Présentation des artistes et des compositeurs par spectacle

Présentation (non-exhaustive) des interprètes et des
compositeurs des concerts proposés
Biographies rédigées par le Créa/Nantes
America : Une belle rencontre, Gershwin et Rachmaninov
Orchestre SINFONIA VARSOVIA
En avril 1984, Yehudi Menuhin est invité par l'Orchestre de Chambre Polonais en tant que soliste et chef d'orchestre.
L'orchestre agrandit alors sa formation et reçoit un accueil enthousiaste du public et des critiques. La formation prend
alors le nom de Sinfonia Varsovia.
D'une haute exigence artistique, l'orchestre interprète un répertoire extrêmement vaste qui lui vaut d'être dirigé par les
plus grands chefs tels Claudio Abbado, Emmanuel Krivine, Paul McCreesh, Michel Plasson ou encore Mstislav
Rostropovich et d'accompagner d'éminents solistes comme Martha Argerich, Teresa Berganza, Placido Domingo,
Anne-Sophie Mutter, Maxim Vengerov et bien d'autres.
Il est invité dans les principaux festivals et salles de concert du monde entier. Enregistrant sous plusieurs labels,
l'orchestre possède une discographie déjà riche de plus de 200 titres dont beaucoup ont reçu des récompenses
prestigieuses.
En 2000, Franciszek Wybranczyk crée la Fondation Sinfonia Varsovia qui contribue à la promotion des compositeurs
polonais, et organise le Festival Sinfonia Varsovia To Its City. Les activités artistiques de l'ensemble, soutenues par
POLSERVICE Patent & Trademark Attorneys Office, BANK BPH et par la ville de Varsovie, accordent une attention
particulière aux Folles Journées et aux projets de René Martin ; l'orchestre a d'ailleurs contribué à l'organisation d'une
Folle Journée à Varsovie en juin 2010 pour fêter le bicentenaire de la naissance de Chopin, projet reconduit en 2011
avec "Les Titans". Faisant suite à Krysztof Penderecki - directeur musical de l'orchestre en 1997, puis directeur
artistique en 2003 -, Marc Minkowski a été le directeur musical de l'orchestre entre 2008 et 2012.
JEAN-JACQUES KANTOROW direction
D'origine russe, Jean-Jacques Kantorow est né à Cannes où il commence à étudier le violon. A l'âge de 13 ans, il
entre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris pour en ressortir un an plus tard, couronné d'un
Premier Prix de violon. Lauréat en tant que soliste d'une dizaine de prix internationaux, dont le Premier Prix Carl Flesh
à Londres, le Premier Prix Paganini à Gênes et le Premier Prix du Concours International de Genève, il forme avec le
pianiste Jacques Rouvier et le violoncelliste Philippe Muller un trio qui remporte le Premier Grand Prix du Concours de
Musique de Chambre de Colmar en 1970.
Jean-Jacques Kantorow mène aujourd'hui une brillante carrière internationale, qui l'amène à se produire en tant que
violoniste - Glenn Gould a dit de lui qu'il "est un grand du violon, un talent époustouflant, le violoniste le plus
prestigieusement original de cette génération" - et en tant que chef d'orchestre - il a à ce jour dirigé nombre de
formations prestigieuses - sur les plus grandes scènes du monde. Jean-Jacques Kantorow a enregistré plus de 160
disques en tant que soliste et en tant que chef pour de grandes maisons de disques au nombre desquelles Denon,
EMI, Erato ou CBS, dont beaucoup ont été primés par la critique internationale.
DAVID KADOUCH piano
David Kadouch débute le piano au Conservatoire de Nice, dans la classe d'Odile Poisson. Remarqué très tôt par
Itzhak Perlman, sous la direction duquel il joue à New York, il intègre à 14 ans le CNSMD de Paris, qui lui décerne un
Premier Prix dans la classe de Jacques Rouvier. Poursuivant sa formation auprès de Dimitri Bashkirov à l'École Reina
Sofia de Madrid, il bénéficie aussi des conseils de maîtres tels que Murray Perahia, Maurizio Pollini, Maria Joao Pires
ou Daniel Barenboim, qui l'invite en 2005 à participer à l'enregistrement du DVD "Barenboim on Beethoven" au
Symphony Center de Chicago.
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Finaliste du Concours de Leeds 2009, il est nominé "Révélation Jeune Talent' aux Victoires de la Musique 2010 et
"Young Artist of the Year" aux Classical Awards 2011.
Invité de festivals tels que La Roque d'Anthéron, Piano aux Jacobins, Verbier ou La Folle Journée de Tokyo, il est un
partenaire privilégié en musique de chambre d'artistes tels que Nikolaj Znaider, Antoine Tamestit, Renaud Capuçon et
de grands quatuors tels Ébène ou Ardeo. Il a par ailleurs accompagné de prestigieuses formations orchestrales parmi
lesquelles l'Orchestre National de Lille et ou le Philharmonique de Monte-Carlo.
Son premier disque, dédié au Concerto "L'Empereur" de Beethoven d'après un récital live aux côtés de la
Philharmonie de Cologne, est paru en 2007 sous le label Naxos ; trois nouveaux disques sont parus depuis : une
intégrale des Préludes de Chostakovitch, un disque Schumann avec le Quatuor Ardeo, et un dernier album regroupant
des œuvres de Moussorgski, Medtner et Taneïev, paru chez Mirare à l'occasion de La Folle Journée 2012.
Parmi ces engagements de la saison 2012-2013, citons ses débuts avec l'Orchestre Philharmonique de Radio France
et Myung-Whun Chung, ainsi qu'avec le BBC Symphony Orchestra et Mark Minkowski au Barbican à Londres.
ORCHESTRE PHILHARMONIQUE DE L'OURAL
Basé à Ekaterinbourg, capitale de la région de l'Oural, et créé en 1936 par M. Pavermann auquel succèderont V.
Kozhin, A. Chistyakov et A. Boreiko, l'Orchestre Philharmonique de l'Oural s'affirme comme l'un des meilleurs
orchestres symphoniques de Russie. Accueillant plus d'une centaine de musiciens issus pour la plupart du
Conservatoire d'Etat de l'Oural, et dirigé depuis 1995 par D. Liss, il joue un rôle majeur dans la vie musicale de la
région et de sa ville de résidence.
Après des dizaines d'années passées derrière le "rideau de fer", l'orchestre est désormais connu du monde entier,
présentant chaque année près de 70 programmes et plus de 100 concerts en Russie et à travers le monde. Invité
chaque année depuis 2010 par V. Gergiev au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, l'orchestre participe aussi
régulièrement à de prestigieux festivals - Festival de musique contemporaine de Zagreb, Europalia Russia, La Roque
d'Anthéron, Les Folles Journées, ainsi que Crescendo et Arts Square.
Il collabore avec les plus grands solistes - M. Rostropovich, B. Berezovsky, D. Matsuev, F. Kempf, N. Lugansky, Y.
Bashmet, V. Repin, S. Krylov... - et chefs actuels comme V. Fedosseïev, D. Kitaenko, J.-C. Casadesus, F.
