MAHLER Symphonie n°5 - Festival de Saint

1
MAHLER
Symphonie n°5
Gustavo Dudamel
direction
Né en 1981 à Barquisimeto, au Vénézuela. Il étudie le violon au Conservatoire Jacinto Lara avec José
Luis Jiménez puis avec José Francisco del Castillo à l’Académie latino-américaine de violon.
1995 : il commence la direction au Vénézuéla avec Rodolfo Saglimbeni et devient chef associé de
l’Orchestre de Chambre Amadeus avant d’être nommé chef assistant l’année suivante.
1999 : il se perfectionne auprès de José Antonio Abreu puis est nommé à la tête de l’Orchestre
National des Jeunes du Venezuela Simón Bolívar. Il travaille régulièrement avec Simon Rattle,
Claudio Abbado et Daniel Barenboïm.
2004 : remporte le concours Gustav Mahler de Bamberg (jury composé de Esa-Pekka Salonen,
Jukka-Pekka Saraste, Leon Botstein, Lawrence Foster, Jonathan Nott, Magnus Lindberg, Ernest
Fleischmann, et Marina Mahler, petite fille du compositeur). Concerts Beethoven avec le Mahler
Chamber Orchestra à Caracas.
2005 : dirige le Philharmonia Orchestra au Royal Festival Hall, fait ses débuts aux BBC Proms avec
l’Orchestre Symphonique de Göteborg ; concert à Bonn dans le cadre des journées Beethoven,
débuts à Rome avec le Sinfonica dell’Accademia di Santa Cecilia, au Festival de Verbier avec l’ UBS
Verbier Festival Orchestra, la Camerata de Salzburg, le Royal Stockholm Philharmonic et son premier
concert à la tête du Los Angeles Philharmonic. Il signe un contrat d’exclusivité avec Deutsche
Grammophon.
2006 : Concerts avec le Philharmonia Orchestra, la Santa Cecilia et l’Orchestre de Göteborg, débuts
avec le CBSO, la Staatskapelle Dresden, le Royal Liverpool Philharmonic, le Frankfurt Radio
Symphony, l’Orchestra Filarmonica della Scala ; tournée avec l’Orchestre Philharmonique d’Israël et
le pianiste Yundi Li avant de diriger le Symphonique de Boston à Tanglewood.
A l’Opéra, il dirige L’elisir d’amore au Staatsoper de Berlin et Don Giovanni à La Scala. Il sort son
premier album chez Deutsche Grammophon : Beethoven Symphonies nos. 5 & 7 avec l’Orchestre des
jeunes Simón Bolívar. Nommé directeur musical principal de l’Orchestre de Göteborg pour la saison
2007/2008.
2007 : concerts avec le Los Angeles Philharmonic (avec Yefim Bronfman), le CBSO, le Bamberg
Symphony Orchestra, l’Orchestre Philharmonique d’Israël et l’Orchestre de Göteborg; débuts avec
l’orchestre del Maggio Musicale Fiorentino (et Jian Wang), la Philharmonie Tchèque, les Orchestres
Symphoniques de Chicago, de Vienne, les Philharmoniques de Vienne et de New York, plusieurs
concerts avec le Simón Bolívar à Lucerne ; en novembre prochain est prévue une tournée en
Amérique du Nord qui aboutira au Carnegie Hall. Son prochain album à paraître chez DG : Mahler
Symphonie N°5 avec son orchestre vénézuélien Simón Bolívar.
Dudamel vient d’être nommé à la tête du Philharmonique de L.A. pour succéder à Esa-Pekka Salonen
en 2009. Avant de faire ses débuts avec la Philharmonie de Berlin en 2008, son passage au Festival
de Saint-Denis constitue son premier grand concert parisien.
http://www.deutschegrammophon.com/artistmicrosite/DUDGU/en/personal_biog
raphy.htms
2
Measha Brueggergosman
Soprano
Measha Brueggergosman a étudié à l’Université de Toronto puis en Allemagne.
Elle a travaillé avec des musiciens tels que Christoph Eschenbach, Brigitte Fassbaender,
Margo Garrett, Hakan Hagegard, Jessye Norman, Rudolf Piernay et Thomas Quasthoff.
Cette saison 2006-2007, ses prestations symphoniques comptent la Symphonie n°9 de
Beethoven avec Franz Welser-Möst et l’orchestre de Cleveland (à Cleveland et en tournée)
ainsi qu’avec Daniel Barenboïm et le Chœur et l’Orchestre du Théâtre de la Scala, la Sea
Symphony de Vaughan Williams à Atlanta, des airs d’opéra avec Sir Andrew Davis et le
Philharmonique de New York. Elle a également interprété Des Knaben Wunderhorn de
Mahler et la Symphonie n°9 à Toronto, les Brettl-Lieder de Schönberg et la Symphonie n°4
de Mahler avec Michael Tilson Thomas et l’Orchestre Symphonique de San Francisco, des
Songs de Gershwin avec l’Orchestre Symphonique écossais de la BBC aux Proms de
Glasgow.
Elle a déjà travaillé sous la direction de Gustavo Dudamel dans les Lieder Eine Fahrenden
Gesellen avec l’Orchestre Philharmonique d’Israël. Dans ses récitals, Measha
Brueggergosman interprète aussi bien des chants de Bolcom, Satie ou Montsalvatge que du
répertoire plus traditionnel de Mahler, Ravel et Strauss. Elle s’est produite au Wigmore Hall,
au Palais des Beaux-Arts, à Gstaad avec Jean-Yves Thibaudet. Récemment, elle a
interprété les Quatre Derniers Lieder de Strauss avec le Deutsche Symphonie Orchester de
Berlin, la Messe Glagolitique de Janacek avec le Philharmonique de Stuttgart et l’Orchestre
Symphonique de San Francisco sous la direction de Michael Tilson Thomas, le Requiem de
Verdi avec Andrew Davis et l’orchestre de Toronto, la Symphonie n°9 de Beethoven avec
Hans Graf et l’orchestre de Boston à Tanglewood, le Credo de Krzysztof Penderecki dirigé
par le compositeur, des airs d’opéra avec Patrick Summers, des Songs of Innocence and
Experience de Bolcom avec Leonard Slatkin. Elle s’est produite en récital au Kennedy
Center, au Carnegie Hall, ainsi qu’aux festivals d’Edinburgh et de Bergen. Measha
Brueggergosman vient de signer pour le label Deutsche Grammophon (prochain album à
paraître en 2008). Auparavant, elle enregistrait pour CBC Records : album Barber, Copland
et Gershwin et Extase, avec les Nuits d’été de Berlioz et des airs d’opéra de Massenet.
http://en.measha.com/index.php
Orchestre Symphonique de Göteborg
En 2005, l’Orchestre Symphonique de Göteborg a fêté ses 100 ans d’existence. Grâce
notamment à Neeme Järvi, directeur musical de 1982 à 2004, l’orchestre est devenu l’une
des meilleures formations symphoniques internationales. C’est actuellement le chef suisse
Maurizio Venzago qui en est le directeur musical principal, avant de céder cette rentrée 2007
sa place au jeune Gustavo Dudamel. Christian Zacharias et Peter Eötvös sont les chefs
invités principaux. Au début du XXe siècle, le compositeur et chef suédois Wilhelm
Stenhammar a fortement contribué au rayonnement de l’orchestre. Il a invité Carl Nielsen et
Jean Sibelius à y diriger leurs propres œuvres.
L’orchestre a travaillé avec des chefs légendaires comme Wilhelm Furtwängler, Pierre
Monteux et Herbert von Karajan et récemment Kent Nagano, Gianandrea Noseda, Vladimir
Jurowski et Herbert Blomstedt. L’orchestre a tourné aux Etats-Unis, en Europe, dans les
salles et festivals les plus prestigieux. L’orchestre a enregistré l’Intégrale des Symphonies de
Sibélius, Nielsen, Stenhammar, Berwald, Borodine, Rimsky-Korsakov, les opéras et
symphonies de Tchaïkovski, Rachmaninov, Prokofiev et Chostakovitch, et une intégrale
Grieg. Récemment, l’orchestre a enregistré la Sinfonia de Berio avec Peter Eötvös et les
London Voices (DG), les concertos pour trompette de Gruber, Eötvös et Turnage (DG), ainsi
qu’un album avec Alison Balsom dirigé par Edward Gardner (EMI).
http://www.gso.se/
3
HAENDEL
Le Messie
John Nelson
Direction
John Nelson est l’un des chefs les plus polyvalents et accomplis de la scène internationale. Il
est mondialement reconnu pour ses interprétations du répertoire romantique, baroque, ou
encore pour son approche vibrante de Mozart et de Haydn ; enfin pour la passion qu’il voue
à la musique contemporaine. Né au Costa Rica, John Nelson a fait ses études à la Juilliard
School. Il a été successivement directeur musical de l’Orchestre symphonique
d’Indianapolis, de l’Opéra de Saint-Louis et du Caramoor Music Festival de New York. Il a
également été chef d’orchestre invité de l’Orchestre National de Lyon. John Nelson est
directeur musical de l’Ensemble orchestral de Paris depuis 1998. Il dirige dans les plus
grandes villes du monde entier, tant aux États-Unis (orchestres de New York, Los Angeles,
Philadelphie, Boston et Cleveland) qu’en Europe. Il s’est également produit en Asie. Il n’a
jamais cessé ses activités de chef d’opéra, genre qu’il a abordé à New York dès 1972, et au
Metropolitan Opera en 1974. Cette expérience décisive lui a permis d’acquérir une réputation
internationale et de faire ses débuts en Europe au Grand Théâtre de Genève avec Les
Troyens de Berlioz, ainsi qu’en France dans Béatrice et Bénédict. Il a ainsi dirigé au Chicago
Lyric Opera, à l’Opéra Bastille, l’Opéra de Lyon, de Rome, à La Monnaie de Bruxelles… Les
grands chefs-d’oeuvre sacrés occupent également une place centrale dans son travail. Il
collabore avec les plus grandes maisons de disques : Emi / Virgin Classics, Sony, Deutsche
Grammophon, Decca, BMG, Erato… Parmi les récompenses reçues pour ses derniers
enregistrements, on peut citer le Grammy Award pour Semele de Haendel, un Diapason d’or
de l’année pour Béatrice et Bénédict de Berlioz ainsi que deux Victoires de la musique
classique reçues en 2004.
http://www.imgartists.com/?page=artist&id=383
John Nelson & l’Ensemble Orchestral de Paris au Festival de Saint-Denis :
2001 : Requiem de Mozart.
