Liste des enseignements Etudes théâtrales 2014-2015

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Liste des enseignements Etudes théâtrales 2014‐2015 Liste des enseignements Licence L1 LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2014/2015
POIRSON Martial
1er semestre
La comédie, mauvais genre : politique du rire et
des rieurs (XVII-XXIe siècles)
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 12:00 - 15:00
Salle A0-169
code UE
T1
code apogée
EN51T17B
ECTS
Dépréciée pour sa trivialité et son irrévérence apparentes, la comédie bénéficie, en tant que « genre mineur », d’une
relative liberté qui en fait le champ d’expansion de la contestation sociale et politique, mais également de l’expérimentation
artistique. Elle permet notamment d’interroger les formes et pratiques spectaculaires impliquant le corps et la performance,
dans une perspective qui peut revêtir une dimension rituelle ou cérémonielle. Le rire, ressort comique de premier plan
(théâtre, mais aussi cinéma, music-hall, café-concert, one man show), est historiquement daté et socialement construit.
Son évolution à travers différentes formes scéniques atteste d’états de la conscience collective et de pratiques culturelles
dont les ressorts politiques sont essentiels pour évaluer les enjeux idéologiques du théâtre comique, entre allégeance et
subversion.
Textes recommandés :
Aristote, La Poétique (335 av. J.-C.), Paris, Seuil, 2011 ; Michel Corvin, Lire la comédie, Paris, Dunod, 2000 ; Michel Gilot
et Jean Serroy, La Comédie à l’âge classique, Paris, Belin, 1997 ; Mireille Losco-Lena, « Rien n’est plus drôle que le
malheur » : du comique et de la douleur dans les écritures contemporaines. Rennes, Presses universitaires de Rennes,
2011 ; Mireille Losco-Lena et Bernadette Bost, Recherches et travaux, « Du comique dans le théâtre contemporain », no
69, 2007 ; Olivier Mongin, Éclats de rire. Variations sur le corps comique, Seuil, 2002 ; Martial Poirson (dir.), « La comédie
et ses avatars », TDC n°1081, 1er octobre 2014.
ACADEMIE FRATELLINI
Atelier FRATELLINI
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 14:00 - 17:30
code UE
O1/O2
code apogée
EN5D001B
ECTS
Salle
Atelier ouvert aux Licence Théâtre (particulièrement les L1) ; dix personnes maximum ; validé en Découverte Découvrir
certaines disciplines circassiennes de base, telles que l’acrobatie à l’équilibre, sans pré-requis. L’atelier est ouvert aux
étudiants n’ayant aucune expérience préalable des arts du cirque. Les professeurs ont conçu ces ateliers spécialement à
destination d’un public néophyte et vont proposer les rudiments des disciplines. Pour les étudiants en Licence d’Etudes
théâtrales, il s’agit de s’ouvrir à d’autres pratiques artistiques que purement théâtrales. Lieu : Académie Fratellini-CFA Arts
du cirque ; rue des Cheminots 93210 Saint-Denis la Plaine ; 01 49 46 00 00 Horaires et jours de l’atelier : consulter
l'affichage au département.
DOYON Raphaëlle
Jouer avec les sens
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 15:00 - 18:00
Salle A1-169 Studio
code UE
P1/P2
code apogée
EN51P34B
ECTS
Cet atelier propose la création de parcours sensoriels. À rebours du spectaculaire, nous travaillerons et solliciterons
d’autres sens que celui de la vision : le toucher, l’odorat, l’ouïe, le goût, le sens du mouvement. Dans un premier temps,
nous explorerons, les yeux bandés, chacun des sens dans une relation entre guide et guidé. Les expérimentations
donneront lieu à l’écriture de partitions physiques et de récits fictifs. La seconde partie de l’atelier sera consacrée à la
création d’une performance, d’une installation sensorielle, ou d’une forme ambulatoire, selon les perspectives qui auront
été ouvertes. Il s’agira de troubler les frontières entre acteur et spectateur, entendement et sensations, processus et
performance, et de provoquer une relation esthétique avec le spectateur faisant appel à l’empathie, à la mémoire
sensorielle et à la création d’images intérieures. Tenue souple exigée.
LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2014/2015
POLIAKOV Stéphane
Du poème au dialogue. De l’image à l’actioN
1er semestre
intitulé UE
Lundi 18:00 - 21:00
Salle AMPHI IV
code UE
Pratique artistique
P1/P2
code apogée EN51P30B
ECTS
Dans le prolongement de l’atelier commencé en 2013-2014, ce cours vise à s’initier à la pratique du jeu dramatique, à la
dramaturgie et à la composition scénique spatiale au travers des Petits poèmes en prose de Ch. Baudelaire. L’approche
est d’abord collective, comportant de nombreux exercices pour accompagner les premiers pas dans la pratique de
l’improvisation théâtrale. Les poèmes en prose de Baudelaire seront travaillés d’abord sous une forme très libre puis dans
le sens d’une plus grande précision selon la méthode de « l’analyse par l’action ». Le but de cet atelier est non seulement
d’étudier par le jeu un matériel poétique original, mais de découvrir en soi et ensemble les impulsions personnelles du jeu
dramatique. La réalisation d’images scéniques sera abordée notamment à partir de l’univers d’H. Daumier et de F. Goya.
L’atelier explore également le rapport à l’atmosphère et à la musique à travers des œuvres d’E. Satie, C. Saint-Saëns…
Les éléments personnels sont les bienvenus tant pour l’interprétation, l’écriture que pour l’approche de l’espace ou du son.
Les étudiants doivent se procurer un exemplaire des Petits poèmes en prose de Baudelaire et avoir lu quelques poèmes.
L’atelier vise à structurer quelques propositions scéniques individuelles ou collectives.
GAGNERE Georges
1er semestre
Interprétation scénique et environnement
numérique
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 09:00 - 12:00
Salle A1-169 Studio
code UE
P1/P2
code apogée
EN51P31B
ECTS
Comme la plupart des pratiques artistiques, le spectacle vivant évolue sous l'influence des potentialités ouvertes par les
nouvelles technologies de l'information et de la communication. Nous aborderons les concepts fondamentaux
d'interactivité, d'intermedialité, de réalité mixte, d'hybridation à travers la construction de performances faisant appel à des
compétences complémentaires et fortement imbriquées (jeu, mise en scène, dramaturgie, écriture, scénographie,
programmation informatique, design interactif, etc.).
Quel espace poétique reste-t-il à l'acteur dans le flot des images et des sons qui le submerge ? Quelle liberté garde-t-il
dans les environnements technologiques qui cadrent de plus en plus finement son expression ? Quel geste créatif
produire, au sein de ces nouveaux dispositifs, pour conserver au théâtre une incidence critique ?
En proposant des situations de jeu devant et avec la caméra, ainsi qu'avec tous les dispositifs connexes de captation qui
désormais l'accompagnent, nous inviterons les étudiants à interroger par l'expérimentation artistique cette « révolution »
numérique qui inaugure le XXIème siècle.
Critères d'évaluation : L'évaluation portera sur la réalisation de cinq modules de performance thématique. Elle prendra en
compte l'assiduité, la capacité à documenter le travail réalisé, l'originalité et la réalisation des performances.
Dixon (Steve), Digital Performance, MIT Press, 2007
DUSIGNE Jean-François
1er semestre
Ouvrir le jeu : défis et enjeux de la création
scénique contemporaine
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI IV
code UE
Esthétique
T1
code apogée
EN51T14B
5 ECTS
Notre ambition est de développer une « pensée de plateau », résultant de la friction entre idée, intention et réalisation
concrète, et stimulée par le questionnement que suscite la pratique scénique.
Nous inviterons chacun à expérimenter tout d’abord par lui-même ce qui signifie « jouer ».
Nos propositions viseront à ce que chacun puisse parvenir à entrevoir et formuler, dans la tentative de le matérialiser, vers
quel théâtre il voudrait tendre.
En procédant à des allers-retours entre théorie et pratique, nous commencerons ainsi par interroger, par le biais de
l'exercice, quelques notions fondamentales liées aux moteurs de jeu, aux situations, aux rapports entre personne, rôle et
personnage, aux jeux troubles entre réalité et fiction, aux glissements entre entre vécu et imaginaire, aux structures
dramatiques, psychologiques et ludiques, de manière à mieux cerner quelques-uns des défis de la création en ce début du
XXIème siècle.
Cela nous amènera à nous intéresser aux expériences pionnières qui nous ont précédés.
A l'aube du XXème siècle, suite à la révolution industrielle et parallèlement à l'essor du cinéma, l'Europe entière et la
Russie ont été animés par un élan sans précédent de questionnement concret du théâtre visant à affirmer la pratique
scénique comme un art autonome à part entière. Ce ne furent pas seulement quelques personnalités éclairées, mais bien
un mouvement d'artistes visionnaires qui entendit lutter pour la survie du théâtre, voué à disparition s'il se contentait de
rester un divertissement mondain ou un amusement de saltimbanques. Ce mouvement, qui s'opposait au tout pouvoir des
intérêts commerciaux, chercha les moyens de concrétiser ses exigences, sans se laisser piéger par "l'horrible machine à
monter des spectacles" qui hantait Copeau. Il revendiqua la condition artisanale du théâtre. Avec l’affirmation d’un
nécessaire maître d’œuvre, en l’occurrence le metteur en scène, ces pionniers ont repensé les conditions d’exercice de
leur art, ce qui les a conduits à revoir de fond en comble la face cachée du travail théâtral : studios, écoles, laboratoires,
ateliers ont fleuri, formulé des programmes, exploré des voies nouvelles...
Au fil du XXème siècle, les modalités de la création ont été totalement modifiées. Force est de constater que les médias,
principalement la télévision, continuent aujourd'hui à véhiculer auprès du grand public une image du théâtre qui ignore
cette évolution. La prééminence économique pousse également à régression...
Pourtant, de nouvelles propositions d’écritures, qui génèrent de nouveaux processus de création, continuent à remettre en
question les conceptions et habitudes.
Les passages entre scènes et écrans ont aussi modifié les conceptions et pratiques de l’acteur, ses modes de jeu et
approches du rôle.
Nos explorations tenteront ainsi de mieux mesurer les enjeux présents, à la lueur de ceux qui ont été soulevés en Europe,
en prêtant attention aux contextes, notamment esthétiques, sociaux et politiques.
Elles donneront lieu en fin de parcours à une présentation publique.
Lectures :
- Jean-François Dusigne, Le Théâtre d’Art, aventure européenne du XXème siècle, Paris, Editions Théâtrales, 1997.
- Jean-François Dusigne, Du théâtre d’art à l’art du théâtre, anthologie des textes-fondateurs, Paris, Editions Théâtrales,
1997, 2003.
- Jean-François Dusigne, L’Acteur naissant. La passion du jeu. Essai, Paris, Editions Théâtrales, 2008.
- Jean-François Dusigne, Les passeurs d’expérience, ARTA, école internationale de l’acteur, Editions Théâtrales, 2013.
- Marie-Christine Autant-Mathieu, (textes réunis, traduits et présentés), La ligne des actions physiques. Répétitions et
exercices de Stanislavski, L’Entretemps, 2007.
RAUCH Marie-Ange
Histoire des théâtres publics
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 15:00 - 18:00
Salle A0 168
code UE
Histoire
T2
code apogée
EN51T24B
5 ECTS
La décentralisation dramatique en France (1946-1952).
"Pour que le théâtre public garde une identité forte, il faut réaffirmer ses missions, ses enjeux et savoir raconter en quoi,
pour quoi et pour qui il est fondamental qu’il existe, qu’il perdure et qu’il se fortifie.» (Stanislas Nordey, Pour un théâtre
citoyen..., manifeste du TGP de Saint Denis, 1998.)
En matière de décentralisation théâtrale, rien n'aurait pu être durablement mis en œuvre sous la seule impulsion des
pouvoirs politiques et il faut souligner la part active que les artistes (Maurice Pottecher, Firmin Gémier, Romain Rolland,
Léon Chancerel...) ont pris dans sa conception et ses réalisations.
Après avoir rappelé les initiatives artistiques et politiques qui ont contribué à imposer l’idée d’un théâtre populaire et la
nécessité d’une décentralisation dramatique, ce cours examine comment Jeanne Laurent, sous-directrice à la Direction
générale des Arts et Lettres, construit un modèle d’intervention de l’Etat en faveur du théâtre public à la Libération.
Relance du TNP, festival d'Avignon, premiers centres dramatiques nationaux, concours des jeunes compagnies, aide à la
première pièce, des normes d’action publique se constituent progressivement pour les artistes et les pouvoirs publics qui
seront reprises en 1959 par le ministère des Affaires culturelles. Déclarations d’artistes et analyses de la critique
permettront de travailler l’usage et l’usure de ce modèle au cours des décennies suivantes. La validation du cours
s’effectue sur la base d’une participation assidue et active à toutes les séances et la réalisation d’un exposé écrit, présenté
oralement pendant la seconde partie du semestre.
Quelques ouvrages : Chantal Meyer-Plantureux, Le théâtre populaire, enjeux politiques, de Jaurès à Malraux, Paris,
Complexes, 2006. Denis Gontard, La décentralisation théâtrale en France 1895-1952, Paris, SEDES, 1972. Hubert
Gignoux, Histoire d'une famille théâtrale, Lausanne, L'Aire théâtrale, 1984. Alfred Simon, Jean Vilar, Paris, La
Manufacture, 1991. Philippa Wehle, Le théâtre populaire selon Jean Vilar, Actes Sud-Avignon, 1981. Robert Abirached
(dir), La décentralisation théâtrale, Le premier âge, 1945-1958, Actes Sud, 1992 ; Les années Malraux 1959-1968, Actes
Sud, 1993 ; 1968, le tournant, 1994 ; Le Temps des incertitudes, 1969-1981, Actes Sud, 1995. Jean Claude Penchenat,
Mission d'artistes : Les centres dramatiques de 1946 à nos jours, ACID, Montreuil, Editions théâtrales, 2006.
BADT Karin
1er semestre
Crisis and Conflict: A Workshop in Creating
Screenplays Through Theatrical Improvisation
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 18:00 - 21:00
Salle AO-169
code UE
Ouverture - Langue vivante
OL1
code apogée EB1VCQCQ
5 ECTS
This course is an intensive creative workshop in creating dramatic scenarios for film or stage, in English. Students will be
introduced to the basics of script-writing: conflict, crisis, suspense, energy-flow, symbolic resonance, and resolution.
Through theatrical exercises, we will act out what we learn, and see the results of our own "scripts" live.
In the first
semester, we will focus on American cinema and film. In the second, the focus will be on European cinema and film. The
goal is to develop expertise in understanding how to create our own dramatic screenplay or play, through creative
improvisational methods. This is a two part course, but students need only take one or the other.
non communiquée
BEAUFILS Eliane
L'analyse de mise en scène.
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 09:00 - 12:00
Salle A1-169
code UE
Esthétique
T1
code apogée
EN52T36B
5 ECTS
Ce cours se propose d’introduire à l’analyse de mises en scènes contemporaines en Europe et de retracer le travail du
metteur en scène depuis le texte jusqu’à la représentation. Il s’appuiera sur des captations variées permettant une
démarche comparative ainsi que sur une ou deux visites de spectacle. Les supports textuels pourront être classiques ou
contemporains. Le cours introduira également aux écritures de plateau et à la performance, pour permettre d’aborder tout
spectacle. Les échanges oraux seront relayés par des productions écrites afin de développer la faculté à analyser un
spectacle de manière autonome.
Des photocopies des chapitres essentiels seront distribués en cours, mais les lectures comprendront notamment P. Pavis,
L’analyse de spectacles ; P. Pavis, La mise en scène contemporaine ; C. Biet, C. Triau, Qu’est-ce que le théâtre ?; E.
Fischer-Lichte, The Routledge introduction to theater and performance studies.
CRAMESNIL Joël
1er semestre
Initiation à la méthodologie de recherche en
études théâtrales
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 18:00 - 21:00
Salle A0-168
code UE
OM
code apogée
EN5VOM4B
ECTS
Identification exhaustive de l'ensemble des sources documentaires se rapportant au théâtre, en fonction de différentes
époques, de différentes formes, de différents répertoires, français et étrangers. Méthodes de recherche, inventaire des
sources documentaires et méthodes d'étude des documents se rapportant au théâtre : manuscrit, iconographie, sources
audiovisuelles, archives administratives, objets et accessoires de scènes, autres arts. Méthode d'analyse dramaturgique,
méthode d'analyse et de lecture du spectacle, initiation à la sémiologie théâtrale.
COUTELET Nathalie
LE Théâtre et les autres arts
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 09:00 - 12:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Histoire
E1
code apogée
EN51T26B
5 ECTS
Comment se croisent, s'inventent, s'imbriquent les différents arts au sein du spectacle théâtral? Ce phénomène,
aujourd'hui tout à fait courant, a commencé à faire l'objet de théories et d'expérimentations dès la fin du XIXe siècle. En
pensant la place de la mise en scène et en repensant celle du texte, l'attention s'est portée sur les liens entre théâtre et
danse, arts plastiques, architecture, musique, cirque, music-hall, cinéma.
Les théories de Wagner, considérées comme fondatrices dans la lecture que font aussi des théoriciens comme Appia ou
Craig, donnent lieu à des expérimentations scéniques. Meyerhold en Russie, Piscator en Allemagne, Firmin Gémier ou
Gaston Baty en France, entre autres, concourent à établir ces interactions artistiques et à réfléchir à un spectaculaire
théâtral qui englobe les autres arts. La volonté sous-jacente, la plupart du temps, est alors bien de réhabiliter le
"spectaculaire" vis-à-vis du seul texte. Ce faisant, c'est, bien sûr, la place et le rôle du texte qui sont questionnés, tout
comme ceux de la mise en scène et de la formation de l'acteur, auquel on va dès lors demander une pratique davantage
pluridisciplinaire.
En examinant des exemples historiques, il s'agit de retracer le chemin parcouru depuis ces prémisses de l'association de
divers arts au sein du spectacle théâtral et de souligner le lien avec des pratiques plus contemporaines.
La bibliographie sera communiquée lors du premier cours.
MAGRIS Erica
1er semestre
Les dramaturgies documentaires : le théâtre à
l’épreuve du réel
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 15:00 - 18:00
Salle AO-169
code UE
Esthétique
T1
code apogée
EN52T38B
5 ECTS
Dans le langage courant, le terme « documentaire » se réfère pour la plupart à des œuvres cinématographiques ou
télévisuelles Néanmoins, il existe aussi des « théâtres documentaires », qui ont élaboré une riche palette de formes
permettant de mettre en relation la scène et le monde. Dans ce cours, on étudiera les modalités d’insertion dans la
dramaturgie de documents - éléments authentiques issus de la réalité – visant à rendre la scène une plateforme critique où
mettre en place une information alternative. Par une introduction historique des pratiques théâtrales documentaires au XXe
siècle (les journaux vivants de l’agit-prop, le théâtre politique d’Erwin Piscator ou bien les drames de Peter Weiss) et par
une exploration des formes actuelles, on découvrira les supports des sources documentaires (textes, images, vidéos, sons
enregistrés, etc.) et les techniques pour les traiter (montage, citation, dramatisation, etc.) sur scène. Ensuite, on travaillera
en groupes sur des thèmes d’actualité au choix, en construisant des petites enquêtes, en recueillant des matériaux
documentaires et en élaborant des stratégies dramaturgiques pour les inscrire dans l’espace-temps de l’événement
théâtral.
D'ARIA Luigi
Techniques d'éclairage de spectacle
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 18:00 - 21:00
Salle A1 169
code UE
Pratique artistique
P1/P2
5 ECTS
Cours pratique sur les techniques de l'éclairage et leurs métiers dans le spectacle vivant. Il s'agit d'appréhender les
techniques de base de l'éclairage de spectacle, du montage à la conduite et conception lumière. Seront abordées
quelques nécessaires notions théoriques : en Optique, photométrie, colorimétrie, électricité, sécurité et outils papiers. Les
étudiants découvriront surtout l'environnement professionnel des différents métiers de l'éclairage in situ (visite de théâtre
durant un montage/réglage, entretien avec des éclairagistes...); les tâches, fonctions et outils de travail de chacun des
interlocuteurs qu'ils rencontreront. Le cours a pour objectif de faire découvrir les techniques et la conception de l'éclairage
scénique et de permettre aux étudiants de savoir comment s'adresser à des professionnels, quels choix, quelles
demandes faire et quels documents fournir.
