du Jardin au Cosmos - L`espace de l`art concret

Parc du château de Mouans réaménagé par Gilles Clément - © Espace de l’Art Concret
Du Jardin au Cosmos
30.06.08 / 04.01.09
Vernissage le dimanche 29 juin, à partir de 11h galerie du château
commissariat : Jean-Marc Avrilla assisté de Samuel Fallet
Espace de l’Art Concret
Château de Mouans – F 06370 Mouans-Sartoux
Tel : 04 93 75 71 50 / Fax : 04 93 75 88 88
www.espacedelartconcret.fr
Contact presse :
Estelle Epinette / [email protected]
tel : 04 93 75 71 50
L’Espace de l’Art Concret bénéficie du soutien de la Ville de Mouans-Sartoux, du Ministère de la Culture et de la Communication : Délégation aux Arts Plastiques/DRAC
PACA, du Conseil Régional Provence-Alpes-Côte d’Azur et du Conseil Général des Alpes-Maritimes.
Du Jardin au
Cosmos / From the garden to cosmos
30 juin 2008 - 04 janvier 2009
Vernissage le dimanche 29 juin à partir de 11h, galerie du château
Commissariat : Jean-Marc Avrilla, assisté de Samuel Fallet
Darren Almond, Renaud Auguste-Dormeuil, Robert Barry, Joseph Beuys, Michel Blazy, Hubert Duprat, Valéry
Grancher, Hamish Fulton, Wolfgang Laib, Jean-Luc Moulène, Melik Ohanian, Gyan Panchal, Giuseppe
Penone, Eric Poitevin, Robert Smithson.
A l’heure où les questions environnementales nous amènent à nous interroger sur notre lien à notre milieu, à la
planète, cette exposition tente de déchiffrer, avec les œuvres d’art, l’imaginaire que nous projetons sur la nature.
Les relations que les hommes ont développées à son égard ne sont pas seulement variables dans le temps, elles le
sont également selon les cultures. Cette relation culturelle à la nature est particulièrement sensible dans l’art. C’est
pourquoi, à l’occasion du réaménagement du Parc du Château par Gilles Clément et du lancement de notre
partenariat avec la Bastide du Parfumeur, nous avons souhaité présenter le rapport que les artistes contemporains
instituent avec la nature.
Loin d’être une exposition consacrée au Land art ou un panorama complet de l’utilisation de la nature dans l’art, cette
exposition entend montrer, à partir d’un choix limité d’œuvres, les modes de relation que nous, contemporains, tissons
avec la Nature au sens large, ce milieu au sein duquel l’espèce humaine a évolué. Cette exposition s’offre donc
comme un parcours, des jardins à la française comme principe de mesure et de géométrisation de la terre à l’espace
ouvert sur le cosmos et la conscience de la matérialité et de l’organisation de l’univers.
Deux axes structurent cette exposition. Le premier prend appuie sur la notion de naturalisme au sens scientifique et
ethnographique, pour décrire l’approche matérialiste de la nature qui sépare l’homme des autres êtres vivants et de
son environnement. Le second développe les relations plus complexes aux êtres vivant et à l’environnement en y
plaçant ce que l’on pourrait appeler une force de l’esprit. Dans le premier cas les œuvres s’inscrivent dans un parcours
strict qui passe par l’expérience, l’observation et la représentation. Dans le second cas, les œuvres font le lien entre
l’homme et la Nature en tant que véhicules de transcendance et de récit. Ces deux axes sont complémentaires et
résultent de l’expérience cumulée de tous nos ancêtres et aïeux.
Les œuvres choisies ne montrent pas seulement l’intérêt pour la question de la nature. Elles témoignent d’un véritable
engagement des artistes, en dehors de tout folklore écologique, sur des questions qui fondent notre société contemporaine : Quel mode relationnel instituons-nous avec la nature ? Quelle place donner à l’homme dans l’échelle de
temps naturelle et géologique ? Avons-nous conscience que la nature et notre planète est un élément du vide
cosmique ?
Cette exposition traite de la création contemporaine depuis les années 1960, uniquement en occident. Elle témoigne
qu’il existe depuis cette époque une sensibilité très grande des artistes contemporains à la nature, aux liens tissés
avec elle et à leurs bouleversements, mais aussi que ce champ de l’art, par delà la diversité des approches artistiques,
répond à une nécessaire structuration plus fondamentale de la relation de l’humanité à la nature.
At a time when environmental questions lead us to question our relationship with our milieu, and with our planet, this exhibition attempts to decipher,
with works of art, the imaginary image we project onto nature.
The relationships that men have developped with nature vary, not only with time, but also with culture. This culturel relationship is particularly
marked in the arts. That is why, at the occasion of the re-landscaping of the park surrounding the castle and the launching of our partnership with
the Bastide du Parfumeur, we wish to present the rapport that contemporary artists establish with nature.
Far from being an exhibition devoted to Land art or a complete panorama of the uses of nature in art, this exhibition intends to show, with a limited
choice of works, the kind of relationships which contemporary human beings build with Nature in the large sense of the word: the milieu in which
the human race has evolved. This exhibition provides an itinerary leading from the French style garden as a model of measurement and geometrical
division of the earth, to space opening onto the cosmos and the conscienceness of the materiality and the organisation of the universe.