2002 : Le Christ au Mont des Oliviers et Symphonie n°7 de Beethoven.
2003 : Requiem de Fauré, Symphonie Inachevée et Messe en mi bémol de Schubert.
2004 : Messe Solennelle de Sainte Cécile de Gounod avec Sandrine Piau.
2005 : La Création de Haydn avec Natalie Dessay, Paul Groves, Laurent Naouri
et le Collegium Vocale Gent.
2006 : La Messe en ut de Mozart
4
Ensemble Orchestral de Paris
Créé en 1978 par Marcel Landowski avec les soutiens de la Ville de Paris et du Ministère
de la Culture. Formation originale, dite de Mannheim, dont l’effectif est de 43 musiciens.
Dirigé depuis 1998 par John Nelson, il reçoit en 2004 une Victoire de la musique classique «
Ensemble de l’année ». Son répertoire s’étend des plus grandes pages classiques aux
créations contemporaines. L'Ensemble Orchestral de Paris se produit au cours d'une saison
de concerts au Théâtre des Champs-Élysées, à la cathédrale Notre-Dame de Paris et au
Festival de Saint-Denis. Les musiciens et solistes de l'orchestre proposent également, tout
au long de l'année, un répertoire de musique de chambre à la salle Cortot et des concerts
destinés au jeune public à l'Opéra-Comique et au Théâtre 13. Les activités lyriques se
déroulent à l'Opéra Garnier, à la salle Favart ou au Châtelet où l'orchestre s'associe de façon
régulière à des productions majeures. Plusieurs fois par an, des tournées en France et dans
le monde entier viennent enrichir ces activités : tournées en Corée, Grèce, Russie, à Rome,
en Allemagne, Slovénie, au Japon et le dernier déplacement en Europe de l'Est en sont
l'illustration. Dernier enregistrement: un album, Les Nuits d’Eté de Berlioz avec le contreténor David Daniels pour EMI/Virgin.
http://www.ensemble-orchestral-paris.com/
London Voices
Terry Edwards, direction
Les London Voices sont sur le devant de la scène chorale professionnelle et internationale
depuis plus de trente ans. Leur discographie ne comprend pas moins de 200
enregistrements parmi lesquels des musiques de film – dont notamment les bandes
originales des films Star Wars, Harry Potter, et Lord of the Rings. Avec leur directeur musical
- Terry Edwards- les London Voices ont été choisies par plusieurs compositeurs des XXe et
XXIe siècles pour jouer, créer et enregistrer leur musique ; ce fut le cas de John Adams,
Luciano Berio, Pierre Boulez, John Cage, Heinz Holliger, Gyorgy Ligeti, Olivier Messiaen et
Henri Pousseur.
Terry Edwards a été directeur musical des chœurs à Covent Garden (opéra de Londres) de
1991 à 2004. Les London Voices ont également participé à des enregistrements de récitals
avec des solistes et chanteurs comme Angela Gheorghiu, Renée Fleming, Luciano Pavarotti
et Bryn Terfel. Le chœur s’est également produit régulièrement sous les directions de chefs
comme Georg Solti, Christoph von Dohnanyi, Valery Gergiev, Bernard Haitink, Antonio
Pappano, Sir Simon Rattle et Esa-Pekka Salonen.
http://www.london-voices.co.uk/index.php
Laura Claycomb
Née au Texas, la jeune soprano Laura Claycomb aborde avec bonheur un répertoire très
varié allant de la musique baroque à la musique contemporaine en passant par le bel canto.
Elle a fait ses débuts européens en remplaçant à la dernière minute l'interprète de Giulietta
dans I Capuleti e i Montecchi au Grand Théâtre de Genève. En 1997, moment important de
sa carrière, Laura Claycomb fait ses débuts à la Scala de Milan dans le rôle-titre de Linda di
Chamounix de Donizetti. Ses succès européens ne l’ont pas pour autant détournée des
Etats-Unis : elle a ainsi chanté au New York City Opera, à Washington, à San Francisco et à
Los Angeles. Elle s’est également produite sur d’autres grandes scènes internationales,
notamment à l’Opéra d’Israël et au Vlaamse avec David MacVicar et Jean-Claude
Casadesus. Elle a interprété un programme Mozart avec l'Orchestra of the Age of
Enlightenment sous la direction d'Ivan Fischer et un concert avec le Bayerisches Rundfunk
Orchestra sous la direction de Roberto Abbado. Elle a déjà chanté dans le Messie de
Haendel avec l'Orchestre Symphonique de San Francisco, et est une habituée des grands
http://www.lauraclaycomb.com/
festivals.
5
Lawrence Zazzo
Le contre-ténor américain Lawrence Zazzo a étudié à l’Université de Yale et au King’s
College de Cambridge. Il a fait des débuts acclamés à l’opéra sous les traits d’Oberon dans
A Midsummer Night’s Dream de Britten, rapidement suivis du rôle de Bacco dans Arianna
d’Alexander Goehr à Cambridge, et des rôles-titres dans Arminio et Alessandro Severo à
l’occasion du Festival Haendel de Londres.
Les engagements plus récents de l’artiste comprennent entre autre : Arsame dans Xerxes à
Paris avec William Christie, La Griselda (Scarlatti) avec René Jacobs, Le Songe d’une nuit
d’été (Britten) à Singapour, l’Orfeo de Glück aux Pays-Bas et le rôle-titre de Giulio Cesare
(Haendel) avec Roy Goodman à Drottningholm. Lawrence Zazzo est également très actif
dans le domaine de la musique contemporaine, il a participé à la production de Médéa de
Rolf Liebermann à l’Opéra de Paris et a chanté Luci Miei Traditrici de Salvatore Sciarrino à
La Monnaie, au Lincoln Center ... Il est également un artiste de concert et un récitaliste
accompli. Très récemment, Lawrence Zazzo a participé aux créations mondiales de The
Tempest de Thomas Adés à Covent Garden et d’Eliogabalo de Cavalli à La Monnaie de
Bruxelles. Il sera en tournée avec Le Messie et Saül sous la direction de René Jacobs, et
enregistrera le rôle-titre du Lotario de Haendel avec Paul Goodwin.
http://www.lawrencezazzo.com/
John Mark Ainsley
John Mark Ainsley, l’un des plus talentueux ténors de Grande-Bretagne, est né à Cheshire. Il
commence sa formation musicale à Oxford et se perfectionne auprès de Diane Forlano. Il se
produit à travers le monde, notamment avec le Boston Symphony Orchestra sous la direction
de Seiji Ozawa, avec le Philharmonique de Vienne sous la direction de Sir Roger Norrington,
Trevor Pinnock et Franz Welser-Möst, avec le London Symphony Orchestra dirigé par Sir
Colin Davis et André Previn, avec le Philharmonique de Berlin et Bernard Haitink et Simon
Rattle ; enfin avec le New York Philharmonic sous la direction de Kurt Masur. Sa large
discographie couvre tous les répertoires baroque et classique, les Lieder, les chants anglais
ou encore les Musicals américaines. Particulièrement remarqué sur les scènes d’opéra, John
Mark Ainsley reçoit le prix du Festival de Munich pour son interprétation d’Orfée en 1999. En
2003 au Festival de Salzbourg, il a créé le rôle du démon pour la première mondiale de
L'Upupa de Hans Werner Henze qu’il a repris depuis au Teatro Real de Madrid.
Après le Messie à Saint-Denis, John Mark Ainsley chantera à la fois Zaide et La Finta
Giardiniera pour le Festival de Salzbourg ; il se produira également dans le rôle de Skuratov
dans l’opéra de Janacek, De la Maison des morts au festival d’Aix-en-Provence, puis à
Amsterdam et à Vienne ; enfin la première mondiale de Phèdre de Henze à Berlin et à
Bruxelles.
http://www.hyperion-records.co.uk/artist_page.asp?name=ainsley
6
Detlef Roth
Detlef Roth étudie le chant à Stuttgart. En 1992, Detlef Roth remporte le premier prix au
Concours Belvedere à Vienne et en 1994 il se classe en tête du palmarès au concours du
chant wagnérien à Strasbourg. Il rejoint l'Opéra de Stuttgart pour une production puis
Francfort où il interprète Papageno/La Flûte enchantée, Marcello/La Bohème, le rôle-titre
d'Eugène Onéguine et Dulcamara/l’Elisir d'Amore. L’Opéra de Paris l’engage par la suite
puis l’Opéra de Lyon et le Grand Théâtre de Genève. Il passe également par Londres, Rome
ou encore Hambourg. En mars 2004 il fait ses débuts à l'Opéra National du Rhin avant de
reprendre le rôle de Papageno à Paris et débute à Madrid dans le rôle du
Heerrufer/Lohengrin. Detlef Roth remporte un très grand succès personnel en décembre
2005 avec le rôle de Pentheus dans Die Bassariden de Henze à Amsterdam et chante de
nouveau Wagner à Washington ainsi qu’au Festival d'Aix-en-Provence 2006 avec Simon
Rattle. En concert, Detlef Roth est invité par les orchestres les plus remarquables d'Europe.
