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cahier pédagogique
Guitares nomades
Rédaction Geneviève Rivard • Illustrations Karine Allie + Myriam Laroche design graphique
KARINE ALLIE • mise en page Isabelle Vachon • coordonnatrice artistique Judith Pelletier
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Et si l’histoire nous racontait…
Les origines de la guitare
Les ancêtres de la guitare moderne
La fabrication des guitares
9
10
Solfa nous apprend
L’anatomie de la guitare
Le maestro déconcertant nous explique
Les instruments que nous entendrons
pendant le concert
La guitare classique
La guitare jazz manouche
La guitare folk
La musique d’ensemble : le trio
Le guitariste et sa guitare
17
Les célébrités à la carte !
Heitor Villa-Lobos
Django Reinhardt
Arthur « Blind » Blake
19 Préparons-nous au concert
20
21
Amusons-nous
Super grille
Pour prolonger le plaisir
Le projet
22
Solutions de la Super grille
Jeunesses Musicales Canada
cahier pédagogique – Guitares nomades
2
Les Jeunesses Musicales Canada (JMC) sont un des
plus importants diffuseurs de musique classique au pays.
À chaque année, des centaines de concerts sont donnés
tout spécialement aux jeunes, sur des thèmes aussi variés
que dynamiques. L’organisme présente aussi des concerts
pour le grand public et encourage le développement de
la carrière des meilleurs jeunes musiciens du pays. Pour
ce faire, les JMC ont la chance de compter sur une
merveilleuse équipe artistique, épaulée par plus de 300
bénévoles. Ainsi, depuis leurs débuts en 1949, les JMC
ont présenté des dizaines de milliers de concerts pour les
jeunes, pour la famille ou pour le grand public au Québec,
dans les provinces Maritimes, en Ontario et même dans
les provinces de l’ouest.
Voici le cahier pédagogique qui accompagne le concert
Guitares nomades. Ce document contient une foule
d’informations parmi lesquelles les éducateurs et les
enseignants pourront puiser en tenant compte de l’âge
des élèves. Le cahier peut être utilisé pour préparer les
jeunes au concert, mais également pour effectuer un
retour sur l’événement et poursuivre l’enseignement
amorcé par celui-ci.
Le concert Guitares nomades a pour but de faire
connaître trois types de guitares bien différentes et de
faire entendre le répertoire qui leur est propre, tout en
montrant la richesse de la conjugaison des trois styles
regroupés dans leur trio.
Bonne lecture et bon concert !
Entrevue avec les interprètes des
Guitares nomades
Alexandre Éthier, guitare classique
Dan Livingstone, guitare folk
Stéphane Tellier, guitare jazz manouche
À quel âge avez-vous débuté l’apprentissage
de la guitare ?
Alexandre : 17 ans
Dan : 17 ans
Stéphane : 11 ans
Selon vous, qui est le plus grand guitariste
de tous les temps ?
Alexandre : Paco de Lucía et Django Reinhardt
Dan : Arthur « Blind » Blake
Stéphane : Biréli Lagrène
Qui est votre compositeur préféré ?
Alexandre : Jean-Sébastien Bach
Dan : Thelonius Monk
Stéphane : Jean-Sébastien Bach
Nommez un disque que vous pourriez
écouter sans arrêt.
Alexandre : Impossible de faire un choix,
car j’en aime trop !
Dan : Neck and Neck (Mark Knopfler et Chet Atkins)
Stéphane : Chants of India (Ravi Shankar)
Avez-vous un loisir qui vous passionne ?
Alex : navigation, biologie, livres et peinture
Dan : histoire et lecture
Stéphane : faire du sport
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cahier pédagogique – Guitares nomades
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Les origines de la guitare
D’où vient ce fabuleux instrument qu’est la guitare ?
Encore aujourd’hui, cette question est toujours entourée de mystère,
car les spécialistes ne s’entendent pas sur la date de sa naissance.
Cependant, certains révèlent que les premiers signes de l’existence
d’instruments s’apparentant à la guitare dateraient d’environ 1900
avant Jésus-Christ. C’est donc dire que la guitare aurait près de 4000
ans d’histoire !
On raconte qu’un bas-relief babylonien
aurait été découvert dans le tombeau
d’un roi égyptien sur lequel la silhouette
d’un homme à genoux a été peinte,
tenant un instrument de musique ressemblant à une guitare.