- AFE (association française de l’éclairage), Vocabulaire de l’éclairage, Edition LUX, 1995, 52 p. - Christine Richier, Le
temps des flammes, AS collection scéno+, Paris, 2001, 272 p. - Emile Biémont, La Lumière, Que sais-je ?, P.U.F., Paris,
1996, 127 p. - François Eric Valentin, Lumière pour le spectacle, Ed. Librairie théâtrale, 1994, 126 p. - Francis Reid,
Pratique de l’éclairage scénique : matériel et applications pratiques, Edition Eyrolles, 1999, 213 p. - Johannes Itten, l’Art de
la couleur, Dessain et Tolra, 96 ou 154 p. - Maurice Deribere, La Couleur, Que sais-je ?, P.U.F., Paris, 1993, 127 p. Michel Ladj, Lexique de la scène, Edition AS, 1998, 208 p. - Michel Pastoureau, Dominique Simonnet, Le petit livre des
couleurs, Editions du seuil, Paris, 2007, 107 p.
PARLIER Lionel
L'acteur en jeu
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Vendredi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
P1/P2
code apogée
EN53P41B
ECTS
« Au théâtre, tout est suspect sauf le corps » (Louis Jouvet).
Qu'est-ce que jouer ? Ou encore, qu'est-ce que l'inspiration ? Cet état de grâce qui envahit l'acteur et lui donne la
sensation (vraie) qu'il peut tout faire, qu'il sera juste, légèrement décollé du sol, plus présent que jamais – sensation qu'il
communique et partage avec le public. A-t-on un pouvoir sur cet état, sur cette seconde nature ? Peut-on la déclencher,
peut-on l'entretenir, et une fois perdue, peut-on la retrouver ? Voici quelques-unes des questions que nous nous poserons
tout au long de cet atelier. Pour y répondre, les voies sont multiples.
La première partie des séances est consacrée à une série d'exercices physiques et de techniques qui engagent tant le
corps que l'esprit, afin d'augmenter la qualité de présence de chacun en nous débarrassant momentanément de notre
carcan habituel. Il s'agit d'éveiller, d'affiner notre sensibilité à soi et à ce qui nous entoure. C'est une pratique, un
entraînement et une recherche, individuelle et collective. Nous nous situons en amont d'un travail sur la forme et la mise
en scène d'un spectacle. Pour autant la voix, le souffle, le grommelot ou le texte interviennent à tout moment dans cette
partie du travail : le jeu, l'inspiration sont rapides comme l'éclair et nous considérerons l'invention vocale exactement au
même titre que celle du corps. Produire un son, quel qu'il soit, ou plutôt le laisser échapper doit devenir chose aussi simple
que de s'allonger au sol ou de lever une main.
La seconde partie est consacrée aux travaux individuels que chacun aura préparés, seul ou en groupe. Textes de théâtre,
monologues ou scènes à plusieurs, du répertoire ou contemporain, mais aussi poèmes, chansons, arias, performances,
projets personnels… Tout est possible, si tant est que cela soit ambitieux. Pour soi, ambitieux.
Et pour ceux qu'une telle liberté déroute, voici une partie de mon panthéon personnel : Euripide (Les Bacchantes), Molière
(Le Misanthrope), Kleist (Penthésilée), Büchner (Woyzeck), Ibsen (Peer Gynt), Beckett (Fin de Partie), Tankred Dorst
(Merlin ou la terre dévastée).
Le cours est ouvert aux danseurs, aux chanteurs, voire aux instrumentistes du département Musique et du département
Danse, tant ces différentes pratiques de la scène ont à s’échanger. Cet atelier pourrait en être l’occasion rêvée.
Venir avec une tenue de travail souple, neutre et des semelles plates. Assiduité et ponctualité sont indispensables pour la
validation.
DUBOIS Jérôme
1er semestre
Initiation à la réalité sociale et artistique du
théâtre
Toutes les semaines
intitulé UE
Vendredi 15:00 - 18:00
Salle AO-169
code UE
Histoire
T2
code apogée
EN51T21A
5 ECTS
Il s’agit de découvrir comment fonctionne le monde du théâtre du point de vue social et artistique, en apportant des
éléments de compréhension théoriques sur l’histoire et l’esthétique, en donnant un aperçu de la diversité des organisations
et expériences possibles, depuis les théâtres nationaux jusqu’aux compagnies, en passant par certaines personnalités
artistiques. Dans la mesure du possible, nous irons à la rencontre de certaines structures. Pour valider le cours, outre
l'assiduité, chaque étudiant devra effectuer d'une part une critique littéraire de deux spectacles, d'autre part une recherche
documentaire en vue de rédiger un dossier thématique sur un aspect institutionnel, une théorie esthétique ou une
personnalité artistique qu'il présentera oralement, enfin lui sera demandé le compte-rendu des visites faites auprès des
structures.
Christian Biet, Christophe Triau : Qu’est-ce que le théâtre ? Gallimard, 2006 ; André Degaine : Histoire du théâtre
dessinée, Nizet, 2004 ; Agnès Pierron : Le théâtre, ses métiers, son langage, lexique théâtral, Classiques Hachette, 1994 ;
Jean-Loup Rivière, Comment est la nuit ? Essai sur l’amour du théâtre, L’Arche, 2002 ; Anne Ubersfeld, Lire le Théâtre II,
L’Ecole du Spectateur, Belin, 1996.
GAGNERE Georges
Acteur, machine et avatar.
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 09:00 - 12:00
Salle A1-169 Studio
code UE
P3/P4
code apogée
EN53P36B
ECTS
Les avancées scientifiques récentes dans les neurosciences, l'informatique, l'intelligence artificielle et la robotique ouvrent
de nouvelles expériences émotionnelles et sociales dont le théâtre peut s'emparer, et sur lesquelles il peut aussi produire
des dispositifs critiques. Il s'agira de confronter l'acteur théâtral aux occurrences simulant l'humain ou le prolongeant dans
les mondes virtuels.
L'exploration se réalisera en plusieurs étapes. Nous proposerons d'abord aux étudiants de réaliser un travail expressif sur
la modification du reflet et de l'ombre numériques en temps réel. Puis nous nous confronterons aux robots et aux agents
conversationnels. Enfin nous nous placerons dans une situation de dialogue performatif avec ces diverses instanciations.
compte l'assiduité, la capacité à documenter le travail réalisé, l'originalité et la réalisation des performances
Bibliographie
Hayles (N. Katherine), How We Became Posthuman. Virtual bodies in Cybernetics, literature and informatics, University of
Chigago Press, 1999
Miller (Walter M.), The Darfsteller, Orion Book, 2000 (ed. Originale 1955)
HOREAU Thomas
DRAMATURGIE DE L’IMPROVISATION
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
P3/P4
code apogée
EN53P40B
ECTS
« Selon le sens que l'on donne au mot théâtre, l'idée d'une fraternité du jazz et du théâtre est la plus évidente, la plus
indiscutable des idées. Ou bien alors la plus problématique - ce qui ne signifie pas qu'elle ne soit pas féconde, au
contraire, puisque cette tension ouvre sur d'importantes questions théoriques et pratiques » (Yannick Seité). Ce sont
précisément ces questions que ce cours ambitionne de poser. Plus qu’un genre musical le jazz constitue une manière
d’envisager la création artistique dans laquelle l’œuvre se construit à l’instant même de sa présentation, dans une relation
complexe entre le performer, le collectif en jeu et l’auditoire. Une telle approche pose donc à la création théâtrale la
question de la responsabilité de l’artiste. En éliminant par exemple, la figure du compositeur (ou auteur) et du chef
d’orchestre (ou metteur en scène), les règles du jeu jazzistique enjoignent le musicien (ou l’acteur) à assumer des taches
qui sont d’ordinaires pris en charge par d’autres, en amont de la performance. Mais encore, en créant un dispositif dans
lequel des paroles singulières doivent s’harmoniser pour former un discours collectif cohérent dans le temps de la
représentation, le jazz donne littéralement à voir les exigences, les beautés et parfois même les limites de la création
collective. Comme le remarque justement Pierre Sauvanet, « c’est en cela qu’un bon groupe de jazz est en lui-même un
modèle possible d’utopie sociale en format réduit ». Le travail consistera dans l’atelier à transposer les processus de la
création jazzistique dans le langage théâtral. Dans un premier temps nous nous familiariserons avec les exigences du jeu
improvisé, puis nous composerons des partitions de jeu, dramaturgies ouvertes et néanmoins construites qui donneront
lieu à la réalisation de courtes pièces. Il s'agira pour chacun de réfléchir aux règles d'un jeu faisant du plateau un lieu où
s'élabore in situ un discours collectif. À la manière des musiciens de jazz qui s'entendent sans se connaître, nous ferons le
pari d'une écriture de l'instant qui puise sa cohérence dans l'hétérogénéité des conceptions individuelles.
Bibliographie indicative :
FENEYROU Laurent (dir.), Musique et Dramaturgie, Paris, Publication de la Sorbonne, 2003
KWAHULE Koffi & MOUËLLIC Gilles, Frères de son. Koffi Kwahulé et le jazz : entretiens, Montreuil-sous-Bois, Éditions
Théâtrales, 2007
MOUËLLIC Gilles, Le jazz une esthétique du vingtième siècle, Rennes, Presses Universitaire de Rennes, 2000.
MOUËLLIC Gilles, Jazz et cinéma, Paris, Cahiers du cinéma, 2000
PIERREPONT Alexandre, Le champ jazzistique, Marseille, Édition Parenthèses, 2002
SCHLEMMER Oskar, Théâtre et abstraction, Genève, l’âge d’homme, 1978
ACADEMIE FRATELLINI
Atelier FRATELLINI
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 14:00 - 17:30
code UE
O1/O2
code apogée
EN5D002B
ECTS
Salle
PAQUET Dominique
2nd semestre
MERVEILLEUX ET SURNATUREL DANS LE
THEATRE JEUNE PUBLIC
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 15:00 - 18:00
Salle AO-168
code UE
Esthétique
T3
code apogée
EN52T39B
ECTS
Dans le cadre de ce que Marcel Gauchet appelle le désenchantement du monde, il semble que le merveilleux ait quelque
peu déserté la dramaturgie contemporaine et notamment lle théâtre jeune public. Pour vérifier cette hypothèse, ce
séminaire se propose d’analyser la notion de merveilleux et de surnaturel dans le corpus théâtral pour l’enfance, depuis les
adaptations théâtrales de contes au XVIIIe siècle jusqu’aux œuvres contemporaines de Fabrice Melquiot, Karin Serres,
Nathalie Papin, Stéphane Jaubertie…
On réfléchira aussi au retour des adaptations ou réécritures de contes par des auteurs contemporains avant d’envisager
la naissance de nouvelles formes dramaturgiques du merveilleux susceptibles de réenchanter le monde.
FILACANAPA Giulia
Apprendre l'italien à travers le théâtre
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 18:00 - 21:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Ouverture - Langue vivante
OL1
code apogée EN5VOL1B
ECTS
Ce cours s'adresse aux étudiants qui n'ont jamais étudié la langue italienne auparavant (débutants 1) et qui sont
intéressés par un apprentissage à travers la pratique théâtrale, car le recours aux techniques propres au domaine théâtral
telles l’interprétation, l’improvisation, la diction sont des vecteurs cognitifs particulièrement efficaces pour l’apprentissage
linguistique. Le cours se basera en partie sur une méthode de travail expérimentée dans le cadre du projet européen
Glottodramma.
COUTELET Nathalie
Naturalisme et symbolisme au théâtre
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 12:00 - 15:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Histoire
T4
code apogée
EN52T01B
5 ECTS
Courants majeurs de la fin du XIXe siècle et du début XXe siècle, le naturalisme et le symbolisme constituent un tournant
dans l’histoire du spectacle européen. Ils correspondent en effet à une réforme de la dramaturgie comme de la scène,
portée par des auteurs tels qu’Ibsen, Strindberg, Maeterlinck, Tchekhov, Gorki, Hauptmann, Rachilde, Claudel, etc. Les
auteurs « scandinaves » sont d’ailleurs extrêmement présents sur les scènes des dernières années, preuve de la
continuité des expérimentations scéniques qui peuvent leur être associées.
Les metteurs en scène nouveaux, qui militent alors pour une reconnaissance de la mise en scène comme art à part
entière, associent, en effet, théâtre rénové par la mise en scène et dramaturgie nouvelle. Stanislavski ou Meyerhold en
Russie, André Antoine, Paul Fort, Aurélien Lugné-Poe en France, entre autres, représentent les pièces de ces auteurs
naturalistes ou symbolistes et inventent des procédés scéniques destinés à les servir au mieux et/ou à servir leurs
principes scéniques en cours d’élaboration.
Dramaturgies et mises en scène naturalistes et symbolistes s’intègrent enfin à ce qu’il est convenu de nommer «
avant-gardes », notion complexe qu’il s’agit aussi d’interroger et de contextualiser.
Bibliographie
Amiard-Chevrel Claudine, Les Symbolistes russes et le théâtre, Lausanne, L’Age d’Homme, 1994.
Antoine, l’invention de la mise en scène, anthologie dirigée par Jean-Pierre Sarrazac et Philippe Marcerou, Arles, Actes
Sud-Papiers, 1999.
Losco-Lena Mireille, La Scène symboliste (1890-1896). Pour un théâtre spectral, Grenoble, ELLUG, 2010.
Robichez Jacques, Le Symbolisme au théâtre, Paris, L’Arche, 1997.
Stanislavski Constantin, Notes artistiques, Paris, CIRCE, coll. « Penser le théâtre », 2011.
Zola Emile, Le Naturalisme au théâtre, Paris, Charpentier et Fasquelle, 1895.
ADAM Agnès
2nd semestre
Travail sur le monologue - l’acteur
performer/créateur
intitulé UE
Jeudi 09:00 - 12:00
Salle AMPHI A4
code UE
P3/P4
code apogée
EN53P38B
ECTS
Dans le prolongement de l'atelier commencé en 2014, ce cours pratique vise à aborder, à travers divers matériaux
(écritures dramatiques, non dramatiques, fragments de vie, récits intimes, faits divers, textes écrits par les étudiants), ce
qui fait la spécificité du travail sur le monologue. L'approche du travail se fera tant personnelle que collective dans le but
d'instituer un échange entre deux méthodes d'approches : 1) le travail préparatoire sur le monologue extrait de textes
dramatiques et 2) la construction d’un parcours monologique à partir de textes non dramatiques.
Une part importante du travail sera également consacrée à une série d'exercices permettant de saisir le conflit intérieur du
personnage. Nous partirons de la compréhension intime de son sens sans le réduire à son tempérament extérieur. La
richesse de l'action aussi bien verbale que physique est impulsée par la compréhension du secret du personnage, de son
image émotionnelle. Ce sont ses contradictions qui agissent en soi. Nous parlons ici de mouvement intérieur.
Nous serons amenés à redéfinir les instruments dramaturgiques essentiels pour l'acteur en jeu : les circonstances,
l’événement originel et principal, le conflit intérieur, les impulsions physiques, l'image émotionnelle, le rythme intérieur.
Afin de déjouer les pièges de la narration nous commencerons par explorer librement, la composition, le contenu et la
fragmentation du monologue en nous servant de nos propres mots pour progressivement arriver au texte de l'auteur.
Un autre temps sera consacré à la construction de l'image scénique au travers d'œuvres picturales que les étudiants
choisiront personnellement en analogie avec le texte choisi. Les différents éléments scéniques (espace, lumière, son,
apports visuels) seront convoqués. La combinaison du texte, des actions scéniques, de la musique, de la scénographie,
nous permettra de mettre en scène cette tension que nous recherchons.
L’imagination, l'intuition, la fantaisie créatrice sont bien sûr requises pour ce travail.
Venir avec un texte de votre choix (classique, moderne).
D'ARIA Luigi
Techniques d'éclairage de spectacle
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 18:00 - 21:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Pratique artistique
P3/P4
code apogée EN52P32A
5 ECTS
Cours pratique sur les techniques de l'éclairage et leurs métiers dans le spectacle vivant. Il s'agit d'appréhender les
techniques de base de l'éclairage de spectacle, du montage à la conduite et conception lumière. Seront abordées
quelques nécessaires notions théoriques : en Optique, photométrie, colorimétrie, électricité, sécurité et outils papiers. Les
étudiants découvriront surtout l'environnement professionnel des différents métiers de l'éclairage in situ (visite de théâtre
durant un montage/réglage, entretien avec des éclairagistes...); les tâches, fonctions et outils de travail de chacun des
interlocuteurs qu'ils rencontreront. Le cours a pour objectif de faire découvrir les techniques et la conception de l'éclairage
scénique et de permettre aux étudiants de savoir comment s'adresser à des professionnels, quels choix, quelles
demandes faire et quels documents fournir.
- AFE (association française de l’éclairage), Vocabulaire de l’éclairage, Edition LUX, 1995, 52 p. - Christine Richier, Le
temps des flammes, AS collection scéno+, Paris, 2001, 272 p. - Emile Biémont, La Lumière, Que sais-je ?, P.U.F., Paris,
1996, 127 p. - François Eric Valentin, Lumière pour le spectacle, Ed. Librairie théâtrale, 1994, 126 p. - Francis Reid,
Pratique de l’éclairage scénique : matériel et applications pratiques, Edition Eyrolles, 1999, 213 p. - Johannes Itten, l’Art de
la couleur, Dessain et Tolra, 96 ou 154 p. - Maurice Deribere, La Couleur, Que sais-je ?, P.U.F., Paris, 1993, 127 p. Michel Ladj, Lexique de la scène, Edition AS, 1998, 208 p. - Michel Pastoureau, Dominique Simonnet, Le petit livre des
couleurs, Editions du seuil, Paris, 2007, 107 p.
MUSCIANISI Véronique
Le corps en scène
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Vendredi 09:00 - 12:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Méthodologie du travail universitaire et
OM
code apogée EN5VOM6A
5 ECTS
A travers l’étude de textes de praticiens européens des arts de la scène du XXème siècle, nous poserons quelques jalons
nécessaires à l’appréhension du corps en scène. Une attention particulière sera portée à la question de la formation de
l’acteur. Lectures et expérimentations pratiques nourriront nos propos. Le cours abordera la méthodologie de l’exposé oral
et écrit.
Bibliographie sélective : ASLAN Odette (sous la dir. de), Le Corps en jeu, Paris, CNRS, (1994), 2003. BARBA Eugénio,
SAVARESE Nicola, L’énergie qui danse, dictionnaire d’anthropologie théâtrale, L’Entretemps 2008. PEZIN Patrick (sous la
dir. de), Etienne Decroux, mime corporel, Ed. L’entretemps coll Les voies de l’acteur, Saint-Jean-de-Védas, 2003.
LE GUEN Brigitte
Introduction au théâtre grec
2nd semestre
intitulé UE
Vendredi 12:00 - 15:00
Salle
code UE
T4
code apogée
EN52T44A
ECTS
Le but de ce cours consiste à présenter, sur la longue durée (Ve s. av. J.-C.- fin du Ier s. av. J.-C.), le théâtre grec entendu
à la fois comme un édifice de spectacle, dont les divers éléments se modifièrent avec le temps, comme une performance
artistique relevant de trois genres spécifiques (tragédie, comédie et drame satyrique) et mêlant la parole, le chant et la
danse, et comme une institution politique et religieuse complexe.
Ce faisant, on s’intéressera non seulement aux fêtes et aux lieux qui accueillirent des représentations dramatiques à
travers l’ensemble du monde grec et hellénisé, mais également aux gens de scène qui en étaient les supports et les
moteurs (auteurs, acteurs, danseurs, musiciens, costumiers, accessoiristes…). On analysera aussi les rapports entre
théâtre, pouvoir et société, tout au long de la période considérée.
Ce cours a lieu dans le département histoire de Paris 8. Se renseigner au secrétariat de la formation pour le jour et
l'horaire : Bat B -3ème étage Bureau B346. Tel : 01 49 40 68 25.