Mastrangelo, D. Raiskin... Interprétant toutes les œuvres significatives de Russie et d'Europe de l'Est, l'orchestre se
consacre également aux œuvres contemporaines des compositeurs les plus renommés du XXe siècle. Il a enregistré
une vingtaine de disques chez Warner Classics International et Mirare.
DMITRI LISS direction
Formé par D. Kitaenko puis diplômé du Conservatoire de Moscou, Dmitri Liss devient le chef principal de l'Orchestre
Symphonique de Kuzbass en 1991 et par la même occasion le plus jeune chef titulaire de Russie.
Lauréat du prestigieux Prix de la Nation de Russie en 2008, il s'était déjà par le passé distingué en remportant le
Premier Concours des jeunes chefs d'orchestre de Zagreb (1995) ; la même année, il est nommé directeur artistique
et chef principal de l'Orchestre Philharmonique de l'Oural. Entre 1997 et 1999, il est chef principal "russe" de
l'American-Russian Young Orchestra, puis de 1999 à 2003, chef associé de l'Orchestre National de Russie.
Salué comme l'un des meilleurs chefs de sa génération, il est régulièrement appelé à diriger des orchestres russes
ainsi que de grandes formations internationales. Au gré des concerts, il a eu l'occasion de travailler avec des
musiciens d'exception comme M. Rostropovitch, M. Pletnev, G. Kremer, Y. Bashmet, S. Mintz, N. Gutman, ou encore
P. Donohoe, notamment lors de ses invitations régulières au sein de festivals de réputation mondiale.
Pour Warner Classics, il a enregistré six disques dont les Symphonies n°6 et 10 de Miaskovsky et les concertos pour
piano de Tchaïkovsky et Khatchaturian avec B. Berezovsky. Avec Mirare, il a enregistré la Symphonie n°6 et
Francesca da Rimini de Tchaïkovsky, Shéhérazade de Rimski-Korsakov, l'intégrale des concertos de Rachmaninov et
dernièrement, le Concerto n°2 de Brahms avec B. Berezovsky.
BORIS BEREZOVSKY piano
Boris Berezovsky bénéficie d'une remarquable réputation de pianiste virtuose, doté d'une finesse et d'une sebilité
uniques. Élève d'Elisso Virsaladze au Conservatoire de Moscou, sa ville natale, et d'Alexander Satz, dont il suit
parallèlement les cours, il remporte bientôt la Médaille d'Or du Concours International Tchaïkovski.
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Jouant en soliste avec les plus grands orchestres - Philharmonique de Londres, Symphonique de Berlin, Orchestre de
la Suisse romande, Orchestre National de France, Staatskapelle de Dresde -, il est aujourd'hui l'invité en récital de
séries de concerts et de salles prestigieuses au nombre desquelles la Philharmonie de Berlin, le Concertgebouw
d'Amsterdam, le Konzerthaus de Vienne, le Théâtre des Champs-Élysées ou l'Auditorium du Louvre.
Passionné de musique de chambre, il partage la scène avec des artistes tels que D. Makhtin, A. Kniazev ou V. Repin,
avec lesquels il se produit dans de nombreux festivals européens tels Verbier, Salzbourg ou La Roque d'Anthéron.
Embrassant un vaste répertoire, sa discographie a reçu de multiples récompenses de la presse spécialisée. Parmi ses
nombreux enregistrements, citons son intégrale des Concertos de Beethoven avec l'Orchestre de Chambre de Suède,
les Études transcendantes de Liszt et ses disques Chopin, Schumann, Moussorgski, Balakirev, Medtner et Ravel. Un
DVD est également paru, de pièces de musique de chambre de Tchaïkovsky, avec D. Makhtin et A. Kniazev, qui a
obtenu un Diapason d'Or en 2004. Boris Berezovsky a par ailleurs gravé chez Mirare plusieurs disques Rachmaninov,
un disque Saint-Saëns en compagnie d'Henri Demarquette, de Brigitte Engerer et de l'Orchestre de Paris, et un CD
Liszt enregistré en public au Royal Albert Hall de Londres et à La Grange de Meslay. Ses deux derniers
enregistrements consacrent Brahms, avec le 2ème Concerto et un album de pièces à quatre mains avec Brigitte
Engerer.
Compositeurs
GEORGE GERSHWIN (1898-1937)
Né à Brooklyn de parents juifs émigrés de Russie, le jeune George Gershwin est un enfant élevé au contact de la rue.
Il fait ses premières armes sur le piano familial acheté pour son frère aîné Ira, suit des cours avec Charles Hambitzer,
étudie la théorie et l'harmonie avec Edward Kilenyi, avant de trouver, à l'âge de seize ans, un poste de démonstrateur
de chansons chez un éditeur de Manhattan. Il y fait la connaissance de personnalités du show-biz, comme Fred
Astaire qui deviendra son ami, et découvre les compositeurs Jerome Kern et Irving Berlin.
En 1919, le célèbre chanteur Al Jolson reprend sa chanson Swanee, ce qui le propulse sur le devant de la scène et
marque le début d'une fulgurante carrière internationale. Il créé sa Rhapsody in Blue en 1924, son Concerto en fa
l'année suivante, les comédies musicales Funny Face en 1927 et Of Thee I Sing en 1932 qui reçoit le Prix Pulitzer.
En 1934, il prend la décision de composer une "œuvre sérieuse", un véritable opéra américain : son chef-d'œuvre
Porgy and Bess est créé un an plus tard. Reconnu aussi bien pour ses succès de Broadway que pour ses œuvres de
facture plus classique comme ses Préludes pour piano, George Gershwin meurt en 1937 au faîte de sa gloire, peu de
temps après avoir signé un contrat avec les studios RKO à Hollywood.
SERGUEÏ RACHMANINOV (1873-1943)
Rachmaninov étudie au Conservatoire de Moscou avec notamment Taneïev et Arenski, et mène rapidement une très
brillante carrière de pianiste virtuose.
Encouragé par Tchaïkovski à la composition, il cesse toutefois de composer pendant trois ans suite à l'échec de sa
première symphonie en 1897. Lors de la période 1901-1917, Rachmaninov compose ses plus grandes œuvres,
notamment ses pièces pour piano seul et ses deuxième et troisième concertos pour piano, ainsi que ses deux
magnifiques cycles de musique religieuse, la Liturgie de saint Jean de Chrysostome et les Vêpres.
Il quitte la Russie en 1917 et vivra dans plusieurs pays avant de s'établir définitivement aux États-Unis, où il
composera encore quelques très belles œuvres. Rachmaninov est toujours resté nostalgique de sa Russie natale ;
son œuvre est empreinte d'un grand souffle lyrique et reste attachée au romantisme de Chopin, Liszt ou encore
Tchaïkovski. Si son style, toujours fidèle au système tonal, est bien moins progressiste que celui de nombre de ses
contemporains (son deuxième concerto est composé 7 ans après le Prélude à l'après-midi d'un faune de Debussy, 12
ans seulement avant Le Sacre du Printemps de Stravinsky !), Rachmaninov n'en possède pas moins une écriture tout
à fait originale ; son apport au répertoire pianistique notamment est absolument incontournable.