Plusieurs sculptures représentant des
instruments semblables ont été découver tes dans cette même région et
celles-ci dateraient d’environ 1300 avant
Jésus-Christ.
Dans la Haute Antiquité,
la guitare ressemblait à une harpe.
Où se situait Babylone ?
Dans l’Antiquité, la ville de Babylone était située
en Mésopotamie, en bordure du fleuve nommé
l’Euphrate, à environ 200 km de l’actuelle ville
de Bagdad en Irak. À cette époque lointaine,
« Babylone » désignait également un empire.
La Mésopotamie
Le saviez-vous ?
Le terme « guitare » provient du grec « kithara »
dont « ki » signifie « trois » et « thara » signifie « cordes ».
À l’ère babylonienne, ce sont les marchands qui, en se déplaçant d’une
ville à une autre, auraient sans doute contribué à répandre l’usage de
la guitare.
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Les ancêtres
de la guitare moderne
La lyre
La légende raconte que c’est le dieu Hermès qui aurait inventé cet
instrument. Il a fabriqué sa lyre avec une carapace de tortue sur
laquelle il a tendu une peau de bœuf et confectionné des cordes avec
des boyaux de brebis.
Les sons harmonieux et doux de son instrument auraient séduit et
calmé le jeune dieu Apollon en colère contre lui pour avoir volé des
bœufs ! Pour se faire pardonner, Hermès lui aurait fait cadeau de sa
lyre.
Depuis l’Antiquité, la lyre est le symbole de la musique et de la poésie.
Le célèbre poète Homère en jouait lorsqu’il déclamait ses poèmes.
Le oud
D’origine arabe, le oud est un instrument de
musique à cordes pincées à l’aide d’un plectre.
Comme plusieurs instruments anciens, son
origine est incertaine, mais il semblerait que
le oud ait été inventé entre 2350 et 2170 avant
Jésus-Christ.
En langue arabe, « oud » signifie « bâton » ou
« bois ».
Inspiré de la lyre, cet instrument monocorde
de petite taille et très léger est le plus utilisé
dans l’orchestre oriental et sert également à
l’accompagnement des chanteurs.
Le luth
Voici un plectre
Un plectre est un petit
accessoire fabriqué en
bois, en métal ou en
écaille de tortue que le
musicien place entre
le pouce et l’index
pour pincer ou gratter
les cordes de son
instrument. Un médiator
est un autre nom utilisé
pour désigner un plectre.
Le plectre utilisé pour
le oud est de forme
allongée.
Tout comme le oud, le luth est un instrument de musique d’origine
orientale qui provient de la Mésopotamie. Il a été découvert à Thèbes,
dans un tombeau datant de 1490 avant Jésus-Christ.
C’est au IXe siècle que le luth a fait son apparition en Europe lors de
l’occupation de l’Espagne par les Maures.
Le luth a été l’instrument le plus populaire de tout le Moyen Âge jusqu’à
la Renaissance.
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Paris : capitale mondiale
de la guitare !
Depuis que Louis XIV a popularisé la guitare au XVIIe siècle,
plusieurs luthiers d’origine italienne
et de nombreux guitaristes en provenance d’Italie et d’Espagne
se sont installés à Paris.
Cette
grande ville
est depuis
reconnue
comme étant
la capitale
mondiale de la
guitare !
Louis XIV
était
un excellent
guitariste !
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La fabrication des guitares
Luthier, un des plus
vieux métiers du
monde !
Le métier de luthier est probablement aussi ancien que
l’apparition des premières lyres dans l’Antiquité.
Un luthier est un artisan qui fabrique et répare des
instruments à cordes frottées ou pincées tels que le
violon, le violoncelle et la guitare.
La pratique de ce métier requiert de nombreuses connaissances techniques et musicales. Un luthier doit faire
preuve de patience et de minutie pour fabriquer ses guitares.
Voici quelques luthiers célèbres
Giovanni Tesler
Célèbre luthier italien du
XVIIe siècle qui a conçu des
guitares baroques de très
grande qualité.
René Voboam
Luthier parisien très réputé
et le favori de Louis XIV,
le Roi Soleil. Les guitares
qu’il fabriquait étaient moins
décorées que celles des
luthiers italiens de la même
époque.
