MACBETH « La vie n`est qu`une ombre en marche, un pauvre acteur

MACBETH
« La vie n’est qu’une ombre en marche, un pauvre acteur
qui s’agite pendant une heure sur la scène et alors on ne
l’entend plus. C’est un récit conté par un idiot, plein de
bruit et de fureur et qui ne signifie rien. »
(MACBETH : ACTE V Scène 5)
Une création du Collectif Hubris d’après l’œuvre de William Shakespeare.
Présentation de la première étape de travail les 7 et 8 novembre 2016 au
Carreau du Temple (Paris 3ème) dans le cadre de la quatrième édition du Festival
Fragments.
Mise en scène, adaptation et écriture : Raouf Raïs assisté d’Aurélie Barrin.
Avec : Antoine Joly, Thomas Matalou et Sarah Tick.
D’autres acteurs rejoindront l’équipe à l’issue des présentations de novembre
2016.
Scénographie, lumières : Julien Crépin et Raouf Raïs.
Maquillage : Sophie Krenke.
NOTE D’INTENTION
La peur rôde.
Qu'est-ce qui nous effraie dans le monde extérieur?
Qu'est-ce qui nous effraie chez l'autre?
Qu'est-ce qui nous amène sans cesse à nous réfugier dans le familier?
Ce familier qui plus il se réduit plus il devient lui-même inquiétant.
On finit par se méfier de soi-même.
Des peurs ancestrales et modernes : peur du noir, du sommeil, de la mort, de l'inconnu,
l'étranger, de la perte de confort, de l'avenir... J'en passe et des meilleures.
La peur, phénomène culturel ou naturel, qui nous fait agir ou nous rend passifs.
Il s'agit d'une peur enfantine que nous souhaitons porter à la scène, exorciser.
Jouons à nous faire peur avec délectation.
Réinventons les mystères, le folklore, qui nous poussaient, enfants, à nous cacher le soir
sous la couverture puis à sortir les yeux, tremblants, et affronter le danger, se rassurer.
Se rappeler que derrière le moindre bruit qui nous terrorisait, non, il n'y avait rien. Une
bestiole, un volet qui claque, le bruissement du vent. Une nuit puis un lendemain. Et l'autre
vers qui nous revenions sans cesse même lorsqu'il nous désespérait.
L'autre restait la condition de notre survie et non l'inverse.
Alors à cheval ! Réinventons les moulins et les monstres. Et faisons face comme Hamlet et
Don Quichotte, à une mer de troubles dont un requin peut surgir chevauché par un Jack
Nicholson, une fausse hache à la main.
Déversons nos angoisses sur le plateau de théâtre, éclatants de rire, pour dire de toutes nos
petites forces que la peur est un jeu d'enfants et que ceux qui en usent autrement sont des
porteurs de mort."
NOTE DRAMATURGIQUE
Macbeth et Banquo, généraux de Duncan, roi d’Écosse, de retour d’une campagne
victorieuse contre les rebelles, rencontrent dans la lande trois sorcières qui leur prophétie :
Macbeth deviendra roi, affirment-elles, et Banquo engendrera des rois… Poussé par Lady
Macbeth et dévoré par l’ambition, Macbeth entreprend d’assassiner Duncan, premier
meurtre d’une longue série.
Ce qui pourrait se produire :
Ces bribes sont des pistes de travail sur Macbeth, aléatoires et indispensables à la cohérence
du spectacle, car elles sont les touches successives qui façonneront l'objet de représentation
comme la première couche d'une peinture en bâtiment. Car il ne s'agit pas de créer de lien
narratif entre différentes images mais de creuser toujours la même image. En avançant
comme par associations d’idées, sans confondre réalisme et représentation de la réalité. La
réalité est plus chargée, plus large, imprévisible. Et elle nous intéresse pour elle-même, en
tant qu'énigme...
Il s’agit d’extraire de Macbeth les phénomènes surnaturels et de les porter à la scène.
Des acteurs possédés, un théâtre hanté, des bougies, le mal absolu, la prophétie, le meurtre.
Tous prennent en charge les différentes figures, les différents personnages de la pièce
Macbeth. Travailler sur l’inquiétante étrangeté, la sensation que lorsque l’on se regarde dans
un miroir, ce n’est pas tout à fait nous que nous voyons. Un théâtre ensorcelé, charmé
rendant palpable spectres et fantômes.
Il s’agit de plonger comme d’une falaise dans la langue de Shakespeare pour en saisir toute
la portée métaphorique. Une parole performative. Que les images énoncées s’inscrivent
dans notre espace mental.
