La Renaissance - COLLEGE MARCILLAC VALLON

Histoire des arts
La Renaissance
Définition : Période historique allant du XVème (après le Moyen-Âge) à la fin du
XVIème siècle. Elle se caractérise par un développement intellectuel et artistique.
C’est à une nouvelle naissance de l’art que nous assistons au XV° siècle, d’abord en Italie, puis
dans le reste de l’Europe.
Cette période est l’une des plus dynamiques et riches de l’histoire de l’humanité. Se libérant du
poids de la religion, qui dominait le Moyen-Âge, la Renaissance voit le monde d’une autre façon,
avec l’Homme au centre de l’Univers.
Cette curiosité et cet humanisme produiront un grand nombre de génies dans différents domaines :
sciences, arts, philosophie, politique, musique, architecture…
1. L'humanisme
Humaniste (définition): (du latin humanus, instruit, cultivé). Intellectuel de la Renaissance qui se
consacre à l'étude de l'homme et des auteurs antiques.
Au Moyen Âge, on s'intéressait surtout à Dieu et à l'au-delà. A partir du XVème siècle, les
humanistes, qui reprennent les idées de l'Antiquité, mettent l'homme au cœur de leurs
préoccupations. Ils veulent faire progresser l'humanité.
Les humanistes voyagent beaucoup et exposent leurs idées et leurs connaissances auprès des
princes. Grâce à l'invention de l'imprimerie, leurs livres sont publiés en de nombreux exemplaires et
l'humanisme se diffuse en Europe.
2. Un progrès scientifique: l'anatomie
Anatomie (définition): description scientifique du corps, de ses organes et de leur position. Quand
on étudie le corps humain, on parle d'anatomie humaine.
L’homme de la Renaissance s’interroge sur lui-même mais aussi sur son corps. Les anatomistes
pratiquent des dissections pour étudier le fonctionnement du corps. Le plus grand anatomiste et
médecin de la Renaissance est Vésale (1514-1564), un flamand (Nord de l'Europe). Mais des
artistes comme Léonard de Vinci pratiquent aussi la dissection et réalisent des planches d'anatomie
pour perfectionner la représentation des corps dans leurs œuvres.
Pierre Poncet, Portrait d'André Vésale (XVIème siècle
Léonard de Vinci, Etude anatomique de l'épaule, 1510
3. Un retour à l'architecture antique
Les architectes italiens vont au XVème siècle poursuivre deux objectifs:
retrouver la gloire passée de l'ancien Empire Romain et fuir le modèle
gothique du Moyen-Age, qu'ils trouvent trop surchargé (voir image cicontre). Ils vont donc retourner aux formes épurées, aux proportions
harmonieuses et à la symétrie de l'architecture de l'Antiquité. Pour cela,
les artistes vont à Rome étudier les vestiges des monuments antiques.
Ces nouveaux modèles s'étendront ensuite au reste de l'Europe.
Symétrie
Cathédrale de Reims (France)
XIIIè siècle
Les colonnes
Le dôme
Villa Rotonda
Construite entre 1566 et 1571
à Vincence (Italie) par Andréa Palladio
Panthéon, Rome, 1er siècle avant J.C.
L'inscription
latine
Le fronton
4. La Renaissance en peinture.
La Renaissance est également un courant artistique (comme on vient de le voir pour l'architecture).
Il y a pendant cette période un réel renouveau dans l'art avec l'invention de la peinture à l'huile,
l'utilisation de la perspective, une recherche de réalisme et de nouveaux thèmes.
– Des nouvelles techniques de peinture
A cette époque, les peintres n’avaient pas de tubes de peinture mais préparaient eux-mêmes leurs
couleurs avec des pigments (poudres colorées réalisées à base de plantes et de minéraux). Au
Moyen Âge, ils les écrasaient finement avec du blanc d’œuf pour en faire une pâte, c'est la
technique dite a tempera. La matière séchait très vite ! On devait donc peindre rapidement. Au
XVème siècle, les peintres remplacent l’œuf par de l’huile. La pâte sèche alors plus lentement et
l'artiste peut donc travailler avec plus de précision. De plus, le peintre peut superposer plusieurs
couches plus ou moins transparentes. Le travail à l'huile permet donc une grande finesse dans la
représentation des ombres, des lumières et donc des volumes.
–
Une recherche de réalisme
L’art de l’époque médiévale représentait des personnages sans beaucoup de volume, sur des
fonds unis.
A la Renaissance, comme les grecs et les romains qu’ils admiraient, les peintre se mirent à
étudier le corps humain en disséquant des cadavres et en faisant poser des modèles vivants pour
respecter les proportions. Leurs personnages deviennent donc plus humains. Par ailleurs, ils
observent attentivement la nature et intègrent leurs personnages dans des paysages.
– La perspective
La perspective permet de donner l’illusion de la profondeur sue une surface plane, elle
accentue le réalisme de la représentation. Depuis l’antiquité, les peintres recherchent cet effet mais,
à la Renaissance, une règle géométrique est inventée qui permet une représentation juste de cette
profondeur: le point de fuite.
– De nouveaux thèmes
Les arts ne vont plus se limiter aux sujets religieux. Si on en trouve toujours en grand nombre, les
thèmes profanes (non religieux) apparaissent. Ils montrent la place importante accordée à l’homme
pendant la Renaissance. Les portraits se
multiplient. La Joconde peinte par
Léonard de Vinci en est l'exemple le
plus célèbre. La lecture des textes
antiques amène les grands mécènes à
commander aussi des toiles avec des
sujets mythologiques. Ces mythes
étaient connus au Moyen Âge mais à la
Renaissance, ils deviennent très
familiers. Sandro Botticelli, un des plus
grands peintres de la Renaissance qui
fait l’éloge de la beauté en représentant
des dieux et des déesses de la
mythologie antique.
Sandro Botticelli, Naissance de Vénus, 1485
172 cm x 278 cm, Galerie des Offices, Florence
Cimabue, la Vierge et l'Enfant en majesté entourés de six anges,
vers 1280, 427 x 280 cm, peinture a tempera sur bois,
Musée du Louvre, Paris.
Raphaël, La Vierge à l'Enfant et le petit saint Jean-Baptiste,
1507-1508, 122 x 80 cm, peinture à l'huile sur bois,
Musée du Louvre, Paris.
Fond doré uni qui symbolise l'au-delà
/ Paysage réaliste avec une profondeur
Visages solennels
/ Douceur des expressions
Ombres peu marquées, peu de volume
/ Relief important des volumes
Personnages figés dans leur posture
/ Corps en mouvement
Les deux œuvres reproduites ci-dessus ont le même sujet: Une Vierge à l'Enfant (Jésus petit avec sa mère). Cimabue suggère le monde divin grâce au fond
doré. Les différences de taille des personnages n'indiquent pas une profondeur mais l'importance de la Vierge par rapport aux anges. Cimabue ne
recherche pas le réalisme. Dans le tableau de Raphaël, le sacré est toujours présent mais les personnages sont plus humains . Leur corps est réaliste et
leurs gestes, leurs regards expriment des sentiments. De plus, ils sont placés dans un paysage terrestre. (Tu peux retrouver les images en couleur pages 138
et 139 de ton manuel d'histoire géographie)