L`enseignement de l`art dramatique dans les conservatoires

Direction des affaires culturelles
L’enseignement de l’art dramatique
dans les conservatoires de la Ville de Paris
 Conservatoire W.A. Mozart (1er, 2e, 3e, 4e) 7 passage de la Canopée 75001
Alain Gintzburger, comédien, metteur en scène, auteur, vidéaste, performeur… est président de l’Association
Nationale des Professeurs d’art dramatique, titulaire du Certificat d'Aptitude à l'enseignement de l'art dramatique,
diplôme délivré par le Ministère de la Culture (CA). Il a été élève d’Antoine Vitez dont il tient sa passion de
transmettre. « L’école est le plus beau théâtre du monde ». Il fonde sa pédagogie sur l’étude des grands textes du
répertoire (Racine, Claudel, Tchekhov…) afin d’acquérir une méthode de travail inusable pour mieux aller à la
rencontre des écritures contemporaines qu’il faut savoir palper et déchiffrer pour bien saisir les enjeux de l’Art
théâtral en train de s’inventer.
La préparation aux concours des Ecoles supérieures fait partie intégrante du cursus.
Hugues Badet, comédien, titulaire du DE, metteur en scène, ancien élève d’Anatoli Vassiliev, diplômé de l’ENSATT
(section mise en scène).
Son enseignement est basé principalement sur la maîtrise du dialogue dans le répertoire classique et contemporain.
Le jeu est toujours abordé de manière ludique. Les répétitions sont divisées en deux temps : le training physique et
l’interprétation. Un module portant sur l’image est prévu pour chaque élève. Cette partie propose à chacun de relier
le jeu théâtral avec les arts numériques.
Dernièrement, il met en scène plusieurs dialogues de Platon (Euthyphron, Ion, Hippias mineur).
François Cotinaud,
 Conservatoire Gabriel Fauré (5e) 12 rue Pontoise 75005 Paris
Stéphanie Farison, comédienne et metteur en scène, elle a été formée au CNSAD et est titulaire du CA. Elle joue
sous la direction de différents metteurs en scène tant sur des dramaturgies classiques que contemporaines. Elle
travaille également avec des marionnettistes.
Sa pédagogie est fondée sur la rencontre des textes, classiques et contemporains, qu’elle appréhende d’abord comme
une matière ; comment repérer la dramaturgie propre à chaque auteur, les clés de jeu qu’elle ouvre et déployer, à
partir du texte, son propre imaginaire.
 Conservatoire Jean-Philippe Rameau (6e) 3 ter, rue Mabillon 75006
Bernadette Le Sache, comédienne dans des institutions officielles (comédie française, etc.) elle a participé
également à des expériences contemporaines avoisinant le théâtre de rue. Dans son parcours, il y a aussi de grands
tournages, des écritures mises en scène, des radios etc ... "
Son enseignement apporte, beaucoup de rire, du sérieux, de la gravité, du respect de l'autre, pas d'admirations béates;
ouvrir des portes aux jeunes passionnés, ouvrir leurs portes et leur confirmer le bonheur d'être ensemble et d'inventer.
Solène Fiumani, danseuse-chorégraphe, professeur de travail corporel.
La formation complémentaire en danse associe un travail technique basé sur la canalisation de l’énergie liée à la
relaxation à une recherche sous forme d’improvisation. Il s’agit de développer la capacité énergétique du corps en
s’appuyant sur la pratique d’arts martiaux d’origine chinoise (Qi Cong et Tai Ji Quan).
Sylvie Pascaud, sortie de l’école du Théâtre National de Strasbourg, elle a joué sous la direction de Bernard
Sobel- Maria Casarès (Brecht), Jacques Lassalle (Corneille), Georges Aperghis (La Baraque Foraine, tournée
internationale), Alain Bézu (Théâtre lyrique, Opéras), Eric Lacascade-Ballatum Théâtre (Tchékhov), Résidence au
TGP- CDN de Saint-Denis (Sophocle-Th Bernhard-Th Mann…MS,Antoine Caubet), Serge Tranvouez (L’Orestie d’EshyleTNS), Philip Boulay (Musset-T2G), Christian Jehanin (Marivaux), Alain Ollivier (Maeterlinck, Le Marin de Pessoa TGPAnne Alvaro), Jean-Pierre Vincent (Meeting Massera, Festival d’Automne Paris), et dernièrement Anne-Marie Lazarini
(Feydeau, théâtre Artistic Athévains)… Elle a mis en scène With you d’après la correspondance de V. Woolf au TGP,
direction de S. Nordey, Roberto Zucco de B-M. Koltès, Pénélope d’après Les Métamorphoses d’Ovide, Festival « Et
moi, Alors »TGP 2010, Terreur-Olympe de Gouges au Théâtre du Lucernaire en 2013, et dernièrement BBDBB (Th de
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L’Essaïon). Elle mettra prochainement en scène DDS, cabaret poétique et fantaisiste suivi du projet Sacré Silence de
Philippe Dorin. Elle a joué au cinéma et à la TV dans des réalisations d’Alain Philippon, Maxime Beaufay, Fabrice
Tempo, Vincent Soulié, Léa Fazer... Particulièrement sensible à l’engagement du corps et attachée à la langue, elle
dirige et conçoit des ateliers alliant danse et théâtre, des lectures à voix hautes intitulées « Lire en corps » en
partenariat avec le TGP, des écritures au plateau.
Initiation : Pratiquer le théâtre par le jeu d'improvisations, d'écritures au plateau. Des exercices ludiques sont
proposés pour prendre conscience du corps, de la voix, de l'écoute, du regard, de l'adresse au partenaire, dans
l'espace. Des scènes du répertoire classique et contemporain sont travaillées dans un esprit collectif.
Cycle 1, 2, 3 : Le travail se construit sur l’engagement du corps et le rapport à la langue. L’invention du jeu
développe la capacité d’intuition, la justesse du dire. A partir du répertoire classique et contemporain, du texte non
dramatique, de la proposition d’improvisations et d’exercices, des pistes sont explorées, conduisant à l’élaboration de
scènes, de petites formes, de parcours de rôles … Dans une dynamique acquise d’une séance à l’autre, et dans une
réflexion partagée avec les élèves, le théâtre s’invente comme un art collectif qui s’appuie sur le plaisir de jouer, la
capacité à dire, le rapport au partenaire et à l’espace. Un vocabulaire de théâtre et une langue commune se
façonnent à partir des divers matériaux proposés, pour cultiver la singularité de chacun autour d’écritures plurielles.
 Conservatoire Erik Satie (7e) 135, rue de l’université 75007
Nathalie Krebs, comédienne et metteur en scène. Formée à l’ENSATT et au CNSAD de Paris (classe de Pierre
Debauche et d’Antoine Vitez ), elle joue au théâtre notamment avec Antoine Vitez, Roger Planchon, et Laurent Pelly ,
et tourne pour le cinéma et la télévision avec, entre autres, Laurent Heyneman, Peter Kassowitz, Etienne Chatilliez et
Bertrand Tavernier. Elle a été directrice d’Ateliers à l’Aria et responsable pédagogique au CRR de Besançon.