François Lupot
Talentueux luthier français,
il a conçu la guitare-lyre
à six cordes en 1773. On
peut considérer cette
guitare comme étant la
cousine éloignée de la
guitare moderne.
René Lacote
Le plus populaire des
luthiers français du début
du XIXe siècle. C’est aussi
un chercheur infatigable
qui ne cesse de vouloir
améliorer la qualité de
ses instruments. Encore
aujourd’hui, ses guitares
sont très réputées.
Les guitares, de véritables œuvres d’art !
Dès le XVIe siècle, la décoration des guitares variait
énormément d’un pays à
l’autre. Ainsi, l’ornement des
rosaces sur les guitares
était très diversifié puisque
la fabrication de cette partie
de l’instrument permettait
aux luthiers de montrer leur
savoir-faire artistique.
La nacre et l’ivoire sont utilisés depuis des siècles par
les luthiers pour la décoration des guitares.
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Ces arbres qui deviennent
des instruments de musique…
Tout comme la harpe, le hautbois ou le violon,
le bois est le matériau le plus important
pour la fabrication d’une guitare.
Voici quelques essences de bois les plus utilisées par les luthiers
pour la fabrication des guitares acoustiques.
La touche
La table d’harmonie
ébène,
bois de rose
épinette, cèdre rouge, épicéa
Le manche et
le dos de la guitare
érable, acajou, cèdre rouge
Le bois de rose (appelé aussi palissandre) est une essence très rare qui provient du Brésil ou de l’Inde.
Sa coupe est interdite depuis 1986.
Pour fabriquer des guitares, les luthiers recyclent des meubles faits de bois de rose.
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Anatomie d’une guitare
Afin de découvrir comment est constituée une guitare,
prenons comme exemple une guitare classique.
La guitare, qu’elle soit de type classique, jazz ou folk,
a trois parties distinctes :
Tête
Chevilles
Manche
Barrettes
ou Frettes
Case
Table d’harmonie
Talon
Rosace
Caisse
de résonnance
Cordes
Chevalet
Tête : partie au bout du manche où sont logées les chevilles.
Chevilles : petits boutons que l'on serre plus ou moins afin
de tendre les cordes de la guitare.
Manche : partie de la guitare où on presse les cordes en
appuyant sur les barrettes (ou frettes) pour produire les notes.
Barrettes ou Frettes : pièces métalliques qui servent à
délimiter les notes.
Caisse de résonance: partie creuse qui amplifie les sons.
Talon : pièce qui fixe le manche à la caisse de résonance.
Éclisse
Dos
Éclisse : pièce de bois placée sous la table d’harmonie
et le dos de la guitare.
Chevalet : pièce sur laquelle sont appuyées les cordes
retenues par des goupilles et qui sert à transmettre les
vibrations à la table d’harmonie.
Rosace : motif en bois qui entoure l'ouverture de la
caisse d’où sortent les sons.
Table d’harmonie : partie du dessus de la caisse
sur laquelle sont fixés le chevalet et le manche et qui
contribue à produire les sons des notes.
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leS inStrumentS que nouS
entendronS pendant le concert
le concert guitares nomades
nous invite à la découverte des guitares
acoustiques.
Voici les trois guitares vedettes !
la guitare classique
la guitare jazz
ou espagnole
« manouche »
la guitare folk
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cahier pédagogique – guitares nomades
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La guitare classique
La guitare, telle que nous la connaissons maintenant,
a été inventée en Espagne vers le XIIIe siècle. À cette
époque, elle se nommait guitarra latina (guitare latine).
Cette guitare était de plus petite taille que celle que l’on
connaît aujourd’hui et avait un dos bombé, semblable
à une mandoline ou un luth.
À partir du XVe siècle, son usage s’est vite répandu à
travers l’Europe, principalement en France et en Italie.
À la fin de la Renaissance, on distinguait alors deux
types de guitares:
la vihuela
la guitarra
puisqu’elle était destinée
à des instrumentistes de la
haute noblesse, cette guitare
était sophistiquée et richement
ornée. La vihuela était munie
de six cordes groupées par
deux ou trois, appelées
des « chœurs ».
de fabrication plus
rudimentaire, cette guitare
comportait moins de chœurs
et produisait un son moins
riche. C’était la guitare
de la rue.