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America : Multiples visages de la musique chorale américaine
ENSEMBLE VOCAL LAUSANNE
Fondé en 1961 par Michel Corboz, l'Ensemble Vocal Lausanne (EVL) est composé d'un noyau de jeunes
professionnels que rejoignent, en fonction de l'œuvre interprétée, des choristes de haut niveau, l'ensemble aborde un
répertoire très large, des débuts du baroque (Monteverdi, Carissimi...) jusqu'au XXe siècle (Poulenc, Honegger,
Sauguet, Schnittke...).
Régulièrement invité à l'étranger, notamment en Europe et au Japon, il est toujours accueilli par un public
enthousiaste. Invité de l'Orchestre de Chambre de Lausanne et de l'Orchestre de la Suisse romande, il collabore
également avec le Sinfonietta de Lausanne, les Cornets noirs, le Sinfonia Varsovia ou le Quatuor Sine Nomine.
L'Ensemble Vocal de Lausanne travaille aussi avec son propre orchestre : l'Ensemble Instrumental de Lausanne, qui
joue suivant le répertoire choisi sur instruments anciens ou modernes. Invité des festivals d'Ambronay, de Fontevraud
ou de La Chaise-Dieu, il se produit régulièrement aussi à La Folle Journée - à Nantes et en région Pays de Loire, mais
aussi à Bilbao, Tokyo et Varsovie.
L'imposante discographie de l'EVL - une centaine de disques chez Erato, Cascavlle, Aria Music, Avex ou Mirare) - lui
confère une réputation mondiale. Citons parmi une trentaine d'enregistrements primés, les Requiem de Mozart et de
Fauré, qui ont obtenu chacun un "Choc"du Monde de la Musique, et le Requiem de Gounod, récompensé en 2011
d'un "Choc" de Classica. Son dernier opus, Le Miroir de Jésus d'André Caplet, est paru en janvier 2013.
NICOLAS FARINE direction
D'abord pianiste et trompettiste, formé dans le canton de Neuchâtel puis à l'Université de Montréal où il a obtenu un
doctorat, Nicolas Farine s'est perfectionné en direction d'orchestre aux États-Unis, au Canada et en Autriche auprès
de maîtres tels Otto-Werner Muller, Salvador Mas Conde et Charles Bruck.
Il s'est produit en Europe ainsi qu'en Amérique du Nord et du Sud, dirigeant entre autres l'Orchestre National de la
Radio Roumaine, l'Ensemble Symphonique de Neuchâtel, l'Orchestre international de Genève, la Philharmonie
Nationale d'Ukraine, ou l'Ensemble Le Moment Baroque, dirigeant notamment Julia Migenes, Nemanja Radulovic ou
Jean-Marc Luisada.
Également passionné d'opéra, il dirige aussi bien Gluck, Mozart et Gounod que des créations contemporaines,
collaborant avec les metteurs en scène Robert Bouvier, Gino Zampieri, Stefan Grogler, François Racine, Anne-Cécile
Moser et Cédric Dubois. Ses prochains engagements le conduiront à Moscou, à Antibes, à Kiev, à l'Opéra de
Bordeaux, au Holland Festival d'Amsterdam et à Adélaïde en Australie.
Outre ses activités de chef, Nicolas Farine est depuis de nombreuses années professeur de piano, de chant, de
musique de chambre et de direction de chœur dans plusieurs institutions musicales de Genève et Neuchâtel. Il est
fondateur et directeur artistique, avec le compositeur suisse François Cattin, de la Jeune Opéra Compagnie, où il
dirige les productions d'opéra et le chœur professionnel Les Voix.
Compositeurs
ERIC WHITACRE (né en 1970)
Eric Whitacre commence sa formation musicale à l'Université du Nevada à Las Vegas, où il étudie la composition avec
Virko Baley et la direction de chœur avec David Weiller. Il intègre ensuite la Juilliard School et devient l'élève de John
Corigliano et David Diamond.
Il commence lui-même à composer à l'âge de 21 ans. Il est aujourd'hui l'un des compositeurs contemporains les plus
interprétés et un chef qui se produit partout dans le monde. Ses œuvres, majoritairement écrites pour chœur ou
orchestre, ont été composées pour des formations prestigieuses telles The Tallis Scholars, les BBC Proms, le London
Symphony Orchestra and Chorus, le Berlin Rundfunkchor ou encore The King's Singers.
Sous contrat d'exclusivité avec Decca depuis 2010, il a enregistré plusieurs disques acclamés par la critique et
plébiscités par le public. Il a fondé son propre ensemble, les "Eric Whitacre Singers" en 2011. Il est actuellement
compositeur en résidence au Sidney Sussex College de l'Université de Cambridge.
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America : Aux racines du jazz, le blues
BARBARA HENDRICKS soprano
accompagnée de Matthias Algotsson piano et Max Schutz guitare
Citoyenne suédoise née aux États-Unis, dans l'Arkansas, Barbara Hendricks a obtenu sa Licence de musique à la
Juilliard School of Music, où elle est l'élève de la mezzo-soprano Jennie Tourel. Elle avait obtenu auparavant, à l'âge
de vingt ans, sa licence de mathématiques et chimie à l'Université de Nebraska.
C'est en 1974 que Barbara Hendricks fait ses débuts sur scène aux États-Unis et en Europe, pour se produire ensuite
sur toutes les scènes les plus importantes à travers le monde et sous la direction des plus grands chefs - Herbert von
Karajan, Leonard Bernstein, Carlo Maria Giulini...
Elle compte aujourd'hui parmi les artistes les plus aimés et les plus respectés dans le monde. Considérée comme
l'une des plus éminentes et des plus actives concertistes de sa génération, elle est accompagnée en récital, en
musique de chambre comme lors d'enregistrements par les plus grands pianistes de notre temps. En 1994, elle a fait
ses débuts au Festival de Jazz de Montreux, et depuis participe régulièrement à des festivals de jazz de renommée
internationale.
Barbara Hendricks a vendu plus que 14 millions de disques, avec près de cent titres à son actif enregistrés chez Sony,
Decca, Deutsche Grammophon et EMI. Depuis 2006, elle enregistre exclusivement pour son propre label, Arte Verum.
Ardente défenseur des Droits de l'Homme, elle travaille depuis 1987 comme Ambassadeur de Bonne Volonté pour le
Haut- Commissariat des Nations-Unies pour les réfugiés (UNHCR). Fin 1991 et 1993, elle donne, dans l'exYougoslavie alors dévastée par la guerre, deux concerts de solidarité à Dubrovnik et Sarajevo, et crée en 1998 la
Fondation Barbara Hendricks pour la Paix et la Réconciliation afin de personnaliser sa lutte pour la prévention des
conflits dans le monde et d'encourager la paix. Le Haut-Commissariat aux Réfugiés l'a nommée en 2007
Ambassadeur à vie.
www.barbarahendricks.com
America : Les plus beaux negro-spirituals
AMERICAN SPIRITUAL ENSEMBLE
Le chœur American Spiritual Ensemble a été créé par Everett McCorvey en 1995. Sa mission est de faire perdurer la
tradition du Negro spiritual américain. Ses membres ont chanté dans les salles et opéras du monde entier
(Metropolitan
Opera, New York City Opera, Houston Grand Opera) mais aussi à l'étranger comme en Italie, Allemagne, Angleterre,
Écosse, Espagne et Japon.