«La formation de l’acteur est ainsi faite, d’intelligence de soi même » Antoine Vitez
« Ma pédagogie est fondée sur la notion d’exercice, de façon à développer en chacun la disponibilité au jeu. Cela
implique l’exercice de style.
Il ne s’agit pas d’enseigner l’irrespect d’un certain théâtre, mais d’accroître la liberté d’expression de l’élève. »
Antoine Vitez
Jeu / Enjeux / Mise en jeu :
Expérimenter de façon ouverte et sans fermer le sens, différentes voies d’exercices et d’interprétations possibles
pour permettre aux élèves de se familiariser avec le travail sur un texte et de déployer ses qualités d’acteur.
Nous travaillerons par thématique afin de traverser des écritures différentes.
La préparation aux concours des Écoles supérieures fait partie intégrante du cursus.
Nadia Vadori- Gauthier, artiste de performance, chercheuse et pédagogue, docteur en esthétique de
l’université de Paris 8 (arts plastiques et arts de la scène). Spécialisée dans diverses pratiques du mouvement (danse,
éducation somatique), elle est professeur certifiée en Body-Mind Centrering®, et en Vinyasa yoga. Sa pratique du
mouvement et de l’image (vidéo, chorégraphie, mise en scène), l’engage à fonder ses recherches artistiques et
théoriques sur son expérience corporelle. Le champ qu’elle explore plus particulièrement aujourd’hui est celui de la
performance. Elle questionne les frontières entre l’art et la vie, l’artiste et le spectateur, le visible et l’invisible, la
forme et l’informe. Ses thèmes actuels de recherche concernent différents seuils de perception et de représentation.
Son enseignement, axé sur le développement de possibilités d’expression et sur l’acquisition d’outils de création, est
principalement fondé sur la conscience du corps en mouvement en relation à son environnement.
Ateliers de mouvement hebdomadaires de 4h30, inter-conservatoires, ouverts sur audition aux élèves des
conservatoires parisiens admis en classe d’art dramatique.
L’atelier est composé de deux parties : échauffement et travail d’atelier.
- L’échauffement est basé sur une série de yoga Vinyasa et de principes d’éducation somatique, afin de développer à
la fois, force, souplesse et conscience corporelle.
- Le travail d’atelier permet d’aborder les questions de l’espace interne et externe, la présence à soi, la présence à
l’instant, la présence à l’autre, le rapport au sol, le rapport au public, l’interprétation et le partage de l’émotion, le
rythme et le rapport à la musique.
Les élèves explorent différentes qualités de mouvements liées à différents systèmes du corps (anatomiques,
sensoriels, organiques) pour pouvoir aborder l’improvisation dansée et la performance.
 Conservatoire Camille Saint-Saëns (8e) 208 Faubourg Saint Honoré 75008 Paris
Marc Ernotte, comédien depuis une trentaine d’années, il a joué des auteurs aussi divers que Molière, Jean Luc Lagarce,
Peter Handke, Beaumarchais, Marivaux, Heiner Muller, Hofmannsthal etc.
Il est titulaire du CA. L’enseignement qu’il dispense au conservatoire allie le travail du corps (écoute, mise en jeu,
disponibilité…) et l’interprétation de textes classiques et contemporains. Il s’efforce d’enseigner la rigueur nécessaire et la
créativité indispensable à la liberté du comédien.
Les cours se déroulent le lundi toute la journée et le mardi et le jeudi matin. Le jeudi après-midi est réservé au yoga et à
l’improvisation avec Jean Luc Verna.
 Jean-Luc Verna, enseigne aux élèves comment s’approprier, accorder et rendre plus conscient son corps : la
respiration, l’ancrage, la fluidité, la tonicité et la relaxation. Ce travail affine la disponibilité physique et mentale.
Les exercices sont puisés dans le yoga revisité pour le comédien. L’élève évolue vers l’expression théâtrale. Le travail
s’appuie sur la dynamique de groupe et le solo par l’improvisation et développe la créativité, l’émotionnel, l’écoute,
l’espace, l’adaptabilité…
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 Conservatoire Nadia et Lili Boulanger (9e) 17 rue Rochechouart 75009 Paris
Jean-Marc Popower, Comédien, metteur en scène de théâtre et d’opéra, pédagogue (titulaire du Concours
externe de la fonction publique territoriale et de celui de la Ville de Paris) :
C’est en 1976, au Théâtre École de Montreuil, dirigé par Jean Guerrin qu’il emprunte les chemins du théâtre, ensuite
son parcours est jalonné de multiples expériences artistiques, pédagogiques et humaines en tant que comédien,
assistant et metteur en scène.
Assistant de Jean Paul Wenzel à l’École du TNB ( 1997-2000), il intègre le CRR de Lille en 2004 puis le CMA 9 en 2009.
«Joue le jeu. Menace le travail encore plus. Ne sois pas le personnage principal. Cherche la confrontation. Mais n’aie
pas d’intention. Évite les arrière-pensées. Ne tais rien. Sois doux et fort. Soit malin interviens et méprise la victoire.
N’observe pas, n’examine pas, mais reste prêt pour les signes, vigilant. Sois ébranlable. Montre tes yeux, entraîne les
autres dans ce qui est profond, prends soin de l’espace et considère chacun dans son image. Ne décide
qu’enthousiasmé. Échoue avec tranquillité. Surtout aies du temps et fais des détours. Laisse-toi distraire. Mets-toi
pour ainsi dire en congé.
« Ne néglige la voix d’aucun arbre, d’aucune eau. Entre où tu as envie et accorde toi le soleil. Oublie ta famille,
donne des forces aux inconnus, penche toi sur les détails, pars où il n’y a personne, fous toi du drame du destin,
dédaigne le malheur, apaise le conflit de ton rire. Mets-toi dans tes couleurs, sois dans ton droit, et que le bruit des
feuilles devienne doux. Passe par les villages, je te suis... »
Peter Handke, extrait de « Par les villages »
Le projet pédagogique de la classe est que l’élève développe sa singularité et sa créativité au sein d’un collectif
autour d’une ouvre, d’un auteur, d’une langue, d’une thématique, d’un rôle (un groupe - Cycle 1 et un groupe - Cycle
2 et 3).
Des cours de danse, mime, chant sont dispensés dans le cursus.
 Conservatoire Hector Berlioz (10e) 6, rue Pierre Bullet 75010 Paris
 Michèle Garay, depuis plus de 30 ans, elle joue avec les différents métiers des arts du spectacle. Ses
connaissances éclectiques l'ont amené à être tour à tour : Comédienne, assistante à la mise en scène, metteur en
scène, conceptrice de spectacle et depuis 1992, Professeur d'Art Dramatique au conservatoire du 10 ème.