The exhibition is structured around two axes. The first is rooted in the notion of naturalism, in the scientific and ethnographic sense, that describes
the materialist approach to nature which separates man from other living beings and from his environment. The second develops more complex
relationships with living beings and with the environment, putting in place what we might call a spiritual force. In the first case, the pieces are
inscribed in a strictly defined path which relies on experience, observation and representation. In the second case, the pieces form the link between
man and Nature acting as vehicles of transcendence and narration. These two axes are complementary and result from the cumulative experience
of all our ancesters and elders.
The pieces that have been chosen show more than a simple interest in nature. They bear witness to a very real engagement on the part of the
artists, removed from any picturesque environmentalism, concerning questions fundamental to our contemporary society. How do we relate to
nature? Where does man belong in the scale of natural and geological time? Are we conscious of the fact that nature and our planet are elements
of the cosmic void?
This exhibition concentrates on contemprary western art since the 1960s. It demonstrates that, since this period, contemporary artists have been
extremely sensitive to nature, to the bonds we form with her, and the breaking of those bonds. It also shows that this field of art, over and above
the diversity of artistic approaches, responds to a fundamental need to structure the relationship between man and nature.
Texte de présentation Le parc du château - Réaménagement par Gilles Clément
Cette exposition est l’occasion de découvrir le parc du Château de Mouans. Il fait l’objet d’un réaménagement dans
le cadre d’une commande publique de la Ville à Gilles Clément avec l’aide du ministère de la Culture et de la
Communication, du conseil régional PACA et du conseil général des Alpes-Maritimes.
Gilles Clément est à la fois jardinier, paysagiste, enseignant à l’Ecole Nationale Supérieure du Paysage à Versailles
et écrivain. Sa réflexion et sa pratique de la nature l’ont amené à imaginer et initier plusieurs concepts repensant les
notions de paysage et de jardin au regard de l’évolution de nos sociétés. Son travail et sa pensée abordent les
questions d’occupation de l’espace (le Tiers-Paysage et le Jardin Planétaire), ainsi que les questions écologiques
(le Jardin en Mouvement). Il défend la préservation de la diversité des espèces tant dans les écosystèmes périurbains
que dans les jungles tropicales.
Il est l’auteur ou le co-auteur de très nombreuses interventions dans le domaine public dont nous ne citerons que le
Parc André Citroën ou les jardins du Musée des Arts Premiers à Paris, les jardins du Château de Blois ou ceux du
Domaine du Rayol dans le Var.
Le projet de réaménagement de Mouans-Sartoux réalisé en collaboration avec le paysagiste François Navarro, est
pensé pour souligner les modes d’usage initial du parc et accentuer la circulation des visiteurs entre la “Clairière des
jardins”, autour du château, et le “Bois des transparences”. Une très belle plateforme carrée en façade du château
accueille les manifestations estivales, un jardin des 7 couleurs côtoie un nouveau près planté de figuiers et d’oliviers.
La terrasse des pruniers à fleurs et les glycines du nord du Château sont la première étape vers le “Bois des
transparences”. Dans le bois, un ensemble de petites clairières ponctuées de socles de pierres offre un véritable
parcours en descendant vers le petit pont sur le Rougon. Sur chacun de ces socles est gravé le nom commun d’une
plante du jardin des 7 couleurs.
Ce projet souligne la topographie du site et nous donne, par la diversité des espèces plantées, un cycle de floraison
permanent. Au fil des saisons, les différents espaces du parc fleuriront pour nous inviter à la promenade.
Presentation: The Castle Park – Landscaping by Gilles Clément
This exhibition provides the occasion to discover the park surrounding the Castle of Mouans. It has been re-landscaped in the context of a public
commission given to Gilles Clément by the city of Mouans-Sartoux with support from the Ministery of Culture and Communication, the Regional
Council of Provence Alpes Côte-d’Azur (PACA), and the General Council of the Alpes-Maritimes.
Gilles Clément is, at the same time, gardner, landscaper, writer, and professor at the Ecole Nationale Supérieure du Paysage in Versailles. His
own reflection and experience with nature have led him to imagine and initiate a number of concepts which redefine the notion of landscaping and
gardening in light of the changes in our societies. His work and his thinking tackle questions concerning the occupation of space--le Tiers Paysage
(the Third Landscape) and the Jardin Planetaire (the Plantary Garden), as well as ecological questions -–le Jardin en Mouvement (the Garden in
Movement). He defends, with equal conviction, the preservation of bio-diversity in the ecosystems surrounding our urban areas as those of the
tropical forests.
He is the creator or co-creator of numerous public spaces , such as the Parc André Citroën and the gardens surrounding the Musée des Art
Premiers in Paris, the gardens of the Château in Blois and those of the Domaine du Rayol in the Var, to name only a few.
The Mouans-Sartoux project, realised in collaboration with the landscaper, François Navarro, was conceived to underline the initial uses of the park
and to encourage the circulation of visitors between the “Clearing of gardens” surrounding the castle and the “Transparent Woods.” A very beautiful
square platform facing the castle welcomes summer festivities. A garden of seven colours lies beside a new field planted with fig and olive trees.
The terrace of flowering plums and wisterias to the north of the castle is the first step towards the “Transparent Woods.” Once in the woods, a number
of small clearings, punctuated by stone bases, indicate a path descending towards a little bridge which crosses the Rougon. Engraved on each
of the stones, is the common name of a plant which can be found in the garden of seven colours.
The project underlines the topographie of the site and, by the diversity of the varieties chosen, offers a constant cycle of plants in flower. In every
season, different plants in bloom invite the visitor to stroll.