Le répertoire de ce chœur s'étend de l'opéra aux comédies musicales de Broadway en passant bien sûr par les
spirituals. Ses membres sont tous des solistes reconnus ayant ravi les audiences du monde entier par leurs
dynamiques interprétations des spirituals traditionnels, du jazz et des classiques de Broadway, mettant ainsi en relief
l'expérience vécue aux États-Unis par la communauté Noire.
EVERETT MCCORVEY direction
Everett McCorvey est natif de Montgomery en Alabama. Il est diplômé de l'Université d'Alabama, titulaire notamment
d'un Doctorat de Musique.
En tant que ténor soliste, Dr McCorvey a chanté dans les plus grandes salles du monde entier parmi lesquelles le
Kennedy Center de Washington, le Metropolitan Opera de New York, le Festival de Musique d'Aspen dans le
Colorado, le Radio City Music Hall de New York mais aussi en Angleterre, en Allemagne, en Italie, en Espagne, au
Japon, en Chine, en Hongrie, en Pologne, en République Tchèque et en Slovaquie. Pendant l'été, Dr McCorvey
intervient dans le programme de l'Institut d'Études Musicales de Graz en Autriche ainsi que dans le programme
"Intermezzo Opera" de Palm Beach en Floride.
Titulaire d'une chaire de Professeur d'Opéra, Everett McCorvey est directeur du Département "Opéra" de l'Université
du Kentucky située à Lexington. Il a également été le producteur exécutif des cérémonies d'ouverture et de clôture des
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Mondiaux d'Équitation de 2010 qui se sont déroulés en septembre à Lexington. Ces jeux mondiaux sont encore à la
date d'aujourd'hui la plus grande compétition équestre jamais organisée aux États-Unis.
America : “Musique et 7ème art, la magie d’Hollywood”
ORCHESTRE SYMPHONIQUE DIVERTIMENTO
Créé en 1997 par Zahia Ziouani, chef d'orchestre et directrice musicale, l'Orchestre Symphonique Divertimento réunit
aujourd'hui 70 musiciens professionnels issus de Seine-Saint-Denis, de Paris et d'Ile-de-France.
Depuis 2005, il est en résidence à la Ville de Stains et se produit en moyenne lors de quarante concerts par an.
Il propose à son public une programmation artistique originale et ambitieuse allant du répertoire classique à la création
contemporaine et y associe d'éminentes personnalités musicales telles Raphaël Pidoux, Jean-Marc PhillipsVarjabédian, Sophie Koch ou Shani Diluka.
L'orchestre est régulièrement invité à se produire au sein de différentes salles parisiennes et franciliennes parmi
lesquelles la Cité de la Musique, l'Olympia, la Salle Pleyel ou la Basilique Saint-Denis et dans le cadre de
manifestations et évènements de grande renommée comme La Fête de l'Humanité, La Folle Journée de Nantes, Les
Flâneries Musicales de Reims ou Marseille-Provence 2013. Sur le plan international, l'orchestre est depuis 2008
partenaire artistique de l'Orchestre Symphonique National d'Algérie et développe des coopérations avec plusieurs
institutions musicales appartenant à différents pays du pourtour méditerranéen.
Tout au long des saisons 2014 à 2018, il se produira en Algérie, Israël/Palestine, Bosnie-Herzégovine, Maroc, Chypre
et Malte. L'Orchestre Divertimento rayonne auprès de nombreux publics, permettant au plus grand nombre d'accéder
à la musique symphonique. Il mène ainsi de nombreuses actions de sensibilisation, propose à travers son académie
des formations de pratique musicale et participe également à l'encadrement musical du projet de création d'orchestre
de jeunes DEMOS, piloté par la Cité de la Musique.
ZAHIA ZIOUANI direction
Après avoir étudié la direction d'orchestre auprès de Sergiù Celibidache, Zahia Ziouani crée l'Orchestre Symphonique
Divertimento en 1997. Dix ans plus tard, elle est nommée premier chef d'orchestre invitée de l'Orchestre National
d'Algérie. Elle est également chef d'orchestre associée de l'Ensemble Instrumental Densités 93.
Elle se produit régulièrement aux côtés de solistes de renom tels Tedi Papavrami, Xavier Phillips, Déborah Nemtanu
ou Adam Laloum, dans des lieux prestigieux comme la Cité de la Musique, la Salle Pleyel, le Théâtre National d'Alger
ou le Palais Stéphanie de Cannes. Elle a également dirigé de nombreux orchestres à travers le monde.
Très sensible aux problématiques d'accès à la culture de tous les publics, elle se consacre à des actions de
sensibilisation à la musique symphonique et lyrique. Elle est associée à la direction artistique et pédagogique du
projet DEMOS (Dispositif d'Education Musicale à vocation Sociale). Elle est par ailleurs directrice du Festival Classiq'à
Stains. Zahia Ziouani a reçu plusieurs distinctions pour l'ensemble de ses activités : Trophée de la réussite au féminin
en 2006, Premier Prix de Musique d'Algérie en 2007, Chevalier de l'Ordre National du Mérite l'année suivante, puis
Chevalier des Arts et des Lettres en 2012. Elle est également l'auteur d'un ouvrage, La Chef d'Orchestre, paru aux
Éditions Anne Carrière. Un documentaire illustrant son travail artistique de chef d'orchestre a été diffusé sur les
antennes d'Arte, France Télévisions et sur Mezzo.
Compositeurs
ELMER BERNSTEIN (1922-2004)
Né à New York, Elmer Bernstein étudie le piano avec Henriette Michelson. A l'âge de douze ans, cette dernière le
présente à Aaron Copland devant lequel il improvise et qui devient son protecteur.
Dans les années 1950, il débute sa carrière de compositeur pour la télévision, le théâtre et la radio. En 1955, il est le
premier à introduire le jazz au scénario d'un film dans L'Homme au bras d'or. Les succès s'enchaînent par la suite:
l'année suivante, Cecil B. DeMille lui demande d'écrire la musique qui accompagnera Les Dix Commandements, ce
qui lui ouvre les portes d'Hollywood. Après avoir remporté un Oscar pour sa partition du film Millie, réalisé par George
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Roy Hill, il diversifie son activité et s'oriente vers les comédies, notamment Ya-t-il un pilote dans l'avion ? en 1980 et
SOS Fantômes en 1984. L'une de ses œuvres les plus célèbres, parmi un catalogue de plus de 250, reste la bande
originale du western Les Sept Mercenaires.