Une actrice prendra notamment en charge tous les rôles de femmes, des sorcières à Lady
Macbeth. La femme dans toute sa splendeur qui court après sa beauté passée et future,
belle dans sa nullité, elle aimerait résister au monde qui l'entoure, elle aimerait assumer sa
laideur, plaire sans le chercher, elle trouve sa vérité en faisant, en pratiquant un rituel, elle
s'érige en totem, elle aimerait ne pas avoir à représenter la femme, elle n'a pas le choix alors
elle s'y colle, elle se met en valeur, elle danse, elle chante, elle convoite, elle drague
Macbeth, le public comme on drague un terrain en l'aplanissant, le caressant dans le sens du
poil, elle aimerait chanter et que tout s'arrête que l'homme l'écoute ébahi, envieux,
amoureux, que la femme la respecte, s'identifie, la jalouse.
Elle est dans une quête absolue de pouvoir. Mais elle chante dans un karaoké, elle trône
dans un château de cartes. Et tous ses actes ne participent qu’à une seule chose : accélérer
la catastrophe au royaume d’Écosse. Elle a un seau, un balai, une serpillière mais quand elle
la passe, le plateau devient sale, de la crasse, de la boue, du sang jaillit…
Il s’agit donc aussi d’écrire et d’inventer au plateau des actions, des évènements que nous
inspirent Macbeth, par analogie, en écho avec le monde extérieur. Maintenant.
Il y a une chaise en guise de trône mais personne ne s'y assoit. Personne c'est aussi lui,
Macbeth, lui l'homme malgré lui, qui fait tout de travers, rate ce qu'il entreprend et qui, trop
fier recommence. Il aimerait tenir la femme, il attrape une femme, il la met dans une caisse
en fer, tente de la faire disparaître, il prend une scie à bois et s'échine méthodiquement sur
la caisse, le roseau plie mais ne rompt pas, alors n'avouant pas sa défaite, il appelle un ami.
L'autre, lui-même, arrive au galop et saute déjà sur la caisse à pieds joints, le roseau plie
mais ne rompt pas… Ils aimeraient se rencontrer les objets s'interposent, ils n'arrivent pas à
posséder les objets, comment atteindraient-ils l'autre... Et tout cela est métaphorique, car il
ne s’agit pas de séduction, il ne s’agit pas d’amour dans Macbeth, mais bien de l’aptitude de
l’homme à sa propre destruction, par crainte du monde extérieur. Le moindre bruit les
épouvante. Car il ne s’agit pas seulement d’ambition mais de peur, une peur sans nom qui
transforme l’être en meurtrier sanguinaire.
Macbeth, ce n’est pas l’ombre, c’est la nuit, le mal n’y est pas relatif mais absolu. Il suffit
d’une prophétie énoncée par les sorcières pour que l’engrenage du meurtre se mette en
place. Et il n’y a pas d’échappatoire. Nous assistons impuissants et fascinés au spectacle
désespérant de l’homme qui court à sa perte. Cela révèle une grande ironie salvatrice.
Réalisant cette tragédie, les acteurs regardent la marche du monde et observent ce qu’elle
altère en eux, des changements qui les poussent à vouloir produire du théâtre. Pour rien.
Vanité du théâtre. Pour le plaisir. Pour renouer avec les sensations, renouveler le réel : la
sensation initiale comme finalité théâtrale afin de libérer notre imagination, ouvrir le champ
des possibles, bannir le discours unique, jouir ensemble, comédiens et spectateurs, jouer à
détruire le monde en soufflant, avec la force des enfants.
SCÉNOGRAPHIE / CRÉATION LUMIÈRE / COSTUMES /
MAQUILLAGE
LA FÊTE DES MORTS
« C’est l’œil de l’enfance qui redoute le diable peint ». (Acte II scène 2)
Un espace défini par les objets qui l’éclairent. Des chandeliers, des bougies, des lampes de
calèches, des veilleuses de bordel, un chaudron… À une époque où tous les espaces (ou
presque) sont éclairés à l’électricité, nous choisissons de travailler à la bougie. Non par
classicisme exacerbé même si les gens pourront le penser, non par écologisme effréné
même si on est en droit de le supposer, mais pour une seule raison : la surprise. Donc la
peur. Donc le rire. L’éclairage à la bougie permet de ritualiser l’espace, d’épouser les
manigances des sorcières, de Macbeth et de Lady Macbeth. L’éclairage à la bougie permet
de distinguer difficilement les traits du visage, les détails du corps, et les acteurs deviennent
sous nos yeux des formes vaporeuses, des silhouettes, des fantômes.
Des chandeliers seront agencés sur le plateau de manière géométrique afin de créer un
dédale représentant les sentiers d’une forêt, les allées d’un château. Cela permettra de
mettre l’acteur dans un mouvement continu : les figures errent aux aguets. Et avancent sur
le chemin de la destinée.
Les costumes et le maquillage permettront de donner un caractère pictural aux acteurs, de
mettre en avant l’universalité des figures qu’ils incarnent, de donner à leurs corps, à leurs
visages les traits de l’angoisse et de la jouissance. Tout concourt au même objectif : rendre
palpable la peur pour accéder à un rire enfantin, libérateur.