Bibliographie
Paul Demont et Anne Lebeau, Introduction au théâtre grec antique, Le livre de poche « Références », 1996.
Jean-Charles Moretti, Théâtre et société dans la Grèce antique, Le livre de poche « Références », 2011 (2e éd.).
L2 LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2014/2015
ACADEMIE FRATELLINI
Atelier FRATELLINI
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 14:00 - 17:30
code UE
O1/O2
code apogée
EN5D001B
ECTS
Salle
1er semestre
jouer, étranger À sa propre langue : gestes et
paroles en résonance
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 18:00 - 21:00
Salle ARTA
code UE
Performance / Jeu / Mise en scène
T6
code apogée EN53T22B
5 ECTS
Sur scène, personne ne devrait jamais sortir tout à fait comme il est entré : ce qui vient de s’accomplir a modifié sa
destinée.
Notre démarche vise à combiner de manière interactive corps et voix, parole et mouvement dans l’espace. De même que
la musique peut contribuer à rythmer le mouvement du drame dans l’espace, le rôle peut s’écrire en trajectoires : il s’agit
de passer d’abord par le rapport à l’autre, de se rendre sensible aux volumes d’air, aux vibrations sonores entre les êtres,
dans un espace d’ombre ou de clarté, conçu comme tissu dramatique avec ses attirances et ses répulsions, ses heurts,
ses fusions, ses équilibres ou ses déséquilibres.
Au cours de l’atelier, les langues pourront se croiser, des acteurs s’exprimant en français pourront ainsi être amenés à
jouer avec d’autres s’exprimant, selon les origines des participants, en anglais, ou en coréen, en brésilien, en chinois, en
japonais, en lituanien, en persan, en espagnol, ou encore en russe, etc.
D’une part, la parole peut séduire, griser, enivrer, selon que « ça granule, ça grésille, ça caresse, ça rape, ça coupe : ça
jouit. » D’autre part, quand il y a désir et nécessité, deux personnes qui ne parlent pas la même langue parviennent
toujours à s’entendre, dès que leur écoute ne se limite plus à la seule compréhension des mots, dès que les corps sortent
de leur réserve habituelle…
Il y a grande jubilation à se confronter, à faire corps avec la langue d’un autre : quand il joue en langue étrangère, l’acteur
ne pense plus à peser ses mots, il ne peut plus se permettre d’être explicatif. Le travail d’un dialogue « à l’oreille » met en
valeur la ligne mélodique du texte, son flux rythmique et ses accents. Ce faisant, l’acteur est forcé de se rendre plus
réceptif à ce que joue vraiment ici et maintenant le partenaire, entre les mots.
En retour, concernant le travail sur sa propre langue, par exemple le français, l’acteur peut adopter une attitude
équivalente : débanaliser son usage, rendre la parole non ordinaire, pour en laisser vibrer ses multiples résonances,
comme s’il s’agissait d’apprendre à la réentendre, comme une langue étrangère, quand bien même il s’agit de sa langue
maternelle.
En matérialisant la sensation d’approcher « en étranger » notre langue originelle. la mise en bouche du texte, le passage
organique à l’oralité contribue au surgissement du sens. Intéragir avec l’autre, laisser résonner, recevoir l’écho de ce qu’on
a provoqué, parier sur la scansion du texte, sur sa « musicalité », pour contribuer au surgissement des sensations, des
pensées, des sentiments dont s’imprègne l’acte même d’une parole qui veut vivre.
Des textes seront proposés lors de l’inscription préalable : ils devront être mémorisés pour être en mesure d’engager
pleinement le corps et la voix dans le rapport à l’autre.
La recherche donnera lieu à réalisation et présentation publique.
Site internet : ARTA, Association de Recherche des Traditions de l’Acteur. www.artacartoucherie.com
MAGRIS Erica
Page et scène : les espaces du texte
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 12:00 - 15:00
Salle AO-169
code UE
Espace / Projet artistique
T7
5 ECTS
Comment passer de la page à la scène ? Comment imaginer l’espace d’une pièce ? Comment trouver des repères
spatiaux dans les mots ? Après une introduction historique l’espace théâtral en Occident, le cours sera articulé en deux
parties : d’une part, nous examinerons les enjeux du rapport entre texte dramatique et espace scénique par l’analyse de
spectacles contemporains présentés sur les scènes de la région parisienne. De l’autre, nous élaborerons des projets
scéniques originaux à partir d’extraits de pièces appartenant à des époques différentes. Le programme sera ultérieurement
précisé sur la base de la saison théâtrale 2014-2015.
GAGNERE Georges
Interprétation scénique et réseau
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 15:00 - 18:00
Salle A1-169
code UE
P5/P6
code apogée
EN53P30B
ECTS
Les nouvelles technologies de l'information et de la communication offrent de nouvelles modalités relationnelles. L'acteur
contemporain peut explorer comment son imaginaire s'en empare et quelle expressivité créative et poétique en émerge.
À l'heure où l'humain entreprend la numérisation et la modélisation de son environnement dans la perspective d'une
fluidification programmable, qu'en est-il de la relation de l'acteur au « réel » de la scène, et à la relation au spectateur ?
Dans quelle mesure l'environnement numérique permet-il au théâtre de s'exercer hors ses murs ?
Nous construirons un dispositif de téléprésence élargissant la réflexion sur l'imbrication entre physique et virtuel et
réinterrogeant le rapport scène-salle traditionnel. Puis l'exploration de mondes virtuels persistants conduira à un travail
d'hybridation entre le studio et un espace virtuel habité par des avatars.
compte l'assiduité, la capacité à documenter le travail réalisé, l'originalité et la réalisation des performances.
ROUX Louise
1er semestre
La création collective : approche pratique du
processus
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 18:00 - 21:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Pratique artistique
P5/P6
5 ECTS
Le théâtre est un art collectif : plusieurs individus chargés de différents savoirs se réunissent pour créer un tout cohérent:
un spectacle. Souvent le processus de création est mené par un "chef de projet" (généralement le metteur en scène) qui
rassemble une équipe pour monter le texte qu'il a choisi. La création collective repense la place de l'auteur, du metteur en
scène et des acteurs et privilégie l'énergie de groupe à l'interprétation d'un texte littéraire. C'est à travers une
expérimentation pratique que nous cernerons les étapes du processus et les difficultés de sa réalisation. Improvisation,
écriture et mise en scène collectives: voici les axes de travail proposés par ce séminaire qui fera sans cesse le lien entre la
pratique et l'analyse de cette pratique. Les cours s’organisent autour d’une thématique assez large pour laisser la place
aux désirs de chacun tout en réunissant le groupe autour d’une réflexion partagée. C’est à partir de cette thématique que
se construisent les propositions singulières des étudiants, qui affirment à la fois la matière qu’ils veulent défendre (texte
littéraire, dramatique, philosophique, création personnelle) et la forme qu’ils veulent lui donner (choix de mise en scène).
Bibliographie :
Créer, ensemble, points de vue sur les communautés artistiques (fin du XIXè – Xxè siècles), dir. Marie-Christine
AUTANT-MATHIEU, L’Entretemps, 2013.
Les collectifs dans les arts vivants depuis les années 1980, dir. Raphaëlle DOYON et Guy FREIXE, L’Entretemps, 2014.
GINTZBURGER Alain
1er semestre
« L’art de diriger un atelier de création théâtrale
»
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 15:00 - 21:00
Salle AMPHI A4
code UE
E1
code apogée
EN54PT5B
ECTS
Je propose un cours pratique pour s’initier à la fois au jeu de l’acteur et à la direction d’acteur. Dans un premier temps, je
transmettrai des exercices et des trainings de l’acteur que je tiens de metteurs en scènes et de chorégraphes :
Stanislavski, Meyerhold, Vitez, Vassiliev, Thieû Niang… J’en nommerai les objectifs et les variations possibles. Dans un
second temps, les étudiants seront invités à diriger à leur tour des exercices, des trainings et des propositions de mise en
scène. Chacun glissant alternativement de la place d’acteur à celle de directeur d’acteur. Nous porterons une égale
attention sur la forme artistique et dramaturgique, le déroulé pédagogique et le contenu sensible. La voie de l’acteur sera
au centre de toutes les attentions. Je prendrai pour support « La Mouette » d’Anton Tchékhov traduit par André Markovicz
car c’est le plus court chemin pour relier Sophocle, Shakespeare, Vinaver et l’art de la mise en scène contemporaine.
GOLKAR Béatrice
THEATRE-POEME
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 09:00 - 12:00
Salle A0-168
code UE
Pratique artistique
P5/P6
5 ECTS
Contre la déferlante de la communication et des images pleines, l'écriture poétique doit toujours d'abord se créer,
s'inventer l'espace du blanc nécessaire à son émergence. Le mot naît alors du blanc auquel il tend dans sa "Sehnsucht",
sa nostalgie désirante de l'indicible, il jette en venant au monde, inéluctablement sacrilège, une ombre, son ombre
maculante sur le blanc de la feuille et du rêve. Cette ombre cependant est aussi trace salvatrice: signe de passage et
appel de sens, transmission d’homme à homme. Sans ombre nourricière, le mot ne peut survivre, ne peut résister aux
assauts opacifiants du discours autoritaire dominant. L’atelier se propose d’explorer cet espace entre le blanc et l'ombre
par l’étude de poèmes d’auteurs mais aussi de textes écrits en atelier en toutes langues. L’évaluation se fera sur la base
de la participation et de l’investissement personnels.
BOSCH Wilfried
Théâtre et Analyse du Comportement
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 12:00 - 15:00
Salle A0-168
code UE
T5
code apogée
EN54T13B
ECTS
L’objectif correspond à l'acquisition d'un point de vue pluridisciplinaire et critique sur les approches dites « psychologiques
» du théâtre et à la création d'un dialogue entre une discipline relevant de ce qu'on appelle la Science du Comportement
(L’Analyse Comportementale Appliquée issue de l’école américaine Behavioriste et Radical Behavioriste) et la pratique du
théâtre. Quelle relation entre les méthodes d’approches empiriques Esthétiques ou Poétiques théâtrales, et celles issues
de la Science du comportement humain apparue au XXème siècle en Occident ?
SAUITZVY Biño
1er semestre
La mise en scène de la mythologie personnelle
du performer
Toutes les semaines
intitulé UE
Vendredi 15:00 - 18:00
Salle Amphi IV
code UE
Exercice théâtral
P5/P6
code apogée EN53PT2B
5 ECTS
La performance, dans un sens général, met en relief la signature personnelle de l’artiste. Ici, la performance sera étudiée
et construite à partir de l’utilisation de la mythologie personnelle du performer. L'autobiographie ici sera utilisée en tant que
source pour la création à la première personne, que construction d'un « je » esthétique, et l'autofiction en tant que
construction des rapports nouveaux entre l'apparence et la réalité, pour créer des dissensus à travers des nouveaux
rapports de cadres et de rythmes, et non comme une création d'un monde imaginaire opposé au monde réel. L'objectif de
cet atelier est de, à travers un training physique, issu du théâtre physique, de la danse, du cirque et du butoh, comme outil
et technique corporelle pour la création, essayer de trouver les références qui sont à l’origine de l’acte créatif. Nous
travaillerons le corps en tant que « géologie », qu'espace géographique où se passe le drame, l'histoire, l'action. A la
manière du body art, le corps de l’artiste devient l’œuvre d’art. La question que se pose comme recherche de cet atelier
est le corps en tant que possibilité, objet et lieu de l’existence de la performance. Les notions de « présence » et d' «
énergie » serviront le performer à s'impliquer dans l'espace et dans le temps de la scène, à explorer des états de corps et
d'émotions divers et à sculpter le mouvement.
BARTHES, Roland – « Mythologies », DELEUZE, Gilles et GUATTARI, Félix – « Mille Plateaux. Capitalisme et
schizophrénie », GOLDBERG, RoseLee – « Performance. Art en action », GOLDBERG, RoseLee – « Performance Art »,
MAISON ROUGE, Isabelle de – « Mythologies Personnelles. L’art contemporain et l’intime ».
BUCHVALD Claude
Du théâtre classique au théâtre contemporain.
1er semestre
Calendrier spécial
intitulé UE
Samedi 09:00 - 15:00
Salle Amphi IV
code UE
Pratique artistique
P5/P6
10 ECTS
Mise en jeu, en regard, en relation de pièces classiques et contemporaines ; apprentissage de la lecture à haute voix;
explorations des mythes, des courants fondateurs, des formes de jeu… Quelle que soit la nature de l’œuvre nous ferons
en sorte qu’elle apparaisse au présent dans un rapport immédiat au public. Travail dramaturgique et de plateau, avec
présentation publique en fin de parcours. Venir avec 2 textes de votre choix (classique et contemporains) appris par coeur.
Six séances consécutives de 6h chacune dans la 1ère partie du 1er semestre.
Les textes seront communiqués ultérieurement.
BUCHVALD Claude
1er semestre
Le monologue démultiplié : mise en voix et en
espace de textes contemporains
Calendrier spécial
intitulé UE
Samedi 09:00 - 15:00
Salle AMPHI IV
code UE
Pratique artistique
T6
10 ECTS
La première nécessité est de se frayer un passage respiratoire, physique, dans la texture du texte pour que la parole
oeuvre d’elle-même et dans nos corps et dans l’espace, puis recueillir avec le public, l’esprit, le sens de l’écriture dans sa
quintessence. La voix : son importance vient de ce qu’il y a en elle confluence de courants venus de deux sources
principales. Manifeste du texte, elle l’est aussi du corps de l’acteur. Comme deux cours d’eau qui se réunissent ces deux
manifestations doivent se fondre en une.
Quand on a une vraie pratique de la lecture à voix haute : du souffle, de
l’articulation, du rythme, du silence, de l’écoute, alors jour après jour le corps devient danseur : la parole danse devant,
elle vit sa vie.
7 séances consécutives de 6h chacune pendant la 2e partie du semestre.
Nous travaillerons sur des textes contemporains qui vous seront communiqués ultérieurement.
ACADEMIE FRATELLINI
Atelier FRATELLINI
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 14:00 - 17:30
code UE
O1/O2
code apogée
EN5D002B
ECTS
Salle
NAUD Élisabeth
2nd semestre
Ecriture et représentation : Processus de
création
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 15:00 - 21:00
Salle AMPHI A4
code UE
Exercice théâtral
E1
code apogée EN54PT1A
10 ECTS
Héros tragique, Exil… Performance et théâtralité.
Cet atelier théorique et pratique propose aux étudiants, une réflexion sur le mode d’expression de la performance à partir
des années 2000.
Il s’inscrit à la suite d’un travail mené en L2, depuis deux ans, sur la thématique tout d’abord de « L’Exil », puis l’année
suivante sur celle du « Héros tragique » au sein de l’écriture dramatique contemporaine.
Les participants sont invités, à une mise en pratique artistique, esthétique, poétique et à un travail de recherche plus
théorique interrogeant l’éthique, et la philosophie de cette discipline, à présent. L’objectif : Tenter, en inscrivant cette
recherche dans la dynamique du processus de création, de tracer un espace contemporain et propre à la performance,
laissant apparaître de manière sensible et poétique une approche et une lisibilité de ce mode d’expression, Aujourd’hui.
Il sera demandé aux étudiants, à partir de la thématique de l’Exil et du Héros tragique, de créer leur propre performance.
La singularité de ce travail consiste à ne point exclure la représentation théâtrale, le théâtre. Mais au sein du processus de
création, de la thématique, du choix esthétique de la performance de mettre en regard deux disciplines artistiques : le
théâtre et la performance et leur théâtralité, inscrites au cœur d’une écriture contemporaine qu’elle soit dramatique,
poétique, chorégraphique, plastique, etc…
Le travail de cet atelier sera suivi sur quelques séances par un metteur en scène ou un chorégraphe.
Une présentation publique des travaux aura lieu en fin de semestre.
La Bibliographie sera distribuée à la rentrée
DUBOIS Jérôme
Mise en œuvre d’un projet théâtral
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 15:00 - 18:00
Salle AMPHI A4
code UE
Pratique artistique
P5/P6
5 ECTS
Il s'agit de mettre en œuvre un projet théâtral basé sur une écriture contemporaine, en faisant germer les compétences de
chaque étudiant en terme de jeu d'acteur. Le ou les textes travaillés seront choisis par l'enseignant en fonction du projet. Si
le résultat est de qualité, il sera proposé dans le cadre du Festival du Jeune Théâtre au Studio-théâtre de Stains, voire
ailleurs. Outre une assiduité, un travail continu sera exigé de séance en séance (lecture, apprentissage du texte, exercices
préparatoires aux répétitions, etc.), accompagné par un journal autoréflexif à rendre en fin de semestre.
BEAUFILS Eliane
2nd semestre
Esthétique des images et des nouvelles
technologies
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 18:00 - 21:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Esthétique
T7
code apogée
EN55T18B
5 ECTS
Ce cours se propose d’introduire aux différentes images théâtrales. Que comprend-on par tableaux, théâtre d’images,
dramaturgie visuelle ? pourquoi le théâtre recourt-il de plus en plus souvent aux images numériques ou à la vidéo ? Le
théâtre se sert des images que nous livre notre quotidien imprégné de multimédias (écrans, internet, second life,
bluescreen) pour les catapulter, les bouleverser ou nous en faire prendre conscience différemment. L’étude d’exemples
tirés de diverses mises en scène et performances permettra ainsi de saisir les enjeux, les apports mais aussi les dangers
de ces recours à l’image. A travers l’analyse de l’usage d’images numériques ou photographiques, on se demandera ce
qui fait image au théâtre ou, au contraire, ce qui renverse nos images.
BEAUFILS Eliane
La catastrophe
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 09:00 - 12:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Écriture / Texte / Dramaturgie
T5
5 ECTS
Qu’appeler catastrophe ? Comment écrire sur ce qui serait apte à nous faire taire ? Est-ce déjà se battre que d’écrire ? Le
XXe siècle est à bien des égards le siècle des catastrophes, et nombreux sont les dramaturges qui ont eu à s’y confronter.
Nous sommes par ailleurs dans un monde politique et naturel menacé, où il importe de voir comment nous situer par
l’écriture théâtrale. L’atelier se propose d’explorer diverses écritures liminaires entre constat et combat, cri et symbole, et
de s’en inspirer dans la production de travaux écrits personnels qui pourront donner lieu à un montage collectif.
L’évaluation se fera donc également sur la base de la participation et de l’investissement personnels.
Premières pistes de lecture : H. Kuntz, La catastrophe sur la scène moderne et contemporaine, Etudes théâtrales, 2002 ;
F. Baillet, H. Müller, PUF, 2003 ; A. Feinberg, George Tabori, 2006 ; C. Chelebourg, Les Ecofictions, L’Entretemps, 2012.
BARON Eléonore
l'Art du clown
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 12:00 - 18:00
Salle AMPHI A4
code UE
E1
code apogée
EN54PT3B
10 ECTS
Ce travail clownesque sera issu de la pédagogie de Jacques Lecoq.
Les cours seront axés sur le travail de base, les « fondamentaux du clown » :
- Sans interprétation, comment exprimer nos émotions, jusqu'au détail :
la sincérité du jeu, le lâcher-prise, la distance de l’acteur à son personnage.
- Mettre en technique les émotions naissantes afin d'en décliner un jeu sincère
et concret, drôle et imaginaire.
- Développer l’expression du corps et la technique rythmique.
A partir d’exercices ludiques qui engagent le corps, les participants exploreront
les zones émotionnelles au travers de notions telles que l’innocence, la naïveté,
la conviction, la sincérité…
Chacun tentera ainsi de faire éclore en lui un personnage, un « clown » issu de son propre univers poétique et, à partir du
dérisoire de chacun, le groupe
pourra cheminer ensemble sur la noble voix du « ridicule ».
FARENC Christine
2nd semestre
Jouer Shakespeare en français : inter- ou
transculturalité?
intitulé UE
Jeudi 09:00 - 12:00
Salle A1-169 Studio
code UE
T6
code apogée
EN54T34B
ECTS
Acting Shakespeare in English
Ce séminaire théorico-pratique, dispensé en français et en anglais, proposera l’étude contextuelle, dramaturgique ainsi
que la pratique actorale d’une sélection de scènes issues du répertoire shakespearien présentées dans les deux langues.