Malgré un répertoire considérable, l'artiste se distingue particulièrement par son
interprétation des œuvres de Mahler, les oratorios de Mendelssohn, le Requiem allemand de
Brahms et les Passions de Bach.
Il travaille avec des chefs tels que Semyon Bychkov, Riccardo Chailly, Valery Gergiev,
Theodor Guschlbauer, Marek Janowski, Kent Nagano, Trevor Pinnock, Wolfgang Sawallisch,
Giuseppe Sinopoli, Jeffrey Tate, Christian Thielemann.
http://www.badix.ch/voc/roth.html
7
GRANDES ORGUES
Récital Pierre Pincemaille
Pierre Pincemaille
orgue
Disciple d’Henri Challan, Jean-Claude Raynaud, Marcel Bitsch, Jacques Casterède et
Rolande Falcinelli, Pierre Pincemaille a obtenu cinq Premiers Prix du CNSMDP, puis, cinq
Premiers Grands Prix Internationaux.
C’est en novembre 1987 qu’il est nommé, sur concours, organiste titulaire des Grandes
Orgues de la Cathédrale de Saint-Denis – tribune prestigieuse, abritant le très célèbre opus
n°1 d’Aristide Cavaillé-Coll (1840).
Pierre Pincemaille poursuit sa carrière internationale de concertiste, non seulement dans la
plupart des pays d’Europe, mais également aux Etats-Unis, au Canada, au Japon, en Chine,
en Russie, Amérique latine et en Afrique du Sud. Il est professeur au Conservatoire National
Supérieur de Musique de Lyon, et enseigne également aux Conservatoires de Saint-Maur et
de Saint-Germain-en-Laye.
Outre plusieurs CD d’improvisations, sa discographie compte l’intégrale des oeuvres de
Duruflé, les 10 Symphonies de Widor, des transcriptions de Stravinsky, ainsi que des
œuvres de Franck, Vierne, Alain, Cochereau, etc... Pierre Pincemaille a également
enregistré avec orchestre des oeuvres de Saint-Saëns, Berlioz, Jongen et Copland.
Pierre Pincemaille est régulièrement invité à se produire au Festival de Saint-Denis : avec
l’Orchestre National de France pour la Symphonie avec orgue de Saint-Saëns dirigée par
Myung-Whun Chung (1999), le Te Deum de Joseph Haydn dirigé par Riccardo Muti, la
Messe en ré de Dvorak avec l’Orchestre National d’Ile-de-France dirigé par Janos Fürst ou
encore pour de nombreux récitals.
http://www.pierrepincemaille.com/
8
ESPRITS
His Majesty’s Sagbutts & Cornetts
Patron Sir John Eliot Gardiner
His Majesty’s Sagbutts and Cornetts est un ensemble spécialisé dans la musique des 16ème
et 17ème siècles, sur instruments d’origine. Fondé en 1516, His Majesty’s Sagbutts and
Cornetts a représenté pendant plus de trois siècles le plus beau joyau de l’establishment
musical anglais.
Quand en 1982 le groupe se reforme, il devient alors très rapidement l’ensemble le plus
reconnu du genre. Il est alors très vite demandé pour des festivals et concerts à travers la
Grande-Bretagne puis en Europe continentale. Les tournées se succèdent en Australie et en
Asie du Sud-Est.
Après plusieurs apparitions télévisées et une quinzaine d’enregistrements radio et CD, His
Majesty’s Sagbutts and Cornetts lance son propre label et prépare un disque à sortir cette
année. His Majesty’s Sagbutts and Cornetts est l’ensemble en résidence au Royal College of
Music de Londres.
http://www.hmsc.co.uk/
Jamie Savan
direction
Jamie Savan a commencé à jouer du cornet en 1996 pendant ses études de musique au St
Anne’s College d’Oxford. Par la suite une bourse lui est allouée pour étudier avec Jeremy
West au Royal College of Music de Londres. Il étudie également avec Bruce Dickey à la
Schola Cantorum Basiliensis, cette fois avec une bourse de la Fondation Musicale de la
Comtesse de Munster et du Fond de soutien aux musiciens. Il a récemment terminé son
doctorat en pratique scénique à l’Université de Birmingham. Habitué à travailler seul depuis
1997, Jamie Savan a participé à de nombreuses tournées avec des formations Anglaises et
du reste de l’Europe. Depuis 2003 il travaille régulièrement avec His Majesty’s Sagbutts and
Cornetts et en devient membre à part entière en 2005.
Enfin, il enseigne le cornet à la Royal Welsh College of Music ainsi que le théâtre à
l’Université de Birmingham, où il intervient également en pratique scénique baroque.
9
Jay Begaye
chant et direction
Jay Begaye (Diné) est chanteur, auteur compositeur, peintre, sculpteur et pratique même le
rodéo à haut niveau. Il est né et a grandi dans la petite ville de Steamboat Canyon en
Arizona, au cœur d’une réserve Navajo.
Initié à la culture de son peuple par sa mère, il assiste à son premier pow-wow à Salt Lake
City et y entend pour la première fois les chants des Snake River. C’est cette expérience
qu’il l’a poussé à composer ses propres chansons.
De 1982 à 1986, Jay Begaye chante avec un groupe de percussionnistes déjà reconnu, the
White Eagle Singers, avec lequel il s’installe au Canada. C’est là qu’il crée son propre
groupe The Cathedral Lake Singers avec lequel il se produit pendant les 16 années
suivantes. Auteur de nombreux enregistrements solo associant son amour du chant powwow et son patrimoine navajo, Jay Begaye reçoit, en 2001, les prix du Meilleur artiste
masculin ainsi que celui du Meilleur disque de musique traditionnelle au « Native American
Music Awards ».
De retour dans sa ville natale où il réside aujourd’hui avec sa fille Tiinesha, il travaille à
temps partiel comme enseignant au lycée de la ville voisine et passe le reste de son temps à
se produire et à soutenir la cause navajo et l’amélioration des conditions de vie dans les
réserves.
http://www.jaybegaye.net/
10
MOZART
Requiem
Louis Langrée
direction
Louis Langrée est Directeur musical de l’Orchestre Philharmonique de Liège depuis 2001 et
jusqu’en août 2006. Il est également Directeur musical du Mostly Mozart Festival de New
York depuis 2003. Il a auparavant occupé la même fonction à l’Orchestre de Picardie (199398), l’Opéra National de Lyon (1998-2000) et au Glyndebourne Touring Opera (1998-2003).
Il dirige un vaste répertoire allant du XVIIIe siècle à la musique contemporaine – il a
notamment créé des œuvres de Bacri, Yoshida, Tanguy, Giraud et Lindberg – et est
régulièrement invité à diriger des orchestres tels que l'Orchestre Philharmonique de Londres,
l'Orchestre Philharmonique de Tokyo, l'Orchestre de la Suisse Romande, l'Orchestre de
Paris, le Philharmonique de Monte-Carlo, l’Orchestre Symphonique de Birmingham ainsi que
des orchestres sur instruments anciens (OAE, l'Orchestre des Champs-Élysées, l'Orchestre
du Festival de Drottningholm et La Grande Écurie et la Chambre du Roy). Il dirige de
nombreuses productions lyriques à l'Opéra d'Amsterdam, à l'Opéra de Paris-Bastille, au
Théâtre des Champs-Élysées, au Grand Théâtre de Genève, au Semper Oper de Dresde et
au Royal Opera House - Covent Garden. La Royal Philharmonic Society de Londres lui a
remis le « Best Musical Achievement Award 2002 » dans la catégorie Opéra, partagé avec
Sir Simon Rattle, pour la production de Fidelio de Beethoven du Festival de Glyndebourne.
Plusieurs festivals font appel à lui dont Spoleto, Drottningholm, les Chorégies d'Orange, le
Festival de Glyndebourne et les BBC Proms. Louis Langrée a réalisé plusieurs
enregistrements pour Virgin Classics, à la tête de l’Orchestre de l’Opéra National de Lyon,
l’OAE et la Camerata Salzburg. Avec l’Orchestre Philharmonique de Liège, il a enregistré
pour Universal/Accord les Symphonies de Franck et Chausson, et les Concertos pour piano
de Liszt, Ravel et Schulhoff avec Claire-Marie Le Guay et pour naïve le Concerto pour
violoncelle de Schumann avec Anne Gastinel.
En 2006, il fait ses débuts aux Wiener Festwochen ainsi qu’au Lyric Opera de Chicago, et en
2007 au Metropolitan Opera de New York.
11
Orchestre des Champs-Élysées
L'Orchestre des Champs-Élysées se consacre à l’interprétation, sur instruments d'époque,
d’un large répertoire allant de Haydn et Mozart jusqu’à Mahler.
Sa création en 1991 est une initiative commune à Alain Durel, directeur alors du Théâtre des
Champs-Élysées et de Philippe Herreweghe. L'Orchestre des Champs-Élysées a été
plusieurs années en résidence au Théâtre des Champs-Élysées, au Palais des Beaux-Arts
de Bruxelles et s'est produit dans la plupart des grandes salles de concert européennes :
Musikverein de Vienne, Concertgebouw d'Amsterdam, Barbican de Londres, Philharmonies
de Munich, de Berlin et de Cologne, Alte Oper de Francfort, Gewandhaus de Leipzig, Lincoln
Center de New York, Parco della Musica à Rome, auditorium de Lucerne etc. Il s'est
également produit au Japon, en Corée, en Chine et en Australie. L’Orchestre des ChampsÉlysées est placé sous la direction de Philippe Herreweghe ; plusieurs chefs ont été invités à
le diriger, parmi lesquels Daniel Harding, Louis Langrée ou Christophe Coin, et
prochainement René Jacobs.