Séances de groupe :
Ces séances d’entraînement sont essentiellement des séances de laboratoire en groupe. Le rapport frontal entre la
scène et la salle est cassé. Cette approche scénique aide à trouver les personnages par le biais du corps, l’écoute et la
création collective y sont favorisées, aboutissant à déployer le potentiel de l’acteur, lui donnant accès à son
imaginaire et à sa fantaisie. L’acteur s’exerce ainsi à une bonne gestion de l’espace scénique ; il accroît également sa
faculté à intégrer rapidement une multitude de « règles du jeu », pour s’entraîner à assimiler rapidement les
indications qui lui seront données par un metteur en scène : travail sur la respiration - prise de conscience de
l’amplitude respiratoire - comment s’effectue la circulation de la respiration, où puiser l’énergie, comment
développer sa puissance vocale ?... Cet accès « à l’intérieur » facilite une ouverture sur l’autonomie créative.
L’acteur s’exerce à pénétrer consciemment dans le monde clos de la sensation. Il part à la découverte de lui-même,
réapprend son corps, dessine et colore sa palette émotionnelle, redécouvre cet outil incroyable, son instrument de
jeu : « le corps de l’acteur »
Séances individuelles :
Ce travail de recherche est ensuite développé dans une mise en espace scénique, sur le plateau favorisant ainsi le travail
individuel : une direction d’acteur approfondie, une précision du mouvement et de l’occupation du plateau.
L’exploration de « l’outil théâtral » dans sa globalité : le corps, le corps dans l’espace, la puissance de la présence, de la
voix. L’étude du rapport à « l’autre », le respect du texte, de l’auteur, de son époque, l’analyse sociale … La recherche
de la situation, des enjeux, des personnages, leurs psychologies… l’écoute, le regard, la sensation, l’imaginaire…
Rechercher, découvrir, approfondir ; pour que l’acteur puisse proposer un jeu fort, personnel et particulièrement subtil.
« L’espace intérieur - l'espace extérieur » - « affirmer sa présence scénique et son originalité».
 Sandra Rebocho, formée à l'Ecole de la Comédie de Saint-Etienne (formation professionnelle de l'acteur), elle
travaille avec des pédagogues comme Alexandre Del Perugia ou Anatoli Vassiliev. A sa sortie, elle rejoint l'équipe de
comédiens de Serge TRANVOUEZ pour plusieurs créations. Elle part sur les routes de France au sein de compagnies
diverses (conventionnées, de rue...) pendant plusieurs années. En 2006, elle est professeur au Conservatoire à
Rayonnement Départemental d'Argenteuil où elle met en place le Département Théâtre. Vice-présidente de l'ANPAD
(Association Nationale des Professeurs d'Art Dramatique). En 2010, elle crée la compagnie La Tumulte en réunissant
un groupe d'artistes (comédiens, musiciens, techniciens, plasticiens, vidéastes) et travaille en partenariat avec le
collectif de musiciens Tourangeau, La Saugrenue. Elle est titulaire du CA. L'enseignement du théâtre au sein du
conservatoire est pour elle, un art de la transmission précieux et rigoureux, semblable au travail de direction d'acteur.
L'enjeu étant d'accompagner, de bousculer parfois, chaque élève à « interroger le plateau » de façon singulière, à travers
des textes du répertoire classique et contemporain français ou étranger, des « ateliers d'expérimentation pratiques »,
des techniques diverses (clown, masque, marionnette...), et différentes approches et techniques (scènes, chœurs,
monologues, improvisations, « ligne des actions physiques », « distanciation », performances, propositions personnelles,
ateliers d'écritures, travail corporelle, travail sur la « langue » d'un texte, découvertes d'écritures...). C'est une aventure
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rare et magnifique où l'apprentissage se fait tant à partir de l'univers de chacun qu'au sein d'un groupe fort et unit, avec
curiosité, ludisme et exigence.
 Gatienne Engélibert, comédienne, metteur en scène, pédagogue, a suivi l’enseignement de Jacques Lecoq et
de Philippe Gaulier. Elle privilégie un parcours d’équipe dans lequel la recherche, l’improvisation et la gestuelle sont
importantes. Depuis 1984, elle joue et met en scène essentiellement au sein de compagnies : Le théâtre des 13 lunes
en Suisse qu’elle co-dirige pendant quatre ans, La carriole, compagnie rennaise de théâtre itinérant dirigée par
Isabelle Tanguy, Ailleurs c’est ici théâtre forain alliant clown, marionnette et chant en région Bretagne, Le jardin des
planches en Normandie et Le théâtre du Frêne dirigé par Guy Freixe, un compagnonnage depuis 1989. Développe
depuis de nombreuses années une activité de pédagogie sous forme de cours ou de stages, basée sur un travail
d’improvisations, de jeu masqué et autour d’auteurs classiques et contemporains.
Module improvisation et masque le mercredi matin :
Etude des mouvements et l’énergie corporelle liée aux éléments, aux matières, aux animaux, aux états émotionnels.
Improvisation individuelle et collective pour chercher à mettre en jeu l’imaginaire, le langage du corps, la relation à
l’espace, à être au présent dans un rythme juste. Nous irons à la découverte des différents types de masques –
neutres, larvaires, commedia dell’arte, balinais. A partir d’exercices puis d’improvisations, nous aborderons les
techniques de base et éprouverons l’imaginaire corporel que le jeu masqué impose. Des textes classiques et
contemporains nous serviront parfois de support de jeu.
 Annick Laurent, comédienne et pédagogue, formée à l’Ecole Internationale de Mime, Mouvement, Théâtre,
Jacques Lecoq à Paris, elle complète sa formation auprès d’Ariane Mnouchkine durant trois périodes au Théâtre du
Soleil en jeu masqué, et en clown avec Philippe Gaulier. Elle travaille en Suisse sous le chapiteau du Théâtre Tel Quel
et fait la première tournée du Cirque du Soleil au Québec avec un spectacle de clown, des numéros de masques ainsi
que des spectacles de rue. De là, elle gardera toujours des affinités avec le milieu du cirque, et enseignera au Centre
National des Arts du Cirque et actuellement à l’Académie Fratellini. Elle fonde le Théâtre du Frêne sur l’initiative de
Guy Freixe, avec Gatienne Engélibert, elle joue dans le Baladin du monde occidental, et est toujours enseignante
dans de nombreux stages initiés par la compagnie. A la suite de stages afdas qu’elle anime à Lyon auprès de la
compagnie Kilina Cremona-Roger Méguin sur le clown et le jeu masqué, elle joue dans le spectacle Actéon, qui mêle
danse contemporaine et baroque, puis avec la compagnie Tendanse à Paris, ou mime, danse et théâtre accompagnent
des textes de Jacques Roubaud. Elle crée la Compagnie Tempo Rubato qui a pour buts l’écriture de numéros
clownesques, le spectacle « Le travail, la guerre, la beauté » se fait remarquer deux saisons au festival d’Avignon.