Du Jardin au Cosmos
Darren Almond, Fullmoon Quatrain 1, 2005 / Courtesy de l’artiste & Galerie Chantal Crousel - © Darren Almond
Du Jardin au Cosmos
Hamish Fulton, 21 Pieces of wood for a 21 Day Walk in the Mountains (Switzerland), 1984 / Courtesy Häusler contemporary
Munich/Zurich - © EAC / estelle épinette
Du Jardin au Cosmos
Eric Poitevin, sans titre, 2002 / Edition of 3 1 A.P. - © Eric Poitevin
Du Jardin au Cosmos
Renaud Auguste-Dormeuil, The Day Before Star System Caen June 05, 1944 23:59, 2004 / Edition de 5 + 2 E.A.
© Renaud Auguste-Dormeuil
Du Jardin au Cosmos
Melik Ohanian, Welcom to Hanksville, 2003 - © oeuvre et photo Melik Ohanian
Biographies des artistes / Biographies of the artists
Darren Almond / Né à Wigan (Angleterre) en 1971. Vit et travaille à Londres.
Darren Almond a étudié à la Winchester School of Art en Angleterre. À travers la sculpture, la photographie et le film,
il explore les notions de temps et de mémoire et fait partager au spectateur une véritable expérience de la temporalité.
Son travail de l’image joue avec nos mécanismes de perception par la représentation décalée d’une réalité
atemporelle entre mouvement et immobilité, lumière et obscurité. Il a exposé dans des institutions aussi prestigieuses
que la Kunsthalle de Zurich (2001) ; la Tate Britain (2001) et au White Cube (2003) à Londres.
Born in Wigan ( England)in 1971. Lives and works in London. Darren Almond studied at the Winchester School of Art in England. Via sculpture,
photography and film he explores the notions of time and memory and makes the spectator experience a state of temporality. His work with images
plays with our mechanisms of perception by creating an out of synch representation of a timeless reality between movement and immobility, light
and obscurity. His work has been exhibited in such prestigious insitutions as the Kunsthalle in Zurich (2001), the Tate Britain (2001) and the White
Cube (2003) in London.
Renaud Auguste-Dormeuil / Né en 1968 à Neuilly sur Seine. Vit et travaille à Paris.
A travers son travail qui utilise différents médiums, il questionne le statut de l'image contemporaine en axant son
regard sur les formes de pouvoir et de contrôle. Renaud Auguste-Dormeuil joue sur l’ambivalence des obsessions
sécuritaires, Il passe nos institutions, nos villes et nos médias à travers le filtre de son regard décalé et intraitable.
Sans jamais montrer les images des drames, Renaud Auguste-Dormeuil établit un constat et s’approprie les images
pour leur donner un sens politique. Notamment, dans la série de photographies The Day Before, il reconstitue grâce
à un logiciel sophistiqué la cartographie de ciels étoilés à la veille de grands événements se concentrant sur l’image
qui précède le spectaculaire, sur un espace-temps antérieur à l’événement médiatique et historique. Il a participé à
de nombreuses expositions depuis 1992 entre Paris, New York, Cologne, Berlin et Bonn.
Born in Neuilly sur Seine in 1968. Lives and works in Paris. Working in a number of different mediums, he questions the status of the contemorary
image, focussing his regard on means of power and of control. Renaud Auguste-Dormeuil plays on the ambivilance of obsessions about security.
He scrutinises our institutions, our cities and our medias through the lens of his off-beat and uncompromising gaze. He establishes a statment of
the facts and appropriates images to give them a political overtone, without ever directly showing the dramatic events. In the series of photographs
that make up The Day Before, he uses a sophisticated mapping software to reconstitute the star positions in the sky the night before major events,
concentrating on the image which proceeds the spectacular; on the time/space before the historical and media event. He has participated in many
exhibitions since 1992 between Paris, New York, Cologne, Berlin and Bonn.
Robert Barry / Né en 1936 à New York, il vit actuellement à Teaneck (États-Unis).
Robert Barry appartient à la première génération d’artistes conceptuels et a largement contribué à la dématérialisation
de l’oeuvre d’art. Après avoir examiné systématiquement plusieurs phénomènes physiques à partir de 1968 et 1969
en expérimentant les champs électromagnétiques, les gaz inertes, (Inert Gas Series, 1969) les fréquences
électromagnétiques d’ultrasons, Robert Barry travaille depuis plus de trente ans à partir de mots et de pensées, qu’il
disperse ou projette de façon très méthodique sur des surfaces et des supports différents : papier, toile, miroir, mur,
sol. Le spectateur est ainsi intégré dans l’œuvre où les multiples significations combinatoires des mots modifient sa
perception de l’environnement dans lequel il évolue.
Born in 1936 in New York, he presently lives in Teaneck (USA). Robert Barry belongs to the first generation of conceptual artists, and contributed
largely to dematerialisation of the artwork. Beginning in 1968 and 1969 he systematically examined a number of physical phenonema, experimenting with electromagnetic fields, inert gasses (Inert Gas Series, 1969), and the electromagnetic frequencies of ultra-sound. Since then, for the past
thirty years, Robert Barry has been working with words and thoughts which he disperses or projects methodically onto different surfaces: paper,
canvas, mirrors, walls, or the ground. The spectator is thus integrated into the work where multiple meaning combinations of the words modify his
perception of the environment in which he advances.
Joseph Beuys / Né en 1921 à Krefeld, Allemagne. Décédé en 1986.