Raouf Raïs.
LE COLLECTIF HUBRIS
Le Collectif Hubris (« démesure » en grec) a été créé en septembre 2009 à l’initiative de
Raouf Raïs et Charlotte Jeanmonod et fait partie des compagnies partenaires récurrents du
Théâtre La Loge (Paris 11ème). Le Collectif Hubris rassemble metteurs en scène, comédiens,
créateurs lumière et son, cuisiniers, plasticiens, costumiers, musiciens, performeurs, auteurs,
photographes, maquilleurs… Il cherche à créer des espaces de liberté autant pour l’artiste
que pour le spectateur. Des espaces de vie et de silence.
Le Collectif Hubris explore continuellement de nouvelles possibilités de création par :
- des interventions ponctuelles et éphémères, dans le bar du théâtre : discussions de
comptoir, 30 minutes d’avant, Espace de l’auteur ; Ceux qui se prennent pour des
Dieux…(série de performances théâtrales) entre 2009 et 2013.
- des spectacles : « Happy Together » (création en 4 épisodes et un Bouquet Final), «
Mascarade » (dans le cadre du festival « Summer of Loge ») en 2009 - 2010, «Nova»
(création), « le Monte-Plats» d’après Harold Pinter et «Gaspard» de Peter Handke en 2011.
« Fusion », « Waterproof », « Arena » de 2012 à 2015 ainsi que « Les cowboys et les
indiens » en 2014 au théâtre de Vanves pour le festival Préliminaires.
Le Collectif Hubris a pour volonté d’élargir le champ des possibles, faire que l’espace clôt du
théâtre soit un espace ouvert, l’endroit où l’imagination explore ses limites.
RAOUF RAÏS
Directeur artistique du Collectif Hubris
Après des études de lettres modernes à Toulon, Raouf Raïs suit les cours de Stéphane
Auvray-Nauroy au Conservatoire du 16ème ardt de Paris de 2002 à 2005. Il participe à des
stages dirigés par Jean-Michel Rabeux, Sabine Quiriconi, Fabio Paccioni ou Georges
Lavaudant. Il met en scène et joue en 2006 « Fallait rester chez vous...» d’après Rodrigo
Garcia au Théâtre Méditerranée à Toulon, et joue dans «Les joyeuses commères de Winsor »
au festival In Situ de Carqueiranne mis en scène par Laurent Ziveri. En 2009, au Théâtre de
l’Étoile du Nord, il joue et met en scène « L’espace du dedans » d’Henri Michaux. Il joue sous
la direction de Eram Sobhani en 2006 dans « L’Espèce humaine » de Robert Antelme au
Théâtre de l’Étoile du Nord. La même année, il travaille avec Cédric Orain dans « Le Mort »
de Georges Bataille repris en 2009 au Théâtre de la Bastille à Paris et au Théâtre Garonne à
Toulouse. En 2007, il joue dans « Phaedra’s love » mis en scène par Patrice Riera au Lavoir
Moderne Parisien ainsi que dans « En attendant Godot » en 2008, mis en scène par Benoît
Fogel. En 2011, il joue sous la direction de Lucas Bonnifait dans « La pluie d’été » de
Marguerite Duras à la Loge puis à la Maison des Métallos et au théâtre de l’Aquarium en
2013. En 2012-2013, il participe à la formation continue à la mise en scène du Conservatoire
National supérieur d’art dramatique. De 2009 à 2015, dans le cadre d’un partenariat avec La
Loge Théâtre et le Collectif Hubris, il crée et interprète « Happy together », « Nova », «
Fusion », « Waterproof » et joue dans « Gaspard » d’après Peter Handke. En 2014-2015, il
met en scène « Les cowboys et les indiens » au théâtre de Vanves dans le cadre du festival
Préliminaires, il y joue aussi dans « Anatomie Titus 4.0 » mis en scène par Julien Varin et
dans « Affabulazione » de Pasolini mis en scène par Lucas Bonnifait qui sera repris au
Théâtre des Tanneurs à Bruxelles. Après Tartuffe mis en scène par Vincent Brunol au Théâtre
de l’Étoile du Nord, il joue dans «Bouc de là» une création de Caroline Panzera au Théâtre du
Soleil (2015) et dans «Eichmann à Jérusalem», création de Lauren Houda Hussein et Ido
Shaked, en mars 2016 au Théâtre Gérard Philippe à Saint-Denis et en septembre 2016 dans
« peur(s) » d’Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre dans une mise en scène de Sarah Tick à La
Loge.
CONTACTS
Par mail : [email protected] [email protected]
Téléphone : +33 (0)6.70.29.87.17
REMERCIEMENTS
Clémentine Bernard
Lucas Bonnifait
Estelle & Anne-Laure Gofard
Julien Kosellek
Pauline Vaubaillon
La Loge
Le théâtre de l’Étoile du Nord