BERNARD HERRMANN (1911-1975)
Né à New York, le jeune Bernard Herrmann montre très tôt un intérêt pour la musique et remporte un prix de
composition à l'âge de treize ans seulement. Il étudie la composition et l'orchestration avec Philip James et Percy
Grainger à l'Université de New York, se lie d'amitié avec Aaron Copland puis devient l'élève de Bernard Wagenaar et
Albert Stoessel à la Juilliard School.
Il fait ses débuts de chef d'orchestre à Broadway alors qu'il est encore étudiant et fonde son propre orchestre à vingt
ans. Sa carrière prend un tournant important en 1933 lorsqu'il commence à travailler pour CBS (Columbia
Broadcasting System) ; au fil des ans, il s'implique de plus en plus dans les activités de la radio et propose ses
propres émissions où il défend notamment les œuvres de Charles Ives.
Sa collaboration avec Orson Welles, qui débute par l'adaptation radiophonique de La Guerre des mondes, trouve son
apogée en 1941 dans le film Citizen Kane. L'année 1955 marque le début du travail de Bernard Herrmann avec Alfred
Hitchcock, marqué par d'immenses succès comme Sueurs Froides, La Mort aux Trousses ou Psychose. Les deux
hommes se brouillent finalement en 1966 et le compositeur part s'installer à Londres. Il termine sa carrière en écrivant
pour "le nouvel Hollywood", François Truffaut, Brian De Palma ou Martin Scorsese.
Sa musique se caractérise par un usage régulier de la dissonance et de l'ostinato, l'emploi d'instruments inhabituels
dans l'orchestre et des structures harmoniques souvent minimalistes et hypnotiques.
HENRY MANCINI (1924-1994)
Compositeur prolifique de musiques de films, Henry Mancini a réussi à faire entrer nombre de ses thèmes dans
l'inconscient collectif. Né dans une famille d'origine italienne, il intègre en 1942 la prestigieuse Julliard School of Music
de New York. Ses études interrompues par la guerre, il trouve à son retour une place de pianiste dans l'orchestre de
Glenn Miller, et propose dans le même temps ses services en tant que compositeur aux studios de cinéma, qui lui
confient rapidement les partitions de films importants tels que Touch of Evil d'Orson Welles (1956) ou la série télévisée
Peter Gunn (1960), immortalisée par son thème légendaire.
Savoureux mélange de jazz big band et d'orchestre moderne, le style bien particulier de Mancini séduit producteurs et
réalisateurs ; les commandes s'enchaînent, de Breakfast at Tiffany's, porté par la fameuse chanson "Moon River' et
qui reçoit cinq Grammy Awards et deux Oscars, au film d'aventures Hatari ! avec John Wayne, dont le thème "Baby
Elephant Walk" a été maintes fois repris, tout comme le sera bientôt le célèbre motif de saxophone de La Panthère
rose, qui va lui aussi faire le tour du monde.
Parmi les grands succès du compositeur, citons encore les musiques des films The Party (1968) et Victor, Victoria de
Blake Edwards (1982). Récompensé de vingt Grammy Awards et de quatre Oscars, Mancini se mesure à la fin de sa
vie au film de science-fiction avec Lifeforce (1985), l'une de ses dernières œuvres marquantes ; suivront encore la
musique du dessin animé Tom et Jerry et, la même année (1992), un hommage à Fred Astaire et Ginger Rogers avec
le film Top Hat.
JOHN WILLIAMS (né en 1932)
Ce compositeur, chef d'orchestre et pianiste américain est principalement connu pour ses musiques de films.
Compositeur attitré de Steven Spielberg, il a composé au cours de sa longue carrière un grand nombre des plus
célèbres musiques de films de l'histoire d'Hollywood, notamment les sagas Star Wars et Indiana Jones, Superman,
E.T. l'extra-terrestre, Jurassic Park et les trois premiers films de la série Harry Potter.
Maintes fois récompensé - 5 Oscars et 49 nominations, 21 Grammy, 4 Golden Globes... -, il a composé également, à
la demande de grands orchestres, de nombreuses œuvres "classiques" parmi lesquelles un Concerto pour cor pour le
Chicago Symphony Orchestra, un Concerto pour violoncelle à l'attention de Yo-Yo Ma avec le Boston Symphony
Orchestra, et un Concerto pour basson à l'occasion des 150 ans du New York Philharmonic. Il a lui-même dirigé le
Boston Pops Orchestra de 1980 à 1993.
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America : Mythique Route 66
SHANI DILUKA piano
Entre ses deux cultures, occidentale et orientale, Shani Diluka mène une carrière internationale, défendant un
répertoire
vaste dans un constant souci de transmission et d'exigence hérité des grands penseurs de la musique - de Schnabel à
Kempff, auquel son jeu est souvent comparé.
Invitée de salles prestigieuses - Concertgebouw d'Amsterdam, Salle Pleyel, Théâtre de La Fenice -, elle fait l'affiche
de festivals de grand renom tels La Roque d'Anthéron, La Folle Journée de Tokyo ou le Festival de Zubin Mehta à
Bombay.
Après de brillantes études couronnées par un Premier Prix à l'unanimité au CNSMD de Paris, elle est remarquée par
de grands maîtres comme Leon Fleisher, Maria Joao Pires, Menahem Pressler ou Murray Perahia, qui l'invitent à
travailler auprès d'eux. Elle intègre également la très prestigieuse Fondation de Côme, présidée par Martha Argerich.
Elle joue sous la direction de chefs éminents parmi lesquels Lawrence Foster, Vladimir Fedosseïev, Gabor Takacs ou
encore Kwamé Ryan. Elle est aussi la partenaire régulière en musique de chambre d'interprètes tels que Natalie
Dessay, Teresa Berganza et de nombreux quatuors parmi lesquels les Prazak, Ysaye et Ébène. À l'écoute de la
musique de son temps, elle travaille auprès de grands compositeurs d'aujourd'hui : Kurtag, Rhim, ou Mantovani dont
elle a créé une œuvre.
L'année 2013 devrait voir aussi l'achèvement très attendu de son intégrale des Concertos de Beethoven, dont le
premier volume a recueilli les éloges unanimes de la critique internationale.
Compositeurs
JOHN ADAMS (né en 1947)
Né dans le Massachusetts, John Coolidge Adams commence sa formation musicale par l'étude de la clarinette et de la
composition. En 1971, il est nommé chef du département de composition du Conservatoire de San Francisco avant de
devenir conseiller musical puis compositeur en résidence de l'orchestre symphonique de la ville.
Ses œuvres de la fin des années 1970 affirment son véritable style, inscrit dans la mouvance minimaliste et
profondément influencé par Steve Reich notamment. Ses pages incluent de savantes orchestrations qui rappellent
l'héritage de Stravinsky ou Sibelius ; les éléments rythmiques et harmoniques semblent issus de procédés de la
musique électronique.
Ses deux plus fameuses compositions sont Shaker Loops, écrit en 1978 et dont le titre évoque les boucles (loops)
mélodiques et rythmiques utilisées dans l'œuvre ainsi que son opéra Nixon in China, créé en 1987 et inspiré d'un fait
d'actualité. En 2002, John Adams répond à une commande de plusieurs institutions new-yorkaises et compose On the
Transmigration of Souls en mémoire aux victimes des attentats du 11 septembre. Il reçoit pour cela l'année suivante le
prix Pulitzer de la musique.