Un des Artistes allemands les plus importants de l’Après-guerre, Joseph Beuys a toujours donné un sens politique
et social à son œuvre. Jeune pilote de l’armée de l’air allemande durant la seconde guerre mondiale, il survit à la chute
de son avion dans les steppes sibériennes grâce aux soins prodigués par les nomades qui le recueillent et le soignent
en enduisant son corps de graisse et en l’enveloppant dans du feutre. C’est à partir de cette expérience que tous les
thèmes de son travail vont émerger et être déclinés pour réaliser son projet de sculpture sociale. Artiste « chaman »,
il utilise dans ses œuvres des matériaux emblématiques comme la graisse, le feutre, le miel ou le cuivre autant pour
leurs propriétés physiques que leur valeur symbolique. Ses sculptures, ses performances et ses actions tentent de
nous libérer de la rationalité et de réconcilier l’homme avec lui-même.
Born in 1921 in Krefeld, Germany. Died in 1986. One of the most important German artists of the post-war period, Joseph Beuys always imbued
his work with political and social meaning. As a young pilot in the German airforce during the Second World War, he survived the crash of his plane
in the Siberian steppes thanks to Nomads who rescued him, smeared his body with fat, and wrapped him in felt. It was from this touchstone
experience that all the themes of his work emerged and were subsequently developped to realise his project of social sculpture. Artist “shaman”,
he used in his works emblematic materials such as fat, felt, honey and copper both for their physical and symbolic properties. His sculptures,
performances and his actions attempt to liberate us from rationality and to reconcile man with himself.
Michel Blazy / Né en 1966 à Monaco, il vit et travaille à Paris
Après des études à la Villa Arson à Nice et à l’Ecole des Beaux Arts de Marseille, il s’installe à Paris. Michel Blazy
est un artiste du vivant. Il travaille à partir de matériaux périssables issus du quotidien (coton hydrophile, papier
toilette, sacs plastique, aliments…). Plaçant son œuvre dans des dispositifs évolutifs et éphémères, il observe et agit
sur la matière organique dont il favorise la mutation. Mort, pourrissement, fragilité, disparition sont les thèmes
récurrents de son œuvre qui relève avec cynisme l’absurdité de l’action de l’homme sur la nature. Reconnu internationalement, Michel Blazy a fait l'objet de deux expositions simultanées à Versailles et au Palais de Tokyo en 2006.
Born in 1966 in Monaco. Lives and works in Paris. After having studied at the Villa Arson in Nice and at the Ecole des Beaux Arts in Marsaille,
Michel Blazy established himself in Paris. An artist of living matter, Michel Blazy works with perishable materials of daily life (absorbant cotton,
toilet paper, plastic bags food, etc.) Positioning his work in evolutionary and ephemeral processes, he observes and utilises organic material,
optimizing the conditions for their mutation. Death, decay, fragility and disappearance are recurring themes in his work which cynically reveal the
the absurdity of man’s action and its effect on nature. Internationally renowned, Michel Blazy’s work was given two simultaneous exhibitions in
Versaille and at the Palais de Tokyo in Paris in 2006.
Hubert Duprat / Né en 1957 à Nérac (France). Vit et travaille à Claret (France).
L’œuvre d’Hubert Duprat prend sa source dans un questionnement critique des modalités de création des objets
d’art. L’analyse des procédures qui aboutissent à la réalisation des artefacts est très richement nourrie par une
connaissance érudite de l’histoire de l’art mais aussi des sciences naturelles et de l’archéologie. Mais la poésie ou la
philosophie permettent également de comprendre la très singulière dimension esthétique que dégage ce projet
artistique. Principalement sculpteur, il utilise des matériaux minéraux et végétaux qu’il travaille avec des techniques
traditionnelles comme la « taille directe » (Cassé-Collé, 1992) ou la marqueterie (Coupé-Cloué, 1991-1994).
Born in 1957 in Nérac (France). Lives and works in Claret (France). Hubert Duprat’s work is rooted in a critical questionning of ways in which art
works are created. His analysis of the procedures which result in the fabrication of artefacts is nourished by an extensive knowledge of art history,
naturelle science and archeology. But poetry or philosophy also allow us to understand the unique esthetic dimension of this artistic projet. Primarily
a sculptor, Hubert Duprat uses mineral and vegetal materials, employing traditional techniques such a direct carving (Cassé-Collé, 1992) or
marquetry (Coupé-Cloué, 1991–1994).
Hamish Fulton / Né en 1943 à Londres, Il vit et travaille à Canterbury.
Hamish Fulton affirme que "marcher transforme". Depuis le début des années 1970, il parcourt le monde à pied. Il ne
rapporte rien de ses voyages et n’intervient pas dans le paysage. Il a réalisé plusieurs centaines de marches dans
24 pays qui représentent des milliers de kilomètres parcourus, imposant sa démarche comme fait artistique par des
expositions, des photographies et des publications. La marche éphémère dont il ne conserve aucune trace est l’œuvre
d’art. Les œuvres photographiques de Hamish Fulton ne sont pas des images de lieux, mais l’aboutissement de
parcours solitaires dans la nature. Le paysage est photographié sans artifice ni intervention, témoignant ainsi d’une
nature intemporelle. Il travaille sur le passage et la distinction entre son action individuelle de l’ordre de l’expérience
et l’évocation de celle-ci sur le spectateur et son effort de reconstitution. On parle alors de ”mental sculpture” dans le
sens où elles font références comme les sculptures à des notions d’espace, de temps et de matière.