Dans ce travail comparatiste en vue de l’interprétation, nous nous réfèrerons à des traductions contemporaines émanant
de traducteurs spécialistes et de metteurs en scène.
La traduction pour la scène du texte shakespearien, outre qu’elle transforme le vieil anglais (ardu pour les anglophones
d’aujourd’hui) en français contemporain, crée une altérité quasi définitive avec le texte d’origine. C’est une autre langue et
donc une autre organisation du souffle et du rythme, une autre corporéité, d’autres jeux de langage, d’autres
représentations mentales, une autre esthétique théâtrale, une autre tradition du jeu, que l’acteur francophone prend ainsi
en charge. Au détriment, parfois, de la puissance, du ludisme et de l’audace originels.
Il est donc instructif, voire crucial, pour le francophone de prendre le risque de la langue anglaise. Dans le glissement du
jeu qui s’opère du fait des deux systèmes linguistiques distincts, entre interculturalité et transculturalité, quels
antagonismes et quelles similitudes verra-t-on émerger ? Enfin, de façon plus inattendue (mais, nous tenterons de le
montrer, avérée), en quoi l’acteur francophone, instruit de la langue d’origine, peut-il participer à l’enrichissement du « jeu
shakespearien » ?
POLIAKOV Stéphane
Mythe, récit, tragédie
2nd semestre
intitulé UE
Jeudi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
Pratique artistique
P5/P6
ECTS
Ce cours vise à une initiation originale au genre tragique partant des structures narratives et mythiques qui la composent.
D’un côté les monologues de messagers tragiques sont des récits dramatiques qui posent théoriquement et pratiquement
la question de l’action dans la narration. Ces questions rencontrent des éléments littéraires et dramatiques d’énonciation
dont seront rappelés les principes, notamment sur la base des écrits de G. Genette. Les tragédies ressortissent également
au merveilleux, à l’univers des contes et des fables dont on abordera par la pratique quelques exemples en se fondant
théoriquement sur les analyses morphologiques du conte merveilleux par V. Propp. Cette entrée structurelle permet
d’aborder l’aspect proprement mythique des tragédies. Que sont les mythes, leur forme, leur parenté, leur structuration,
leur intérêt pour le théâtre ? Nous partirons alors des analyses de C. Lévi-Strauss pour les mettre à l’épreuve de la
pratique théâtrale. Cet atelier de jeu et de dramaturgie pour l’action est donc aussi un lieu de questionnement théorique et
d’expérimentation partagée.
Il est impératif de lire les Contes de Perrault et quelques tragédies grecques, comme Œdipe-Roi de Sophocle, Médée, Les
Bacchantes, Alceste d’Euripide, Prométhée enchaîné, Les Euménides d’Eschyle. Attention à lire les textes originaux et
non des résumés de seconde main ! (On utilisera de préférence les traductions publiées par les éditions Gallimard dans la
collection Folio).
Bibliographie indicative :
V. Propp, Morphologie du conte, Le Seuil, ch. 2 et 4.
G. Genette, Figures III, Le Seuil, notamment pp. 203-210.
C. Lévi-Strauss, « La structure des mythes » in Anthropologie structurale, Plon.
J.P. Vernant, « Ambiguïté et renversement. Sur la structure énigmatique d’Œdipe-Roi » in Mythe et tragédie en Grèce
ancienne, La Découverte, t. 2.
DESSIMOND Claude
2nd semestre
Introduction à l’Histoire du théâtre par l’histoire
des masques
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 12:00 - 18:00
Salle AMPHI IV
code UE
Histoire
E1
code apogée
EN54PT4B
10 ECTS
L’histoire des masques utilisés au théâtre est mal connue. Les documents pour l’étude de cette histoire sont rares,
certaines idées reçues complexifient parfois son approche. Après avoir effectué différents travaux de repérage et de
clarification des sources, nous aborderons l'histoire du théâtre au fil des usages et des différentes perceptions des
masques, de l’Antiquité au XXème siècle.
Dans un second temps, nous aborderons concrètement l’objet « masque. » Les élèves chercherons à mettre en
application les éléments abordés lors du cours théorique afin d’imaginer, sous forme de projets, quels types de masques
pourraient être utilisés aujourd’hui au théâtre.
Plusieurs visites (musées, institutions, atelier d’artiste) étant prévues, les étudiants sont priés de vérifier la composition de
leur emploi du temps pour pouvoir assister à toutes les séances du cours à Paris 8 et en extérieur.
Bablet, Denis ; Aslan, Odette, Le masque du rite au Théâtre, CNRS Éditions, 2006, 310 pp. ( Première édition, 1981.)
Baqué, Dominique, Visages : du masque grec à la greffe du visage, Éditions du regard, 2007, 223 pp.
Frontisi-Ducroux, Françoise, Du masque au visage : aspect de l’identité en Grèce ancienne, Champs Arts, 2012, 340 pp.
(Première édition, 1993.)
Le Breton, David, Des visages, Editions Métailié, 1992, 327 pp.
FRIGAU MANNING Céline
Introduction à la critique dramatique
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 15:00 - 18:00
Salle a0 168
code UE
Performance / Jeu / Mise en scène
T6
code apogée EN53T21A
5 ECTS
« Le talent de l’acteur quand il a quitté la scène », écrit le célèbre acteur François-Joseph Talma ; « n’existe plus que dans
le souvenir de ceux qui l’ont vu et entendu ». Spectateur privilégié, le critique est-il le premier acteur d’une histoire du
spectacle vivant ? Juge ou porte-parole du public, guide de l’opinion ou expression subjective d’une voix personnelle,
quelles postures adopte le critique dramatique, à quels critères et topoï recourt-il ?
Plusieurs étapes permettront de retracer une brève histoire de la critique en France, à partir du XVIIIe siècle, où la critique
théâtrale se fraye une place entre chronique mondaine, politique et littérature. Il s’agira de comprendre comment les
journaux du XIXe siècle, chambres d’échos ou caisses de résonance, consacrent de plus en plus d’espace au théâtre
parlé ou chanté, répercutant les informations que leur fournissent les salles ou développant des recensions portant non
seulement sur le texte mais sur l’événement théâtral et social de la représentation. On verra comment la critique prépare,
accompagne, prolonge les soirées, comment elle décrit les pratiques scéniques de son temps, alimentant une véritable
mémoire théâtrale, autour de figures mythifiées telles Lekain, Rachel, Sarah Bernhardt ou encore Jean Vilar. On
s’interrogera sur les bouleversements produits par les nouveaux médias au XXe siècle, alors que la figure du critique, fort
de son opinion et de sa position, s’est professionnalisée : quels nouveaux modes de consommation du théâtre, quelles
nouvelles pratiques critiques induisent la radio, la télévision et le numérique, face à des pratiques performatives de plus en
plus hybrides ? Internet remet-il en cause aujourd’hui la répartition nette des rôles entre les figures de créateurs, de
commentateurs et de spectateurs, alors que se multiplient des figures de spectateurs occupant la position de critiques ?
Ces questions seront abordées d’un point de vue esthétique, historique et créatif. Il s’agira en effet de rendre compte d’une
activité critique personnelle : les étudiants seront invités à interroger les codes de la critique passée ou présente, mais
aussi à écrire des textes sur des spectacles vus ensemble et à réfléchir à leur propre pratique de critique. Leurs
productions feront l’objet d’un travail collaboratif.
La bibliographie sera distribuée lors de la première séance.
BOSCH Wilfried
Mnemonic, l’apprentissage oublié de la mémoire
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Vendredi 09:00 - 12:00
Salle AMPHI A4
code UE
T6
code apogée
EN53T26B
5 ECTS
Travail pratique et théorique autour des questions de la science mise en scène au théâtre. Ce cours propose de mettre en
lumière certains aspects de la relation théâtre et science au travers d’une œuvre anglo-saxonne créée par theatre de
Complicite au Festival de Salzbourg en 1999 : Mnemonic.
Bibliographie/ Se procurer :
Theatre de Complicite, Mnemonic, trad. Forient Azoulay et Wilfried Bosch, Editions de La Table Ronde, 2012.
LEABHART Thomas
La marionnette humaine d’Etienne Decroux
2nd semestre
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 15:00 - 21:00
Salle AMPHI A4
code UE
P5/P6
code apogée
EN54P25A
ECTS
Influencé par Edward Gordon Craig et Jacques Copeau, Etienne Decroux voulait créer un nouvel acteur « marionnettisé ».
Les étudiants vont découvrir, en théorie et en pratique, les tentatives de Decroux pour décomposer et recomposer le corps
humain dans le but de créer un nouveau type d'acteur pour le XXe siècle. Par l’apprentissage de gammes, de figures de
styles, de marches, de répertoires, d'improvisations et de créations, les étudiants vont élaborer une performance solo et la
présenter en public à la fin de l'atelier.
Cours pratique en anglais.
Du 25 au 30 mai.
Un seul cours P5/P6 validable avec M. Leabhart.
Professeur invité dans le cadre de la Fondation Fulbright, Thomas Leabhart a étudié avec Etienne Decroux entre 1968 et
1972, il est ainsi devenu son assistant, son traducteur et a joué ses œuvres. Depuis, il enseigne dans de nombreuses
institutions académiques aux Etats Unis, et durant ces 32 dernières années au Pomona College de Claremont en
Californie. Il joue et enseigne régulièrement en Amérique du Sud, en Asie et en Europe. Il est une référence dans le
domaine des publications sur le mime corporel.
LEABHART Thomas
2nd semestre
Art, artifice et articulation : la « ré-imagination »
du corps humain de Decroux
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 15:00 - 21:00
Salle AMPHI A4
code UE
P5/P6
code apogée
EN54P26A
ECTS
Jacques Copeau s’est attaché à utiliser un tréteau nu pour son nouveau théâtre. Decroux a créé un acteur qui peut remplir
l’espace vide grâce à une qualité vibratoire. L’être humain, selon Decroux, doit d’abord dépasser sa condition humaine
pour devenir une chose « en bois » et artificielle, quelque chose d’articulé et d’artistique, donc de non-humain. Les élèves
vont expérimenter et apprendre à isoler chaque partie du corps puis à les rassembler en une entité dynamique propre à
l’acteur du mime corporel. Par l’apprentissage de gammes, de figures de styles, de marches, de répertoires,
d'improvisations et de créations, les élèves vont développer une performance solo à présenter à la fin de l'atelier.
Cours pratique en anglais.
Du 1er au 6 juin.
Un seul P5/P6 validable avec M. LEABHART.
Professeur invité dans le cadre de la Fondation Fulbright, Thomas Leabhart a étudié avec Etienne Decroux entre 1968 et
1972, il est ainsi devenu son assistant, son traducteur et a joué ses œuvres. Depuis, il enseigne dans de nombreuses
institutions académiques aux Etats Unis, et durant ces 32 dernières années au Pomona College de Claremont en
Californie. Il joue et enseigne régulièrement en Amérique du Sud, en Asie et en Europe. Il est une référence dans le
domaine des publications sur le mime corporel.
L3 LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2014/2015
DOYON Raphaëlle
1er semestre
Médiations artistiques : approches théoriques et
pratiques. (1ère partie).
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 09:00 - 12:00
Salle A1-169 Studio
code UE
E2/E3/E4
code apogée
EN55P12B
10 ECTS
Ce cours annuel est une initiation aux pratiques de médiations artistiques auprès de personnes en difficulté.Il se divise en
deux parties :
- le premier semestre sera consacré à une initiation aux théories et pratiques de médiations artistiques auprès de
personnes en difficulté,
- le second semestre sera dédié à un atelier de création collective.
Les étudiants inscrits auront l’opportunité de suivre un projet tutoré en institution. Ce dernier pourra être validé en tant que
stage conventionné.
La présence est obligatoire aux 2 semestres pour pouvoir valider.
La partie du premier semestre est articulée en deux temps :
1. Dans une approche comparative, anthropologique et historique, nous reviendrons sur l’étanchéité euro-américaine entre
santé publique et arts vivants, et interrogerons les pratiques de rituels de possession (chamanisme et vodou) dans leur
dimension aussi bien socio-esthétique que thérapeutique.
2. Dans un deuxième temps, nous explorerons de manière théorique et pratique les techniques de médiations artistiques
en lien avec les arts vivants : théâtre de réminiscence ; contes ; histoires de vie ; clown ; masque neutre ; manipulation de
matières, d’objets ou de marionnettes ; mouvement et travail somatique d’accueil et d’écoute.
POIRSON Martial
Economie du spectacle vivant
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 15:00 - 18:00
Salle A0-169
code UE
T13/T14
code apogée
EN55T40B
ECTS
Longtemps considéré comme l’exception d’un secteur lui-même atypique au regard du fonctionnement de l’activité
économique, le spectacle vivant fait aujourd’hui figure de paradigme : par un renversement de perspective, l’économie du
spectacle vivant peut être envisagée comme un secteur privilégié de l’expérimentation économique, source d’un
renouvellement de ses outils, méthodes et perspectives. De secteur « archaïque », elle est ainsi soudain propulsée à
l’avant-garde des transformations du capitalisme, cependant que l’intermittence est au cœur des débats sur l’organisation
du travail à l’ère post-industrielle. C’est ce paradoxe contemporain, aux conséquences politiques ambivalentes, que le
présent enseignement souhaite mettre à jour et soumettre à la réflexion à partir d’une approche à la fois historique,
économique et politique. Il nourrit une double ambition : sur le plan pratique, il offre aux étudiants, futurs acteurs du secteur
culturel, les outils indispensables pour mieux comprendre leur environnement professionnel ; sur le plan théorique, il
propose une synthèse abordable des enjeux d’un cadre conceptuel en pleine mutation, à la faveur d’évolutions complexes.
Textes recommandés :
Isabelle Barbéris et Martial Poirson, Economie du spectacle vivant, Paris, Puf, « QSJ ? », 2013 ; Daniel Urrutiaguer,
Economie et droit du spectacle vivant en France, Presses de la Sorbonne Nouvelle, 2009 ; Pierre-Michel Menger, Portrait
de l’artiste en travailleur, Paris, Seuil, « République des idées », 2002 ; Pierre-Michel Menger, Les intermittents du
spectacle. Sociologie d’un travail flexible, Paris, EHESS, 2011 ; Yann Moulier-Boutang, Le capitalisme cognitif. La nouvelle
grande transformation, Paris, Editions Amsterdam, 2007 ; « Economie et politiques de la culture », Les Cahiers Français
n°382, octobre 2014 ; « Le travail du théâtre et l’argent », Ubu scènes d’Europe n°54/55, 2ème semestre 2013.
RAUCH Marie-Ange
1er semestre
mutuelles et syndicats des artistes Lyriques et
dramatiques
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 12:00 - 15:00
Salle A0 168
code UE
Socio-économie / politiques culturelles
T13/T14
code apogée EN55TRAA
5 ECTS
Deux sociétés de secours mutuels dédiées aux artistes interprètes sont créées au XIXème siècle : l’Association des
artistes dramatiques, société de secours mutuels créée en 1840 par le baron Taylor pour les artistes dramatiques, qui a
pris plus tard le nom de Mutuelle Nationale des Artistes (MNA) et la Société de secours mutuels des artistes lyriques
fondée par Jules Pacra en 1881 pour les artistes de café-concert, matrice historique de la Mutuelle des Artistes et
Professionnels du Spectacle. La création d’une assurance maladie, d’une rente vieillesse et d’une maison de retraite, les
distingue des différentes sociétés d’entraide qui se contentaient d’organiser des galas de charité et des caisses de secours
pour aider les artistes nécessiteux.
Dans le domaine syndical, une première chambre syndicale des artistes dramatiques, lyriques et musiciens est créée en
1890. Divers syndicats issus de ce premier groupement fonctionneront ensuite tant bien que mal. A partir de la création de
l’Union des Artistes dramatiques et lyriques des théâtres français en 1917, les artistes interprètes disposent enfin d’une
organisation corporative pérenne. Reste que l’Union hésitera longtemps à quitter l’identité d’association d’entraide : elle ne
deviendra un syndicat qu’en 1927.
Ce séminaire s’attachera à comprendre pourquoi et comment les artistes interprètes s’organisent pour construire leurs
droits sociaux, et comment ils luttent dans le même temps contre la marginalisation sociale de leur métier.
Nous analyserons l’histoire d’un mouvement caritatif, social et politique qui balance entre « amicalisme » militant et
syndicalisme. Nous tenterons de comprendre son évolution, ses réussîtes, ses contradictions et son empreinte sur
l’engagement et le militantisme des artistes interprètes aujourd’hui.
La validation du cours repose sur l'assiduité, elle s’effectue sur la base d’une participation assidue et active à toutes les
séances et la réalisation d’un exposé écrit, présenté oralement pendant la seconde partie du séminaire.
Une bibliographie, des documents, des références d’archives, des résumés de cours et des consignes pour la validation
seront distribués pendant le cours.
MAGRIS Erica
1er semestre
Scènes et écrans : les technologies
audiovisuelles au théâtre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 18:00 - 21:00
Salle A0 168
code UE
Esthétique et théories artistiques
T9/T10
5 ECTS
Depuis toujours, le théâtre s'est nourri des techniques de son époque, et, depuis le début du XXe siècle, les technologies
audiovisuelles ont largement contribué aux transformations contemporaines des pratiques théâtrales. Le septième art en
particulier a poussé les metteurs en scène à s'interroger sur les principes et l'efficacité du théâtre et a modifié par sa
syntaxe et par son imaginaire la façon dont on envisage la composition et l'esthétique de la scène. Par la suite, la vidéo et
le multimédia numérique sont également entrés dans la mise en scène, en modifiant radicalement l'espace-temps de
l'événement théâtral et les registres de présence des acteurs aussi bien que des spectateurs. Après avoir défini les
coordonnées historiques des rapports entre le théâtre et les technologies audiovisuelles entre XXe et XXIe siècle, nous
nous aborderons les questions suivantes : quels sont les caractères structurels d'une scène métamorphique et
fragmentée, peuplée d'écrans, de moniteurs, d'images électroniques et de synthèse ou bien d’une scène « cinéfiée », qui
simule les effets et la syntaxe cinématographiques? Comment les acteurs y agissent-ils? Est-ce que cette scène a des
effets sur la salle? De quel type? Nous allons répondre à ces questions à travers l'analyse de créations internationales, de
réflexions d'artistes et de textes théoriques. Vsevolod Meyerhold, Erwin Piscator, Josef Svoboda, Robert Lepage, Giorgio
Barberio Corsetti, Guy Cassiers, Ivo Van Hove, Motus et Katie Mitchell seront parmi les artistes abordés.
Picon-Vallin, Béatrice (dir.), Les écrans sur la scène, Paris, L'Age d'Homme, 2009 [1998]. Des références ultérieures
seront communiquées au début du cours.
LÉGERET Katia
Esthétiques du temps
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI IV
code UE
T9/T10
5 ECTS
nous intéresserons aux conceptions philosophiques, artistiques et scientifiques du temps qui inspirent certains metteurs
en scène et chorégraphes depuis le début du XXème siècle. Avec des études de cas, théoriques et expérimentées par des
exercices de plateau liés à la formation et à la direction d’acteur-danseur, nous nous réfèrerons principalement aux
théâtres d’Asie ayant influencé les mises en scène d’Ariane Mnouchkine, de Peter Brook, de Pina Bausch, de Robert
Wilson et de Bartabas. Cette approche transdisciplinaire liée à ces théâtres dansés extra-européens se fondera sur la
méthodologie d’une esthétique comparée qui interroge les notions spatio-temporelles spécifiques à chaque culture, à partir
des pratiques corporelles et de la contextualisation des créations artistiques étudiées. Chaque étudiant présentera un
exercice pratique, à partir d'un texte proposé ou d'une œuvre de son choix, qui sera complété par une synthèse écrite.
Lectures conseillées en amont de ce cours :
Aristote, La Poétique, trad. Roselyne Dupont-Roc et Jean Lallot, Seuil, Paris, 1980.