L’Orchestre des Champs-Élysées a été l’un des premiers ensembles à fonder sa propre «
école » de formation. Les instrumentistes en sont les principaux formateurs. Le JOA (Jeune
Orchestre Atlantique), créé il y a bientôt dix ans, est la seule formation en Europe permettant
à de jeunes musiciens pré-professionnels d’aborder l’interprétation du répertoire classique et
romantique sur instruments d’époque.
Extraits de la discographie : Mozart – Requiem, Messe en Ut / Beethoven – Missa Solemnis,
Symphonie n°9 / Mendelssohn – Elias, Paulus, Le songe d’une nuit d’été / Brahms – Un
Requiem allemand / Schumann – Concerto pour piano, Concerto pour violoncelle, Scènes
de Faust / Berlioz – Nuits d’été, L’enfance du Christ / Fauré – Requiem / Bruckner –
Symphonie n°7, Symphonie n°4 (avril 2006)
L'Orchestre des Champs-Élysées, en résidence en Poitou-Charentes, est subventionné par
le Ministère de la Culture et par la région Poitou-Charentes. Il est aussi membre de la FEVIS.
http://www.orchestredeschampselysees.com/
Le Collegium Vocale Gent
Le Collegium Vocale Gent ou Collegium Vocale de Gand, est un chœur fondé par Philippe
Herreweghe (natif de la ville de Gand) en 1970. Cette formation chorale est la première à
appliquer une nouvelle manière d'interpréter la musique baroque. Très vite, elle attire
l'attention des grands chefs d'orchestre tels que Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt, ou
Ton Koopman. Le Collegium Vocale s’est également tourné vers la redécouverte de la
musique de la Renaissance, interprète régulièrement des musiques classiques, romantiques
et contemporaines. Il est particulièrement reconnu pour son interprétation des œuvres de
Bach. Dans les années 80, se joint au chœur l'Orchestre du Collegium Vocale Gent.
L'ensemble a produit plus de soixante enregistrements, seul ou avec l'Orchestre du
Collegium Vocale Gent, avec l'Orchestre des Champs-Élysées, le chœur de La Chapelle
Royale... Le Collegium Vocale Gent se produit sur les scènes les plus prestigieuses et
participe à tous les principaux festivals d’Europe. L'ensemble a déjà été invité aux EtatsUnis, en Amérique du Sud, en Israël et au Japon. Le Collegium Vocale Gent a marqué les
esprits lors de sa prestation de La Création de Hayn avec Natalie Dessay, l’Ensemble
Orchestral de Paris et John Nelson au Festival 2005. On retrouvera le chœur le 26 juin
prochain à la Basilique, pour Les Vêpres de Monteverdi.
http://www.collegiumvocale.com/
12
Marie Arnet
soprano
Née en Suède, Marie Arnet a étudié à la Royal Academy de Londres ; elle a participé à de
nombreuses productions du Studio de l’Opéra.
Son répertoire de concert comprend : La Passion selon Saint-Jean de Bach, les Symphonies
n°s 2 et 4 de Mahler, les Requiem de Fauré, Mozart et Brahms, La Petite Messe Solennelle
de Rossini, le Stabat Mater de Pergolèse, des messes de Haydn, et le Te deum de
Bruckner.
Elle a récemment interprété L'enfance du Christ de Berlioz le Requiem de Mozart avec Paul
McCreesh et le Gabrieli Consort, Les Noces de Stravinsky avec l’Orchestre de la Radio de
Madrid, et le Requiem allemand de Brahms avec James Conlon aux Proms. A l’opéra, elle a
chanté les rôles de Barbarina et de Susanna dans Le Nozze di Figaro, Diane dans Iphigénie
en Aulide et Ilia dans Idomeneo (dirigé par Sir Simon Rattle) à Glyndebourne. Elle a connu
un grand succès dans les rôles de Sophie du Rosenkavalier ou encore celui de Pamina pour
l’Opéra d’Ecosse. Elle fait ses débuts en Europe avec le rôle d’Eurydice dans une nouvelle
production d’Orphée de Gluck avec Christophe Rousset pour l’opéra de Lausanne. Elle
chante ensuite à Barcelone le rôle de Xenia dans Boris Godounov. En 2004, Glyndebourne
la réinvite pour le rôle de Mélisande, qu’elle reprend en 2006 à Palerme.
Cette saison, elle est retournée au Liceu pour Idomeneo et Ariodante ; elle a chanté à la
Scala dans une nouvelle production de Dido & Aeneas de Purcell puis a entamé une tournée
avec l’OAE et René Jacobs avec Solomon de Haendel.
Quelques projets : Susanna dans une nouvelle production à Covent Garden, Orphée et
Eurydice au Royal Opera de Stockholm ; enfin Drusilla pour une nouvelle production de
L'Incoronazione di Poppea pour le Festival de Glyndebourne.
Marijana Mijanovic
mezzo
Née à Valjevo dans l'ex-Yougoslavie. Après des études de piano à l'Académie de musique
de Belgrade, elle intègre, en 1994, le Conservatoire Sweelinck d'Amsterdam. Elle s'est déjà
souvent produite avec William Christie et Les Arts Florissants, notamment dans Le Retour
d'Ulysse de Monteverdi, à Aix-en-Provence, Paris, New York, Vienne et Londres. Elle a
débuté en 2001 à l'Opéra de Paris en fille-fleur dans Parsifal. Elle a ensuite chanté le rôletitre de Giulio Cesare de Haendel sous la direction de Marc Minkowski, à l'Opéra
Néerlandais, à Bruxelles, Vienne, Francfort, Brême, Grenoble et Ambronay.
En 2003, elle a débuté à l'Opéra de Zurich, de nouveau sous la direction de Marc Minkowski
dans Il trionfo del Tempo de Haendel. Elle fait ses débuts à Glyndebourne en 2004 dans
Rodelinda sous la direction de Emmanuelle Haïm. La saison suivante, elle retourne à Zurich
pour Radamisto de Haendel et en 2006 Orlando sous la direction de William Christie. Cette
même année elle a interprété Daniel dans Belshazzar de Haendel sous la direction de René
Jacobs à Bruxelles puis au Festival de Beaune. Récemment, elle a interprété Bradamante
dans Alcina de Haendel avec Christophe Rousset à Amsterdam et au Théâtre des ChampsElysées.
Elle a également tourné avec Nikolaus Harnoncourt dans La Betulia liberata de Mozart.
Enregistrements : pour Archiv Produktion, DGG, EMI, Naïve Classique...
13
Paul Agnew
ténor
Né à Glasgow en 1964, Paul Agnew intègre le chœur du Magdalen College d’Oxford, où il
reçoit un enseignement musical. Spécialisé dans les répertoires baroque et classique, il
travaille régulièrement avec les chefs de file de la musique ancienne, ensembles musicaux
et chefs d’orchestres parmi lesquels William Christie, Marc Minkowski, Ton Koopmann, John
Eliot Gardiner, Phillippe Herreweghe et Emmanuelle Haïm. Considéré comme un interprète
de premier plan pour les rôles de haute-contre des œuvres baroques françaises, Paul
Agnew fait ses débuts à l’Opéra Garnier dans le rôle-titre de Hippolyte et Aricie de Rameau.
Suivent Platée, Les Boréades et Les Indes galantes avec les Arts Florissants et William
Christie. Il se produit également au Festival d’Aix-en-Provence, à l’Opéra de Lyon et à
l’Opéra de Zurich. Paul Agnew a été invité comme artiste en résidence par le Lufthansa
Festival of Baroque Music de Londres en 2004, et se produit régulièrement au Festival
d’Édimbourg. Il chante dans L’Enfance du Christ de Berlioz à l’Opéra Comique de Berlin,
dans Davidde Penitente de Mozart au Konzerthaus de Vienne, Alceste au Concertgebouw
d’Amsterdam, et La Résurrection de Haendel avec l’Orchestre Symphonique de Birmingham
et l’Orchestre de la Radio de Francfort sous la direction de Emmanuelle Haïm.
Enregistrements : Lieder de Beethoven (en concert au Festival 2004), L’Enfance du Christ
avec Philippe Herreweghe, la Messe du Couronnement et des Cantates de Bach, Les
Vêpres de Monteverdi et les grands Motets de Rameau avec Les Arts Florissants.
Récemment, Paul Agnew s’est produit dans Davidde Penitente avec l’Orchestre Royal
Philharmonique de Liverpool, dans Il Re Pastore ; un programme d’airs de Mozart et La
Passion selon Saint-Jean avec Les Folies Françoises. À l’Opéra, il a chanté le rôle-titre de
Dardanus de Rameau, a repris Platée à Garnier et a participé à la nouvelle production de
Louise de Charpentier aux côtés de Mireille Delunsch.
http://www.hyperion-records.co.uk/artist_page.asp?name=agnew
Brindley Sherratt
basse
Né dans le Lancashire, Brindley Sherratt a étudié à la Royal Academy à Londres.
Il fait ses débuts à l’opéra du Pays de Galles avec le rôle de Leporello (Don Giovanni) ;
suivent ceux de Ferrando (Il Trovatore), Gremin (Eugene Onegin) et plus récemment,
Sarastro (Die Zauberflöte). 2005-2006 : Jeronimus (Maskerade) à Covent Garden ; Rocco
(Fidelio) à Glyndebourne. Il chante également Publio dans La clemenza di Tito et Marchese
di Calatrava dans La forza del Destino de nouveau à Covent Garden; Budd (Albert Herring) à
Glyndebourne. Il fait ses débuts aux Etats-Unis à Santa Fe dans le rôle du Commandeur
puis celui de Claudio dans Agrippina de Haendel.
