarten Baptist is the founder of the collective « Joine Office for Design
» in Eindhoven. His creations are designed for everyday use. With their small and unexpected details, Maarten’s designs are distinctive and elegant. Maarten says : « I try to
retain my capacity to be astonished by everything that surrounds me and to pass this
onto my objects. »
Maarten graduated from Eindhoven Design Academy in 2002 and his work has been
published in Wallpaper*, Forbes and the New York Times. His sofa « Single » received
the 2010 Red Dot Award.
LUCKY LOVE CHAIR
La chaise est fabriquée dans l’une des meilleures usines de menuiserie en Allemagne,
où la production est neutre pour l’environnement. La forêt qui fournit le bois pour ce
siège est située dans le nord de l’Allemagne
Premièrement, les arbres sont cuits à la vapeur et pelés comme un crayon. Cinq feuilles
sont collées ensemble et séchées dans un moule en aluminium, et sont ensuite peintes
dans une usine de peinture.
The seat is made in one of the best factories in Germany’s woodwork industry where the
production is environmentally neutral. The forest that provides the wood for the Lucky
Love Chair is located in North Germany. First, the trees are steamed and peeled like a
pencil. From these thin wooden sheets the ‘fingers’ of the chairs are cut. Five sheets are
glued together and dried into an aluminium mould, after which they are painted in the
next-door paint factory.
DOUG JOHNSTON
Né en 1979 au Texas et ayant grandi à Tulsa, Doug Johnston vit et travaille à New
York City. Son travail est le fruit de ses expériences dans l’art, le design, l’architecture
et la musique. Il utilise une grande variété de medias et d’expressions : installations,
art textile, sculpture, photographie et performance collaborative. Depuis 2010, il s’est
concentré sur l’enroulement et la couture de cordes pour former divers objets fonctionnels ou sculpturaux, familiers ou novateurs, simples ou complexes. Doug Johnston
travaille également avec sa femme, Tomoe Matsuoka, dans leur atelier de Brooklyn. La
technique utilisée vient de la volonté de transformer un matériau linéaire, flexible en un
objet ou espace tridimensionnel. Pour ce faire il travaille avec des machines à coudre
et s’inspire des techniques humaines artisanales parmi les plus anciennes comme le
colombin ou le tressage de corde. Le matériau de base est laissé dans son état premier,
les variations de couleur viennent des coutures ajoutées. Cela lui permet d’explorer la
formation des objets, et leur surface, leur volume. Il pousse chaque fois plus avant son
exploration de nouvelles idées à la frontière entre l’art et le design.
Son travail est présenté dans de nombreuses expositions aux Etats Unis et dans quelques boutiques et galeries autour du monde.
Born in 1979 in the west Texas desert and raised in Tulsa, Doug Johnston lives and works
in New York City. Johnston’s work is informed by his experiences with art, design, architecture and music, utilizing and exploring a variety of mediums and methods such
as installation, fiber art, sculpture, photography, and collaborative performance. Since
2010 Doug Johnston has worked with a technique of coiling and stitching rope that
grows out of his explorations in transforming linear, flexible materials into 3-dimensional objects and spaces. The technique utilizes modern industrial sewing machines to
work with two of humanity’s oldest technologies, coiled vessels and rope. Each piece
is made by stitching rope together with a zig-zag sewing machine, hand-forming the
shapes from a continuous helix of rope as they are being sewn. The materials are typically left in their raw state with the natural variations in the stitching expressed by
use of colored thread. The process allows him to explore the formation of objects, and
their surfaces and spaces. The pieces take on a variety of shapes that oscillate between
functional and sculptural, familiar and novel, simple and complex. He continues to push
and explore new ideas with the process, working in the shared territory of art and design. His work has been presented in numerous exhibitions in the United States and an
ongoing line of coiled and stitched rope pieces is available in boutiques and galleries
around the world.
Dimensions : plusieurs formes différentes
Matériaux : coton tissé
JOROEN WAND
Jeroen Wand (1985) a fondé son studio de design en 2008, après avoir étudié à l’Académie des Beaux Arts et Design de Maastricht et son master au Sandberg Institute
d’Amsterdam. Studio indépendant, il travaille autant sur projet que de manière autonome. Il travaille essentiellement sur l’expérimentation et les matériaux et utilise parfois
des méthodes non conventionnelles pour créer de nouvelles matérialités. Le studio
crée des produits et des objets où les combinaisons habituelles de matières et les techniques de fabrication sont modifiées, altérées ou réinventées, le tout dans un développement productif non conventionnel.
Studio Jeroen Wand (Eindhoven, Netherlands) was founded by Jeroen Wand in 2008.
Jeroen Wand (1985) studied Product design at the Academy of fine Arts and Design in
Maastricht (NL) and 2008 he graduated with an MA at the Sandberg Institute in Amsterdam. Directly after his studies, Jeroen Wand started his independent studio where
he works on projects on assignment and more autonomous works. Studio Jeroen Wand
works from material experiments, where unconventional production methods are applied to create new materialities. The studio creates products and objects where traditional combinations of materials and techniques are modified, altered or reinvented,
culminating into unconventional production processes..