Born in 1943 in London. Lives and works in Canterbury. Hamish Fulton maintains that “walking transforms.” Since the early 1970s he has been
travelling the world on foot. He brings back nothing from his trips, nor does he intervene in any way in the landscape. He has taken hundreds of
walks, covering thousands of kilometers, affirming his process as an artistic one by way of exhibitions, photographs and publications. The ephemeral
walk, of which he keeps no trace, is the work of art. Hamish Fulton’s photographs are not pictures of places, but rather the final product of a
solitary journey in nature. The countryside is photographed in a straight-forward, unadulterated manner, bearing witness to a timeless nature. He
works on the passage and the distinction between his indivdual action as a direct experience, and that of the spectator and his effort to reconstitute
the experience. One might speak of “mental sculpture” in the sense that these works make reference, as does sculpture, to notions of space, time
and material.
Valery Grancher / Né en 1967 à Toulon. Vit et travaille à Paris.
Valéry Grancher est un explorateur des territoires de l'art, des rapports humains et des nouvelles technologies. Il
crée son site « Nomemory.org » en 1996 où il invite le public à « interagir avec les œuvres en participant à leur
réalisation ». Grâce à ses webcams disposées en réseau, il réalise des collages temporels qui offrent à l’internaute
la faculté d’être à la même heure en Pologne, en Australie, au Cambodge ou en Afrique du sud : il suffit pour cela de
cliquer sur un chiffre et de surfer au hasard. Internet n’est plus alors un simple faisceau d’autoroutes de l’information
mais un outil ésotérique. En posant la question en termes de langage, de flux d'échanges ou de navigation
comportementale, Valéry Grancher cerne un territoire dans lequel les objets du quotidien sont pris comme outils
d'analyse et instruments de découverte des nouveaux enjeux sociaux et culturels du monde moderne. En 2005, son
projet « The shiwiars project » tisse ainsi un lien entre deux lieux qui ne sont pas destinés à être connectés, le Palais
de Tokyo et une tribu indienne de la jungle amazonienne, révélant ainsi que la globalisation est un calque qui touche
la totalité des territoires de notre planète.
Born in 1967 in Toulon. Lives and works in Paris. Valery Grancher is an explorer of the territories of art, of humain relationships, and of new
technologies. In 1966 he created a website, “Nomemory.org” in which he invites the public to”interact with the words and to participate in their
making”. Thanks to a network of webcams, he creates time collages which permit the internaut to be at the same hour in Poland, Australia,
Cambodia, or South Africa; one needs only to click on a number to surf by chance. Internet is no longer simply a network of information highways;
it becomes an esoteric tool. By asking questions in terms of language, of flux of exchanges, or of behavioural navigation, Valery Grancher defines
a territory within which everyday objects are taken as tools of analysis and instruments to discover the new social and cultural stakes of the modern
world. In this way, his “Shiwiars project” from 2005 created a link between two completely unconnected places, the Palais de Tokyo in Paris and
an indian tribe from the Amazon jungle, thus revealing that globalisation is a copy which touches every corner of our planet.
Wolfgang Laib / Né le 25 Mars 1950 à Metzinger (Allemagne). Il vit et travaille à Biberach, (Allemagne).
Il commence des études de médecine à l'université de Tubingen en 1968, et devient docteur en 1974. Influencé par
le peintre-philosophe Jakob Bräkle et passionné de philosophie orientale, il effectuera deux voyages en Inde en 1972
et 1974 qui le feront choisir définitivement la voie artistique à la carrière médicale. A la croisée de l’art Minimal et du
Land Art, son travail avec un nombre d’éléments naturels limités ouvre les questions de nature, beauté, sérénité,
contemplation. Il réalise sa première pierre de lait en 1975, récolte son premier pollen en 1977 et débute son travail
avec le riz en 1983.
Born in 1950 in Metzinger (Germany). Lives and works in Biberach (Germany). Wolfgang Laib began his medical studies in 1968 at the University
of Tubinge, and became a doctor in 1974. Influenced by the painter-philosopher, Jakob Bräkle, and impassioned by oriental philosphy, he made
two trips to India in 1972 and 1974, after which he chose definitively to follow an artistic path rather than a medical career. At the crossroad
between Minimal Art and Landart, his work, which uses a limited number of natural elements, evokes questions concerning nature, beauty, serenity
and contemplation. He made his first milk-stone in 1975, collected his first pollen in 1977 and began his work with rice in 1983.
Jean-Luc Moulène / Né en à Reims en 1955. Vit et travaille à Paris.
Après avoir validé une maîtrise d'enseignement en Arts Plastiques en 1979 à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne,
ce n’est qu’à partir de 1990 qu’il se tourne radicalement vers une carrière artistique. Depuis il explore les différents
niveaux de signification des images et leurs interprétations, à travers un travail photographique (son principal medium)
proche du documentaire sociologique qui remet en avant la force évocatrice du sujet photographié.
Born in Reims in 1955. Lives and works in Paris. Having completed a masters of art education in 1979 at the University of Paris I PantheonSorbonne, it was only in 1990 that Jean-Luc Moulène turned radically towards an artistic career. Since then he has explored the different levels of
signification of images, by means of his photographic work (his principal medium) close to sociological documentary which capitalizes on the
evocative force of the subject photographed.
Melik Ohanian / Né en 1969 à Lyon. Vit et travaille à Paris.
Diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Montpellier et de Lyon, il développe rapidement une œuvre protéiforme (vidéo,
néons, sculptures, photographies) qui modifie la perception de l’espace d’exposition. Il intègre le spectateur dans des
dispositifs complexes et interactifs basés sur le temps, l’intervalle, la continuité et la discontinuité. De son travail
émergent les questions de la réception de l’œuvre, de notre rapport à la réalité mais aussi les notions de territoire et
d’identité. Melik Ohanian a été pensionnaire à la Villa Medicis à Rome en 2004.Il a participé en particulier, aux
Biennales de Sao Paulo, de Berlin et de Sydney en 2004, à la Biennale de Moscou en 2005 et de Séville en 2006,
et à la Biennale de Venise en 2007.
Born in 1969 in Lyon. Lives and works in Paris. Graduate of the Ecole de Beaux Arts of Monpelier and Lyon, Melik Ohanian rapidly developped a
proteiform body of work (video, neon, sculpture and photography) which modifies perception of the exhibition space. He integrates the spectator
into complex and interactive situations based on time, interval, continuity and discontinuity. From the works, questions arise concerning the reception
of the work, our relationship with reality, and also notions of territory and identity. Melik Ohanian was resident at the Villa Medicis in Rome in 2004.
He has participated notably in the Biennials of Sao Paulo, Berlin, and Sydney in 2004, at the Biennial of Moscow in 2005, of Seville in 2006 and
the Venise Biennial in 2007.
Guiseppe Penone / Né le 3 avril 1947 à Garessio en Italie. Vit et travaille à Turin.
Considéré comme un artiste majeur de l'Arte Povera, il a développé une œuvre singulière qui interroge la relation entre
nature et culture, entre le corps humain et le règne végétal. L’accent est mit autant sur le processus créateur que sur
l’œuvre, et s’identifie au fleuve, au souffle, à ce qui est par essence mouvement et vie. A partir de l’utilisation de techniques comme le frottement, l’empreinte, la projection de matériaux végétaux ou minéraux, il produit des formes
jamais préconçues. Dès 1968, Il se manifeste sur la scène artistique internationale. En 2004, le Centre Georges
Pompidou lui consacre une importante rétrospective. Il est également enseignant à l'École nationale supérieure des
beaux-arts de Paris.
Born April 3, 1947 in Garessio (Italy). Lives and works in Turin. Considered one of the major figures of the Arte Povera movement, Guiseppe Penone
has developped a highly personal body of work which question the relationship between nature and culture, between the human body and vegetal
kingdom. The accent is placed as much on the creative process as on the work itself, and can be identified with the flow of the river, with breath,
with everything that is, in essence, movement and life. Beginning with techniques such as the rubbing, the imprint, the projection of vegetable or
mineral matter, he produces forms that are never preconceived. Since 1968, he has been shown throughout the international art world. In 2004,
the Georges Pompidou Center presented a major retrospective of his work. He is also a teacher at the Ecole Nationale Supérieur des Beaux-Arts
in Paris.
Eric Poitevin / Né en 1961 à Longuyon (France), il vit et travaille à Mangiennes dans la Meuse (France).
Tout juste diplômé de l'Ecole des Beaux-Arts, Eric Poitevin se manifeste en 1985 avec ses portraits de vétérans de
la Grande Guerre. Inspiré par la Meuse, son histoire et ses paysages, il démontre ainsi très tôt son attirance et sa
fascination pour les êtres ou les lieux en voie de disparition ou atemporels. Un état d'esprit qu'il n'a de cesse de
cultiver tout au long de son parcours. Travaillant à la chambre qui l'oblige à prendre de la distance, il privilégie un
cadrage frontal et serré qui l'aide à décontextualiser le sujet et à construire mentalement l'image qui "tiendra" par sa
seule force plastique. Grand prix du jeune talent du ministère de la Culture en 1988, pensionnaire de la Villa Médicis
entre 1989 et 1990, il photographie les religieux de la Curie romaine, les vignerons d'Arbois, des nus ou paysages
anonymes.
Born in 1961 in Longuyon (France). Lives and works in Mangiennes in the Meuse (France). Just out of art school, Eric Poitevin was first noticed
in 1985 with his portraits of World War I veterans. Inspired by the Meuse, its history and its countryside, he manifested early on his attraction and
his fascination with beings or places either endangered or timeless. He has developped these interests throughout his work. Working with a view
camera which forces him to distance himself, he favors a cropped, frontal image which helps him to decontextualise the subject and to mentally
construct the image which must “hold its own” solely by its visual impact. Winner of the grand prize awarded to a young talent by the Ministry of
Culture in 1988, and resident of the Villa Médicis between 1989 and 1990, he photographs the priests of the Roman Curie, the vineyards of Arbois,
nudes and anonymous landscapes.
Gyan Panchal / Né en 1973, vit et travaille à Paris.
Les matériaux industriels standards (Plexiglas, polystyrène, polyamide) composent le répertoire des matières
premières des sculptures de Gyan Panchal. Des signes et des gestes à échelle humaine viennent s’y inscrire, comme
autant de tentatives d’appropriation. Ces matériaux de synthèse sont aussi confrontés à leur propre origine, associés
à leur matière première, végétale ou organique. Gyan Panchal stimule un regard renouvelé sur la matière dont se
constitue notre environnement, se penche sur l’opposition entre la technique et la matière dans un le geste où le
beau, le fonctionnel et le structurel se manifestent.
Born in 1973. Lives and works in Paris. Standardized industrial materials (plexiglass, styrofoam, plastic) make up the list of raw materials Gyan
Panchal uses to make his sculptures. Signs and human scale gestures attach themselves like so many attempts to appropriate the work. The
synthetic materials are also confronted with their own origins, associated with their own raw material, vegetal or organic. Gyan Panchel encourages
a new look at the materials which make up our environment. He is interested in the opposition between technique and the material in a gesture
where the beautiful, the functional and the structurel are exposed.