Récemment, il a fait ses débuts à Salzburg avec Simon Rattle dans Peter Grimes de Britten
et à La Monnaie dans A Midsummer Night’s Dream.
La saison dernière, il a interprété Le Messie à Salzburg avec l’orchestre du Mozarteum et
Ivor Bolton. Il a également chanté La Passion selon Saint-Matthieu avec Daniel Harding et le
Mahler Chamber Orchestra, Les Noces avec Pierre Boulez et l’Intercontemporain, La
Création à Lucerne, La Passion selon Saint-Jean aux BBC Proms. Il a participé à une
tournée avec Trevor Pinnock à Vienne, Salzburg, à Paris et au Japon. Prochainement, il
reprendra Sparafucile et Gremin à Covent Garden.
http://www.askonasholt.co.uk/green/green/home.nsf/ArtistDetails/Brindle
y%20Sherratt
14
CHŒUR DES ANGES
Chants des missions mexicaine
au Sanctus de Gonzales (Création)
Chœur hispanique de la Cathédrale Our Lady of the Angels
Également appelé « Harmonies Girls Choir », cette chorale de jeunes filles (âgées ici de 16 à
19 ans, dont une de 13 ans), est une formation indépendante basée à Los Angeles en
Californie. Elle est placée sous la direction de Antonio Espinal qui en est son fondateur.
Etabli depuis 2002, ce chœur est l’un des plus dynamiques et productifs de toute la ville de
Los Angeles.
Le répertoire du chœur couvre un large éventail de styles musicaux : classique,
contemporain, musique sacrée, gospels, chansons populaires, standards de Broadway,
musique européenne, et surtout musiques de l’Amérique Latine. Harmonies Girls Choir est
reconnu comme un chœur de niveau professionnel au même titre que les maîtrises en
Europe. Il est invité à se produire à la Cathédrale Our Lady of Los Angeles Cathedral où il
est désormais résident. Il se produit également fréquemment dans d’autres églises de L.A. et
en dehors. En 2004, le chœur fait sa première tournée internationale en Allemagne :
concerts à Neustadt, Würzburg, Cologne… Il a été invité pour la 11e semaine musicale de
L.A. au Los Angeles City Hall. En 2005, le chœur est sélectionné pour chanter à l’occasion
de la célébration du Jour de l’Indépendance du Mexique au L.A. City Hall. De nombreuses
organisations font appel au chœur pour leurs événements privés : célébrations El Día del
Salvadoreño au Parc des Expositions, Fondation Cesar Chavez (chants d’hommage devant
la fille de Martin Luther King…). L’été 2006, le chœur fait une seconde tournée
internationale : de Mexico jusqu’à Vienne, Salzburg et Prague pour le 250e anniversaire
Mozart. Le chœur se produit avec un compositeur et organiste virtuose Christopher Bull (de
la faculté d’orgue de UCLA). Le « Sanctus » de Julian Joseph Gonzalez, créé en France au
Festival de Saint-Denis, est une commande du Los Angeles Philharmonic Orchestra avec
lequel le chœur s’est déjà produit.
Enregistrement : premier album « Festejo de Navidad » entièrement consacré aux Chants de
Noël latino-américains
http://www.harmonieschoir.org/
15
Jose Antonio Espinal
direction
Pianiste, chef d’orchestre et chef de chœur, Antonio Espinal est reconnu comme l’un des
plus talentueux jeune chef mexicain, son pays d’origine. Membre de la faculté de Piano au
Conservatoire National de Musique de Mexico entre 1989 et 1996, il fait ses débuts de chef
de chœur avec le Carlos Chavez Symphony Orchestra en 1993 et débute à l’Opéra en 1994
avec La Traviata. Il obtient son Master Degree de chef en 2000 à l’Université Carnegie
Mellon ou il étudie avec Juan Pablo Izquierdo (pour l’orchestre) et Robert Page (pour le
choeur). Jose Antonio Espinal est invité en 2000 à Los Angeles par Esa-Pekka Salonen,
chef de l’Orchestre Phiharmonique de Los Angeles, dont il devient l’élève. Il reste
parallèlement professeur de chant et répétiteur à l’Opéra de Mexico. Il est également
directeur de stages, chef d’orchestre et de chœur pour le Palacio Nacional de las Bellas
Artes. Il fonde également en 2001 la Compagnie d’Opéra de Atizapan. Antonio Espinal a
dirigé les plus importants orchestres du Mexique, notamment l’Orchestre Symphonique de
Veracruz, le Symphony of Querétaro, l’Orchestre Classique de Orizaba et l’Orchestre
National de Mexico. Aux Etats-Unis il a conduit l’Orchestre du Carnegie Mellon à Pittsburg,
l’Ensemble Contemporain de Mexico et des membres de l’Ensemble Philharmonique de Los
Angeles. Antonio Espinal a notamment été récompensé par la bourse du très prestigieux
« Conductor’s Award » de la Fondation Mexicaine pour l’Art et la Culture, en 1996-1997 puis
en 2000-2001. Depuis 2003-2004, il est directeur musical du Chœur Hispanique à la
Cathédrale Our Lady Of the Angels de Los Angeles et vient également de fonder un Festival
international de chœurs d’enfants, en partenariat avec le gouvernement de l’Etat
d’Aguascaliente (première édition en juillet 2007), avec la participation active de l’Orchestre
Symphonique d’Aguascalientes. Antonio Espinal a fondé le chœur de jeunes filles The
Harmonies of Saint Thomas devenu désormais The Harmonies Girls Choir. En 2004, il a été
décoré par la ville de Los Angeles pour son travail au sein de la communauté et son travail
avec les enfants. Antonio Espinal doit également sa réputation à la promotion des
compositeurs rarement entendus d’Amérique Latine.
Joseph Julian Gonzalez
Guitare et composition
Né à Bakersfield en Californie, Joseph Julian Gonzalez a étudié la composition avec Elain
Barkin, Roger Bourland, et le compositeur de musique de film David Raksin à UCLA. Il y
remporte d’ailleurs les plus belles récompenses en guitare classique, jazz, mais aussi en
classe de composition. Il a étudié avec John Adams, Osvaldo Golijov, et Thomas Newman. Il
a composé pour le Kronos Quartet, le Chœur hispanique de Los Angeles, mais aussi pour
de nombreuses musiques de film : Price of Glory, Curdled, Jackie brown…, des
documentaires : Cowboy Del Amor, Chicano: The History of the Mexican American Civil
Rights Movement, des shows télévisuels... Sa grande œuvre symphonique et chorale, la
Misa Azteca, a été jouée à Carnegie Hall mais aussi à la Cathédrale américaine de Paris. Le
Gloria de cette messe a été choisi en 2006 pour inaugurer le premier Festival de chœur et
d’orchestre de Sydney à l’Opéra de Sydney.
16
BACH
Cantates
Christophe Dumaux
contre-ténor
Né en 1979, le jeune contre-ténor Christophe Dumaux étudie le violoncelle avant d’aborder
le chant au conservatoire. En 1998, il participe à une masterclasse de Noëlle Barker puis
l’année suivante de James Bowman.
Il étudie dans la classe de musique ancienne de Kenneth Weiss au CNR de Paris avant
d’entrer au CNSM à Paris où il participe dès 2001 à la production de L’Incoronazione di
Poppea de Monteverdi sous la direction d'Emmanuelle Haïm.
L’été 2002, Christophe Dumaux est invité au Festival de Radio France à Montpellier pour le
rôle d’Eustazio, Rinaldo, dirigé par René Jacobs, repris au Festival d’Innsbrück puis au
Staatsoper de Berlin en janvier 2003. Harmonia Mundi en a fait paraître un enregistrement
en avril 2003. Il est admis au Jardin des Voix, consistant en une série de concerts à travers
l'Europe, organisés par Les Arts Florissants sous la direction de William Christie qui l’invite à
participer en qualité de soliste à deux tournées du Messie (en Europe puis en Asie).
Christophe Dumaux s’est produit dans le Didon et Enée de Purcell avec le Concert d’Astrée
sous la direction de Emmanuelle Haïm. Il a pris part à la création de Medeamaterial de
Dusapin à l’opéra de Lausanne avant ses débuts américains au festival de Spoleto dans le
rôle titre de Tamerlano de Haendel.
Il a été invité par René Jacobs à participer à une nouvelle production de Elio Gabalo de
Cavalli au Théâtre de la Monnaie à Bruxelles. Son interprétation d’Ottone, Agrippina, à Santa
Fe lui a valu un accueil très enthousiaste de la critique. En 2005, il fait ses débuts à L’Opéra
de Paris dans le rôle d’Ottone de L’Incoronazione di Poppea et à Glyndebourne dans le rôle
de Tolomeo dans leur nouvelle production de Giulio Cesare de Haendel. En 2006 Christophe
Dumaux a fait ses débuts au Metropolitan Opera dans le rôle d’Unulfo de Rodelinda de
Haendel. Cette saison, il s’est également produit au Grand Théâtre de Genève avant Giulio
Cesare, au Lyric Opera de Chicago, ainsi qu’à Vienne et en tournée de duos avec Paul
Agnew et les Arts Florissants.
http://www.imgartists.com/?page=artist&id=126
17
Les Folies Françoises
Riches de leur expérience au sein des grandes formations baroques et classiques, de jeunes
instrumentistes formés à l’école française décident de fonder en 2000 Les Folies Françoises,
sous la direction du violoniste Patrick Cohën-Akenine. A mi-chemin entre la formation de
chambre et l’orchestre, cet ensemble de solistes confirmés revisite le vaste répertoire
instrumental et vocal des XVIIe et XVIIIe siècles, dans l’esprit de liberté, de pluralité et de
créativité qui animait les musiciens du Grand Siècle. A l’image du Treizième Ordre de
François Couperin dont elles tirent leur nom, Les Folies Françoises tiennent à exprimer toute
la palette de couleurs et de sentiments qui caractérise la sensibilité musicale de l’époque.