Elle enseigne au Conservatoire de Rennes, faculté d’Amiens, Ecole le Cours, Conservatoire intercommunal de Gentilly,
avec une classe mime, masques et clown depuis plus de 20 ans.
Module improvisation et masques le jeudi matin :
Cet atelier se propose de fortifier les bases du jeu d’acteur par la pratique de l’improvisation, l’analyse des
mouvements, leur dynamique, grâce à l’identification aux éléments, aux matières, et aux animaux. Le masque neutre
ou noble ouvre une « page blanche » sans conflit intérieur, il accentue la réceptivité et l’expressivité, la présence de
l’acteur, dans le silence, l’équilibre, l’économie des gestes et leur humanité pour traiter les grands thèmes de l’éveil,
du choix, de l’adieu, et du chœur. Découverte des masques dits « larvaires » provenant des ateliers du carnaval de
Bâle, les demi-masques de la commedia dell’arte, et ceux du topeng (caractères populaires) de Bali.
Une séance de 3h30 comportera 3 temps : travail corporel, improvisation et jeu masqué en faisant toujours le lien
avec la voix, la diction et support de textes appropriés, ainsi qu’un temps pour la création en petits groupes.
 Conservatoire Charles Munch (11e) 7, rue Duranti 75011
 Philippe Perrussel propose une interprétation des répertoires classiques, contemporains, étrangers. Technique
et jeu de l’acteur. Il s’agit de transmettre la conscience autonome, pratique et concrète de ce que l’acteur est sur
scène, avec les autres, face aux autres, au centre du théâtre. Bref, l’aider à mieux se recentrer sur lui-même afin
d’être disponible à l’autre, cet autre qui est le partenaire, le metteur en scène, mais aussi le public, le théâtre :
jouer. Maîtriser un certain nombre d’outils : la voix, le corps, l’espace, l’appréhension et la compréhension d’une
scène, d’une situation dramatique, d’un personnage, l’intelligence du texte, la présence sur le plateau, la sensibilité.
Donc, acquérir des connaissances techniques et artistiques fondamentales et indispensables, mais aussi se forger un
goût, grâce à des pistes de travail, de lecture, et des pratiques dirigées.
- Se recentrer : Le training : un travail quotidien, ou presque !
- Jouer : L’interprétation, au cœur même du travail.
- Devenir autonome : Sous forme d’ateliers autogérés par les élèves, réalisation de pièces courtes, d’actes
ou de montages de textes pouvant faire l’objet de représentation au sein du conservatoire, participant ainsi
à l’activité culturelle de l’école. L’élève conserve la maîtrise du choix, de la distribution, de la mise en
scène, des costumes, des décors, etc.… Le professeur contrôle, conseille.
- S’ouvrir aux autres : Projets interdisciplinaires.
 Nadia Vadori-Gauthier est chorégraphe, performeuse et plasticienne vidéo. Elle est professeur de Vinyasa yoga
et praticienne certifiée en Body-Mind Centering®. Ses investigations sont basées sur la perception interne et externe.
Elle explore le corps en mouvement, le corps sensible, somatique, poétique, organique pour définir d’autres formes
de corporéités que celles qui sont imposées par certains apprentissages. Elle partage son temps entre la création, la
recherche en tant que doctorante en esthétique à l’Université Paris 8 et l’enseignement.
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Ateliers de mouvement hebdomadaires de 4h, inter-conservatoires, ouverts sur audition aux élèves des conservatoires
parisiens admis en classe d’art dramatique. L’atelier est composé de deux parties : échauffement et travail d’atelier.
- L’échauffement est basé sur une série de yoga Vinyasa et de principes d’éducation somatique, afin de
développer à la fois, force, souplesse et conscience corporelle.
- Le travail d’atelier permet d’aborder les questions de l’espace interne et externe, la présence à soi, la
présence à l’instant, la présence à l’autre, le rapport au sol, le rapport au public, l’interprétation et le
partage de l’émotion, le rythme et le rapport à la musique. Les élèves explorent différentes qualités de
mouvements liées à différents systèmes du corps (anatomiques, sensoriels, organiques) pour pouvoir aborder
l’improvisation dansée et la performance. Ils composent des petites formes. Le travail est présenté chaque
année au Théâtre Silvia Monfort.
  Conservatoire Paul Dukas (12e), 51 rue Jorge Semprun,75012 Paris
Carole Bergen, danseuse, comédienne et metteur en scène, professeur titulaire a travaillé notamment avec :
Brigitte Jaques-Wajeman; Etienne Bierry; Géraldine Bourgue ; Joël Jouanneau ... Elle a joué de nombreuses créations
au Théâtre de la Commune, Paris-Villette, CDN de Sartrouville et Scène Nationale de Cergy-Pontoise. Elle travaille
depuis 15 ans la lecture à voix haute au sein de la Cie « les Mots Parleurs » en résidence au théâtre de l’Odéon, l’Onde à
Vélizy et la scène nationale de Beauvais-Compiègne. Elle enseigne à l’ESAD où elle est également la Conseillère aux
Etudes.
Le travail au conservatoire met en valeur l'engagement et la maîtrise du corps, l'acquisition des bases du jeu de l'acteur à
travers tous les répertoires. Le travail fondamental sur la langue, le souffle, le rythme d’une écriture et l’éveil des sens
dans l’approche textuel est très développé. La pédagogie laisse une grande part au travail de recherche et de partage du
plateau en grand groupe et met l’accent sur le croisement des arts (travail avec des musiciens et des élèves de l'atelier
chorégraphique) ainsi que sur la découverte, la connaissance et la pratique de toutes esthétiques diverses du théâtre
(théâtre documentaire, engagé, utilisation de la vidéo etc…). L’autonomie et le développement d’un univers artistique
personnel est au centre de cette pédagogie basé sur le groupe, la troupe et le laboratoire.
Sylvie Pascaud, comédienne et metteure en scène, formée à l’école du Théâtre National de Strasbourg.
Elle joue de nombreux auteurs classiques et contemporains sous les directions de J Lassalle, B Sobel, A Vitez, JP
Vincent, G Aperghis, A Ollivier, F Fisbach, E Lacascade, A Caubet, B Meyssat, C Jehanin, S Tranvouez, AM
Lazarini… Elle met en scène Koltès, Virginia Woolf, Ovide, Olympe de Gouges et récemment du théâtre musical…
Elle fut collaboratrice à l’action artistique du TGP-CDN de St-Denis, à la conception, à la coordination et la direction
d'ateliers durant 15 ans.