Voici à quoi ressemblait
une vihuela :
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L’invention de la guitare
classique moderne
Le XIXe siècle représente une époque des plus marquantes dans l’évolution de la guitare. Vers
la moitié de ce siècle, la guitare, longtemps boudée dans les salons au profit du piano, reprend
ses droits et devient un instrument des plus populaires.
À cette époque, on compte de nombreux luthiers dans toute l’Europe et les techniques de
fabrication foisonnent. Ces artisans cherchent sans cesse à augmenter la puissance sonore de
la guitare, en plus d’étendre davantage son registre.
Antonio De Torres (1817-1892)
Le « père » de la guitare classique moderne !
Au moment où la fabrication des guitares en France est à son apogée,
Antonio De Torres, un luthier espagnol, a perfectionné la confection
de ses guitares en leur incorporant un barrage en éventail. Cette
importante innovation a permis de rendre les guitares encore plus
solides à la tension causée par les cordes alors faites de nylon.
Les techniques élaborées par Antonio de Torres - que l’on surnommait
« le Stradivarius » de la guitare - ont posé les jalons en ce qui a trait à
la fabrication des guitares acoustiques pour les générations futures de
luthiers.
Voici un barrage en éventail tel que
conçu par Antonio de Torres vers 1870
Francesco Tárrega (1852-1909)
Ce grand guitariste, compositeur et pédagogue espagnol a largement contribué à la popularité grandissante de la guitare
vers le milieu du XIXe siècle. Il fut le premier instrumentiste à oser se produire en concert en tant que soliste, contribuant
ainsi à rendre la guitare de plus en plus populaire auprès du public. Sous sa plume, de nombreuses œuvres musicales de
grands compositeurs tels que Jean-Sébastien Bach, Haendel, Mendelssohn et Schubert, sont adaptées pour la guitare.
Il est considéré comme le précurseur de la technique de la guitare classique moderne par la position perpendiculaire de la
main droite (qui permet un jeu plus souple dans les passages difficiles) et la liaison des notes (qu’il confie essentiellement
à la main gauche). En tant que pédagogue et guitariste de concert, il a travaillé étroitement avec le luthier Antonio de
Torres afin de parfaire les techniques de fabrication de la guitare classique dans le but d’améliorer la qualité sonore de
l’instrument.
Sous son influence, une nouvelle génération de compositeurs va suivre dont Isaac Albéniz, Enrique Granados et Manuel
de Falla.
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La guitare « jazz » manouche
Voici une guitare
de « jazz manouche »
Toutes les guitares de ce style sont issues du travail d’un seul luthier, Mario Maccaferri.
Dans les années 1930 à Paris, Mario Maccaferri était un célèbre concertiste. Avec la
collaboration de son luthier, il a perfectionné son instrument afin de lui donner une meilleure
projection sonore et plus de puissance. Pour ce faire, il s’est inspiré des méthodes de
fabrication des violons au XVIIe siècle, dans les réputées lutheries de Crémone en Italie.
Maccaferri s’est joint à Henry Selmer, un fabricant
d’instruments à vents de Paris. Dans l’atelier de
Selmer, Maccaferri y a créé sa première guitare de
concert de style classique. À cette époque, le jazz en
provenance des États-Unis a fait son entrée à Paris
et est devenu de plus en plus populaire. Monsieur
Selmer a demandé à Maccaferri de concevoir une
guitare qui pourrait s’adapter à ce nouveau style
musical. Cette guitare, inspirée de la guitare jazz
acoustique d’inspiration américaine, a très vite été
adoptée par les guitaristes français de l’époque.
Mario Maccaferri est devenu un célèbre luthier
malgré lui à la suite d’un accident qui a changé son
destin. Handicapé de la main droite, il a dû renoncer
à tout jamais à sa carrière de concertiste. Il s’est
alors entièrement consacré à la confection de ses
guitares de concert qui ont fait sa renommée.
Particularités de la guitare Selmer – Maccaferri
Les guitares Selmer-Maccaferri ont été fabriquées à un peu moins de 900 exemplaires. Elles sont donc très
rares et très recherchées par les guitaristes jazz et les collectionneurs.