Barthes Roland, L'empire des signes, Seuil, Paris, 2005.
Beckett Samuel, Soubresauts, Minuit, Paris, 1989.
Bene Carmelo et Deleuze Gilles, Superpositions, Minuit, Paris, 1979.
Bollack Jean, La mort d'Antigone, PUF, Paris, 1999.
Brecht Bertold, Écrits sur le théâtre, NRF Gallimard, (L'Arche), Paris, 2000.
Didi-Huberman Georges, Quand les images prennent position, Minuit, Paris, 2009.
DUBOIS Jérôme
1er semestre
Sociologie du théâtre amateur et du théâtre
professionnel
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 15:00 - 18:00
Salle A0 169
code UE
Histoire / Ethnosciences
T11/T12
5 ECTS
Au-delà des différences entre théâtre amateur et théâtre professionnel, il s’agit de prendre conscience des voies de la
professionnalisation et des difficultés inhérentes à celle-ci. Nous insisterons notamment sur diverses questions concrètes
telles que le bénévolat, l’emploi intermittent, l'organisation des compagnies, etc. Outre l'assiduité, la validation du cours se
fera sur deux fiches de lecture à rendre au milieu du semestre et un examen sur table en fin de semestre.
Olivier Donnat, Les amateurs, Enquête sur les activités artistiques des français, Paris, Ministère de la Culture et de la
Communication, DEP, 1996 ; Marie-Madeleine Mervant Roux (dir.), Du théâtre amateur : approche historique et
anthropologique, CNRS Editions, 2004 ; Marie-Christine Bordeaux, Jean Caune et Marie-Madeleine Mervant-Roux (dir.),
Le Théâtre des amateurs et l’expérience de l’art, L’Entretemps, 2011 ; Pierre-Michel Menger, Les intermittents du
spectacle, sociologie d’une exception, EHESS, 2005 ; Philippe Henry, Le spectacle vivant et culture d’aujourd’hui, une
filière artistique à reconfigurer, PUG, 2009 ; Daniel Urrutiaguer, Economie et droit du spectacle vivant en France, Presses
de la Sorbonne Nouvelle, 2010.
GRANDRIE Jean-Luc
Gestion appliquée des entreprises du spectacle
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 18:00 - 21:00
Salle A1-169 Studio
code UE
T13/T14
5 ECTS
Je propose aux étudiants de suivre l’ensemble des étapes de la production et de la gestion de projets artistiques liés au
spectacle vivant en France. Partant d'expériences pratiques, je propose de façon concrète de conceptualiser les moyens à
mettre en ouvre pour réussir à bâtir un projet de création artistique du spectacle vivant tant d’un point de vue de sa
production que de son exploitation. Sont abordés dans le cours les thèmes suivants : définition et spécificité des
entreprises culturelles, état des collectivités territoriales en France, état des différentes structures du spectacle vivant en
France et leurs réseaux, budget, comptabilité et contrats spécifiques des entreprises culturelles, financement et aide
financières publiques et privées pour le spectacle vivant, statut de l’artiste - interprète. À chaque étape, une analyse
critique et prospective est proposée pour permettre, au-delà des faits et de l’anecdote, de situer la place des entreprises
de spectacle et de la création artistique dans l’économie nationale. Les expériences des étudiants étrangers sont
valorisées et illustrent le cours en permettant des comparaisons au-delà du seul cas français.
Guide du CNT différents documents de synthèse liées à l'économie du spectacle vivant et aux politiques territoriales en
France Les Tréteaux de France 2001/2011 histoire d'une renaissance théâtrale (l'harmattan éditeur)
COUTELET Nathalie
Histoire de la mise en scène. Théâtre et Politique
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 12:00 - 15:00
Salle A1-169
code UE
T11/T12
5 ECTS
Le théâtre « populaire » et la démocratisation du spectacle
Jean Bellorini, actuel directeur du Théâtre Gérard Philipe de Saint-Denis, énonçait récemment son « obsession de faire un
théâtre populaire ». Concept brandi comme solution de renouveau du théâtre, dès la fin du XIXe siècle, puis considéré
comme « périmé » dans la seconde moitié du XXe siècle, le théâtre « populaire » ne cesse de donner lieu à des réflexions
sur le théâtre, son écriture, sa mise en scène et son public. Complexe, polysémique, polémique, le théâtre « populaire »
est avancé par les pionniers – Firmin Gémier, Romain Rolland, les Universités populaires – comme une forme de
démocratisation, miroir de celle que l’on souhaite opérer dans la société. Au cours du XXe siècle, cette idée connaît de
nombreuses inflexions, du théâtre « civique » au « théâtre élitaire pour tous » – de Jacques Copeau à Antoine Vitez –
même si demeure, en général, le questionnement sur la possibilité de forger un théâtre « démocratique ».
Souvent associé au TNP, à Jean Vilar, aux prix pratiqués, le théâtre populaire a donné lieu à une pensée du texte, de la
mise en scène, du jeu et du rapport au public spécifiques, liés à la question de la démocratisation du spectacle qu’il faut
analyser pour tenter d’établir un rapport entre concept fondateur (« populaire » ou « démocratique ») et concrétisations
artistiques.
Bibliographie
Caune Jean, La Démocratisation culturelle. Une médiation à bout de souffle, Grenoble, Presses universitaires de
Grenoble, 2006.
Copeau Jacques, Le Théâtre populaire, Paris, PUF, 1942.
Copfermann Emile, Le Théâtre populaire, pourquoi ?, Paris, Maspero, 1962.
Coutelet Nathalie, Firmin Gémier, le démocrate du théâtre, Montpellier, L’Entretemps, coll. « Champ théâtral », 2009.
, Démocratisation du spectacle et idéal républicain, Paris, L’Harmattan, coll. « Univers théâtral », 2012.
Denizot Marion (dir.), Théâtre populaire et représentations du peuple, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2010.
POLIAKOV Stéphane
1er semestre
Fictions dramatiques : analyse par
l’action/adaptation
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 15:00 - 21:00
Salle AMPHI A4
code UE
Pratique artistique
E2/E3/E4
ECTS
Les Bacchantes, mettre en scène une tragédie grecque.
Le but de cet atelier est de prolonger le travail commencé dans l’atelier de licence 2 en 2013-2014 autour du conte et de la
tragédie. Il s’agit cette fois de prendre à bras le corps le matériel d’une ultime des dernières pièces d’Euripide, ultime éclat
ou crépuscule de la tragédie. Dans la lignée de Nietzsche, il s’agit aussi d’interroger par la pratique du plateau le
dionysiaque aujourd’hui. Quel est le visage de cette force tutélaire du théâtre et de l’ivresse ? En quoi est-elle opposée et
liée à la pulsion esthétique apollinienne ? A travers les monologues, les dialogues qui émaillent cette tragédie
exceptionnelle, nous interrogerons aussi le matériel poétique, lyrique et rythmique des chœurs et bien sûr la nature même
du tragique constamment ambiguë.
Il est impératif d’avoir lu la tragédie et d’en posséder un exemplaire. La traduction utilisée est celle de Marie Delcourt
(Gallimard, coll. Folio). On pourra également consulter la traduction de J. Bollack (édition de Minuit). Des extraits de textes
ou d’articles de Nietzsche, M. Detienne, J.P. Vernant, J. Kott, etc, seront abordés.
Indications bibliographiques :
J. P. Vernant « Le Dionysos masqué des Bacchantes d’Euripide» in Mythe et tragédie en Grèce ancienne, La Découverte.
M. Detienne, Dionysos à ciel ouvert, Pluriel.
J. Kott, Manger les dieux, Payot.
PERAULT Sylvie
1er semestre
Le costume de scène à l’épreuve des évolutions
historiques et esthétiques de la scénographie
Toutes les semaines
intitulé UE
Vendredi 18:00 - 21:00
Salle A1-169 Studio
code UE
T09/T10
code apogée
EN55T17B
5 ECTS
L’étude du costume de scène propose un point de vue nouveau de l’histoire du théâtre et des spectacles. Il est tenu
compte des impératifs de la scénographie associés aux attentes spécifiques d’une période et ses mentalités, lesquelles
sont principalement édictées par les besoins et les usages du pouvoir en place. Les différents moments de réforme dudit
costume en scène sont abordés plus aisément. Le costume est intrinsèquement lié à la législation qui édicte ce que l’on
peut montrer ou non du corps des comédiens, celle-ci construit l’allure générale d’une période donnée et la vision de
l’Autre qui en découle. Sur une amplitude temporelle allant du XVIIe siècle à la première moitié du XXe siècle, nous
aborderons les transformations du costume de scène, des scènes officielles aux scènes populaires (fééeries, cirque,
music-hall) en privilégiant les savoirs et savoir-faire liés aux archives des artisans, associées au 20e siècle à celles des
grands décorateurs. Des rencontres avec des praticiens ( artisans et créateurs costumes) seront organisées.
Métholodogie: anthropologie historique et ethnographie.
Costumes : Théâtre. BANU Georges, « le costume et l’histoire retrouvée », in théâtre de la ville, journal n°44, avril 1979.
BANU Georges, Yannis Kokkos, le scénographe et le héron,le temps du théâtre, actes sud 2004. BABLET Denis, Les
révolutions scéniques du XX siècle, Paris, éd. Société internationale d’art, 1975. BRECHT Bertold, Petit organon pour le
théâtre, in Théâtre populaire, 1955. COCHU André, « l’art de l’acteur », la revue des deux mondes,1844. VERDIER Anne,
Doumergue Didier Art et usage du costume de scène, Lampsaque 2007. VERDIER Anne, L’habit de théâtre, histoire et
poétique de l’habit de théâtre en France au XVIIe siècle, Lampsaque, 2006. BARTHES Roland, les maladies du costume
de théâtre, Théâtre populaire , n°12, Paris, l’Arche, mars-avril 1955. BARTHES Roland, Ecrits sur le théâtre, Points, 2002/
BIANCHINI, Charles, le costume au théâtre et à la ville, Paris 1866-1890. CUISENIER, Jean sous la direction de Coutume,
BUCHVALD Claude
Écritures contemporaines
1er semestre
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 09:00 - 15:00
Salle Amphi IV
code UE
Groupe de recherche
E2/E3/E4
10 ECTS
Ecritures contemporaines franco/brésiliennes, en collaboration avec Angela Leite Lopez de l’UFRJ de Rio de Janeiro.
Nous travaillerons à partir de textes de théâtre contemporain, mais aussi d’autres formes d’écriture, en privilégiant le
monologue exploré de façon polyphonique et en plusieurs langues si possible. Nous nous interrogerons sur les
phénomènes de la traduction. Les acteurs, dans ce processus d’approche, sont à la fois porteurs de langues et alertés par
une écoute nouvelle à travers les paroles étrangères de leur partenaire : un monologue démultiplié, un apprentissage de
l’autre par l’oreille, le toucher de la voix, ouverte à l'espace. Présentation publique en fin de parcours. Venir avec au moins
un texte appris par coeur.
Semaine intensive du 26 janvier au 7 février 2015.
Les textes seront communiqués ultérieurement.
1er semestre
Ethnoscénologie : la rencontre des pratiques
scéniques, par delà les frontières
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 10:00 - 18:00
Salle ARTA
code UE
T11/T12
5 ECTS
L’envie de se tourner vers l’Ailleurs, la curiosité de ce qui est étranger donnent lieu à des échanges interculturels et
pluridisciplinaires récurrents, qui répondent aux préoccupations les plus diverses, que ce soit la simple fascination
exotique, le besoin de nourrir l’imaginaire, de développer l’expression au delà ou entre les mots, l’intérêt pour une
approche de la scène davantage soutenue par la musique et la danse, le désir d’inventer des formes nouvelles, l’intuition
d’une technique de distanciation ou encore l’aspiration à retrouver le sens du beau, du cérémonial ou du sacré.
Toutes ces découvertes amènent par suite à prendre leçon de modes d’enseignement et de transmission, tout en
éprouvant des processus de travail souvent bien éloignés de ses propres habitudes. Ce faisant, l’approche
ethnoscénologique veille à lever les pièges de l’ethnocentrisme en incitant à mieux contextualiser chaque domaine, en
répérant spécificités et interférences entre les cultures.
Nous proposons de nous appuyer sur l’expérience d’ARTA, l’association de recherche des traditions de l’acteur, fondée en
1989. Située à la Cartoucherie à Paris, elle constitue avec son « Studio » un lieu de formation continue, de transmission et
de recherche à vocation internationale, dédié aux acteurs, français et étrangers, pouvant aussi être danseurs, chanteurs,
musiciens ou acrobates, ayant pour la plupart déjà reçu une formation artistique initiale. A échelle nationale et
internationale, sa mission est d'organiser stages et ateliers favorisant la formation d'étudiants et de jeunes professionnels
par des rencontres avec des personnalités reconnues dans les différents continents, pédagogues confirmés, pour des
expériences capables d'ouvrir aux jeunes artistes des perspectives nouvelles afin d'élargir leur pratique et de l'inscrire
dans les grands courants du spectacle vivant d'aujourd'hui ;
Hors des contraintes habituelles de production, les artistes exerçant sur l’ensemble du territoire français, en Europe et par
delà les frontières européennes peuvent ainsi s’y ressourcer, interroger leur art et parfaire leurs compétences auprès de
maîtres issus des grandes traditions scéniques, théâtrales ou chorégraphiques, à travers le monde.
A travers quelques exemples, nous questionnerons les modalités de transmission des expériences, les apprentissages
interculturels, l’emprunt de méthodes, les inspirations, influences, ruptures et mutations des formes, entre tradition et
modernité.
Nous croiserons ainsi découvertes et expérimentations.
- Jean-François Dusigne, Les Passeurs d'expérience. ARTA, école internationale de l'acteur, éditions Théâtrales, 2013
ARTAUD Antonin, Le Théâtre et son double, Paris, Gallimard, 1964.
BANU Georges, l’Acteur qui ne revient pas, journées de théâtre au Japon, Paris, Aubier, 1986.
BARBA Eugenio, SAVARESE Nicola, L’énergie qui danse, l’art secret de l’acteur, ISTA-International School of
Theatre Anthropology, Lectoure, Bouffonneries, n°32-33, 1995. - BENSAT-BOUDON Lyne, Poétique du théâtre indien,
lectures du Natyasastra, Paris, Ecole Française d'Extrême -Orient, 1992. - BRECHT Bertolt, L'Art du comédien, Paris,
L'Arche, 1999. - Dictionnaire encyclopédique du théâtre à travers le monde , dir. Michel Corvin, Paris, Bordas, 2008. DUSIGNE Jean-François, « Au détour d’une tasse de thé : la leçon de théâtre», in Les penseurs de l’enseignement,
FALZON Laurence
Espaces en actes et acte d'espace
1er semestre
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 15:00 - 21:00
Salle A1-169
code UE
Exercice théâtral
E2/E3/E4
10 ECTS
Cours intensif du 26 janvier au 7 février 2015 de 15h à 21h.
Ce cours a pour objet l’approche du phénomène spatial à travers l’observation et l’expérience de la création in situ.
Les pratiques spectaculaires in situ constituent un corpus pertinent, fondé sur «l’acte d’espace », que nous aborderons
comme suit :
• Exposé du corpus et pertinence par rapport aux problématiques artistiques contemporaines de « représentation » et de
production des œuvres, qui tendent à valoriser la création et l’interactivité des espaces d’action et de réception.
• Expérimentation et mise en évidence du caractère phénoménologique de l’espace.
• Exploration et évaluation de la relation de dépendance constitutive entretenue entre une action et un lieu dans la
poïétique de l’œuvre in situ.
• Questions et propositions liées à la représentation d’un objet abstrait.
Chaque étudiant devra d’abord produire un travail d’analyse d’une œuvre qu’il aura choisie dans le corpus.
Progressivement il approchera le phénomène spatial par la pratique. Plusieurs exercices d’espaces seront proposés :
dirigés, semi-dirigés puis libres. Chacun fera l’objet d’un projet qui devra être exposé à l’aide de moyens de représentation
choisis dont il faudra justifier la pertinence. Ces moyens seront ensuite confrontés à la réalisation des intentions.
Suivra un exercice critique sous forme de discussions portant sur les problématiques liées à l’adéquation des outils de
représentation à «l’action d’espace».
* Nous entendons par œuvres in situ, les œuvres empruntées, entre autres, aux registres du happening, de la
performance, du minimal art, du land art, du théâtre de rue, de l’environmental art, du site specific art, de la scénographie
urbaine, etc.
Communiquée pendant l'atelier.
STAGE PRÉALABLE
INSERTION
1er
semestre
stage préalable insertion en licence 3
intitulé UE
code UE
Salle
code apogée
ECTS
EN5VST2A
RAUCH Marie-Ange
Theâtre /Histoire /Politique/Société
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 12:00 - 15:00
Salle A0-168
code UE
T13/T14
5 ECTS
"Les éditos des plaquettes de saison s'emballent. A l'automne, ils se laissent emporter par un lyrisme, très beau ou
dérisoire. Le grand chœur de théâtre public constitue sa vision du monde dans une grandiloquence dont on voudrait
pouvoir se moquer, mais qui nous touche." (Olivier Py)
Après un rappel de l’histoire et des valeurs fondamentales des théâtres publics, nous nous interrogerons sur les objectifs
de la pratique théâtrale, la relation au public, l'implantation territoriale, en nous attachant aux déclarations des directeurs et
aux éditos des théâtres publics de Paris et de la région d’Ile de France, des saisons passées et de la rentrée.
A l’instar d’Olivier Py et Jean Damien Barbin pour le spectacle Apologétique (1996), nous préparerons un montage de
textes qui pourra prendre la forme d’une dramatique sonore, enregistrée dans le studio son de l’université.
Validation : Les étudiant(e)s devront constituer un dossier documentaire sur le théâtre public de leur choix (Paris et en
Région IDF). Ils seront amenés à exposer et à débattre du projet et du fonctionnement du lieu, de la qualité des
spectacles et de l’action culturelle, du financement public du théâtre, de l’autonomie artistique, de l’instrumentalisation de
l’art au profit de l’aménagement du territoire, de l’éducation, de la santé...
La validation s’effectue sur la base d’une participation assidue et active à toutes les séances et la réalisation d’un dossier
documentaire, présenté oralement pendant le séminaire.
Bibliographie, documents et références d’archives seront distribués pendant le cours.
BEAUFILS Eliane
Théâtre de la violence, violence du théâtre?
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 12:00 - 15:00
Salle A0-168
code UE
Esthétique
T9/T10
code apogée
EN56T13A
5 ECTS
La violence : au coeur des conflits théâtraux, elle constitue dans le même temps l'antithèse de la culture. Ne
contribue-t-elle précisément par cette voie paradoxale à instituer le théâtre comme lieu du débat essentiel qui porte sur les
valeurs de l’humain et de la société?
Ce cours s’attachera à étudier le rôle crucial de la violence au théâtre en s’appuyant sur des œuvres maîtresses de
l’Antiquité à nos jours. Si la violence est au fondement de la tragédie grecque, elle connaît également un regain
d’importance au sein des œuvres populaires des mystères médiévaux, avant de jouer un rôle plus complexe à l’âge
baroque. Elle remplit un office politique majeur dans les œuvres tardives des Lumières, notamment durant le Sturm und
Drang et le théâtre politique qui a suivi, avant de devenir dépositaire d’une nouvelle vision psychologique de l’homme à la
fin du XIXe siècle.
Le XXe siècle la voit encore une fois resurgir avec force au sein de nos sociétés dites civilisées. Explosive et sanglante,
elle ne saurait plus alors être rattachée de manière univoque au tragique, au politique ou aux états psychiques. Face à ces
corps furieux ou souffrants, le spectateur est parfois saisi d'un doute: ne s'agit-il pas d'une course au scandale pour faire
concurrence à d'autres médias audiovisuels ? Ou notre civilisation est-elle à ce point médiatisée, virtualisée qu'il faille la
resubstantialiser à renforts d'affects et d'actes primaires ? Le théâtre contemporain, plus complexe que les modèles
antérieurs, mérite qu’on lui accorde une attention particulière.