PHASES collection
Pour fabriquer ces vases, Jeroen travaille en deux étapes dans lesquelles le même matériau lutte contre lui-même dans un processus bio chimique. La forme support de ces
pièces est d’abord moulée puis séchées. Ensuite, cette forme basique est immergée
dans un bain de plâtre de recette différente. Grâce à une combinaison de contrôle mais
aussi de liberté de réaction laissée au plâtre, chaque couche est différente. Ici le plâtre
n’est pas utilisé comme matériau secondaire, il démontre ses capacités et qualités.
«Phases» a été originalement dessiné pour l’exposition « Conflict » du collectif Dutch
Invertuals en 2012.
In the process of making these vases, two phases of the same material react upon each
other in a biochemical struggle. The primary shape of these vessels, which is based
on one mold, is first cast and dried. Afterwards this basic shape is immersed in newly
mixed plaster. Through the combination of control and letting the plaster react freely,
the material forms its own unique cover. Here the plaster is not applied as a secondary
material, but shown in its autonomous qualities and capabilities. Phases was originally
designed for the exhibition ‘Conflict’ by collective Dutch Invertuals in 2012.
ROBERTO SIRONI
Roberto Sironi est un designer italien, diplômé de l’école polytechnique de Milan. Après
ses etudes il a travaillé dans différents studios de design qui lui ont permis de developer une approche personnelle du design.
Roberto Sironi considère chaque projet comme une histoire, développée au travers une
recherche qui regroupe différents aspects, des rituels et références anthropologiques à
la mémoire historique, dessinant avec la vision contemporaine la plus adaptée à chaque
contexte. Il crée avec l’ambition de révéler tout le potentiel des matériaux choisis, et la
poésie des objets.
Roberto Sironi is an Italian designer, who graduated from the Politecnico di Milano.
After his studies he has worked with different design studios in Milan where he has developed his design approach.
Roberto considers each project as a story, developed through research that involves
different aspects, from rituals and anthropological references to historical memory, designing with a contemporary approach always appropriate to the context. He draws
with the ambition to reveal the expressive potential of each material chosen, trying to
reveal the poetry of the objects.
BUCCHERI collection
Buccheri est une collection de trois vases réalisés avec une technique inventée il y a
deux milles ans par les étrusques. Les vases sont d’abord tournés puis sculptés avec
des outils spéciaux en bois de buis. Les vases sont cuits dans le charbon suivant une
méthode ancienne qui leur donne cette couleur noire si sophistiquée aux reflets d’argent. Chaque vase est unique, combinant un toucher extraordinaire et une grande légèreté.
Buccheri is a collection of three vases made with a technique created thousand years
ago by the Etruscans.
The vases are hand turned and then carved with special tools made in boxwood. Buccheri are baked into the charcoal following the ancient method of production that gives
to the vases their sophisticated black colour with silvery shades.Each vase is unique,
combining extraordinary tactile experience with a great lightness.
MORGAN RUBEN
Morgan Ruben Jansen op de Haar (1988) est diplômé en design produit à l’Ecole d’art
d’Utrecht en juin 2014.
Dès son plus jeune âge, il a eu une fascination naturelle pour le monde qui l’entoure,
observant chaque détail dans son environnement proche. Ses intérêts sont nombreux
allant de la biologie aux autres sciences et de l’artisanat au design. Ces sujets l’ont
conduit à créer des produits qui réussissent à réunir l’organique et la création humaine.
En 2013, Morgan a suivi un stage de 5 mois dans le studio de Formafantasma, une expérience qui l’a beaucoup influencé dans son style et son approche des détails.the raw
material.”
Morgan Ruben Jansen op de Haar (1988) graduated in June 2014 in product design
from the Utrecht School of the Arts.
From an early age Morgan has had a natural fascination for the world around him, observing the fine details of his surroundings. He has a broad spectrum of interests ranging
from biology to science and from craftsmanship to design. These subjects have inspired
him to create microenvironment products that manage to merge the organic and man
made. In 2013 Morgan followed a five month internship at Studio Formafantasma, an
experience that greatly influenced his style and measure of product refinement.
TERRA/SANCTUARIA
La collection Terra/Sanctuaria, révèle la fragilité de notre écosystème et la volonté de
le sauver.
Matériaux: bois et verre
FLORIAN RICHTER
PHOTOGRAPHE : FLORIAN RICHTER
Pays: Allemagne
Florian Richter est un photographe établi à Berlin. L’ensemble de son œuvre se concentre sur le paysage, dans la suite des peintres paysagistes, des artistes romantiques. L’essentiel s’y joue sur l’émotion et la mémoire. Muni d’un appareil analogique et travaillant
soit avec des négatifs ou des polaroids, il restitue lors du tirage un état du lieu tel
que son souvenir l’a enregistré, imprimant ses impressions davantage que la restitution
exacte des vues. Chaque cliché est une réalité possible et dans le respect de la tradition, il nous permet de nous évader et d’y placer nos émotions. Pas de bruit dans ses
images désertées par l’homme, si ce n’est celui des matières et des éléments qui crient
leur évidente beauté, ici révélée grâce à la finesse de l’œil du photographe.
SERIE DE 2 PHOTOS
Dammkar I & II
Année : 2011