En plus d’être rares, ces guitares étaient très coûteuses et peu de guitaristes jazz pouvaient se permettre
un tel investissement. En conséquence, de nombreux luthiers d’origine italienne installés à Paris ont été
approchés par les guitaristes de l’époque pour en reproduire des copies plus abordables. Les copies
s’approchant le plus fidèlement des guitares Selmer-Maccaferri sont celles fabriquées par le luthier Maurice
Dupont.
D’où vient le jazz ?
Le jazz a été inventé vers la fin du XIXe siècle par les Noirs du sud des États-Unis. Les
caractéristiques essentielles de ce genre musical sont l’improvisation et le rythme qui devient
syncopé. Le jazz s’est implanté en Europe vers 1930, durant l’Entre-Deux Guerres.
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La guitare folk
La première guitare acoustique de type folk a été inventée en 1898
par Christian Frederick Martin et deviendra la guitare la plus populaire
à partir du XXe siècle. Elle se distingue de sa proche cousine, la
guitare classique, par sa caisse qui est plus grosse et ses cordes
métalliques qui génèrent un son plus puissant.
Voici une
guitare folk
La table d’harmonie est montée sur une armature en forme de
X la rendant plus solide et plus résistante à la tension accrue
causée par ses cordes métalliques. Cette armature a été une
des innovations les plus importantes apportées par Christian
Frederick Martin.
La guitare folk a aussi une version comportant douze cordes, soit six
cordes doublées en chœur qui génèrent encore plus de puissance
sonore.
La dynastie
des Martin
Le fondateur Christian Frederick Martin
(1796-1873) a immigré aux États-Unis en
1833.
Depuis l’invention de la première guitare
Martin, six générations de luthiers
ont continué à concevoir ces guitares
acoustiques à la fois innovatrices et
d’une qualité exceptionnelle. Aujourd’hui,
la compagnie est dirigée par Christian
Frederick Martin IV et la guitare Martin fait
encore figure de référence.
La fameuse guitare de modèle
Dreadnought
Cette guitare a été conçue par Frank Henry
Martin en 1931 et est devenue la référence
incontestée pour la fabrication de toutes les
guitares de style folk.
Ce qui l’a rendue si populaire est sa dimension
plus volumineuse que les guitares Martin
antérieures, de même que la qualité sonore
exceptionnelle de ses basses.
Que signifie
« Dreadnought » ?
Le concepteur de cette guitare l’a
baptisée ainsi en souvenir d’un navire
de guerre britannique de la Première
Guerre mondiale (1914-18).
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cahier pédagogique – Guitares nomades
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la technique du fingerStYle
une technique de jeu appelée fingerstyle consiste pour le guitariste d’utiliser
chacun des doigts de sa main droite de façon indépendante pour pincer
les cordes de sa guitare.
en décomposant les accords, cela lui permet d’interpréter seul les différentes parties d’une pièce musicale
normalement jouée par tout un ensemble de musiciens. Certains guitaristes fingerstyle vont enrichir le rythme de
leur interprétation en frappant la caisse de leur guitare avec leurs doigts, reproduisant ainsi le son des percussions.
le fingerstyle sur la guitare
quatre doigts de la main droite sont requis pour jouer
cette technique à la guitare :
Le pouce de la main droite joue les trois cordes de la
guitare représentant les notes graves (mi-la-ré). L’index, le
majeur et l’annuaire de la main droite jouent distinctement
les trois cordes des notes aigues (sol-si-mi).
Cette technique est utilisée par les guitaristes de manière
très variée dans l’interprétation du jazz, du blues, du
country ou encore de la musique classique et celtique.
Ce style est souvent nommé parlor guitar qui signifie
« guitare de parloir ».
Voici quelques guitaristes célèbres
qui ont excellé dans le fingerstyle :
arthur « blind » blake, reverend gary davis, maybelle
carter, merle travis, john fahey, leo kottke.
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cahier pédagogique – guitares nomades
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La musique
d’ensemble :
le trio
Le guitariste
et sa guitare
Un trio est un ensemble musical constitué
Il existe différentes positions
de trois musiciens ou de trois familles
de jeu à la guitare selon le style
d’instruments.
de musique que l’on interprète.