SAMUEL BARBER (1910-1981)
Né en Pennsylvanie, Samuel Barber début très tôt une formation de pianiste et d'organiste avant d'intégrer le célèbre
Curtis Institute de Philadelphie pour y étudier la composition et le chant. Après avoir reçu le prix Bearns à deux
reprises, il reçoit le prix de Rome américain en 1936, ce qui lui permet de séjourner dans la capitale italienne pendant
deux ans. Il restera d'ailleurs toujours attaché aux racines européennes de la musique. Professeur au Curtis Institute,
il est mobilisé de 1943 à 1945 et revient en Europe à la Libération.
Il est l'auteur d'une œuvre assez limitée, aux orientations diverses, qui a pourtant couvert tous les genres. Elle repose
sur un profond lyrisme mis en valeur par ses connaissances vocales, la forme et la mélodie y étant toujours
primordiales. Outre une symphonie, deux opéras, un concerto pour violon et d'autres pièces, Samuel Barber reste
mondialement connu pour son Adagio pour cordes, qui était à l'origine un mouvement de son Premier Quatuor
composé en 1936. Le compositeur en a lui-même réalisé une transcription pour chœur sur le texte de l’Agnus Dei.
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LEONARD BERNSTEIN (1918-1990)
Personnalité unique et musicien prolifique, Leonard Bernstein est l'une des figures majeures de la musique
américaine. Né dans une famille juive d'origine russe, il commence ses études par le piano et entre à Harvard en
1935. Admis au Curtis Institute de Philadelphie, il travaille ensuite la composition avec Nadia Boulanger et fréquente le
Berkshire Center de Tanglewood où il suit les cours de Serge Koussevitzky.
Ce dernier lui donne l'occasion de diriger ses premiers concerts à Boston en 1942, et il est engagé comme assistant
au Philharmonique de New York l'année suivante. Il y fait ses débuts en novembre 1943 lorsqu'il remplace Bruno
Walter au pied levé. Commence alors une exceptionnelle carrière de compositeur et de chef d'orchestre : les plus
grands succès de Leonard Bernstein sont probablement ses œuvres scéniques, parmi lesquelles West Side Story, On
the Town, Candide, Trouble in Tahiti ou encore A Quiet Place.
Il est également l'auteur de trois symphonies, d'une Sonate pour clarinette et piano et de pièces religieuses teintées
tout à la fois de mysticisme et de théâtralité. De 1958 à 1973, il présente les Young People's Concerts à la télévision,
émissions dans lesquelles il confirme ses qualités de pédagogue et formidable orateur.
PHILIP GLASS (né en 1937)
Natif de Baltimore, Philip Glass est initié à la musique par son père, disquaire. Il étudie ensuite la flûte dans sa ville
natale puis la philosophie, le piano et les mathématiques à l'université de Chicago. Elève en composition à la Juilliard
School, où il fait la connaissance de Steve Reich, il en sort diplômé en 1961 ; il travaille également avec Darius
Milhaud, alors aux États- Unis, et suit l'enseignement de Nadia Boulanger de 1963 à 1965 à Paris.
C'est dans la capitale française qu'il rencontre le joueur de sitar indien Ravi Shankar et découvre les structures
répétitives. De retour à New-York après avoir notamment voyagé en Inde, il fonde son propre ensemble musical qui
interprète ses pièces d'un minimalisme assez austère.
En 1976, il s'associe avec le metteur en scène Robert Wilson pour écrire son opéra Einstein on the Beach, qui
rencontre un succès mondial. Considéré comme l'un des pères fondateurs du minimalisme et toujours actif
aujourd'hui, Philip Glass compte désormais une production constituée d'une vingtaine d'opéras, de huit symphonies et
de nombreuses œuvres concertantes et de musique de chambre. Proche de la musique dite populaire, il a collaboré
avec des artistes tels Paul Simon, Susan Vega ou Leonard Cohen ; il est aussi l'auteur de musiques de films parmi
lesquelles The Truman Show en 1998 ou The Hours en 2003.
GEORGE GERSHWIN (1898-1937)
Né à Brooklyn de parents juifs émigrés de Russie, le jeune George Gershwin est un enfant élevé au contact de la rue.
Il fait ses premières armes sur le piano familial acheté pour son frère aîné Ira, suit des cours avec Charles Hambitzer,
étudie la théorie et l'harmonie avec Edward Kilenyi, avant de trouver, à l'âge de seize ans, un poste de démonstrateur
de chansons chez un éditeur de Manhattan. Il y fait la connaissance de personnalités du show-biz, comme Fred
Astaire qui deviendra son ami, et découvre les compositeurs Jerome Kern et Irving Berlin.
En 1919, le célèbre chanteur Al Jolson reprend sa chanson Swanee, ce qui le propulse sur le devant de la scène et
marque le début d'une fulgurante carrière internationale. Il créé sa Rhapsody in Blue en 1924, son Concerto en fa
l'année suivante, les comédies musicales Funny Face en 1927 et Of Thee I Sing en 1932 qui reçoit le Prix Pulitzer.
En 1934, il prend la décision de composer une "œuvre sérieuse", un véritable opéra américain : son chef-d'œuvre
Porgy and Bess est créé un an plus tard. Reconnu aussi bien pour ses succès de Broadway que pour ses œuvres de
facture plus classique comme ses Préludes pour piano, George Gershwin meurt en 1937 au faîte de sa gloire, peu de
temps après avoir signé un contrat avec les studios RKO à Hollywood.
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America : Les lumières de Broadway
Comédie musicale BROADWAY ENCHANTÉ
ISABELLE GEORGES chant et danse
FREDERIK STEENBRINK piano et chant
JÉRÔME SARFATI contrebasse et piano
EDOUARD PENNES guitare et contrebasse
DAVID GREBIL batterie jazz
Un spectacle étourdissant de rythme et de gaîté où Isabelle Georges démontre avec virtuosité et inventivité que la
comédie musicale va bien au-delà d'un simple "cheek to cheek" !
Entre une version record du monde de Singin' in the rain, retraçant le passage du muet au film parlant et chantant mais où les spectateurs du premier rang ne passent pas forcément entre les gouttes - et un irrésistible envol à la suite
de Mary Poppins, on assiste à la naissance d'un genre, issu du mélange de toutes les musiques (yiddish, opérette,
blues, jazz, chants traditionnels) de ces milliers de migrants qui chantaient leur confiance dans une vie meilleure.
La comédie musicale aborde en pionnier toutes les facettes de la société : l'abolition de l'esclavage (Show Boat),
l'homosexualité (La Cage aux folles), les mouvements pacifistes et la révolution sexuelle (Hair), tout en flirtant avec
Shakespeare, de Roméo et Juliette (West Side Story) à Kiss Me Kate (La Mégère apprivoisée) ou Edmond Rostand.