Sensible au répertoire classique et contemporain, jusqu’aux écritures d’aujourd’hui et tendances artistiques
émergentes, elle vise à développer l’imagination, le sens intelligent, la curiosité, la prise de risque, l’audace et la
singularité de chacun. Au sein du collectif, elle interroge les qualités de jeu et de présence, le rapport essentiel à la
langue et la mise au travail du corps en résonnance (énergie, rythme, écoute). En recherche depuis quelques
années, elle s’intéresse au croisement du théâtre et du travail chorégraphique qui influence ses mises en scène et son
travail de pédagogue. Elle travaille avec des instrumentistes, chanteurs, danseurs et dirige un atelier de Mise en
Scène au sein des conservatoires. Elle s’intéresse également à l’écriture scénique et la production d’images qu’elle
propose aux élèves de mettre en chantier. Sa pédagogie s’inscrit à la fois dans la construction d’un projet collectif, et
dans la découverte du travail de scènes individuelles pouvant se destiner à la préparation des concours aux Écoles
Supérieures. Attentive à la transformation de l’élève, son art d’enseigner est exigeant, vivant, sensible à l’esprit
d’ouverture, laissant la part belle à l’invention.
 Charles Piquion, conteur, depuis plus de 20 ans il raconte pour tous les publics en France et à l'étranger. Après
un passage par le théâtre et le théâtre d'improvisation il se consacre aujourd'hui essentiellement à l'art du conte,
explore les champs de la performance, du théâtre de rue et des récits de vie. Il cherche à tisser des passerelles avec
d'autres disciplines artistiques, telles que le cirque, la danse, les arts plastiques, la musique constitue un des
aspects privilégié de son travail. Formateur auprès de professeurs et personnels de l'éducation, il a dispensé des
formations en qualité d'expert associé pour les enseignants en formation du Centre international d'études
pédagogiques.
Quelques axes de son travail :
Le conte dans sa dimension symbolique
L'approche du conte par l'improvisation
Recherche de sa voix et de son écriture orale
Le passage de l'écrit à l'oral ou l'art de l'appropriation d'un conte
La musicalité du conte
Les différents types de contes
Le corps du conteur en jeu
L'imaginaire comme outil d'exploration d'un conte.
 Agnès Proust, Comédienne, metteuse en scène, pédagogue. Après sa formation à la Rue Blanche ENSATT, un
parcours semé de belles rencontres théâtrales, elle a travaillé notamment avec Brigitte Jaques, Ladislas
Chollat, Elisabeth Chailloux, Magali Léris, Adel Hakim, Jean-Luc Revol, JM Villégier, Bob Wilson, Arlette Téphany,
Pierre Meyrand, Félix Pruvost, Mathieu Loiseau, G Bourgue, F Berthier, YHachémi… pour le répertoire classique et
contemporain, mais aussi pour des créations collectives en écriture de plateau
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Cycle 1 : Acquisition du socle indispensable à toute pratique théâtrale.
-La Partition Corporelle et Vocale ; tel un musicien apprendre à travailler son instrument en le maîtrisant : approche
de techniques variées, danse (orientale, flamenco, contemporaine) Yoga, Taï -chi …
-Découverte de différentes formes de langages théâtraux / Le texte : contemporain, classique, la poésie, travail
d’écriture, écriture de plateau /La dramaturgie /Le groupe comme richesse et comme tuteur : tout en continuant son
travail personnel, devenir un membre à part entière du groupe en s’engageant sur le plateau, en étant spectateur
actif des autres, en étant force de proposition
Exploration de certaines méthodes d’expressions théâtrales : par le biais des techniques de la commedia dell’arte, du
clown, du conte
-S’enrichir des auteurs : aborder différentes écritures dramatiques, (auteurs contemporains, étrangers, vers classique,
baroque) par des montages de scènes autour d’un thème commun/ sur une seule œuvre/ travailler la lecture engagée
à voix haute, le monologue et ce qu’il a d’ambitieux, la force de la choralité
-Rendez-Vous avec le public :
L’artiste-formateur proposera en plus des RV habituels, des RV ponctuels : en dialogue avec le groupe et leur
professeur, les élèves pourront proposer des thèmes, des scènes, des situations théâtrales, des personnages auxquels
ils ont envie de se confronter, afin de se construire des expériences personnelles et collectives comme premiers pas
vers l’autonomie.
 Conservatoire Maurice Ravel (13e) 21 rue Albert Bayet 75013 Paris
 François Clavier, comédien, metteur en scène et pédagogue (titulaire du CA), élève de François Florent, Jean
Louis Martin-Barbaz , puis au C.N.S.A.D. d'Antoine Vitez. Licencié de russe. Spécialiste du théâtre d'A. Ostrovski.
Comédien, a travaillé au théâtre avec entre autres A. Vitez, K.M. Grüber, J.P. Vincent, P. Desveaux, B. Sobel, J.
Boillot, A. Timar, M.C. Soma, G. Stoev, J. Vidit, M. Leclerc. Au cinéma avec entre autres M.Deville, A. Guiraudie,
Roshdy Zem etc…
Cette année au festival d’Avignon 2016 et en tournée avec « le discours de la servitude volontaire » d’Estienne de La
Boétie, créations de « Nuit de Grenade » de François-Henri Soulié au théâtre de Tarbes et en tournée dans le SudOuest, de « Métropole » de Vincent Farasse au Théâtre « La virgule » à Tourcoing et de « Beaucoup de verre, un peu
d’acier » de Baptiste Dezerces au festival du Val d’Oise 2017.
Le travail au conservatoire du 13ème se concentre avant tout sur la gaîté de l’acteur dans la rencontre corps-texte.
Cours de danse avec Patricia Alzetta, cours de chant avec Tamara Dupuis et cours d'écriture avec Jean Louis Bauer.
Présence forte d'Agnès Adam, responsable des classes d'initiation.
 Jean-Louis Bauer, auteur dramatique et pédagogue, est coordonnateur du Pôle Pilote « Ecritures Théâtrales
Contemporaines ».
L’écriture étant souvent une pratique solitaire, ce pôle est un lieu de confrontation :
Apprendre à parler du contenu d’un texte théâtral, analyser sa construction, décortiquer les situations, construire des
personnages, appréhender la langue et le style; tout cela pour mieux définir la théâtralité du texte et toucher du
doigt sa signification. Comprendre comment développer son imaginaire. Qu’est-ce qui fait levier ? Découvrir le
répertoire contemporain. Les textes une fois terminés seront mis à l’épreuve par des lectures, mis en espace et
pourquoi pas produits lors de spectacles chaque fois que cela sera possible. : Le cours dispensé par Jean-Louis Bauer*
se déroulera le mardi entre 9h et 13h, 14h et 18h (l’organisation des groupes se fera en septembre).
 Conservatoire Darius Milhaud (14e) 26, rue Mouton Duvernet 75014 Paris
 Nathalie Becue-Prader, comédienne et pédagogue, formée au CNSAD (classes de Jean-Paul Roussillon, Antoine
Vitez), pensionnaire de la Comédie Française (1982-1988), titulaire du CA d’art dramatique (1993).