Un trio jazz est généralement constitué d’un piano, d’une
contrebasse et d’une batterie, alors qu’un trio rock se
compose d’une guitare, d’une guitare-basse et d’une
batterie.
Dans le langage musical, le terme trio désigne également
une composition musicale écrite pour trois instruments.
Les interprètes du concert Guitares nomades exécutent
de nombreuses pièces en trio.
Position classique
En position assise, le guitariste pose
sa guitare sur sa cuisse gauche en
la maintenant dans un angle de 45
degrés. Cette position lui permet de
déplacer sa main gauche avec aisance
le long du manche de la guitare. Son
pied gauche est légèrement surélevé
à l’aide d’un petit accessoire nommé
un repose-pied.
Position folk
Le guitariste folk peut jouer en
position assise ou debout.
En position assise ou dite moderne,
il pose sa guitare sur la jambe droite
et le manche est parallèle au sol.
En position debout, le guitariste
tient sa guitare à la hauteur de ses
hanches en lui donnant un angle de
manière à ce que le manche pointe
vers le haut. Pour ce faire, il ajustera
adéquatement sa sangle.
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Heitor
Villa-Lobos
(1887-1959)
Heitor Villa-Lobos est un célèbre compositeur et guitariste
brésilien dont la musique a marqué le XXe siècle. Durant son
enfance, il apprend le violoncelle et la clarinette auprès de
son père. Plus tard, il apprendra seul à jouer de la guitare. Ses
parents souhaitaient qu’il devienne médecin, mais pour lui, la
musique était sa véritable vocation.
Doté d’un esprit curieux, Villa-Lobos a commencé très tôt à
découvrir le monde qui l’entoure. À 16 ans, il a quitté son
domicile afin de partir à la découverte du Brésil. Il a visité
les coins les plus reculés de son pays et a fait un séjour de
quelques mois dans une tribu indigène.
Dans ses bagages, il a fait la découverte de chants traditionnels
de son pays qui seront pour lui une source d’inspiration. Il
a aussi fait un long séjour en Chine et en France. Au cours
de sa longue carrière, il s’est produit en concert sur les plus
grandes scènes d’Europe et d’Amérique.
Arthur
« Blind »
Blake
Arthur « Blind » Blake est un guitariste aveugle et compositeur
américain devenu célèbre pour son interprétation légendaire
du ragtime. Il est d’ailleurs unanimement reconnu comme le
fondateur de ce style musical à la guitare.
Âgé de 33 ans, ce talentueux guitariste, qui a déjà un style
bien à lui, attire l’attention de la célèbre maison de disques
Paramount Records de Chicago. Entre 1926 et 1932, il y
enregistrera plus de 80 titres de ses compositions.
La renommée de Blind Blake est redevable à son jeu à la
guitare à la fois très virtuose et unique que l’on nomme le
finger picking ou fingerstyle. Ce jeu des doigts a inspiré toute
une génération de guitaristes après lui.
Son style musical s’est inspiré des peuples indigènes de
l’Amérique du sud.
Django Reinhardt
Le maître du jazz manouche
Django Reinhardt est né à Liberchies, en
Belgique le 23 janvier 1910 dans la roulotte
de ses parents, des Manouches originaires
de la région d’Alsace.
Comme le veut la coutume tzigane, le jeune
Django grandit dans la musique et devient
un musicien précoce. Dès l’âge de 6 ans, il
joue habilement du violon dans l’orchestre
de ses parents. Son oncle lui apprendra le
Son véritable nom est Jean-Baptiste banjo. Fasciné par cet instrument, il pratique
Reinhardt. Son surnom, Django, signifie de longues heures et ne manque jamais
« qui réveille ».
d’observer attentivement les banjoïstes de
passage dans son campement gitan.
Tous deux musiciens, ses parents ont formé
un petit orchestre familial qui se produit un Django ne savait ni lire ni écrire et ne
peu partout à travers la Belgique et le sud connaissait rien de la théorie musicale. Il a
de la France. Leur répertoire est constitué appris en observant les autres musiciens
d’airs folkloriques tziganes, de valses et et en consacrant de longues heures à la
d’airs populaires.
pratique quotidienne de son instrument.
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cahier pédagogique – Guitares nomades
17
Django découvre Paris
et la valse musette
Vers 1920, la famille de Django s’installe définitivement tout près de Paris dans un quartier très
pauvre appelé « La Zone », situé en bordure de la
Porte Choisy et plus tard, près de la Porte d’Italie.