Sur scène, Isabelle et ses quatre multi instrumentistes, chanteurs et comédiens, rivalisent de talent et d'humour pour
défendre LA ou LE plus grand(e), Judy Garland, Liza Minnelli, Julie Andrews, Gene Kelly, Fred Astaire, Leslie Caron,
Ginger Rogers... De New York New York à Cabaret, de Bernstein à Gershwin, des claquettes à la comédie, d'un café
nommé désir à une reconstitution décoiffante du Titanic, Broadway en chanté ! suit avec bonheur le conseil de
Cervantes (L'Homme de la Mancha) : "Il vaut mieux voir le monde... tel qu'il devrait être !".
B i g B an d et B r a ss B an d
BRASS-BAND DES PAYS DE LA LOIRE
Né du désir de mieux faire connaître la famille des instruments de cuivres, le Brass Band des Pays de la Loire est
composé, dans la plus pure tradition anglaise, de 28 musiciens cuivres associés à des percussions, dont un tiers
seulement sont des musiciens professionnels, les deux-tiers restant se composant d'amateurs éclairés venus
d'horizons divers.
De la richesse humaine de cette mosaïque émanent une ferveur musicale et une joie de jouer qui s'imposent à
l'auditeur dès le premier contact. Réputé pour la qualité de ses programmes riches et variés, l'orchestre que dirige
depuis 2008 Nicolas Leudière s'illustre dans trois grandes catégories d'œuvres, qui constituent le répertoire type du
Brass Band : les compositions originales, d'inspiration le plus souvent anglo-saxonne, les transcriptions d'œuvres
classiques ou de musiques de variétés, et les pièces pour instruments solistes, interprétées soit par des membres de
l'orchestre, soit par des musiciens invités – le Brass Band s'est ainsi illustré auprès de solistes tels que Marc
Wilkinson, Yvan Milhet, André Gilbert, Gilles Millière, Clément Saunier ou Daniel Brezinsky.
Soucieux de sensibiliser les publics jeunes, il propose régulièrement des classes-découverte en association avec
différentes écoles de musique, ainsi qu'un spectacle pour enfants écrit par Olivier Renault, "Paroles de cuivres" ; il
parraine de surcroît, depuis septembre 2010, un ensemble de jeunes musiciens en herbe : le Brass Band de Précigné.
NICOLAS LEUDIÈRE direction
Directeur musical du Brass Band des Pays de la Loire depuis 2008, Nicolas Leudière débute sa formation musicale à
Sablé. Il se perfectionne ensuite à Angers, puis à Paris auprès de Jacques Lecointre, ex-trompette solo de l'Orchestre
National de France, ainsi qu'au Conservatoire d'Aulnay-sous-Bois, qui lui décerne un Prix d'excellence en trompette
dans la classe de Pascal Clarhaut, trompette solo à l'Orchestre de l'Opéra de Paris.
Il se fait dès lors connaître auprès de formations telles que l'Orchestre Interconservatoire de la Ville de Paris,
l'Ensemble Instrumental d'Anjou ou l'Orchestre National des Pays de la Loire.
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Ancien cornet solo du Brass Band des Pays de la Loire, il a joué sous la direction de chefs renommés tels Hubert
Soudant, Michel Piquemal, Jean-Sébastien Béreau, Patrick Fournillier ou Jacques Mercier. Il a repris en septembre
2012 la direction musicale de l'Orchestre d'Harmonie de Sablé sur Sarthe.
CÔTE OUEST BIG BAND
Le Côte Ouest Big Band est un grand orchestre de jazz créé et dirigé par Jean-Philippe Vidal. Considéré aujourd'hui
comme l'une des meilleures formations professionnelles, il réunit l'élite des musiciens de jazz français : quatre
trompettes, quatre trombones, cinq saxophones, un piano, une contrebasse, une batterie et la chanteuse Veronika
Rodriguez, consacrée "Best Jazz Vocalist of the Year" à New York.
Depuis sa création en 1982, l'orchestre se produit en France et à l'étranger, interprétant des œuvres variées, depuis
les classiques fondateurs de la Swing Era - Benny Goodman, Duke Ellington Count Basie... - jusqu'aux compositions
novatrices des grands noms du jazz d'aujourd'hui, avec une particulière prédilection pour le répertoire West Coast des
années cinquante dont font partie Stan Kenton, Shorty Rogers ou Woody Herman.
Si le Côte Ouest Big Band sait rendre hommage à ses illustres prédécesseurs, il possède également sa propre
signature grâce aux arrangements que signe Jean-Philippe Vidal, à la fois originaux, surprenants et innovants mais
qui jamais ne négligent l'efficacité et le swing.
JEAN-PHILIPPE VIDAL direction
Clarinettiste, saxophoniste, compositeur et arrangeur, Jean-Philippe Vidal est le chef d'orchestre du Côte Ouest Big
Band. Né à Nantes, il est profondément impliqué dans la vie culturelle de sa ville : créateur et directeur du festival "Les
Nuits du Jazz", fondateur de "l'Académie du Jazz de l'Ouest", producteur d'émissions de jazz à la radio ("Quand ça
balance !"), il est également historien et critique de jazz.
Reconnu comme l'un des meilleurs spécialistes de l'histoire des grands orchestres et du jazz vocal, il collabore à de
nombreux medias et donne régulièrement des conférences en France et à l'étranger. Son dernier livre, "C'est pas
facile tous les jours !", prend comme prétexte l'histoire des trente premières années du Côte Ouest Big Band pour
aborder, au travers d'anecdotes souvent truculentes, la complexité des rapports qui unissent les musiciens au sein de
l'orchestre
America : L’histoire du big-band
ROMAIN GUYOT clarinette
Romain Guyot compte parmi les plus brillants clarinettistes de la scène internationale. Remportant en 1996, premier
nommé, les prestigieuses Young Concert Artists International Auditions de New York, il entame une magnifique
carrière à travers l'Europe entière, l'Asie, l'Amérique du Sud et les États-Unis. Accompagnant de prestigieux
orchestres dans les plus importantes salles de concert de New York, Washington, Tokyo, Séoul, Paris, Amsterdam,
Berlin, Moscou et Saint- Pétersbourg, il partage régulièrement la scène en musique de chambre avec Pierre-Laurent
Aimard, François-Frédéric Guy, Isabelle Faust, Gordan Nikolitch, Xavier Phillips, Marc Coppey et les quatuors Artis,
Lindsay, Sine Nomine ou Ysaye.
Remarqué très tôt par Claudio Abbado au sein de l'Orchestre des Jeunes de l'Union Européenne, il est à 22 ans
nommé clarinette solo de l'Opéra de Paris ; en 2008, c'est l'Orchestre de Chambre d'Europe qui le choisit pour
occuper ce même poste. S'intéressant beaucoup au nouveau répertoire pour clarinette, Romain Guyot a assuré la
création d'œuvres de N. Bacri, M.-A. Dalbavie, P. Hersant, J.-C. Marti et P. Leroux.