 Félix Pruvost, acteur, auteur, metteur en scène, pédagogue, offre aux élèves son expérience de ces différents
points de vue sur le Théâtre.
Loin du formatage et du renfermement sur soi, c’est une approche ouverte qu’il propose : acquérir un savoir-faire
(techniques corporelles et vocales précises et solides ; conscience de l’espace, conscience du partenaire et du public
(à travers des jeux théâtraux et des improvisations) ; s’approprier un texte (classique ou contemporain, voire non
théâtral) ; analyse dramaturgique d’une œuvre ; écriture…), une ouverture sur le monde, sur les autres, un goût pour
les arts, une curiosité, une méthodologie artistique personnelle…
Cet ensemble forme un Tout ouvert et joyeux, une approche globale de l’Art du Théâtre."
 Nadia Vadori-Gauthier est chorégraphe, performeuse et plasticienne vidéo. Elle est professeur de Vinyasa yoga
et praticienne certifiée en Body-Mind Centering®. Ses investigations sont basées sur la perception interne et externe.
Elle explore le corps en mouvement, le corps sensible, somatique, poétique, organique pour définir d’autres formes
de corporéités que celles qui sont imposées par certains apprentissages. Elle partage son temps entre la création, la
recherche en tant que doctorante en esthétique à l’Université Paris 8 et l’enseignement.
Ateliers de mouvement hebdomadaires de 4h, inter-conservatoires, ouverts sur audition aux élèves des
conservatoires parisiens admis en classe d’art dramatique.
L’atelier est composé de deux parties : échauffement et travail d’atelier.
- L’échauffement est basé sur une série de yoga Vinyasa et de principes d’éducation somatique, afin de
développer à la fois, force, souplesse et conscience corporelle.
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- Le travail d’atelier permet d’aborder les questions de l’espace interne et externe, la présence à soi, la
présence à l’instant, la présence à l’autre, le rapport au sol, le rapport au public, l’interprétation et le
partage de l’émotion, le rythme et le rapport à la musique.
Les élèves explorent différentes qualités de mouvements liées à différents systèmes du corps (anatomiques,
sensoriels, organiques) pour pouvoir aborder l’improvisation dansée et la performance. Ils composent des
petites formes. Le travail est présenté chaque année au Théâtre Silvia Monfort.
 Conservatoire Frédéric Chopin (15e) 43 rue Bargue 75015 Paris
 Anne Raphael, formée au CNSAD, comédienne, metteur en scène, enseignante. (CA d'art dramatique), travail du
corps, de la voix, du mouvement, puis les mots, transmettre le texte, arriver à la composition du personnage et son
interprétation, tant dans le théâtre classique que contemporain...
 Jean-Luc Verna enseigne aux élèves comment s’approprier, accorder et rendre plus conscient son corps. Les
grands points sont : la respiration, l’ancrage, la fluidité, la tonicité et la relaxation. Ce travail affine la disponibilité
physique et mentale. Les exercices sont puisés dans le yoga revisité pour le comédien. Fort de cette première étape,
l’élève évolue vers l’expression théâtrale. Le travail s’appuie sur la dynamique de groupe et le solo par
l’improvisation et développe la créativité, l’émotionnel, l’écoute, l’espace, l’adaptabilité…
 Vincent Farasse est auteur, metteur en scène, et comédien. Formé à l’ENSATT (section comédien), puis suit
plusieurs stages avec Anatoli Vassiliev. Il joue notamment sous la direction de Marie-Sophie Ferdane, Gilles
Chavassieux, David Mambouch, David Jauzion-Graverolles, Guillaume Doucet, Grégoire Ingold, et met en scène Alladine
et Palomides et La mort de Tintagiles de Maeterlinck au Théâtre des Marronniers en 2007, et Loin de Nedjma, d’après
Kateb Yacine et Ismaël Aït Djafer au CDN de Valence en 2009. En 2009, au JTN, et à Naxos-Bobine, il met pour la
première fois en scène un de ses textes, L’enfant silence (revue Europe, 2009). Il écrit et met en scène Le passage de
la comète en avril 2012 au Studio-Théâtre de Vitry. Sa pièce suivante, Mon oncle est reporter (à paraître aux éditions
Actes Sud Papiers), est mise en espace à Théâtre Ouvert et diffusée sur France-Culture. Il est auteur associé au CDR de
Vire pour la saison 2012-2013. Il y écrit Cinq jours par semaine, qu’il met en scène avec la troupe permanente.
Il propose une prise de conscience de son instrument, exercices physiques, respiratoires, et vocaux. Pratique de
l’improvisation : improvisations libres, visant à développer l’imaginaire et l’organicité, et improvisations structurées,
pour aiguiser le sens de la composition et apprendre à développer son imaginaire à travers un cadre.
Analyse par le jeu de la structure d’une œuvre, d’une scène, à la fois sous l’angle de la situation, et du
développement de la pensée en action.
Apprendre à différencier les œuvres, à distinguer les différents types d’écritures dramatiques, et en quoi elles
appellent différentes réponses par le jeu.
 Conservatoire Francis Poulenc (16e) 11, rue de la Fontaine 75016
 Eric Jakobiak, ancien élève de l'ENSATT, il a joué au théâtre Corneille, Molière, Racine, Shakespeare, Pasolini,
Léonid Andreeiev, Eugène Durif, sous la direction de metteurs en scène très différents Brigitte Jaques-Wajemann,
Thibault Perrenoud, Xavier Marcheschi, Stanislas Nordey, Georges Gagneré... Actuellement en création de «La Mouette»
d’après Anton Tchekov mise en scène de Thibault Perrenoud de la cie Kobal't pour le Théâtre de la Bastille au printemps
2017.
Depuis quelques années, il se consacre à l'enseignement dans les conservatoires et à la formation de formateurs.
Titulaire d'un D.E et d'un C.A théâtre il a enseigné cinq ans au CRR du Grand Avignon avant de prendre en charge en 2008
la classe de théâtre du CMA 16.
Le cursus de la classe théâtre comporte seize heures de cours répartis dans la semaine pour 2016/2017
-les lundis de 14 h 30 à 17 h 30 pour l'atelier commun d’improvisation puis de création sur une thématique et un auteur.
Atelier cycle 1 le soir de 18 h à 20 h dont l'objectif est d'aborder par la maîtrise du passage du texte littéraire ou
poétique à la parole adressée, une conscience des fondamentaux physiques et vocaux du corps de l'acteur.
-les mardis matins scènes et accompagnement l’après-midi des Cartes blanches aux élèves, et préparation des candidats
aux examens de fins d’études, ( AET et CET).