En 1930, Les deux frère Reinhardt ont rencontré
le peintre français Émile Savitry qui les a initiés au
jazz. Pour Django, la musique de Duke Ellington
et de Louis Armstrong a été une révélation !
Sans hésiter, Django a décidé de se consacrer
entièrement au jazz.
C’est lors d’un engagement pour jouer dans un
hôtel parisien que Django a fait la rencontre en
coulisses du violoniste Stéphane Grappelli. En
s’amusant à improviser ensemble, ils sont devenus
instantanément des complices.
C’est en 1934 que Reinhardt et Grappelli ont fondé
le célèbre quintette jazz manouche « Hot Club de
France ».
À Paris, la valse musette est très populaire et ce
sont les accordéonistes qui en sont les interprètes
favoris. Souvent, des banjoïstes gitans se joignent
à eux dans les rues et les cafés parisiens. Le jeune
Django se mêle aux musiciens ambulants et il est
vite reconnu comme un virtuose du banjo. En 1928,
il est invité à enregistrer son premier disque avec
Jean Vaissade, un réputé accordéoniste. Cette
même année, il reçoit une offre de joindre un
orchestre anglais de jazz dirigé par Jack Hilton, en
tant que guitariste et banjoïste. Cette collaboration
avec cet orchestre n’aura jamais lieu, puisque la
nuit suivant sa rencontre avec Hilton, la roulotte de
Django a pris feu. En portant secours à sa mère
et son frère, Django y a perdu deux doigts de sa
main gauche.
Toute sa carrière, Django Reinhardt n’a joué que
sur une guitare Selmer-Maccarrefi, contribuant
ainsi à la célébrité de ces instruments.
Durant sa longue convalescence qui a duré plus
d’un an, son frère Joseph lui a offert une guitare.
Django y a consacré de nombreuses heures et a
développé sa propre technique guitaristique à deux
doigts ! Une légende est née…
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cahier pédagogique – Guitares nomades
18
Ce guide est un aide-mémoire que vous aurez le loisir
de consulter avant d’assister à un concert ou à un opéra.
Il comporte différentes règles de conduite à suivre avant, pendant et après le concert, ainsi que quelques
renseignements sur les applaudissements, une coutume très ancienne, mais toujours d’actualité.
Lisez attentivement ce qui suit pour devenir de véritables petits auditeurs avertis !
LES
APPLAUDISSEMENTS
Pour manifester sa joie et son appré­cia­
tion dans un concert, le public tape des
mains.
La coutume veut que le public applau­­
disse les artistes à la fin de chaque
œuvre. Lorsque les œuvres compor­tent
plusieurs parties, il est de mise d’atten­
dre la fin de l’œuvre et de respecter le
moment de silence que les artistes
prennent entre les mou­vements.
À l’opéra, les habitudes sont diffé­
rentes et le public applaudit souvent le
ou les chanteurs à la fin d’un air très
connu ou extrêmement virtuose, en plus
d’applau­­­dir à la fin de chaque acte. Dans
les concerts de jazz, le public a pris
l’habitude d’applaudir les musiciens
après chacune des improvisations.
AVANT le concert
Pour ne pas distraire les artistes ainsi
que le public, éteignez tout appareil
électronique (montre, téléphone cellulaire,
etc.)
Il est important de ne pas arriver en
retard au concert. Il est préférable
d’arriver de 10 à 15 minutes avant le
début de la représen­tation. Vous aurez
ainsi le temps de lire le programme.
PENDANT le concert
Afin de respecter les musiciens et le public, ne parlez pas avec vos
voisins. Le silence est essentiel à la concentration des musiciens et
des autres personnes dans la salle.
Les bonbons et autres friandises devraient être consommés à l’extérieur
de la salle de concert. Leur emballage est parfois bruyant et risque
de perturber l’écoute des gens près de vous.
À moins d’une urgence, on ne sort pas de la salle pendant le concert.
Si possible, attendez l’entracte.
Les musiciens sur scène sont conscients de tout ce qui se passe dans
la salle et entendent très bien tous les bruits qui sont faits par le public.