L’ensemble a été invité par le Théâtre des Champs-Elysées, notamment dans le cadre de la
Série des Grandes Voix, mais aussi au Châtelet, à la Cité de la Musique, au Théâtre de la
Ville, à l’Arsenal de Metz, à la Chapelle Royale et à l’Opéra de Versailles, à l’Opéra de
Lausanne ; également pour la Folle Journée de Nantes, pour les festivals de Montpellier,
Beaune, Ambronay, Saintes. On peut aussi régulièrement entendre Les Folies Françoises à
l’étranger (USA, Royaume-Uni, Allemagne, Italie, Belgique, Pays-Bas, Liban…).
L’ensemble a enregistré des airs d’opéra français avec la soprano Patricia Petibon, pour
EMI/Virgin Classics. En 2004, la sortie des Nuits de Sceaux de Nicolas Bernier chez Alpha
(ffff de Télérama), a entamé avec le label une collaboration sur le long terme : Le Tombeau
de Leclair en 2005, et en 2006 La Petite Musique de Nuit de Mozart. Egalement parus : le
Stabat Mater de Boccherini (Ricercar), ainsi qu’un DVD consacré aux Plaisirs de Versailles
de Charpentier (Vox Lucida). Les Folies Françoises reçoivent le soutien de la Fondation
Orange et sont soutenues au titre de l’aide aux ensembles conventionnés par le Ministère de
la Culture et de la Communication (DRAC Ile-de-France), par le Conseil Général du Val-deMarne, et sont membres de la Fédération des ensembles Vocaux et Instrumentaux
Spécialisés.
http://foliesfrancoises.chez-alice.fr/
Patrick Cohën-Akenine
violon et direction
Patrick Cohën-Akenine commence l’étude du violon à 4 ans. Il obtient un premier prix
d’excellence au CNR de Rueil avant d’intégrer le CNSM de Paris, en 3e cycle de musique de
chambre, pour se consacrer avec passion au quatuor à cordes. Il travaille alors avec les plus
grands quatuors (Amadeus, Alban Berg, Cleveland, Fine-Arts, Guarneri) et part en Hongrie
suivre les conseils de Vilmos Tatraï.
Passionné par la musique ancienne, Patrick Cohën-Akenine étudie le violon baroque auprès
de Patrick Bismuth ; il se perfectionne avec Enrico Gatti. Il donne de nombreux concerts en
soliste ou en formation de chambre en France, en Allemagne, au Royaume-Uni, en Italie, en
Espagne, en Grèce, en Scandinavie, aux Etats-Unis, au Canada, ainsi qu’au French May de
Hong-Kong et au Festival de Sydney. Après avoir joué notamment avec Les Musiciens du
Louvre, il a été amené à assumer régulièrement le rôle de premier violon pour Les Arts
Florissants, Les Talens Lyriques, Il Seminario Musicale, Ricercar Consort, Le Poème
Harmonique, La Simphonie du Marais et Capriccio Stravagante. De 1994 à 2002, il est
également premier violon du Concert Spirituel, qu’il dirige occasionnellement. En 2000, il
fonde Les Folies Françoises, pour aborder un vaste répertoire baroque dans un pur esprit de
musique de chambre, et c’est tout naturellement qu’il est amené à diriger son ensemble en
formation orchestrale. Il interprète notamment avec celui-ci les concertos de Bach aux côtés
d’Enrico Gatti, et des concertos de Vivaldi avec Anner Bylsma. En 2004, William Christie
l’invite en qualité de premier violon des Arts Florissants sur la production d’Hercules de
Haendel pour le Festival d’Aix-en-Provence, reprise pour l’Opéra de Paris. En 2005, Philippe
Herreweghe fait également appel à lui au pupitre de Konzertmeister pour jouer Bach…
Patrick Cohën-Akenine a créé en 1996 une classe de violon baroque au Conservatoire
Charles Munch à Paris et enseigne à l’Ecole Nationale de Musique d’Orsay.
18
OSVALDO GOLIJOV
Ayre (Création en France)
Osvaldo Golijov
composition et direction
Né le 5 décembre 1960, Golijov a grandi dans une famille juive d’Europe de l’Est installée en
Argentine. Il déménage en Israël en 1983, étudie à l’Académie de Jerusalem. Il retourne aux
Etats-Unis en 1986 : Ph.D. de l’Université de Pennsylvania, études avec George Crumb et
Oliver Knussen. Au début des années 90, Golijov se rapproche de deux quatuors à cordes :
St Lawrence & le Kronos (en concert au Festival de Saint-Denis le 2 juillet). Le Kronos
Quartet enregistre trois albums de et avec la collaboration de Golijov : The Dreams and
Prayers of Isaac the Blind, avec le clarinettiste David Krakauer (œuvre donnée en première
partie d’Ayre) puis Caravan, enfin Nuevo. Le Kronos a également élargi la famille musicale
de Golijov en travaillant avec les Taraf de Haidouks, le groupe de rock mexicain Café
Tacuba, le virtuose des tablas Zakir Hussain, et le légendaire compositeur, guitariste et
producteur argentin Gustavo Santaolalla. Golijov a été particulièrement inspiré par la voix de
Dawn Upshaw pour laquelle il a composé Three Songs for Soprano and Orchestra, l’opéra
Ainadamar (créé à Santa Fe) le cycle Ayre ainsi que de nombreux arrangements de
chansons traditionnelles et populaires
En 2000, la première de La Pasion segun San Marco (hommage au 250e anniversaire de la
mort de Bach, commande de Helmuth Rilling) a permis de le faire connaître mondialement.
Ayre a été enregistré en 2005 (nomination aux Grammy Awards). Ainadamar, opéra de
chambre avec Dawn Upshaw, Kelley O'Connor et Jessica Rivera dans les rôles principaux,
le Chœur et l’Orchestre Symphonique d’Atlanta, dirigé par Robert Spano, enregistré en
2006, a gagné deux Grammy Awards. Golijov a travaillé avec le chef Miguel Harth-Bedoya,
les chanteurs Luciana Souza, Alexandra Montano et Biella da Costa, les violoncellistes YoYo Ma, Maya Beiser, Alisa Weilerstein et Matt Haimovitz, le virtuose Kamancheh Kayhan
Kalhor, et le percussionniste Jamey Haddad ; Michael Ward-Bergeman, Gonzalo Grau,
Ljova, et Jeremy Flower ; les Orchestres Symphoniques d’Atlanta, de Boston, de Chicago ;
Gronk, le scénariste David H. Hwang, et le metteur en scène Peter Sellars. Golijov a été
compositeur en résidence au festival de Spoleto USA, pour le Los Angeles Philharmonic les
Festivals de Marlboro, Ravinia, Ojai.
Il a été récemment nommé compositeur en résidence pour le Mostly Mozart Festival 2007 au
Lincoln Center ainsi qu’à l’Orchestre Symphonique de Chicago pour les deux prochaines
saisons.
Actuellement, Golijov travaille sur Azul, un concerto pour violoncelle destiné à Yo-Yo Ma et
l’Orchestre Symphonique de Boston. Il écrit également la bande originale du prochain film de
Francis Ford Coppola Youth Without Youth. Il compose Rose of the Winds, commandée par
l’Orchestre Symphonique de Chicago, pièce qui sera créée par cet orchestre, le Silk Road
Ensemble et Miguel Harth-Bedoya à la direction.
Son prochain gros chantier est notamment un nouvel opéra, commandé par le Metropolitan
Opera de New York. Ses œuvres sont publiées par Ytalianna Music Publishing. Les
enregistrements de Ainadamar (juin 2007) et Ayre (2006) sont sortis chez Deutsche
Grammophon qui prévoit de sortir trois autres disques dans les deux prochaines années.
D’autres disques d’Osvaldo Golijov sont sortis pour Nonesuch, Sony Classical, Hanssler
Classics, Naxos, Koch, et EMI.
http://www.osvaldogolijov.com/
19
Dawn Upshaw
soprano
Dawn Upshaw a acquis une célébrité internationale aussi bien dans le domaine de l’opéra
que celui du concert, son répertoire allant des œuvres sacrées de Bach aux musiques les
plus novatrices d’aujourd’hui. Ses performances triomphales en scène comprennent aussi
bien les plus grands rôles de Mozart (Pamina, Ilia, Susanna, Despina) que les ouvrages plus
modernes de Stravinsky, Poulenc, et Messiaen.
De Salzbourg, Paris ou Glyndebourne au Metropolitan Opera de New York, où elle démarra
sa carrière en 1984, et où on lui compte plus de 300 représentations. Elle est également la
chanteuse la plus prolifique dans le domaine de la création, avec des rôles composés pour
elle (créations de plus de 25 nouvelles œuvres ces dix dernières années) : The Great Gatsby
de John Harbison ; L'Amour de Loin de Kaija Saariaho ; l’oratorio sur la nativité de John
Adams El Nino ; et l’opéra de chambre de Osvaldo Golijov Ainadamar ainsi que Ayre, deux
œuvres gravées récemment chez Deutsche Grammophon. Cet été, elle a d’ailleurs repris le
rôle de Margarita Xirgu dans Ainadamar de Golijov à l’opéra de Santa Fe. Elle s’est
également produite en récital aux Etats-Unis avec le pianiste Gilbert Kalish, en concert avec
Michael Tilson Thomas et l’Orchestre Symphonique de San Francisco ; Peter Oundjian et
l’orchestre de Philadelphie ; et Esa-Pekka Salonen avec le Philharmonique de Los Angeles.