-les jeudis de 10 h à 14 h 30 dans l’auditorium atelier commun à tous les cycles. L’objectif étant de développer la
dimension vocale (souffle, appareil vocal et son), et syntaxique afin de maîtriser les règles prosodiques du français et de
pouvoir en jouer...Chaque cours commence par un travail collectif corporel et vocal. Un collège pédagogique composé
de comédiens et metteurs en scènes invités suit la progression des élèves en assistant aux présentations et évaluations
trimestrielles. Les jeudis de 15 h à 18 h : atelier cycle 2 et 3.
Font également partis du cursus :
-Plusieurs partenariats avec le Théâtre de la Bastille, et le Théâtre National de la Colline.
-Rythme corporel atelier bimensuel avec Eric Genevois professeur de percussions traditionnelles.
Et pour les cycles 2 et 3 :
-Chant avec Laurent Mercou professeur de chant et musiques actuelles ainsi qu’un atelier hebdomadaire polyphonique
dirigé par Pierre-Michel Sivadier les mardis soirs - Danse classique avec Jocelyne Dubois directrice du CMA 16.
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 Conservatoire Claude Debussy (17e) 29, av de Villiers 75017
Le nouveau conservatoire du 17e accueillera les élèves au 220-222, avenue de
Courcelles 75017, à partir du 23 septembre 2013
 Claire Gernigon, comédienne et pédagogue (titulaire du CA) : formée à l'Ecole Jacques Lecoq – (A travaillé entre
autres avec le théâtre de La Jacquerie, CDN Angers Claude Yersin, Le théâtre du Lierre, Bernard Lévy, Jean-Louis Hourdin)
Elle enseigne depuis 2009 ans dans les Conservatoires à Paris :
En abordant les textes du répertoire classique et contemporain le travail consiste pour chacun à :
— Renforcer sa présence au plateau, savoir être là, disponible au texte, au partenaire, à son imaginaire.
— Savoir se centrer, développer l’écoute et la concentration, s’investir
— Comprendre les enjeux du texte
Le travail allie entraînement vocal et corporel, interprétation de textes - Analyse de l’écriture (mouvement, rythme,
respiration) - et improvisations, travail individuel et collectif.
Une approche du jeu masqué est abordée en cours d’année, du masque neutre au demi-masque en passant par le
masque expressif.
Frédérique Pierson, Atelier de Théâtre Contemporain inter-conservatoires
Le VENDREDI de 14H à 20H au CMA17
Cet atelier s'adresse aux candidat-e-s déjà initié-e-s à une pratique théâtrale qui cherchent à explorer les nouvelles
écritures théâtrales et à développer de nouvelles formes de jeu et de techniques.
Il met en œuvre un projet structuré sur l'année scolaire et nécessite une présence régulière et un engagement actif et
constant!
Admission sur audition et entretien vendredi 14 2016 octobre (éventuellement le 21 octobre) après la constitution des
classes d'art dramatique des différents conservatoires.
Préparez une scène ou un monologue du répertoire contemporain : Anja Hilling, Denis Kelley, Martin Crimp, Lazare,
Claudine Galea, Noëlle Renaude, Pierre Notte, Angelica Liddell, Pierre Meunier, Frédéric Sonntag, Falk Richter,
Laurent Gaudé ...
 Conservatoire Gustave Charpentier (18e) 29 rue Baudelique 75018 Paris
Jean Luc Galmiche, professeur diplômé d’Etat, titulaire du CA pour l’art dramatique. Son CV détaillé sur le site
de l’Association Nationale des Professeurs d’Art Dramatique (ANPAD) à l’adresse : http//www.anpad.fr.
Les cours ont lieu en semaine, du lundi au samedi, à l’Auditorium du Conservatoire, en salle de danse et au Théâtre
de la Manufacture des Abbesses. La classe d’art dramatique met un accent particulier sur l’engagement du corps de
l’acteur dans l’acte de création. La formation des élèves est complétée par un travail spécifique autour de la voix, de
la diction et de l’alexandrin.
Frédérique Pierson : formée à l'ENSAD de Strasbourg, elle a participé en tant que comédienne à de nombreux
projets du Studio-Théâtre de Vitry dirigé par J.Lassalle, du Théâtre Populaire de Lorraine et du Théâtre de Strasbourg
entre autres... Elle propose un travail collectif de recherche et de mise en jeu / voix / chant / danse des écritures
contemporaines pour interroger le réel et le poétique, le monde et la place de l’individuel au théâtre. Elle travaille
sur le théâtre classique en alexandrins au CMA18 avec la classe d'art dramatique de J-Luc Galmiche. Diction (livrets en
français, allemand, anglais, italien), interprétation : classes de chant (l’inscription se fait au conservatoire du 18e
mais les cours « Atelier Théatre Contemporain » ont lieu au conservatoire du 17e)
Nicolas Gousseff, comédien, marionnettiste (diplômé de l’ENSAM de Charleville-Mézières) : initiation à l’art de la
marionnette.
Alexandra Vuillet, comédienne marionnettiste, se forme auprès d'Emilie Valantin (théâtre du Fust), Alain Recoing
(Théâtre aux mains nues), Ismaël Safwan et Corine Linden (Flash Marionnettes). En 1998, elle participe à la fondation
de la Compagnie Arnica, Théâtre de marionnettes pour Adultes, avec Emilie Flacher et Elise Garraud. A Paris en 2011,
elle fonde le groupement d'artistes - Wu wei art association- avec Anne-Catherine Nicoladzé et Magali Albespy
(artistes chorégraphiques). Elle partage son temps entre les créations et l'enseignement. Elle intervient comme
professeur au Théâtre aux Mains nues, où elle accompagne les projets personnels de fin d'année des étudiants. Elle
enseigne également le Zhi Neng Qi Gong, Moniteur diplômée de la fédération française de Wushu – Arts énergétiques
et martiaux chinois.
Au conservatoire :
Atelier d'initiation à la marionnette, inter-conservatoire, 3h hebdomadaire.
Préparation physique inspirée des pratiques énergétiques internes chinoises pour affiner les perceptions et la
conscience de l'être en scène, apprentissage des fondamentaux de la manipulation avec comme instrument la
marionnette à gaine, fabrication de sa marionnette, exploration d'autres techniques de manipulation (marionnette sur
table de type bunraku, manipulation chorale de grandes figures, figures en 2D, théâtre d'objets,...), et préparation
aux concours.
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 Conservatoire Jacques Ibert (19e) 81 rue Armand Carrel 75019 Paris
 Eric Frey, comédien et pédagogue. Elève d'Antoine vitez, Pierre Debauche et Michel Bouquet au C.N.S.A.D
(promotion 1980). Ancien pensionnaire de la Comédie Française (1989-1998). A joué sous la direction entre autre de
J.p Vincent, M. Paquien, L.Laffargue, J.Rebotier, J.p Roussillon, G.Lavaudant, A.Francon, A.Vassiliev, P.Kerbrat, J.l
Boutté, A.Vitez, A.Engel, D.Mesguich...