Premières pistes de lecture : outre des pièces telles Sophocle, Œdipe roi, Shakespeare, Titus Andronicus, Schiller, Les
Brigands, les pièces de Sarah Kane, Werner Schwab ou Elfriede Jelinek, on pourra lire Antonin Artaud, Le Théâtre et son
double, Catherine Bouko, Le Spectateur postdramatique, Florence Fix, La Violence au théâtre, Eliane Beaufils, Violences
sur les scènes allemandes ou la revue Themes in Drama, numéro Violence in Drama.
Conception, élaboration d’un mémoire
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 15:00 - 18:00
Salle AO-169
code UE
Histoire
T11/T12
code apogée
EN55T36B
5 ECTS
Ce cours mené en collaboration avec Marie-Ange Rauch a pour finalités d’encourager l'intérêt pour la recherche dans le
domaine de l’histoire des arts du spectacle, des théâtres et des politiques publiques de la culture ainsi que de faciliter
l’inscription en master. Nous aborderons les différentes difficultés que peuvent rencontrer les étudiants confrontés à une
démarche de recherche : délimitation du sujet, problématisation, choix du corpus, gestion du temps de travail, principaux
écueils à éviter. Ouvrages, articles, études..., comment remonter les filières bibliographiques ? Sources écrites, orales,
iconographiques..., comment constituer sa documentation ? Archives, photographies, maquettes, costumes..., quels sont
les lieux de conservation pour la recherche en arts du spectacle ? La validation repose sur l'assiduité, elle s'effectue sur la
base d'une participation active à chaque séance, complétée par une présentation orale et écrite du projet de mémoire.
Plusieurs visites étant prévues dans des lieux de conservation parisiens, les étudiants sont priés de vérifier la composition
de leur emploi du temps pour être en mesure d’arriver à l’heure et d’assister à toutes les séances du cours à Paris 8 et à
extérieur.
L’agenda des visites ainsi que les consignes de validation seront distribués pendant le cours et mis en ligne sur Docs Arts
Cours, le site internet en ligne de l’UFR Arts, Philosophie, Esthétique. http://www.docsartscours.univ-paris8.fr
RAUCH Marie-Ange
Conception, élaboration d’un mémoire
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 15:00 - 18:00
Salle A0-168
code UE
Histoire
T11/T12
code apogée
EN55T36B
10 ECTS
Ce cours, mené en collaboration avec Céline Frigau Manning, a pour finalités d’encourager l'intérêt pour la recherche dans
le domaine de l’histoire des arts du spectacle, des théâtres et des politiques publiques de la culture ainsi que de faciliter
l’inscription en Master. Nous aborderons les différentes difficultés que peuvent rencontrer les étudiants confrontés à une
démarche de recherche : délimitation du sujet, problématisation, choix du corpus, gestion du temps de travail, principaux
écueils à éviter. Ouvrages, articles, études..., comment remonter les filières bibliographiques ? Sources écrites, orales,
iconographiques..., comment constituer sa documentation ? Archives, photographies, maquettes, costumes..., quels sont
les lieux de conservation pour la recherche en arts du spectacle ?
La validation repose sur l'assiduité, elle s'effectue sur la base d'une participation active à chaque séance, complétée par
une présentation orale et écrite du projet de mémoire. Plusieurs visites étant prévues dans des lieux de conservation
parisiens, les étudiants sont priés de vérifier la composition de leur emploi du temps pour être en mesure d’arriver à l’heure
et d’assister à toutes les séances du cours à Paris 8 et à extérieur.
MAGRIS Erica
2nd semestre
De l’espace de la dramaturgie à la dramaturgie
de l’espace
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 18:00 - 21:00
Salle AO-169
code UE
T11/T12
5 ECTS
Comme le résume l’expression de Marco De Marinis évoquée dans l’intitulé, l’invention de la mise en scène moderne
s’accompagne à l’affirmation d’une conception nouvelle de l’espace scénique, qui se transforme de conteneur de l’action
scénique à élément actif contribuant à part entière à la production du sens du spectacle. Afin de comprendre les enjeux de
cette dramaturgie de l’espace, on découvrira le travail d’Adolphe Appia et d’Edward Gordon Craig. À partir d’une critique
radicale des conventions scénographiques de leur époque, ces deux précurseurs ont élaboré des visions organiques et
novatrices de la scène, de l’acteur et de l’œuvre théâtrale dans son ensemble, qui se sont heurtées aux limites techniques
et esthétiques de leur temps, mais qui ont profondément influencé le théâtre à venir. D’abord on étudiera et comparera
leurs visions à travers leurs ouvrages et on les mettra ensuite en résonance avec l’analyse spatiale de créations
successives couvrant l’ensemble du XXe et le début du XXIe siècle.
De Marinis, Marco, In cerca dell'attore. Un bilancio del Novecento teatrale, Roma, Bulzoni, 2000 ; Bablet-Hahn,
Marie-Louise Adolphe Appia, Œuvres complètes (4 vol.), Lausanne, L'Age d'Homme, 1983 - 1995 ; Craig, Edward Gordon,
De l'art du théâtre, Paris, Libraire théâtrale, 2004. Des références ultérieures seront communiquées au début du cours.
MIKOL Bruno
En-jeu du projet théâtral
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 18:00 - 21:00
Salle A0 168
code UE
T13/T14
5 ECTS
Dans la perspective d’une redéfinition de l’économie mondiale, comment imaginer, concevoir et mettre en œuvre un projet
théâtral dont il faut savoir manier la complexité des enjeux : politiques, territoriaux, stratégiques, économiques,
budgétaires, humains et artistiques. Selon son commanditaire, son auteur, ses acteurs, ses territoires, ses moyens et ses
ambitions, le projet procède d’une savante organisation dont il faut savoir maîtriser les différentes composantes, sans faire
l’économie d’une réflexion plus large sur l’enjeu entre l’art et la société. À partir d’une réflexion sur l’histoire (de l’ère
Malraux à l’ère du protocole sur l’assurance chômage des intermittents) et les mécanismes de l’économie (de l’OMC à
l’AGCS), sur les modèles et typologies de projets, plusieurs exemples choisis dans l’actualité de la vie artistique et
culturelle européenne, théories (loi de Baumol et Bowen, marketing de l’offre…), analyses (les marchés du spectacle
vivant / subventions publiques) et outils méthodologiques (études INSEE/DEP) serviront le propos de ce cours pour en
appréhender l’en-jeu.
·André Degaine, « Histoire du théâtre dessinée » Nizet, Paris, 1992. ·Arts vivants en France : Trop de compagnies ?
Ouvrage collectif coordonné par Philippe Henry, en partenariat avec la Maison d'Europe de d'Orient et le Synavi (Syndicat
National des Arts Vivants), édition L’espace d’un instant, 2007 ·Bernard Dort, « Théâtres », Essais, coll Points, Ed du
Deuil, Paris, 1974 ·Daniel Urrutiaguer, Economie et droit du spectacle en France, , les fondamentaux de la Sorbonne
Nouvelle, Pazris, 2009 ·Denis Guénoun, Le théâtre est-il nécessaire?, Coll. Penser le théâtre, Ed. Circé, Paris, 1997 ·Eve
Chiapello, Artistes versus Manager. Le management culturel face à la critique artiste ?, 1998 ·Françoise Benhamou
“L’économie de la culture”, ed. La Découverte, Paris, 2000 ·Frédéric Martel, De la culture en Amérique, Paris, Gallimard,
2006 ·Guy Debord, la société du spectacle, Paris, 1958. ·Jean Clair, « La responsabilité de l’Artiste », ed Gallimard, 1997
DOYON Raphaëlle
2nd semestre
Médiations artistiques : approches théoriques et
pratiques (SUITE)
Toutes les semaines
intitulé UE
Samedi 09:00 - 12:00
Salle AMPHI A4
code UE
E2/E3/E4
code apogée
EN55P12B
10 ECTS
Ce cours annuel est une initiation aux pratiques de médiations artistiques auprès de personnes en difficulté.Il se divise en
deux parties :
- le premier semestre sera consacré à une initiation aux théories et pratiques de médiations artistiques auprès de
personnes en difficulté,
- le second semestre sera dédié à un atelier de création collective.
Les étudiants inscrits auront l’opportunité de suivre un projet tutoré en institution. Ce dernier pourra être validé en tant que
stage conventionné.
La présence est obligatoire aux 2 semestres pour pouvoir valider.
Après avoir introduit, au premier semestre, les approches théoriques et pratiques de médiation artistique, nous
interrogerons les dynamiques de groupe à l’œuvre dans la création collective. Cet atelier propose aux étudiants de vivre
un processus d’écriture de plateau en suivant différentes étapes : élaboration d’un langage commun, choix d’une
thématique de travail, récolte de matériaux (ethnographiques, fictifs, filmiques, documentaires, littéraires, philosophiques,
etc.), improvisations, choix scéniques, retours réflexifs sur le processus de création. Comment travailler ensemble sans
décisionnaire unique, partager la responsabilité et le droit de regard ? Tenue souple exigée.
Une bibliographie sera distribuée pendant le cours.
MÜLLER Ivana
la voix et le texte
2nd semestre
intitulé UE
E.C. Intensif
code UE
T09/T10
code apogée
EN55T19B
5 ECTS
Salle
L'idée de ce projet est d'explorer la relation entre la voix et le texte, dans le contexte du théâtre et ailleurs. Les deux
concepts sont potentiellement politiques, la voix étant une des caractéristiques humaines les plus personnelles et
individuelles (une sorte d’empreinte digitale, il n’y a pas deux voix au monde qui soient entièrement identiques) et le texte
étant le script, la norme, l’écrit, l’universel, souvent écrit par quelqu’un d’autre, ou même pour quelqu’un d’autre.
Curieusement, dans le contexte civique, on donne notre « voix » à quelqu’un d’autre en « votant » pour lui/elle (dans
beaucoup de langues les mots « voix » et « vote « sont identiques) en se rendant ainsi, en quelque sorte, politiquement
muets.
La relation entre la voix et le texte soulève un certain nombre de problèmes, intéressants et potentiellement performatifs :
la question de la représentation (comment représenter le texte de quelqu’un d’autre, ou même notre propre texte avec sa
voix ?), la question du partage (quand la voix de « je » devient la voix de « nous », par exemple), la question de l’auteur
et de l’autorité (on peut être l’auteur d’un texte mais pas l’auteur d’une voix).
Ce projet pratique s’appuiera également sur des textes philosophiques et sociologiques contemporains.
GAGNERE Georges
Dramaturgies augmentées
2nd semestre
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 09:00 - 15:00
Salle A1-169 Studio
code UE
E2/E3/E4
code apogée
EN55P11B
ECTS
Cours intensif du 1er au 13 juin 2015 de 15h à 21h.
À partir de matériaux ou de dispositifs existants, ou bien en imaginant de nouvelles situations, nous explorerons les
potentialités scéniques émergentes en relation avec des enjeux d'écriture.
En faisant tourner les étudiants entre la position d'acteur-trice et celle de réalisateur-trice, on s'interrogera également sur
les processus de créations, et la place de l'intuition de l'acteur dans ces démarches de création : comment l'invention
peut-elle circuler entre le plateau et la console numérique ? Comment les différentes positions peuvent-elles s'enrichir,
rester à l'écoute les unes des autres?
Il pourra s'agir d'inventer une dramaturgie pour des textes non théâtraux (poésie, micro-fictions) ou de mettre en relation
des textes dramatiques avec les possibilités offertes par les outils numériques.
En adoptant une démarche de recherche-création, nous déploierons ces dramaturgies dans la temporalité propre au
spectacle vivant, et nous présenterons publiquement les résultats des work-in-progress afin d'affermir la nécessaire
relation au public.
Bibliographie
Krueger (Myron W.), Articial Reality II, Addison-Wesley Publishing Company, 1991
Salter (Chris), Entangled, MIT Press, 2010
LE BAIL-SIMON Laurence
2nd semestre
Théâtres indiens : La transmission orale du
Pañcatantra
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 09:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
Projet artistique
E2/E3/E4
10 ECTS
Cours intensif en collaboration avec Katia Légeret, du 25 mai au 6 juin 2015, de 9h à 15h.
Fables de La Fontaine et du Pañcatantra : apprentissage du Bharata-Nâtyam.
Suivant le même déroulement que la première semaine, le cours comprendra deux parties : les étudiants commenceront
par apprendre les fondamentaux de la forme théâtrale et dansée appelée Odissi, puis, par petits groupes, ils mettront en
scène une Fable de La Fontaine associée à la source indienne qui l’a inspirée en adaptant librement les codes de l'acteur
indien.
Officiellement recensé comme « Indian Classical Dance », l’Odissi se présente en réalité comme une forme combinée de
danse et de théâtre. Si une quantité importante de ses pièces se rangent dans la catégorie nṛtta, danse pure, la majeure
partie de la création appartient à la catégorie dite nṛtya où la poésie, la musique et le geste s’unissent étroitement, au point
de partager leurs territoires. Si dans le nṛtta le pas est devenu musique par la rythmique des grelots attachés au chevilles,
le nṛtya ordonne postures, mudra (gestes de main) et regards dans un discours chorégraphique qui interprète, c’est-à-dire
tout à la fois signifie, réfléchit et extrapole la poésie chantée, explorant tous les possibles de la symbolisation gestuelle.
Notre cours pourra proposer, à l’appui de la mise en pratique de quelques caractéristiques élémentaires du langage et de
phrases chorégraphiques Odissi, d’explorer certains aspects majeurs du potentiel symbolique du geste, en tant que
système et dans sa relation à un texte. Nous pourrons notamment nous intéresser au système d’oppositions, posturales et
cinétiques, qui fondent la structure de la sémiotique Odissi.
LÉGERET Katia
Théâtres indiens
2nd semestre
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 09:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
Projet artistique
E2/E3/E4
10 ECTS
Cours intensif en collaboration avec un(e) chargé(e) de cours, du 25 mai au 6 juin 2015, de 9h à 15h.
Fables de La Fontaine et du Pañcatantra : apprentissage du Bharata-Nâtyam.
Il s’agira de mettre en scène des histoires indiennes du Panchatantra qui ont inspiré certaines Fables de La Fontaine en
apprenant d’abord des mouvements de base du théâtre dansé Bharata-Nâtyam (originaire de l’Inde du Sud), par exemple
les marches d'animaux, l’expression du visage, la gestuelle des mains et son langage poétique, les frappes de pieds et les
syllabes rythmiques qui les accompagnent. Dans un second temps, les étudiants élaboreront en groupe un processus de
création collective pour interpréter ces histoires en fonction de leur culture et de leur langue spécifiques.
Chaque année, participent à cet atelier de quinze jours des acteurs-danseurs indiens, spécialistes d’autres styles de l’Inde
du Sud (Kerala) et il s’agira cette année du Kutiyattam, du Mohini-Attam et du Kathakali. Par des exercices pratiques, sont
appréhendés les fondamentaux du Nâtya-Shâstra (traité majeur sanscrit de l’art dramatique) qui traversent tous ces styles.
L’utilisation du corpus des mouvements traditionnels des théâtres et danses de l’Inde (Mohini-Attam, kutiyattam, kathakali
et Bharata-Nâtyam) et de leurs formes de narration pourra permettre à certains étudiants de questionner un ensemble de
frontières : celles des cultures minoritaires, des politiques culturelles ou post-coloniales, et des catégories esthétiques. La
mise en scène de l'animal et de son langage corporel, à partir des codes propres aux théâtres dansés indiens permet-elle
d’exprimer des problèmes actuels de société ?
La seconde semaine, marquée par l’apprentissage du style Odissi poursuivra le même rythme que la première et
s’achèvera par une présentation publique (masterclass, performances collectives, conférences dansées) dans le contexte
d’une journée d’étude internationale sur les relations entre Le Panchatantra et La Fontaine à partir d’un vocabulaire
sanscrit commun aux différentes pratiques indiennes.
Prenant en compte l’assiduité aux cours, la validation des deux semaines de pratique se fera en deux temps : à l’occasion
de la présentation publique des créations collectives et par une session récapitulative de certains acquis fondamentaux en
styles Odissi et Bharata-Natyam.
Les textes à mettre en scène seront donnés aux étudiants le premier jour du cours.
STAGE PRÉALABLE
INSERTION
2nd semestre
stage préalable insertion en licence 3
intitulé UE
code UE
Salle
code apogée
ECTS
EN5VST2A
Liste des enseignements Master LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2014/2015
POLIAKOV Stéphane
1er semestre
Théâtre, art, philosophie. Questions ouvertes
d’esthétique
intitulé UE
Lundi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
Séminaire thématique
T100
code apogée EN5WTAPQ
ECTS
Cette année, le séminaire cherchera à combiner les aspects théoriques d’un cours et des éléments de pratique théâtrale à
partir d’une thématique commune : médecins, médecine et théâtre. Depuis les interprétations médicales de la catharsis
aristotélicienne, l’art théâtral a partie liée avec l’art médical. La théorie des humeurs antique et renaissante ne laisse pas
d’imprégner l’univers de Shakespeare : de la mélancolie d’Hamlet au monde des fantômes et des préparations des
sorcières dans la mesure où la tragédie, d’abord comprise comme remède, peut aisément recourir au poison et au
sortilège. Molière dans le cheminement intérieur de son génie comique invente peu à peu une figure originale du théâtre à
partir du Dottore de la commedia dell’arte. Nous étudierons par l’analyse dramaturgique et la pratique scénique les
médecins de Molière et sa vision protéiforme de la médecine de L’Amour médecin au Malade imaginaire. Tchekhov,
médecin et nouvelliste, propose des figures vivantes et originales de médecins que nous étudierons dans ses drames
(l’Astrov d’Oncle Vania, Dorn dans La Mouette, Tcheboutykine dans Les Trois sœurs, etc) ou ses nouvelles. Enfin, nous
interrogerons ce que le théâtre du 20e siècle à aujourd’hui de Jules Romain dans Knock à Ionesco (par exemple dans
Jeux de massacres), de l’analogie du théâtre et de la peste d’Artaud à la littérature dramatique épidémique autour du SIDA
ou les pièces imprégnées de l’univers de l’hôpital dessinent comme contour et rapport étrange entre la médecine (la
maladie, mais aussi la guérison) et la pratique théâtrale.
Quelques œuvres à lire qui seront abordées :
Tchekhov : Ivanov, La Mouette, Oncle Vania, Les Trois sœurs.
Molière : La Jalousie du Barbouillé, L’Amour médecin, Le médecin malgré lui, Le malade imaginaire
J. Romains, Knock.
P. Weiss, Marat-Sade.
A. Artaud “Le théâtre et la peste” in Le Théâtre et son double
A. Dumas fils, La dame aux camélias.
MOINDROT Isabelle
1er semestre
Problématiques de la mise en scène d’opéra
contemporaine
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 17:00 - 20:00
Salle INHA
code UE
Séminaire méthode
M200
code apogée EN5WPSOA
10 ECTS
Né du croisement de la musique, de la poésie, du théâtre et de la peinture, l’opéra a élaboré, depuis sa création au début
du 17e siècle, différents modes de coexistence des arts. Aujourd’hui cette question de la coexistence est au cœur de la
création artistique dans son ensemble. Parallèlement, l’opéra est redevenu un art scénique extrêmement inventif, en
rupture fréquente avec les attentes du public traditionnel et en prise sur les problématiques actuelles. Ce séminaire aborde
ces différentes questions (d’esthétique et d’idéologie) à partir des œuvres essentielles des metteurs en scène d’opéra de
la fin du XXe siècle et de notre époque (Sellars, Wilson, Carsen, Pelly, Marthaler, Warlikowski, Tcherniakov, Herheim, Py,
Lepage, Sivadier, Van Hove, Mitchell …). Il est possible de suivre ce séminaire sans connaissance musicale préalable.
Des rencontres avec des artistes auront lieu dans le cadre du séminaire. Jeunes chercheurs et doctorants sont les
bienvenus.
- Le Théâtre à l’opéra, la voix au théâtre, Alternatives théâtrales, n°113/114, n° coordonné par I. Moindrot et A. Perroux,
juillet 2012. - Opéra et mise en scène, L’Avant-Scène Opéra, n°241, Paris, n° coord. par Ch. Merlin, nov. 2007. - I.