Dawn Upshaw est une partenaire artistique du St. Paul Chamber Orchestra, avec lequel elle
prévoit toute une série de concert à l’automne 2007. Elle est une partenaire privilégiée de
Richard Goode, du Kronos, James Levine, Simon Rattle, Esa-Pekka Salonen.
De Carnegie Hall à New York à d’autres salles à travers le monde, elle présente
régulièrement de nouveaux programmes de Lieder, des œuvres de musique contemporaine
audacieuses mêlant plusieurs langues et styles musicaux, musique folk et musique
populaire, musique classique et musique savante. Dawn Upshaw apparaît sur plus de 50
enregistrements : Symphony n° 3 de Henryk Gorecki, Mozart Le Nozze di Figaro ; Messiaen
Saint-Francoise d'Assise; Stravinsky The Rake's Progress ; John Adams El Nino; deux
volumes des Chants d’Auvergne de Canteloube… Plus une douzaine de récitals dont son
récent Voices of Light, album consacré à Debussy, Fauré, Golijov, et Messiaen. Dawn
Upshaw a également enregistré plusieurs disques pour Nonesuch (musique de scène) avec
les Orchestres Symphoniques de Chicago de Cleveland et de Philadelphie, ainsi qu’aux
Proms de Londres, pour la radio et la télévision.
Dawn Upshaw est diplômée de Yale, de la Manhattan School of Music, de l’Allegheny
College, et de l’Université Wesleyan dans l’Illinois. Elle a commencé sa carrière en 1984 en
gagnant le Concours « Young Concert Artists » puis en 1985 le Concours Walter W.
Naumburg ; elle a également pu bénéficier du programme « Young Artists Development
Program » du Metropolitan Opera de New York.
http://www.imgartists.com/?page=artist&id=95
20
Gustavo A. Santaolalla
guitare et arrangements
Musicien, guitariste, compositeur et arrangeur argentin né le 19 août 1952 à El Palomar,
province de Buenos Aires. Sa carrière de musicien professionnel démarre en 1967 lorsqu’il
fonde les Arco Iris, un groupe argentin qui fusionne rock et folk latino-américain. Il s’établit
aux Etats-Unis en 1980 et sort, l’année suivante, son premier album : Santaolalla puis en
1995, G.A.S. (ses initiales) et en 1998 Ronroco (album instrumental paru chez Nonesuch). Il
a également produit en 2000 Fíjate bien un album pour le chanteur colombien Juanes. Il est
aussi le producteur de plusieurs groupes latino tels que Javier Garcia ou Cafe Tacuba.
Santaolalla a remporté le Grammy en 2004 en tant que producteur de « Cuatro Caminos »
de Café Tacuba. Lauréat du Grammy latino pour sa collaboration avec ce groupe, il a été
sélectionné au titre de Producteur de l'année pour son travail avec des artistes aussi
prestigieux que Juanes, Molotov, Bersuit Vergarabat, etc. En 2003, il totalise trois
nominations aux Grammy pour des albums de Juanes et Orishas et en tant que producteur
de l'Album « Nuevo » du Kronos Quartet. Santaolalla a composé la musique originale du film
Le Secret de Brokeback Mountain (film de Ang Lee) pour laquelle il a obtenu un Oscar à
Hollywood en 2006. Il a également signé les musiques de Carnets de voyage de Walter
Salles, 21 Grammes, Amours Chiennes, The Insider de Michael Mann, a également participé
à la B.O. de Shrek… Très récemment, il a composé et dirigé la musique du film Babel
d'Alejandro González Iñárritu pour laquelle il vient de réobtenir un Oscar en 2007. Il a
également collaboré à la musique de la séquence de 11'09"01 réalisée par Alejandro
González Iñárritu. Il obtient aussi le Golden Globe Award pour la Meilleure Chanson originale
de la bande originale de Brokeback Mountain, « A Love That Will Never Grow Old ».
Santaolalla se produit au Festival dans le cadre de Métis pour Ayre de Osvaldo Golijov
(partition à laquelle il a contribué) ainsi que pour un show à la guitare avec des invités au
Magic le 20 juin.
David Krakauer
clarinette
Le clarinettiste juif new-yorkais est devenu le pape de la musique klezmer et l’un de ses
réformateurs les plus virtuoses. Avec sa clarinette, David Krakauer a su se distinguer en
interprétant Brahms, Bartok, Schoenberg ou Bério (devant le compositeur) mais, comme de
nombreux musiciens juifs américains, il s’est pris de passion pour les vieux airs venus
d’Europe de l’Est. Tout en continuant une double carrière de concertiste classique et de
jazzman, il rencontre et collabore peu à peu avec tout ce que le milieu klezmer compte
comme figures incontournables. Il rejoint les Klezmatics, le temps d’une poignée d’albums,
enregistre pour le compte du musicien activiste John Zorn sur son célèbre label Tzadik dédié
aux musiques juives. Avec son groupe Klezmer Madness ! Featuring SoCalled, David
Krakauer revisite Sidney Bechet et créé des pièces originales … Au-delà de la musique
Klezmer, David Krakauer est aussi reconnu pour sa maîtrise des genres musicaux les plus
variés : musique de chambre, avant-garde, rock qui l’amène à collaborer avec de nombreux
ensembles : Kronos Quartet, Arditti String Quartet, Orchestre de la Radio de Berlin mais
aussi John Cage, John Zorn et Osvaldo Golijov.
http://www.davidkrakauer.com/live/
21
Michael Ward-Bergeman
accordéon
Accordéoniste, arrangeur, compositeur, la sensibilité et l’approche créatrice de Michael
Ward-Bergeman se réalisent d’abord dans les rencontres et les collaborations les plus
variées ; avec des musiciens et des compositeurs du monde entier, en touchant absolument
tous les genres.
Michael s’inspire des musiques traditionnelles du monde entier pour développer une voix
unique, la sienne. En plus du répertoire traditionnel d’accordéon, Michael Ward-Bergeman a
créé une nouvelle forme de performance inspirée des nouvelles technologies et des
techniques musicales du 21e siècle. Il invente par exemple un « hyper-accordéon »,
instrument acoustique avec des capacités expressives et des différences de jeux
démultipliées. Michael a fait voyager sa musique un peu partout à travers le monde, du pub
ou café local, aux salles les plus prestigieuses comme le Carnegie Hall de New York. Il a
joué pour la télévision, a participé à de nombreux enregistrements, a collaboré pour des
bandes originales de films ; Osvaldo Golijov a fait appel à lui et à son hyper-accordéon pour
de nombreuses œuvres – en particulier pour Ayre (nominé aux Grammy Awards). Il est par
ailleurs diplômé du College of Music de Berkeley de Boston (Massachusetts).
Quatuor Debussy :
Christophe Collette, violon
Anne Ménier, violon
Vincent Deprecq, alto
Alain Brunier, violoncelle
Depuis sa création à Lyon en 1990, le Quatuor Debussy affirme son envie d’explorer toutes
les dimensions du répertoire pour quatuor à cordes et aussi de s’aventurer dans des projets
plus personnels. Il obtient rapidement une belle reconnaissance professionnelle et publique
en remportant le Premier Grand Prix au Concours International de Quatuor à Cordes d’Evian
en 1993, puis la Victoire de la Musique comme « meilleure formation de musique de
chambre » en 1996. Le Quatuor Debussy se produit sur les plus grandes scènes où il
interprète un répertoire riche et ouvert à toutes les influences. Il poursuit sa démarche de
diffusion du répertoire français, de Lalo à Fauré en passant par des compositeurs
injustement oubliés (Bonnal, Onslow..), pour lequel il est particulièrement apprécié dans le
monde entier. Sa curiosité, sa volonté de renouvellement et son désir de surprendre
l’amènent aussi à inventer des spectacles où se mêlent les formes et les univers artistiques.
Le Quatuor Debussy a sorti 16 albums en 15 ans salués par la critique ; il a signé en 1998
un contrat d’exclusivité avec le label français Arion pour la réalisation de plusieurs volumes
de la collection « musique française » (Bonnal, Ravel/Fauré) et de l’intégrale des quatuors
de Chostakovitch (dernier volume en 2005) avec le soutien du Mécénat Musical Société
Générale (depuis 1990) et depuis 2002, la société ECS.
The Andalucian Dogs
ensemble instrumental
22
MONTEVERDI
Vêpres de la Vierge
Attilio Cremonesi
Attilio Cremonesi étudie la musique au Conservatoire de Piacenza et à la Schola Cantorum
de Bâle. Lauréat de nombreux concours, il travaille avec René Jacobs à l’occasion de
productions d’opéra et d’oratorio, et l’accompagne lors de récitals...
Parallèlement à ses activités de claveciniste et de pianiste (pianoforte), Attilio Cremonesi
s’emploie à faire découvrir des opéras baroques et classiques rares. Il fonde l’ensemble
Arcadia, avec lequel il est invité dans les principales salles européennes et sud-américaines.
Il dirige des opéras et des concerts à Bâle, à Berlin (Staatsoper et Hebbel Theater),
Braunschweig, Innsbruck, Lausanne, Lucerne et aux festivals Curitiba (Brésil), Fez et
Lörrach (Allemagne), Innsbruck. En février 2003, il dirige Rodelinda au Norske Opera d’Oslo,
il collabore ensuite avec le chorégraphe J. Schloemer pour une nouvelle production Les
Larmes du ciel aux Wiener Festwochen 2003.
Il est invité à l’Opéra de Bonn pour Dardanus de Rameau, aux Festwochen der alten Musik
d’Innsbruck pour Giulio Cesare in Egitto de Sartorio. Récemment, il est remarqué pour Didon
et Enée de Purcell, une co-production des opéras du Luxembourg, Montpellier, Staatsoper
de Berlin, Amsterdam, Ferrare ; pour La scala di seta de Rossini avec le Freiburger
Barockorchester et L’ape musicale, une anthologie d’arias sur des textes de Da Ponte au
Festival Pergolesi de Jesi.