La pédagogie s'appuie sur trois principes complémentaires:
- Diriger les élèves afin qu'ils découvrent puis trouvent leur autonomie et se responsabilisent
- Susciter leur créativité, leur imaginaire sur les œuvres abordées (classiques et contemporaines)
- Développer un travail à base d'improvisation afin d'y renforcer le groupe, l'écoute de l'autre, l'adresse.dans le plaisir
et la confiance.
Utiliser aussi pour cela toute autre forme artistique pouvant l'accompagner : musique, arts plastiques, danse, etc... Et
faire ainsi se croiser différentes disciplines, le théâtre n'étant pas refermé sur lui-même mais ouvert.
Émilie Anna Maillet (titulaire du CA) développe une méthode de travail basé sur l’acteur créateur. Le
1er trimestre sera réservé à décloisonner l’imaginaire et à développer des techniques de dramaturgies. Les élèves
définissent leur propre désir de création. Ce temps de travail rigoureux est amorcé par l’écriture. Le travail de scène
devient un outil de recherche et d’exercices ou tout le groupe est sans cesse sollicité. Après avoir acquis quelques
méthodes de travail communes, la classe se sensibilisera à différents auteurs, formes, codes.
Jean-Luc Verna enseigne aux élèves comment s’approprier, accorder et rendre plus conscient son corps. Les
grands points sont : la respiration, l’ancrage, la fluidité, la tonicité et la relaxation. Ce travail affine la disponibilité
physique et mentale. Les exercices sont puisés dans le yoga revisité pour le comédien. Fort de cette première étape,
l’élève évolue vers l’expression théâtrale. Le travail s’appuie sur la dynamique de groupe et le solo par
l’improvisation et développe la créativité, l’émotionnel, l’écoute, l’espace, l’adaptabilité…
Le conservatoire propose aux élèves, 24 h de cours de théâtre et 3h de travail corporel. Les élèves pourront s’engager à
suivre tous les cours, où choisir leurs modules en début d’année. Cette souplesse d’emploi du temps et cette offre variée,
demande aux élèves un engagement rigoureux. En plus des cours de théâtre, la ville de Paris offre à tous les élèves de
théâtre des conservatoires des cours d’escrime, de marionnettes, de danse. Une classe de Conte est également proposée.
Des présentations publiques des travaux en cours, des scènes, des improvisations et des performances diverses, sont
proposées sous le titre « Carte Blanche aux élèves d’Art Dramatique ». Des projets sont montés sous la conduite des
professeurs. On aborde ainsi les différentes phases de la réalisation (scénographie, costumes, éclairage, décors…)
Un partenariat avec le théâtre Paris-Villette a été amorcé permettant des stages avec des artistes programmés. Dans
le désir de faire rayonner le conservatoire, d’autres projets sont en cours avec ce théâtre, mais aussi avec d’autres
lieux culturels de l’arrondissement et de la ville. Des échanges avec d’autres professeurs des conservatoires sur des
thématiques de travail seront proposés. Ces minis stages permettront de rencontrer d’autres méthodes et les élèves
des autres conservatoires. Des projets transversaux, musique, danse, théâtre, chant, sont favorisés au sein du
conservatoire, ou dans le cadre des projets inter conservatoires.
 Conservatoire Georges Bizet (20e) 54 rue des Cendriers 75020 Paris
Pascal Parsat, comédien, auteur, metteur en scène, fondateur et directeur artistique du CRTH (www.crth.org),
après avoir été danseur et meneur de revue, élève de Jean Darnel, lauréat de nombreux prix, dont la Médaille
Beaumarchais, et le dernier, le Trophée des APAJH 2010, pour son école de théâtre du 21 ème siècle, Acte 21 avec son
cursus professionnalisant aux métiers de l’accessibilité. Cette rentrée sera ma 20ème !
L’enseignement fait appel au singulier de chacun pour que dans des codes de travail communs les uns et les autres se
trouvent, se retrouvent. La pédagogie proposée, repose sur l’acquisition des fondamentaux du théâtre : la présence,
la voix, l’espace, l’imaginaire avec une réelle inclination pour les sens, approfondie dans mes créations dans le noir,
via mon concept « les visiteurs du noir » créé en 1993.
Repose aussi sur l’expérience. Ancien danseur et meneur de revue, auteur de théâtre, directeur de compagnie,
producteur… Autant d’expériences professionnelles constituant des points de repères pour l’élève qui ambitionne une
démarche plus engagée, au-delà de la simple pratique.
C’est vers, par, la sensorialité que je conduis les apprentis comédiens tout au long de leur formation. Voir, regarder,
entendre, écouter, sentir, ressentir, toucher l’autre, avec un seul mot d’ordre : la situation, rien que la situation à
partir du texte. Action, réaction.
C’est par le corps, la voix, le déplacement qui font sens que je tente de les aider à affirmer leur personnalité en
actant dans la volonté de s’épanouir par le jeu, de s’affirmer par le savoir, de s’aventurer dans la connaissance.
A terme, par ce travail artisanal, l’élève acquiert une méthodologie de travail où il explore, éprouve, affirme son
potentiel dans ses objectifs, dans le collectif.
Et ce, dans un espace qui est à ma connaissance le plus vaste des CMA parisiens. Cela pousse l’apprenti à s’éprouver
très largement dans chacune de ses expériences théâtrales, à pouvoir s’affirmer sur n’importe quel plateau.
Voilà quelques années, j’ai proposé un parrainage qui est assuré par les anciens à l’accueil des entrants ; une scène,
une semaine pour que chacun s’éprouve et propose, impose dans l’urgence. Une journée folle où chacun peut prendre
tous les risques et affirmer toutes ses audaces, sa créativité, sa personnalité. Une scène imposée à tous pour que
chacun entrevoie le même texte autant de fois réinventé, parce que chacun est singulier et lit, vit, dit autrement.
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Des défis, pour que tous se mettent à l’épreuve et se risquent en permanence. Atelier d’alexandrins, de lecture à
haute voix, d’écriture, de poésie alternent avec travaux de scènes.
 Marion Delplancke, formée à l’ENSATT, au sein de la promotion mise en scène dirigée par Anatoli Vassiliev avec
qui elle travaille pendant quatre ans, elle est très influencée par l’école russe. Elle assiste Declan Donellan et joue
en tant que comédienne auprès de Giampaolo Gotti, David Jauzion-Graverolles, Tatiana Stepanchenko et
dernièrement Sylvain Creuzevault. Elle fonde sa compagnie le Marlou implantée à l’île d’Yeu au sein de laquelle elle
interprète, écrit et met en scène plusieurs spectacles.
L’improvisation, le travail collectif et la quête d’un processus vivant généré sur le plateau sont au cœur de sa
pédagogie. Elle dirige un atelier mise en scène inter-conservatoire axé sur la direction d’acteur et la méthode de
« l’analyse action ».
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