Robert Smithson / Né en 1938 (Passaic - New Jersey - Etats-Unis)
Il part étudier le dessin et la peinture à New-York. Après avoir obtenu son diplôme de l'Art Student's League en 1956,
il s'inscrit à la Brooklyn Museum School. Il pratique une peinture Expressionniste Abstraite qu'il abandonne en 1962
pour la sculpture. Il participe alors à l'exposition fondatrice du Minimal Art, " Primary structures " (1966). Photographe,
sculpteur, peintre, vidéaste, il commence à travailler sur des sites suburbains dès 1967, questionnant le site et le
« non-site » avec ses earthworks ». Le 20 juillet 1973, il décède dans un accident d'avion.
Born in 1938 in Passiac, New Jersey, Robert Smithson went to New York to study drawing and painting. After having received his diploma from
the Art Student’s League in 1956, he enrolled at the Brooklyn Museum School. He painted in an abstract expressionist style which he abandoned
in 1962 to take up sculpture. He then participated in the founding exhibition of Mimimalist Art, “Primary Structures” in 1966. Photographer, sculptor,
painter, video artist, he began working on suburban sites in 1967, questioning the site and the “non-site” with his “earthworks”. He died in a plane
crash on July 20, 1973.
Présentation de l’Espace de l’Art Concret / Présentation of Espace de l’Art Concret
Inauguré en 1990, l’Espace de l’Art Concret est né de la rencontre et de la volonté de deux collectionneurs, Sybil
Albers et Gottfried Honegger, et du maire de Mouans-Sartoux, André Aschieri. Depuis ses débuts, ce projet artistique
et culturel est lié à l’éducation du regard. La programmation d’expositions thématiques permet une réflexion sur l’art
et la société ainsi que des confrontations entre les diverses formes d’expressions artistiques. La place essentielle
accordée à la pédagogie permet de sensibiliser le public le plus vaste à l’art d’aujourd’hui. Les Ateliers pédagogiques
créés en 1998 répondent à la question de l’éducation artistique des jeunes publics. L’objectif est « apprendre à
regarder car regarder est un acte créatif » (Gottfried Honegger).
L’Espace de l’Art Concret développe son action autour de trois pôles : la conservation et la valorisation de la Donation
Albers-Honegger, la programmation d’expositions temporaires dans la Galerie du Château et l’action pédagogique
dans les Ateliers pédagogiques et le « Préau des enfants ».
Sybil Albers et Gottfried Honegger ont voulu rendre leur collection accessible au public. Mise en dépôt auprès de la
ville de Mouans-Sartoux dans un premier temps, cette collection a fait l’objet d’une donation à l’Etat français.
La première donation eut lieu en 2000 à la condition de la présentation de la collection dans un bâtiment construit à
cet effet dans le parc du château de Mouans et la garantie de maintenir la forte cohérence scientifique du projet
autour de l’art concret et de l’art contemporain. Cette première donation fut complétée par une importante donation
d’œuvres personnelles de Gottfried Honegger en 2001 et de plusieurs ensembles d’œuvres en 2002 et 2004.
Aurelie Nemours a également souhaité faire une donation importante d’œuvres personnelles en 2001 en raison des
liens affectifs qui l’unissaient à Gottfried Honegger et de la confiance qu’elle avait en « un projet qui contribuait à
présenter enfin l’art concret reconnu et vivant dans le patrimoine français ». Aurelie Nemours fit une seconde
donation d’un important fonds d’estampes pour la « création d’un département d’art graphique ». D’autres donations
ont apporté leur appui au premier lieu consacré en France à l’art concret, en particulier le don de Gilbert et Catherine
Brownstone.
Le bâtiment abritant la Donation Albers-Honegger réalisé par les architectes Gigon et Guyer a été inauguré le 26 juin
2004 en présence du Ministre de la Culture et de la Communication.
L’Espace de l’Art Concret est une association dont le président est Jean-Philippe Billarant. Le conseil d’administration
a nommé Jean-Marc Avrilla directeur le 30 mars 2006.
L’Espace de l’Art Concret bénéficie du soutien de la Ville de Mouans-Sartoux, du Ministère de la Culture et de la Communication : Délégation aux Arts Plastiques/DRAC PACA, du Conseil Régional Provence-Alpes-Côte d’Azur et du Conseil Général des Alpes-Maritimes.
Inaugurated in 1990, the Espace de l’Art Concret was born as the result of an encounter and the will of two collectors, Sybil Albers and Gottfried
Honegger, and André Aschieri, the mayor of Mouans-Sartoux. Ever since the beginning, this artistic and cultural project has been linked to idea
of educating the eye. A programme of thematic exhibitions allows for reflection on art and society as well as a confrontation between diverse forms
of artistic expression. The essential place given to education allows the largest possible public to be in contact with today’s art. The pedagogical
workshops created in 1998 respond to the question of artistic education for young people. The objective is “Learn to look because looking is a
creative act.” (Gottfried Honegger)
The action of the Espace de l’Art Concret is three-fold: the conservation and promotion of the Albers-Honegger Donation, the programme of
temporary exhibitions in the Castle Gallery, and the educational programme in the Ateliers Pédagogiques and the “Préau des Enfants.”