Il a enregistré à ce jour une dizaine d'œuvres pour les labels Harmonia Mundi, EMI et Naïve, et vient de graver pour le
label Mirare un premier disque consacré à Mozart (Concerto et Quintette avec clarinette), aux côtés de l'Orchestre de
Chambre d'Europe.
Conseiller artistique chez Buffet-Crampon et Rico International, professeur au Conservatoire de Genève depuis 2009,
Romain Guyot est aussi un passionné de sport et de montagne : marathonien, vététiste, nageur, escrimeur, skieur et
alpiniste, il a réalisé en septembre 2004 l'ascension du Mont-Blanc avec sa clarinette pour y donner un récital... sur le
toit de l'Europe !
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America : Le “Nouveau Monde”
ORCHESTRE PHILHARMONIQUE DE L'OURAL
Basé à Ekaterinbourg, capitale de la région de l'Oural, et créé en 1936 par M. Pavermann auquel succèderont V.
Kozhin, A. Chistyakov et A. Boreiko, l'Orchestre Philharmonique de l'Oural s'affirme comme l'un des meilleurs
orchestres symphoniques de Russie. Accueillant plus d'une centaine de musiciens issus pour la plupart du
Conservatoire d'Etat de l'Oural, et dirigé depuis 1995 par D. Liss, il joue un rôle majeur dans la vie musicale de la
région et de sa ville de résidence.
Après des dizaines d'années passées derrière le "rideau de fer", l'orchestre est désormais connu du monde entier,
présentant chaque année près de 70 programmes et plus de 100 concerts en Russie et à travers le monde. Invité
chaque année depuis 2010 par V. Gergiev au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, l'orchestre participe aussi
régulièrement à de prestigieux festivals - Festival de musique contemporaine de Zagreb, Europalia Russia, La Roque
d'Anthéron, Les Folles Journées, ainsi que Crescendo et Arts Square.
Il collabore avec les plus grands solistes - M. Rostropovich, B. Berezovsky, D. Matsuev, F. Kempf, N. Lugansky, Y.
Bashmet, V. Repin, S. Krylov... - et chefs actuels comme V. Fedosseïev, D. Kitaenko, J.-C. Casadesus, F.
Mastrangelo, D. Raiskin... Interprétant toutes les œuvres significatives de Russie et d'Europe de l'Est, l'orchestre se
consacre également aux œuvres contemporaines des compositeurs les plus renommés du XXe siècle. Il a enregistré
une vingtaine de disques chez Warner Classics International et Mirare.
DMITRI LISS direction
Formé par D. Kitaenko puis diplômé du Conservatoire de Moscou, Dmitri Liss devient le chef principal de l'Orchestre
Symphonique de Kuzbass en 1991 et par la même occasion le plus jeune chef titulaire de Russie.
Lauréat du prestigieux Prix de la Nation de Russie en 2008, il s'était déjà par le passé distingué en remportant le
Premier Concours des jeunes chefs d'orchestre de Zagreb (1995) ; la même année, il est nommé directeur artistique
et chef principal de l'Orchestre Philharmonique de l'Oural. Entre 1997 et 1999, il est chef principal "russe" de
l'American-Russian Young Orchestra, puis de 1999 à 2003, chef associé de l'Orchestre National de Russie.
Salué comme l'un des meilleurs chefs de sa génération, il est régulièrement appelé à diriger des orchestres russes
ainsi que de grandes formations internationales. Au gré des concerts, il a eu l'occasion de travailler avec des
musiciens d'exception comme M. Rostropovitch, M. Pletnev, G. Kremer, Y. Bashmet, S. Mintz, N. Gutman, ou encore
P. Donohoe, notamment lors de ses invitations régulières au sein de festivals de réputation mondiale.
Pour Warner Classics, il a enregistré six disques dont les Symphonies n°6 et 10 de Miaskovsky et les concertos pour
piano de Tchaïkovsky et Khatchaturian avec B. Berezovsky. Avec Mirare, il a enregistré la Symphonie n°6 et
Francesca da Rimini de Tchaïkovsky, Shéhérazade de Rimski-Korsakov, l'intégrale des concertos de Rachmaninov et
dernièrement, le Concerto n°2 de Brahms avec B. Berezovsky.
Compositeurs
LEONARD BERNSTEIN (1918-1990)
Personnalité unique et musicien prolifique, Leonard Bernstein est l'une des figures majeures de la musique
américaine. Né dans une famille juive d'origine russe, il commence ses études par le piano et entre à Harvard en
1935. Admis au Curtis Institute de Philadelphie, il travaille ensuite la composition avec Nadia Boulanger et fréquente le
Berkshire Center de Tanglewood où il suit les cours de Serge Koussevitzky.
Ce dernier lui donne l'occasion de diriger ses premiers concerts à Boston en 1942, et il est engagé comme assistant
au Philharmonique de New York l'année suivante. Il y fait ses débuts en novembre 1943 lorsqu'il remplace Bruno
Walter au pied levé. Commence alors une exceptionnelle carrière de compositeur et de chef d'orchestre : les plus
grands succès de Leonard Bernstein sont probablement ses œuvres scéniques, parmi lesquelles West Side Story, On
the Town, Candide, Trouble in Tahiti ou encore A Quiet Place.
Il est également l'auteur de trois symphonies, d'une Sonate pour clarinette et piano et de pièces religieuses teintées
tout à la fois de mysticisme et de théâtralité. De 1958 à 1973, il présente les Young People's Concerts à la télévision,
émissions dans lesquelles il confirme ses qualités de pédagogue et formidable orateur.
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ANTONÎN DVORÂK (1841-1904)
Dvorak est le représentant le plus connu de l'école musicale tchèque, même si Smetana - son aîné de dix-sept ans –
reste incontestablement le fondateur de cette école en Bohême-Moravie. Comme tous les musiciens de son pays, il a
été profondément influencé par la tradition germanique ; Dvorak a été un fervent admirateur de son presque
contemporain Brahms, et n'a jamais remis en question les grandes formes inaugurées par les classiques de Vienne,
Beethoven en particulier. Mais en même temps il s'est fait, d'instinct, comme ses compatriotes musiciens, le chantre
passionné du réveil national qui a marqué nombre de pays, d'Europe centrale particulièrement, dans la seconde partie
du XIXe siècle.
Né dans une famille de paysans des environs de Prague, Dvorak a d'abord fait de la musique en campagnard, pour
l'église et le bal, avant d'acquérir une formation musicale plus complète, et de devenir un musicien fêté dans toute
l'Europe, et même aux États-Unis où il se rend en 1892, invité à venir diriger le Conservatoire National de New York et d'où il écrira deux de ses meilleures œuvres : le Concerto pour violoncelle et la célèbre Symphonie "Du Nouveau
Monde". Cette double filiation explique le caractère particulier de sa musique : quels que soient les genres pratiqués musique pour piano, mélodies, musique de chambre, symphonies, grandes fresques religieuses, opéra... -, toujours
s'y mêlent et s'y confortent mutuellement un sens exigeant de la forme et un lyrisme puissant qui sourd directement de
la terre de Bohême et de l'âme slave. Aussi sa mort en 1904 fut-elle l'occasion d'un véritable deuil national.
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