Par votre respect du silence, vous permettrez aux artistes de produire
le meilleur concert possible.
APRÈS le concert
Assurez-vous de ne rien oublier sur votre siège ou en dessous. Quittez
la salle calmement, sans bousculade. Prenez le temps de partager vos
impressions avec vos amis.
Il est souvent possible d’aller rencontrer les artistes après le concert
pour les féliciter ou pour leur poser des questions. Parfois, les
musiciens reviennent sur scène pour rencontrer le public; vous n’avez
alors qu’à vous approcher pour aller leur parler. Si les musiciens ne
reviennent pas sur scène, demandez à l’un des responsables de la
salle s’il est possible d’aller les rencontrer et il vous indiquera par où
passer pour aller les joindre en coulisse ou dans leur loge.
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Super grille
Horizontalement
4.Ensemble musical constitué de trois musiciens.
7.Nom de famille de l’inventeur de la première guitare acoustique
de type folk.
9.Instrument de musique ancien à cordes pincées et d’origine arabe.
11. Guitare richement décorée qui était fabriquée pour
la haute noblesse à la fin de la Renaissance.
12. Guitariste aveugle et compositeur américain qui est reconnu
comme l’inventeur du ragtime.
17. Célèbre guitariste, compositeur et pédagogue, il fut le premier
à oser se produire en concert en tant que guitariste soliste.
18.Nom d’une ville très importante de l’Antiquité située en bordure
d’un fleuve nommé l’Euphrate.
19. Matériau le plus important dans la fabrication d’une guitare.
20. Autre nom donné au bois de rose.
21.Terme grec qui signifie « guitare ».
22.Technique de jeu à la guitare qui consiste à utiliser les doigts
de la main droite de façon indépendante.
Verticalement
1. Petit accessoire utilisé par le guitariste en position assise.
2. Marque d’une guitare très rare et très recherchée qui a été
fabriquée en France à un peu moins de 900 exemplaires.
3. Autre nom donné au roi Louis XIV.
5. Je suis un célèbre luthier parisien et j’ai vécu à la même
époque que Louis XIV.
6.Style de musique qui a été inventé aux Etats-Unis
vers la fin du XIXème siècle.
8. Artisan qui fabrique des instruments de musique.
10. Motif en bois, souvent orné de nacre et d’ivoire,
qui entoure l’ouverture de la caisse de résonnance d’une guitare.
11.Nom de famille d’un célèbre guitariste et compositeur brésilien
qui a séjourné dans une tribu indigène.
12. D’origine espagnole, ce luthier est considéré comme le
« père » de la guitare classique moderne.
13. Dieu grec qui aurait inventé la première guitare.
14. Surnom donné à un célèbre guitariste et qui signifie « qui réveille ».
15. Pays où a été inventée la guitare classique.
16.Style musical très populaire dans les années 1920 à Paris
et interprété par des accordéonistes.
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Le projet :
Le projet collectif en classe consiste
à monter une exposition sur la guitare
où la créativité et l’ingéniosité seront
mises à contribution.
Voici ce qu’il faut faire :
En équipe de deux ou trois, effectuez une recherche sur une période de l’histoire de la guitare à travers le
temps, de l’Antiquité jusqu’au XXe siècle, selon un sujet que votre enseignante vous aura attribué.
Avec vos coéquipiers, concevez le matériel d’exposition pour votre kiosque. Si vous le souhaitez, vous pouvez
inclure des extraits sonores pour faire entendre la musique d’une époque en particulier.
La disposition des kiosques dans la classe devra tenir compte de la chronologie de l’histoire de la guitare à
travers le temps.
Une fois les kiosques installés, vous êtes invités à partager vos découvertes avec vos camarades en préparant
un bref exposé oral.
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Corrigé de la Super grille
Vertical
1.Repose-pied
2.Selmer-Maccaferri
3.Roi Soleil
5. René Voboam
6. Jazz
8. Luthier
10. Rosace
11. Villa-Lobos
12. Antonio De Torres
13. Hermès
14. Django
15. Espagne
16. Valse musette
Horizontal
4. Trio
7. Martin
9. Oud
11. Vihuela
12. Arthur Blind Blake
17. Francesco Tarrega
18. Babylone
19. Bois
20. Palissandre
21. Kithara
22. Fingerstyle
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