Sybil Albers and Gottfried Honegger wanted their collection to be accessible to the public. It was first lent to the town of Mouans-Sartoux and
subsequently donated to the French state. The first donation was made in the year 2000 on the condition that the collection be presented in a
building built specifically for this purpose in the park surrounding the Castle of Mouans, and a guarantee that the coherency of the project concerning
art concret and contemporary art be maintained. This first donation was supplemented by an important donation in 2001 of work by Gottfried
Honegger from the artist’s personal collection, followed by several more groups of work in 2002 and 2004.
Aurelie Nemours, a close friend of Gottfried Honegger’s, also wished to make a major donation of her work; given the confidence she had in a
“project that contributed to finally presenting art concret, recognised and alive, as part of the French heritage.” Aurelie Nemours made a second
large donation of her prints for the “creation of a graphic art department.” Other donations followed, notably that of Gilbert and Catherine
Brownstone, giving further support to the first place in France devoted to art concret. The building which houses the collection, designed by the
architects Gigon and Guyer, was inaugurated June 26, 2004. The Espace de l’Art Conret is an association presided by Jean-Philippe Billarant.
Jean-Marc Avrilla was named director by the board of administrators on March 30, 2006.
The Espace de l’Art Concret is supported by the town of Mouans-Sartoux, the Minister of Culture and Communication, the Delegation of Visual Arts / DRAC
PACA, the Regional Council Provence – Alpes – Côte d’Azur and the General Council of the Alpes-Martimes.
Contacts / Information
Espace de l’Art Concret
Président / President : Jean-Philippe Billarant
Directeur / Director : Jean-Marc Avrilla
Contact presse / press : Estelle Epinette / [email protected]
Château de Mouans – F 06370 Mouans-Sartoux
Tel : 00 33 (0)4 93 75 71 50 - Fax :00 33 (0)4 93 75 88 88
www.espacedelartconcret.fr
Ouverture / Opening :
Horaires d’hiver, du 1er septembre au 30 juin, du mercredi au dimanche, de 12h à 18h
Horaires d’été, du 1er juillet au 31 août, tous les jours, de 11h à 19h
Open every day from July 1st to August 31st, from 11 AM to 7 PM.
Open from Wednesday to Sunday, beginning on September 1st, from 12 PM to 6 PM.
Visite de groupes, sur rendez-vous, tous les jours de 10h à 18h
Group’s visit, by apointment, every day from 10 AM to 6 PM.
Accueil téléphonique à partir de 8h30, du lundi au vendredi - 11h les week-end et jours fériés.
Phoning reception, from Monday to Friday, from 8.30 AM to 6 PM / week-end and public holiday, from 12 PM to 6 AM
Tarifs / Entry fees :
Individuel / Individual
5 euros : Toutes les entrées individuelles / All individual entries
8 euros : Double ticket avec la Bastide du Parfumeur / Double ticket with the Bastide du Parfumeur
2,5 euros : Enseignants et étudiants hors académie de Nice-Var / Teachers and students outside of the Nice/Var Academy
Groupe / Groups
Sur rendez vous à partir de 10 personnes - Contact : Régine Tracy : 04 93 75 71 50 | [email protected]
By apointment. Minimum 10 people / Contact : Régine Tracy : 04 93 75 71 50 | [email protected]
5 euros par personne + 2 euros par personne (20 personnes par médiateur)
5 euros per personne + 2 euros per personne (20 people per guide)
Gratuit / Free
Les Mouansois - Etudiants et enseignants de l’Académie de Nice Var - Jeunes de moins de 18 ans - Demandeur
d’emploi - Maison des artistes (sur présentation de la carte) - Journaliste (sur présentation de la carte) - Ministère de
la Culture et de la Communication, Conseil Régional PACA, Conseil Général 06 - Membres de l’ICOM
Residents of Mouans-Sartoux / Students and teachers from the Nice-Var Academy / Children under 18 / Unemployed persons
/ Members Maison des artistes (card obligatory) / Journalists (card obligatory) / Representatives Ministry of Culture and
Communication, Regional Council PACA, General Council 06 / ICOM Members
Pour les visites jeunes publics / Visits for young people
S’adresser directement aux ateliers pédagogiques : 04 93 75 06 78
|[email protected]
Contact directly the Pedagogical Studios: 04 93 75 06 78 | [email protected]
Comment venir à l’Espace de l’Art Concret / How to get to the Espace de l’Art Concret :
Avion / Plane
Aéroport de Nice - 30 minutes en voiture / Nice airport - 30 minutes by car
Train
Ligne Cannes - Grasse – Arrêt Gare Mouans-Sartoux - 15 minutes de la gare de Cannes
Line Cannes - Grasse – Get off at Mouans-Sartoux - 15 minutes from the Cannes train station
Voiture / Car
Autoroute A8 - Sortie “Cannes-Mougins”, pénétrante direction “Grasse” : Sortie Mouans-Sartoux
Autoroute A8 – Exit “Cannes-Mougins”, pénétrante direction “Grasse” : Exit Mouans-Sartoux
Bus
Ligne TAM 600 Cannes – Grasse - Départ gare de Cannes, arrêt Centre Mouans-Sartoux
TAM line 600 Cannes – Grasse – Departure: Cannes Station, stop: Centre Mouans-Sartoux
L’Espace de l’Art Concret bénéficie du soutien de la Ville de Mouans-Sartoux, du Ministère de la Culture et de la Communication : Délégation aux
Arts Plastiques/DRAC PACA, du Conseil Régional Provence-Alpes-Côte d’Azur et du Conseil Général des Alpes-Maritimes.