Moindrot, La Représentation d’opéra. Poétique et dramaturgie, PUF, coll. Ecriture, Paris, 1993. - Musical, n°8, Opéra et
mise en scène, Parution, Paris, 1989.
COUTELET Nathalie
Le rapport scène/salle
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 12:00 - 15:00
Salle A1-169
code UE
Séminaire méthode
M100
code apogée EN5WCOUT
10 ECTS
Chaque forme spectaculaire repose sur le rapport qu’elle noue entre scène et salle, action scénique et public. Ce rapport,
sujet de tous les fantasmes et de toutes les expérimentations, révèle en partie la façon dont le spectacle est conçu, mais
aussi la façon dont il envisage la place du public dans l’événement théâtral. Il ne s’agit pas seulement d’étudier le lien
entre spectateur et spectacle, mais aussi l’inclusion de ce spectateur potentiel dans la création même du spectacle, dans
la pensée de sa mise en scène ou de son écriture.
Les diverses formes prises par le lieu théâtral concrétisent les recherches des créateurs pour tisser d’ « autres » liens
entre action et public : proscenium, comédiens dans la salle, scène circulaire, spectacle de plein air, mais aussi le célèbre
« quatrième mur » ou le « théâtre total » de Gropius. La forme même du spectacle peut chercher à susciter les réactions
du spectateur : physiques et verbales dans le cas des soirées dadaïstes ou futuristes, par exemple ; intellectuelles et
politiques dans les spectacles de Meyerhold, Piscator ou Brecht ; plus simplement, la « présence éveillée » évoquée par
Brook.
Quelle transformation de la scène, quel type de spectacle, quel jeu d’acteur, quel texte sont créés en fonction d’un rapport
particulier à la salle, ou, a contrario, quel rapport engendrent-ils à la salle par conséquent ? Telles sont les questions
premières du séminaire, amenées à évoluer en fonction des échanges.
Bibliographie
Bouko Catherine, Théâtre et réception. Le spectateur postdramatique, Bruxelles, Peter Lang, 2010.
Bourgy Victor-Durand Régis-Schechner Richard, La Relation théâtrale, Lille, Presses universitaires de Lille, 1980.
Brecht Bertolt, Nouvelle technique d’art dramatique. Ecrits sur le théâtre, Paris, L’Arche, 1972.
Brook Peter, L’Espace vide, Paris, Points/Essais, 2014.
Caune Jean, Acteur-spectateur, une relation dans le blanc des mots, Saint-Genouph, Librairie Nizet, 1996.
Deldime Roger, Le Quatrième mur. Regards sociologiques sur la relation théâtrale, Carnières, Promotion Théâtre, 1990.
Duvignaud Jean, Sociologie du théâtre. Essai sur les ombres collectives, Paris, PUF, 1965.
DUBOIS Jérôme
Appréhension des usages sociaux du théâtre
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 12:00 - 15:00
Salle A1 169
code UE
Séminaire méthode
M100
code apogée EN5WMEAA
10 ECTS
Il s’agit de prendre connaissance des usages sociaux des arts du spectacle (musique, danse, conte, clown, etc.) en
général et du théâtre en particulier, hors des institutions artistiques : prisons, hôpitaux, écoles, entreprises, etc. Ces
usages appellent à des dispositifs particuliers au sein desquels les pratiques artistiques des arts du spectacle (ateliers,
représentations) évoluent. Outre une assiduité, un dossier sera demandé à chaque étudiant sur les modalités de l’un de
ces usages, en réfléchissant sur les questions esthétiques et psycho-sociologiques induites, dossier qu'il présentera
oralement en fin de semestre.
Jérôme Dubois (dir.), Les Usages sociaux du théâtre hors ses murs (école, entreprise, hôpital, prison, etc.), L'Harmattan,
2011.
BEAUFILS Eliane
Utopies poétiques?
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 15:00 - 18:00
Salle A1 169
code UE
Séminaire méthode
T100
code apogée EN5WUTOA
10 ECTS
Le théâtre contemporain procède souvent par ruptures, mise sur la nouveauté, produit des événements tout en se
positionnant de mqnière ironique par rapport à eux. Il se veut critique davantage que poétique. Pourtant ce sont
précisément les brèches laissées à la réflexion qui peuvent aussi nourrir la poésie. S’agit-il en ce cas d’un retour du
sublime ou d’une pensée poétique (Benjamin) ? quelles sont les relations potentielles de ces fulgurances ou résistances
poétiques avec le spectateur ? est-il possible d’invoquer un « vivre poème » tel que le fait Meschonnic ? quelle incidence
ces moments ont-ils sur la dimension critique du spectacle ? Pour répondre à ces questions, on reviendra d’abord sur des
catégories philosophiques voisines du poétique, confrontées à divers exemples, puis on tentera une approche à la fois
analytique et phénoménologique de la réception. Les spectacles étudiés relèvent tant de mises en scènes que de
performances et d’écritures collectives.
Premières lectures : Aristote, Poétique ; Hegel, Conférences sur l’esthétique ; Henri Meschonnic, Vivre poème ;
Hans-Thies Lehmann, Le Théâtre postdramatique ; Catherine Bouko, Le Spectateur postdramatique ; Gernot Böhme,
Atmosphären ; Veit Erlmann, Reason and resonance : a history of modern aurality ; Bernhard Waldenfels, Topographie de
l’étranger.
1er semestre
Acteurs en création 2 : processus créatifs et
directions d'acteurs
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 09:00 - 12:00
Salle ARTA
code UE
Séminaire méthode
M100
code apogée EN5WNVPA
10 ECTS
Ce séminaire s’articule avec le projet Labex Arts H2H « Les processus de direction d’acteurs, de transmission et
d’échanges ».
En articulant pratique et théorie, en « chauffant la réflexion au contact du plateau, en partageant les expériences, nous
invitons à questionner la place, le rôle et la formation du « directeur d'acteurs », tant dans les phases de préparation et
d'entraînement, que dans les phases de création, des répétitions à la réalisation (représentations ou tournage).
Le séminaire combinera donc explorations pratiques avec observation participante, et réflexion théorique.
Le croisement des regards et la confrontation des compétences, dans un esprit d’interdisciplinarité, visent à appréhender
l’acte d’échange et de transmission que constitue la direction d’acteur, et ce non seulement à travers le discours, mais
aussi les intonations vocales, les silences, les comportements, les attitudes, les gestes.
L’acteur est ici conçu dans le sens le plus large : artistes de la scène (théâtre, danse…) et de l’écran… La présente
recherche, axée sur la création de plateau, s’ouvrira également aux problématiques soulevées par les recours aux
caméras, aux écrans et aux nouvelles technologies, et les rapports qui s’ensuivent.
Au fil des séances, à travers différents travaux, seront interrogés processus et méthodologies, en portant notamment
intérêt aux points suivants : - les moteurs d'action - le montage de séquences - le tissage de trajectoires - l'espace
partenaire - la conjugaison de la parole, du geste, du mouvement, du chant et de la danse - la composition et la recherche
d'organicité.
Les manières de dynamiser et de mener un projet collectif, ainsi que les questions concernant l'art et les stratégies de
directions d'acteurs, ainsi que celles liées à la pédagogie de la direction d'acteurs seront abordés.
Considérer l’éprouvé, tant de celui qui dirige que de celui qui est dirigé et interroger la nature même de l’échange, ce qui
se passe entre, la relation psychophysique spécifique qu’induit la direction d’acteur. Celle-ci passe non seulement par un
acte de parole, mais aussi par tout le corps sensible, à travers différentes stratégies, plus ou moins conscientes, avouées,
revendiquées ou non.
Jeux troubles entre réalité et fiction, qui permettent l’accomplissement, dans un espace cadré, d’une expérience scénique
partagée ici et maintenant entre acteurs et assistance. Expérience singulière, où la création joue sur les écarts entre
persona, rôle et personnage, passant de la fusion des notions à leur démarcation radicale, ce qui donne lieu à glissements
ou frictions entre vécu et imaginaire.
Les conceptions de la direction, qui peuvent être flottantes ou tranchées, répondent aux orientations esthétiques et
idéologiques les plus diverses. Les postures peuvent être plus ou moins conscientes, se vouloir ou se montrer dirigistes ou
accompagnantes, donner lieu à des formulations de méthodes ou au contraire à des refus de théorisation ; les uns
peuvent privilégier le recours à la métaphore, d’autres procéder par tâtonnements, d’autres avoir recours à la ruse ou aux
détournements, d’autres encore se contredire volontiers ou opérer par propositions paradoxales.
(ces ouvertures bibliographiques seront complétées lors du séminaire.) • Ouvrages de Jean-François Dusigne : - Le
Théâtre d’Art, aventure européenne du XXème siècle, Paris, Editions Théâtrales, 1997. - Du théâtre d’art à l’art du théâtre,
anthologie des textes-fondateurs, Paris, Editions Théâtrales, 1997, 2003. - L’Acteur naissant. La passion du jeu. Essai,
Paris, Editions Théâtrales, 2008. - Les passeurs d’expérience, ARTA, école internationale de l’acteur, Editions Théâtrales,
2013. - Marie-Christine Autant-Mathieu, (textes réunis, traduits et présentés), La ligne des actions physiques. Répétitions
et exercices de Stanislavski, L’Entretemps, 2007. - Georges Banu, Les voyages du comédien, NRF, Gallimard, 2012. Christian Biet , Christophe Triau, Qu’est-ce que le théâtre ?, Paris, Gallimard, coll. Folio Essais, 2006, - Bertolt Brecht, L’art
du comédien, L’Arche, 1999 - Guy Freixe, Les Utopies du masque sur les scènes européennes du XXème siècle,
LEGERET Katia
1er semestre
Poétique transculturelle de la scène
contemporaine
intitulé UE
Jeudi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
Séminaire méthode
T100
code apogée EN5WPTSA
ECTS
Ce séminaire pratique et théorique interrogera d'une manière critique les notions de multi/inter/trans-culturalité dans les
mises en scène contemporaines qui impliquent à la fois des traductions de textes poétiques dans plusieurs langues et un
langage corporel très codifié, que l’artiste soit plasticien, musicien, acteur ou danseur. La contextualisation de nos études
de cas, entre Asie, Pays de la Méditerranée et Amérique latine, sera celui des relations récentes entre les frontières
géopolitiques et les frontières géoartistiques, selon les tensions générées entre les particularismes locaux intra-culturels et
les éléments invariants liés aux enjeux de la mondialisation. Nous nous intéresserons en particulier aux mises en scènes
de Peter Brook, de Bob Wilson, de Pina Bausch, de Bartabas, de Luc Petton, de Castellucci, d’Akram Khan et de Roysten
Abel. Chaque étudiant privilégiera l’une de ces études selon les axes de recherche de son master, validant sa participation
assidue par un rapport de synthèse des analyses de cas et des exercices pratiqués au cours du séminaire. Ces exercices,
pour acteurs et danseurs, répondront à un enjeu précis proposé au début du semestre, par exemple : comment construire
une émotion ? , en croisant à la fois leur imaginaire et certaines interrogations actuelles formulées notamment par
Catherine Grenier dans son ouvrage La revanche des émotions et par Phillip Zarrilli dans Psychophysical Acting: an
intercultural approach after Stanislavski.
Lectures conseillées en amont de ce séminaire :
À chacun sa tragédie ?, ouvrage sous la direction de Brigitte Le Guen, PUV, 2007.
Bhabha Homi K., Les lieux de la culture, éd. Payot, Paris, 2004.
Bharucha Rustom, Essays on Performance and Politics of Culture, éd. Manohar, 2006.
Boal Augusto, Jeux pour acteurs et non acteurs. Pratique du théâtre de l’opprimé, Paris, La Découverte, 1978.
Bourriaud Nicolas, Radicant, Paris, Denoël, 2009.
Brook Peter, Points de suspension, éd. du Seuil, Paris, 1992.
Chatterjea Ananya, Butting out, éd. Wesleyan University Press, Middletown, USA, 2004.
Lieux et matériaux de recherche
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 15:00 - 18:00
Salle A0 168
code UE
Séminaire méthode
M100
code apogée EN5WLEMA
10 ECTS
Ce séminaire mené en collaboration avec Marie-Ange Rauch est destiné aux étudiants de Master. Il a pour finalités : d’encourager l'intérêt et de stimuler la recherche dans le domaine de l’histoire des arts du spectacle, des théâtres et des
politiques publiques de la culture, - de promouvoir les efforts des institutions de conservation, les documents et matériaux
utiles à cette recherche, - de soutenir les étudiants dans leurs travaux en favorisant la rencontre entre chercheurs
débutants et chercheurs confirmés et plus largement entre historiens, chercheurs, artistes et professionnels. Cette série de
cours propose : - des séances théoriques qui abordent les différentes difficultés que peuvent rencontrer les étudiants
confrontés à une démarche de recherche : délimitation du sujet, problématisation, choix du corpus, gestion du temps de
travail, construction d’une source orale... - auxquelles s'ajouteront des visites de lieux avec rencontres des bibliothécaires
et des conservateurs. Les participants seront amenés à présenter régulièrement l'état de leurs travaux afin de débattre des
difficultés (théoriques, méthodologiques) de la construction d'un mémoire de Master et plus largement des orientations de
la recherche dans la discipline arts du spectacle. La validation repose sur l'assiduité, elle s'effectue sur la base d'une
participation assidue et active aux rencontres, complétée par une présentation orale et écrite du mémoire en cours.
de leur emploi du temps pour être en mesure d’arriver à l’heure et d’assister à toutes les séances du cours à Paris 8 et en
extérieur.
RAUCH Marie-Ange
Lieux et matériaux de recherche
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 15:00 - 18:00
Salle AO-168
code UE
Séminaire méthode
M100
code apogée EN5WLEMA
10 ECTS
Ce séminaire, mené en collaboration avec Céline Frigau Manning, est destiné aux étudiants de Master. Il a pour finalités :
- d’encourager l'intérêt et de stimuler la recherche dans le domaine de l’histoire des arts du spectacle, des théâtres et des
politiques publiques de la culture,
- de promouvoir les efforts des institutions de conservation, les documents et matériaux utiles à cette recherche,
- de soutenir les étudiants dans leurs travaux en favorisant la rencontre entre chercheurs débutants et chercheurs
confirmés et plus largement entre historiens, chercheurs, artistes et professionnels.
Cette série de cours propose des séances théoriques qui abordent les différentes difficultés que peuvent rencontrer les
étudiants confrontés à une démarche de recherche : délimitation du sujet, problématisation, choix du corpus, gestion du
temps de travail, construction d’une source orale... auxquelles s'ajouteront des visites de lieux avec rencontres des
bibliothécaires et des conservateurs.
Les participants seront amenés à présenter régulièrement l'état de leurs travaux afin de débattre des difficultés
(théoriques, méthodologiques) de la construction d'un mémoire de Master et plus largement des orientations de la
recherche dans la discipline arts du spectacle. La validation repose sur l'assiduité et s'effectue sur la base d'une
participation assidue et active aux rencontres, complétée par une présentation orale et écrite du mémoire en cours.
de leur emploi du temps pour être en mesure d’arriver à l’heure et d’assister à toutes les séances du cours à Paris 8 et à
extérieur.
DOYON Raphaëlle
1er semestre
Le genre : une catégorie d’analyse utile à
l’histoire du théâtre ?
Toutes les semaines
intitulé UE
Vendredi 09:00 - 12:00
Salle A1-169 Studio
code UE
T100
code apogée
EN5WDOYO
10 ECTS
Ce cours propose une introduction à la notion de genre dans l’histoire du théâtre du XXe siècle. Notre réflexion
s’organisera autour de quatre axes :
- la critique épistémologique d’historiographies non-mixtes,
- la réhabilitation de l’histoire des femmes dans l’histoire du théâtre,
- l’analyse de la division sexuée du travail artistique,
- l'étude de certains rôles féminins dans les écritures dramatiques. Ce dernier axe donnera lieu à des expérimentations
pratiques pour observer notamment la dimension critique du jeu scénique.
Nous nous appuierons en outre sur des travaux anglo-saxons non traduits.
Traduire le théâtre
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Vendredi 15:00 - 18:00
Salle A1-169
code UE
Séminaire méthode
M100
code apogée EN5WTRAL
ECTS
« J’aime à être porté par la respiration d’un texte », disait Jean Vilar avant d’ajouter, désabusé : « Les textes des
traducteurs ne respirent pas ». Comment faire respirer un texte traduit, dans le passage d’une langue à l’autre, dans la
mise en bouche et en scène ? Quels sont les enjeux de la traduction théâtrale et de la pratique théâtrale menée à partir
d’une traduction ?
Cet atelier propose, d’une part, une réflexion théorique nourrie par la lecture de textes fondamentaux, et d’autre part, une
expérience pratique et collective à partir d'une pièce de théâtre d'un auteur italien, encore inédite en français : comment
traduire ensemble, à la table, sur le plateau, comment incarner un matériau textuel qui peut être modifié, adapté,
recomposé au fil du travail ?
Si le traducteur se retrouve souvent seul - auprès ou aux prises avec un texte, un auteur, un metteur en scène, un
dramaturge, des comédiens -, notre collectif est l’espace où se joue le passage entre l’être solitaire et l’être solidaire. Loin
des idéalisations naïves d’une telle solidarité, nous prônons la complexité du traduire en collectif, où l’affirmation des
différents sujets ne peut se produire que par la renonciation à une possession individuelle de l’acte et du fruit de la
traduction.
Ici, traducteurs, acteurs, metteurs en scènes, ou passionnés peuvent jouir d’un temps lent, leur permettant de traduire et
retraduire le même texte pendant des mois, de questionner les stratégies d’approche de l’œuvre, son potentiel
dramaturgique, et d’explorer les modes mêmes du fonctionnement du collectif.
Le collectif a déjà deux publications aux PUM (coll. Nouvelles Scènes) à son actif : Bastavamo a far ridere le mosche / On
faisait rire les mouches de Sergio Longobardi (déc. 2013), et In nome del popolo italiano / Au nom du peuple italien de
Matteo Bacchini (juin 2014).
Pour sa troisième année d’existence, le collectif accueille de nouveau italianistes confirmés ou débutants, étudiants du
Master théâtre ou du Master T3L / Traduction du livre, autour d’un nouveau projet de traduction théâtrale et de publication.
Notre travail s'inscrit dans le cadre du programme de recherche pluriannuel Labex Arts-H2H "Traduction(s) collective(s)".
Plus
de
renseignements
sur
les
pages
web
du
collectif
:
http://collaborativetranslation.labex-arts-h2h.fr/fr/content/la-langue-du-bourricot-0
Une inscription préalable par mail est obligatoire : [email protected]
Une bibliographie sur les questions de traduction théâtrale sera distribuée en cours.
D'ARIA Luigi
Régies pour le spectacle (lumière, son, vidéo)
1er semestre
Intensif
intitulé UE
E.C. Intensif 15:00 - 21:00
Salle Amphi IV
code UE
Développement
D100
code apogée
0 ECTS
Appréhender les différentes régies (son, lumière et vidéo) du spectacle vivant et les règles de sécurité à respecter pour
l'accueil du public et le montage des installations techniques. Objectif: être autonome et capable de manipuler
l'équipement son, lumière et vidéo de l'amphi 4 ; comprendre les plans et fiches techniques des salles de théâtre et avoir
des bases pour réaliser ses propres fiches techniques, ses conduites et pouvoir dialoguer avec les professionnels
techniques. Cours intensif du 2 au 7 février 2015.
Alain Roy, Dictionnaire raisonné et illustré du théâtre à l'italienne, actes sud - papiers, 1992. Michel Ladj, le lexique de la
scène, éditions AS, collection scéno +, 1998, Paris. Geoffrey Budworth, le livre des noeuds, éditions De Vecchi, 1993,
Paris. Lionel haidant, guide pratique de la sonorisation, Dunod, 2006, Paris. Paul White, le son live, Editions Eyrolles,
Paris, 2001. Francis Reid, Pratique de l'éclairage scénique, Editions Eyrolles, 2000, Paris.
COURS EXTERIEURS
cours extérieurs
1er semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
code UE
10 ECTS
Salle
STAGE INSERTION EN
MASTER
1er semestre
Calendrier spécial
Développement
D100
code apogée EN5WSTPA
stage insertion en master lie au projet de
l'etudaint
intitulé UE
code UE
EN5WSTPA
ECTS
Salle
BUCHVALD Claude
code apogée
PRATIQUES ET ECRITURE.
2nd semestre
intitulé UE
Lundi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
M200
code apogée
EN5WPREA
ECTS
Nous nous interrogerons sur la mise en chantier de la recherche, la formulation du sujet, sa nécessité ; comment maintenir
des liens très concrets entre les arts de la scène, leurs pratiques, et l’écriture. Nous ferons en sorte que chacun se situe le
plus clairement possible par rapport au sujet choisi et son propre engagement, et qu'il ouvre des voies vers de nouveaux
champs d'investigation, méthodiquement. Nous mettrons des propositions d'expérimentation pratique à l'épreuve du
plateau.Nous axerons nos travaux sur les écritures contemporaines.
MOINDROT Isabelle
Le spectaculaire scénique au 19e siècle
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 15:00 - 18:00
Salle A1-169 Studio
code UE
Séminaire méthode
M100
code apogée EN5WIMAA
10 ECTS
Représenter Paris et son histoire sur les scènes théâtrales.
En se dégageant des catégories dramatiques du théâtre classique, le 19e siècle a développé une nouvelle manière
d’appréhender la scène, soucieuse de réalisme, mais aussi de plus en plus sensible à l’émotion visuelle et aux effets
spectaculaires. Dans le même temps, Paris devient une métropole des spectacles, vers laquelle convergent de nombreux
artistes européens, et elle se voit elle-même représentée sur les théâtres, dans ses monuments, ses foules et ses types,
mais aussi dans son histoire. A travers l’étude d’œuvres variées, tirées des répertoires parlés et chantés, mettant en scène
la grande histoire de la capitale, mais aussi les réalités de l’époque (le développement du commerce et de l’industrie, la
misère sociale et la montée des mouvements sociaux, les progrès de la société des plaisirs, l’émancipation de la condition
féminine, la destruction du « vieux Paris » et les grands travaux haussmanniens), on s’aventurera dans cette histoire en
miroir de la ville et de la scène, qui a contribué à répandre l’image de Paris, capitale du 19e siècle.
Œuvres étudiées
DUMAS père Alexandre, La Tour de Nesle
SCRIBE Eugène et MEYERBEER Giacomo, Les Huguenots
MEURICE Paul, Paris
HUGO Victor et MEURICE Paul, Les Misérables
PYAT Félix, Le Chiffonnier de Paris
D’ENNERY Adolphe et GRANGE, Les Bohémiens de Paris
POIRSON Martial
2nd semestre
Les théâtres de l’argent : théâtres de crise, crise
du théâtre (1980-2014)
Toutes les semaines
intitulé UE
Lundi 17:00 - 20:00
code UE
T200
code apogée
EN5WPOIR
ECTS
Salle
À partir d’un vaste répertoire de théâtre publié et/ou représenté depuis une trentaine d’années, mais également de
manuscrits reçus par les comités de lecture de différents théâtres, ce séminaire envisage une traversée des écritures
contemporaines francophones qui s’emparent des questions d’argent. Sur les traces d’hommes de théâtre tels que Brecht,
Fo, Koltès, Novarina, Lagarce ou Jouet, un certain nombre de dramaturges se font une spécialité du théâtre de crise, tels
que Vinaver, Py ou Pommerat, mais aussi Bauer, Meyssat, Masséra, Lescot, Tostain, Pereira, Rengade, Mouguel, Galea
ou Fréchette, parmi d’autres. À la croisée des arts du spectacle et des sciences sociales, ce séminaire propose la plongée
dans un théâtre de crise et offre une grille de lecture du sursaut néolibéral de nos sociétés postmodernes, à l’heure du
capitalisme cognitif et attentionnel. Il offre en outre de porter à nouvel examen le redéploiement d’un théâtre politique qui
s’avoue rarement en tant que tel et revendique un art du détour, comme s’il existait une concordance entre crise
économique et crise du drame dans le théâtre postdramatique.
Le séminaire se tiendra à l'INHA lundi 17h-20h, salle Benjamin.
Bibliographie et livret de texte accompagnant le cours communiquée au début du séminaire.
DUBOIS Jérôme
2nd semestre
Étude des pratiques performatives et
spectaculaires
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 12:00 - 15:00
Salle AMPHI A4
code UE
T200
code apogée EN5WPPSA
10 ECTS
Après une définition des fondements de l’ethnoscénologie, de ses principes épistémologiques et méthodologiques, nous
aborderons diverses études de cas de pratiques performatives et spectaculaires, en illustrant par ailleurs comment
celles-ci inspirent ou questionnent les arts du spectacle vivant. Pour valider le séminaire, il sera demandé à chaque
étudiant de rédiger un dossier rendant compte de l’étude d’une pratique performative et spectaculaire de son choix, qu’il
exposera à l’oral.
Cécile Vigour : La comparaison dans les sciences sociales, Guides repères, La Découverte, 2005 ; Jérôme Dubois : La
mise en scène du corps social, Logiques sociales, L’Harmattan, 2007 ; Jérôme Dubois & Dalie Giroux, Les arts
performatifs et spectaculaires des Premières Nations de l’est du Canada, L’Harmattan, 2014 ; Jean-Marie Pradier : La
scène et la terre, questions d’ethnoscénologie, ouvrage collectif, Internationale de l’Imaginaire, numéro 5,(Babel), 1996 ;
Les spectacles des autres, questions d’ethnoscénologie II, ouvrage collectif, Internationale de l’Imaginaire, numéro
15,(Babel), 2001 ; Horizons/Théâtre n°4, Ethnoscénologie, Les incarnations de l’imaginaire, Presses Universitaires de
Bordeaux, 2014.
RAUCH Marie-Ange
Politiques publiques du théâtre depuis 1959
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Mardi 15:00 - 18:00
Salle A0 168
code UE
T200
code apogée EN5WPPTA
10 ECTS
"Les problèmes administratifs (assez minces) réglés, les subventions (assez faibles) accordées, L'Etat vaut pour l'art, ce
que valent ceux qui s'en occupent." André Malraux, Carrefour, 1952.
Après avoir rappelé le modèle de décentralisation dramatique et de service public proposé par Jeanne Laurent après la
seconde Guerre Mondiale, nous évoquerons l'avènement d'un ministère des Affaires culturelles (1959) qui consacre la
reprise du volontarisme d'État et l'implication des collectivités locales dans le financement d'une politique culturelle qui
privilégie l'art dramatique. Quelles sont les valeurs fondamentales, les missions de service public qui fondent le
programme des maisons de la culture au sein desquelles l'art dramatique tient une place singulière et joue un rôle moteur
? Quels accords, quels compromis, mais aussi quels malentendus vont apparaître au fil du temps, du ministère d'André
Malraux à celui de Jack Lang, entre les responsables des troupes de la décentralisation, l'État et les collectivités locales ?
La seconde partie du programme interrogera l’évolution du rapport entre le ministère de la Culture, les collectivités
territoriales et les acteurs du spectacle vivant. Les participants seront amenés à réfléchir et à débattre des enjeux actuels
et de l’avenir des politiques culturelles. La validation du cours s’effectue sur la base d’une participation assidue et active à
toutes les séances et la réalisation d’un exposé écrit, présenté oralement pendant la seconde partie du semestre.
Une bibliographie, des documents et des références d’archives seront distribués pendant le cours.
LÉGERET Katia
2nd semestre
Nouvelles esthétiques en arts du spectacle
vivant
Toutes les semaines
intitulé UE
Mercredi 09:00 - 12:00
Salle AMPHI IV
code UE
T200
code apogée EN5WNEAA
10 ECTS
Comment déplacer certaines frontières culturelles (entre langues et langages, oral et écrit, traduction de textes et
transmission orale, acteur et spectateur, cultures dominantes anglophones et francophones) par la création d’une réflexion
produite conjointement par des chercheurs en littérature et par des artistes sur leur art ? L’Inde contemporaine sera le
creuset de ces échanges, avec la notion de « tradition » revisitée par l’idée de patrimoine immatériel de l’humanité mais
aussi par le théâtre forum, inspiré en Inde par Augusto Boal.
Avec leur approche critique de certaines représentations du corps liées au sacré, au religieux et à la question du genre,
comment ces artistes du spectacle vivant s’expriment-ils en termes de rupture ou de transgression envers certaines
politiques culturelles de la mondialisation ? Quelles nouvelles écritures produisent-ils à cet effet et de quelle « Inde »
s’agit-il ?
Sur leurs scènes poétiques ouvertes à la rue, à l’étranger, à l’architecture urbaine ou au contraire aux espaces restreints,
réservés, virtuels ou invisibles, pourquoi le choix récurrent de textes en morceaux ? Aphorismes, passages transmis
oralement, par cœur et non traduits, mots rythmés dans un souffle ou tus, psalmodiés ou récités intérieurement, textualités
sensibles des corps écrits qui écrivent, des corps dessinés qui dessinent par des gestes ou par des poudres de couleur,
textes déchirés, déconstruits, recomposés grâce à la création d’espaces nomades, interstitiels entre ces
artistes-chercheurs œuvrant sur l’Inde, souvent de passage : quel témoignage du monde présent et quel sens donnent-ils
à ces déplacements inter/intra-sémantiques entre la poésie, la danse, le théâtre, le cinéma, la sculpture, la musique, la
marionnette et la photographie ?
Quels sont actuellement, en Europe, les savoirs revendiqués par les artistes dont la formation préalable s'est d'abord
fondée sur une codification corporelle et culturelle de danseur et d’acteur très spécifique, qualifiée de ''traditionnelle'' ? En
quoi la polysémie du terme performance, ses contextes extra-européens et la variété de ses modèles théoriques
rassemble-t-elle les idées de processus dans l'espace public, de déconstruction post-colonialiste et d'agencement de mots
et de gestes autant poétique que politique ? Nous nous intéresserons à divers procédés et pratiques en danse et théâtre
par lesquels les déplacements de l'artiste « traduisent » certaines formes d'altérité.
Á partir de la confrontation entre les recherches théoriques, le processus de création des masters pratiques et leur
formation professionnelle, nous questionnerons les fondamentaux d'un théâtre indissociable de la danse (le langage
symbolique des mains, la classification des parties du corps en mouvement, le vocabulaire multilinguiste des poèmes et de
ses rythmes), les processus et les méthodes actuelles appliquées par les compagnies implantées en Europe pour
adapter/réécrire/transformer ces éléments codifiés.
Mode de validation : chaque étudiant, à partir de son propre sujet de recherche, analysera de manière approfondie, à la
fois pratiquement et par écrit, l'un des axes de réflexion et d’expérimentation proposés en cours, en particulier sur les
processus créatifs et transculturels liés à la transformation rythmique d’une action ou d’un geste quotidiens tels saluer,
marcher, tomber, tourner, se lever, etc.
Bateson Gregory, Vers une écologie de l’esprit, tomes I et II, Paris, Seuil, 1996.
Bene Carlo, et Deleuze Gilles, Superpositions, éd. de Minuit, Paris, 1979.
Bertolt Brecht, « Théâtre épique, théâtre dialectique », Ecrits sur le théâtre, éd. De J-M Valentin, L'Arche, Paris, 1999.
Boal Augusto, Jeux pour acteurs et non acteurs. Pratique du théâtre de l’opprimé, Paris, La Découverte, 1978.
Bourriaud Nicolas, Radicant, Paris, Denoël, 2009.
Brignone Patricia, Ménagerie de verre, éd. AI Dante, Paris 2006.
Brook Peter, Le diable c'est l'ennui, Paris, éd. Actes Sud, 1991.
Butler Judith, Humain, inhumain, éd. Amsterdam, Paris, 2005.
MAGRIS Erica
Pratiques théâtrales contemporaines
2nd semestre
intitulé UE
Mercredi 12:00 - 15:00
Salle A1-169 Studio
code UE
T200
code apogée EN5WPRAA
10 ECTS
Les phénomènes d’intermédialité et l’influence des nouvelles technologies dans le théâtre contemporain ont fait l’objet de
nombreuses études portant essentiellement sur les formes et esthétiques de la scène. Dans ce séminaire, nous proposons
au contraire de les aborder de la perspective des pratiques et d’interroger les mutations que les médias contribuent à
engendrer dans la création théâtrale. De plus en plus d’artistes qui revendiquent une appartenance au milieu du théâtre ou
bien sont actifs dans les institutions théâtrales élargissent leur champ de création, en ne se consacrant pas seulement à la
production de spectacles, mais en travaillant sur des réalisations organiques ou modulaires de projets artistiques
composés de plusieurs étapes comprenant des spectacles, des installations, des vidéos, des concerts, des publications,
des sites Internet dédiés, ou bien en transférant l’événement théâtral dans d’autres contextes médiatiques, ou encore en
s’inspirant de formats audiovisuels. Ainsi, les rôles du metteur en scène et de ses collaborateurs d’une parte, et les
relations des artistes avec les institutions et avec les publics se transforment. Dans le séminaire, on questionnera les
enjeux multiples de ces modalités de création en construisant ensemble un corpus d’exemples significatifs, dont on
analysera les conditions matérielles de production et diffusion, les spécificités esthétiques et les contextes de réception.
2nd semestre
Acteurs en création 1 : les joueurs, sur scène et
pour la caméra
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 09:00 - 15:00
Salle ARTA
code UE
Séminaire méthode
M200
code apogée EN5WGASA
10 ECTS
L’heure n’est plus au prétendu conflit entre théâtre et cinéma, entre scènes et écrans.
Initialement formés dans les écoles de théâtre, nombreux sont les acteurs qui non seulement alternent pratiques
cinématographiques, télévisuelles, et théâtrales, mais sont amenés à combiner différents langages et outils au cours du
même spectacle. Si, au début du XXème siècle, l’acteur dut apprendre à distinguer jeu avec quatrième mur et sans
quatrième mur pour au moins savoir maîtriser l’un ou l’autre, aujourd’hui, l’articulation des registres et la combinaison des
outils ont complexifié les savoir-faire.
Alors que l’expérience du spectateur s’est affinée, enrichie de la possibilité d’entrelacer relation intime, mise à distance et
perception kaléidoscopique du plateau, l’acteur peut passer du jeu en présence de témoins, au jeu pour le public, du jeu
par ou pour la caméra au jeu avec les caméras quand l’un d’entre eux devient opérateur, ou quand chacun est doté de
capteurs ou encore quand il s’agit de manipuler différents outils technologiques… Or il ne s’agit pas de tout confondre : il
faut pouvoir discerner la spécificité de ce qui est mis en œuvre à chaque moment pour passer d’un mode de jeu à un
autre.
Nous procéderons ainsi par expérimentations, débriefings et retours analytiques, en posant les jalons d’une formation axée
sur les passages ou combinaisons entre scènes et écrans, qui conduiront à l’élaboration de protocoles d’entraînements
aptes à mieux répondre aux compétences qu’ensemble nous aurons identifiées.
D’autre part, dans la mesure où pourra se concrétiser en 2015 une collaboration entre les mondes du théâtre et de la
médecine en cours d’élaboration, nos recherches pourront également s’associer à l’élaboration d’un programme
pédagogique destiné à la formation des internes, avant leurs premières responsabilités hospitalières, fondé sur la
simulation, et la mise en jeu de situations. (Par exemple, pour mettre en place des exercices d'annonce : annonce de
diagnostic, d'aggravation, d'évènement indésirable lié aux soins, de décès… Exercices difficiles et importants, auxquels les
soignants sont peu préparés, et dont la mise en place pourrait bénéficier de la contribution des acteurs, qui joueraient des
patients ou leurs personnes de confiance, la vidéo permettant ensuite d’analyser dans le détail les échanges, conduites et
réactions, à travers les comportements, paroles, gestes, silences…
- Ushio Amagatsu, Dialogue avec la gravité, Actes Sud, 2000. - Eugenio Barba, Nicolas Savarese, L’énergie qui danse,
L’entretemps, 2007. - Lyne Bansat-Boudon, Poétique du théâtre indien, lectures du Natyasastra, Ecole Française
d’Extrême-Orient, 1992. - Alain Berthoz, Le sens du mouvement, Odile Jacob, 1997. - Alain Berthoz, L’empathie, Odile
Jacob, 2004. - Boris Cyrulnik, De chair et d’âme, Ed. France Loisirs, 2007. - Alain Corbin, Jean-Jacques Courtine, Georges
Vigarello, Histoire du Corps ; 3.Les Mutations du regard, Seuil, 2006. - Antonio R. Damasio, Le Sentiment même de soi,
Corps, émotions, conscience, Odile Jacob, 2002. - Antonio R. Damasio Spinoza avait raison. Joie et tristesse, le cerveau
des émotions, Odile Jacob, 2002. - Jean-François Dusigne, L’acteur naissant, la passion du jeu, Editions théâtrales, Paris,
2008- Jean-François Dusigne, Les Passeurs d'expérience, éditions théâtrales, 2013. Mosche Feldenkrais, la conscience
COUTELET Nathalie
Formation de l’acteur et transformation scénique
2nd semestre
Toutes les semaines
intitulé UE
Jeudi 12:00 - 15:00
Salle A1-169
code UE
M200
code apogée EN5WFATS
10 ECTS
Dès la fin du XIXe siècle, sous l’impulsion d’une réforme scénique enclenchée par des hommes tels qu’Antoine,
Stanislavski, Paul Fort ou Lugné-Poe, émerge une contestation de la formation traditionnelle de l’acteur. Nombre de
metteurs en scène proposent alors une réflexion théorique, des ateliers, des écoles, destinés à inculquer un nouvel art de
l’acteur, pensé en fonction de leurs principes scéniques. Stanislavski, Gémier, Copeau, Dullin, Meyerhold, Jouvet,
Piscator, par exemple, constatent l’urgent besoin d’acteurs non formatés – « déformés » disait Gémier – par les
enseignements classiques, mais, au contraire, aptes à se mettre au service des nouvelles esthétiques dramaturgiques et
scéniques.
La découverte d’autres formes spectaculaires, en particulier extra-occidentales, innerve la façon dont ces créateurs
conçoivent le nouvel art de l’acteur, qui se tourne notamment vers le corps, expérimente la stylisation et les codes, le
masque, l’improvisation, etc. Certains metteurs en scène recourent à des acteurs amateurs, à des artistes non acteurs –
issus du music-hall, du cirque, de la danse – pour rénover le jeu et lui insuffler cette diversification des capacités,
inculquée dans les écoles et ateliers (Ecole du Vieux-Colombier, Ecole Dullin, Atelier expérimental de Meyerhold, Ecole de
la Comédie-Montaigne, cours de Jouvet, Institut Jaques-Dalcroze, etc.)
Il s’agit donc de parcourir la contestation de l’enseignement traditionnel et les techniques forgées pour répondre aux soucis
de rénovation du théâtre, de lier formation de l’acteur et transformation du spectacle, en particulier de la mise en scène.
Bibliographie
Aslan Odette, Acteur au XXe siècle : éthique et technique, Montpellier, L’Entretemps, coll. « Les voies de l’acteur », 2008.
Brecht Bertolt, Nouvelle technique de l’art dramatique. Ecrits sur le théâtre, Paris, L’Arche, 1972.
Copeau Jacques, Registres VI- L’Ecole du Vieux-Colombier, Paris, Gallimard/NRF, coll. « Pratique du théâtre », 2000.
Féral Josette, Les Chemins de l’acteur. Former pour jouer, Editions Québec Amérique, 2001.
Jaques-Dalcroze Emile, Méthode Jaques-Dalcroze, Paris, Perrin, 1906.
Jouvet Louis, Le Comédien désincarné, Paris, Flammarion, coll. « Champs », 2009.
L’Ecole du jeu. Former ou transmettre… les chemins de l’enseignement théâtral, ouvrage coordonné par Josette Féral,
STAGE INSERTION EN
MASTER
2nd
semestre
Calendrier spécial
stage insertion en master lie au projet de
l'etudaint
intitulé UE
code UE
Salle
code apogée
ECTS
EN5WSTPA

Liste des enseignements Etudes théâtrales 2014-2015

Transcription

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