Nombre de ses enregistrements ont été primés par la critique : Deutscher Schallplattenpreis,
choc du Monde de la Musique, Diapason d’Or, 10 de Répertoire…
Parmi ses projets : Jephtha de Haendel avec l’Akademie für alte Musik, Il mondo della luna
de Haydn avec La Cetra Barockorchester à Poissy, Bâle et au Festival de Printemps de
Prague, Idoménée à Fribourg. Attilio Cremonesi a dirigé en décembre dernier un récital de la
mezzo-soprano Vivica Genaux consacré à Haendel et Hasse au Théâtre des ChampsElysées dans la série des Grandes Voix.
23
Concerto Palatino
Concerto Palatino est un ensemble qui se consacre à la musique de la haute Renaissance et
du Premier baroque, mais plus spécifiquement à toute musique pour cornetti et trombones.
Considéré au XVIIe siècle comme l'instrument idéal, à la fois pour sa capacité extraordinaire
à imiter la voix humaine et pour son agilité extrême, le cornetto (ou cornet à bouquin) était
souvent jumelé à des trombones pour former un «concerto» à vent. Un tel ensemble a existé
à Bologne pendant plus de 200 ans sous le nom «Il concerto palatino della Signoria di
Bologna». En 1987, Bruce Dickey et Charles Toet ont constitué un ensemble voué à faire
revivre la musique écrite pour ces instruments dans toute sa «vocalité» et sa virtuosité.
Concerto Palatino a collaboré avec des ensembles tels que Cantus Cölln (Konrad
Junghänel), le Collegium Vocale de Gand (Philippe Herreweghe), Tragicomedia (Steven
Stubbs et Erin Headley), l'Orchestre Baroque d'Amsterdam (Ton Koopman) et le Bach
Collegium du Japon.
En plus de leurs disques fort acclamés d'œuvres de Schütz, Gabrieli et Monteverdi, ils ont
enregistré en première mondiale les Vêpres mariales de Francesco Cavalli, la Missa Maria
Concertata de Christoph Strauss et la Missa sine nomine de Palestrina, telle que conservée
dans un manuscrit de J-S Bach. On peut les entendre dans les Vêpres de Monteverdi parues
chez ATMA en 2002.
http://www.concertopalatino.com/
Le Collegium Vocale Gent
Le Collegium Vocale Gent ou Collegium Vocale de Gand, est un chœur fondé par Philippe
Herreweghe (natif de la ville de Gand) en 1970. Cette formation chorale est la première à
appliquer une nouvelle manière d'interpréter la musique baroque. Très vite, elle attire
l'attention des grands chefs d'orchestre tels que Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt, ou
Ton Koopman. Le Collegium Vocale s’est également tourné vers la redécouverte de la
musique de la Renaissance, interprète régulièrement des musiques classiques, romantiques
et contemporaines. Il est particulièrement reconnu pour son interprétation des œuvres de
Bach. Dans les années 80, se joint au chœur l'Orchestre du Collegium Vocale Gent.
L'ensemble a produit plus de soixante enregistrements, seul ou avec l'Orchestre du
Collegium Vocale Gent, avec l'Orchestre des Champs-Élysées, le chœur de La Chapelle
Royale... Le Collegium Vocale Gent se produit sur les scènes les plus prestigieuses et
participe à tous les principaux festivals d’Europe. L'ensemble a déjà été invité aux EtatsUnis, en Amérique du Sud, en Israël et au Japon. Le Collegium Vocale Gent s’est produit
aux côtés de l’Orchestre des Champs-Elysées et de Louis Langrée pour le Requiem de
Mozart le 14 juin dernier.
http://www.collegiumvocale.com/
24
BEETHOVEN
Symphonie n°5
Renaud Capuçon
violon
Né à Chambéry en 1976. Renaud Capuçon est admis à 14 ans au CNSMDP et suit
l’enseignement de Gérard Poulet et Veda Reynolds. Il travaille ensuite avec Thomas Brandis
à Berlin, puis auprès d’Isaac Stern. En 1992 Premier Prix de musique de chambre, 1993
Premier Prix de violon au CNSM de Paris et 1995 Prix de l’Académie des Arts de Berlin.
Claudio Abbado le choisit comme Konzertmeister du Gustav Mahler Jugendorchester ce qui
lui permet de parfaire son éducation musicale avec Pierre Boulez, Seiji Ozawa, Daniel
Barenboim et Franz Welser-Moest. En 2000 il est nommé « Rising Star » et « Nouveau
talent de l’Année » aux Victoires de la Musique, qui lui décernent en 2005 le titre de « Soliste
instrumental de l’année ». En 2006 il reçoit le Prix Georges Enesco décerné par la Sacem.
En 2002 : débuts avec le Philharmonique de Berlin et Bernard Haitink et en juillet 2004 avec
le Boston Symphony et Christoph von Dohnanyi. Avec l’Orchestre de Paris et Christoph
Eschenbach tournée en Chine en novembre 2004 et en Allemagne en février 2005. Renaud
Capuçon est soliste de prestigieuses formations : Berlin Deutsches Symphonie-Orchester, le
Philharmonique de Radio France, l’Orchestre National de France, l’Orchestre de Paris,
l’Ensemble Orchestral de Paris, Birmingham Symphony, Mahler Chamber Orchestra… avec
Roberto Abbado, Marc Albrecht, Christian Arming, Myung-Whun Chung, Jean-Claude
Casadesus, Christoph Eschenbach, Vladimir Fedoseyev, Daniel Harding, Armin et Philippe
Jordan, Emmanuel Krivine, Jesus Lopez Cobos, Kurt Masur, Marc Minkowski, Wolfgang
Sawallisch. Passionné de musique de chambre il collabore avec Martha Argerich, les sœurs
Labèque, Nicholas Angelich, Daniel Barenboim, Frank Braley, Myung-Whun Chung, Maxim
Vengerov, Gautier Capuçon… En 1995, il crée son propre festival à Chambéry. Renaud
Capuçon est un artiste fidèle et habitué du Festival de Saint-Denis où il vient chaque saison
depuis 1999 : Concertos de Mendelssohn avec Daniel Harding et de Tchaïkovski à la
Basilique l’an dernier avec l’ONF et Kurt Masur, concerts de musique de chambre à la
Légion d’Honneur ou pour Quartiers Métis. Renaud se produit également dans la série des
Grands Solistes (concert Schubert en mars 2008 au Théâtre des Champs-Elysées). Renaud
joue le Guarneri del Gesù « Panette » (1737) qui a appartenu à Isaac Stern, acheté pour lui
par la Banque Suisse Italienne. Dernier enregistrement : Schubert Trios avec Frank Braley et
Gautier Capuçon chez Virgin Classics.
http://www.virginclassics.com/artistbiography.php?aid=102
25
Jean-Claude Casadesus
direction
Après ses études au CNSM de Paris, Jean-Claude Casadesus reçoit l’enseignement de
deux maîtres, Pierre Dervaux et Pierre Boulez. Engagé comme directeur musical du Châtelet
en 1965, il devient dès 1969 chef permanent à l’Opéra de Paris et à l’Opéra-Comique. Il
participe ensuite à la création de l’Orchestre des Pays de la Loire dont il est directeur adjoint
jusqu’en 1976. À cette date, il crée l’Orchestre National de Lille. Sous sa direction, l’ONL a
su porter son large répertoire, son dynamisme et la qualité de son projet artistique au fil de
quatre continents et de trente pays. Parallèlement, il mène une carrière internationale et est
l’invité régulier des orchestres de Philadelphie, Salt Lake City, Montréal, Saint-Pétersbourg,
Paris, de celui de la Fondation Gulbenkian ou encore des Berliner Sinfoniker. Tokyo, les
États-Unis, Séoul, Monte-Carlo et Trieste pour Faust de Gounod, l’Orchestre National de
France, l’Orchestre de Paris pour Les Contes d’Hoffmann, Prague, Baltimore, Copenhague,
Budapest l’ont accueilli récemment.
Ses prochains engagements le mèneront à Berlin, Paris, Lisbonne, Saint-Pétersbourg,
Moscou et à l’Opéra des Flandres pour Dialogues des Carmélites de Poulenc. Il a effectué
une vingtaine d’enregistrements à la tête de l’o.n.l. qui lui ont valu plusieurs récompenses. Il
est l’auteur d’un livre publié aux Éditions Stock Le plus court chemin d’un cœur à un autre.
En 2004, les Victoires de la Musique Classique lui décernent une Victoire d’Honneur.
Jean-Claude Casadesus est Président de Musique Nouvelle en Liberté et directeur musical
de l’Orchestre Français des Jeunes.
Il est Commandeur de la Légion d'Honneur - Commandeur de l'Ordre National du Mérite Commandeur des Arts et Lettres.
Jean-Claude Casadesus se produit régulièrement avec son orchestre au Festival de SaintDenis (dernier concert en 2004).
http://www.onlille.com
Orchestre National de Lille
Région Nord / Pas-de-Calais
Créé en 1976 grâce à la volonté de la Région Nord / Pas-de-Calais et l’appui de l’État,
l’Orchestre National de Lille s’est doté d’un projet artistique ambitieux en direction de tous les
publics : diffusion du répertoire, création contemporaine, promotion des jeunes talents,
activités culturelles et actions jeune public. À l’invitation de son directeur Jean-Claude
Casadesus, chefs et solistes internationaux s’unissent ainsi à l’Orchestre National de Lille,
pour “porter la musique partout où elle peut être reçue”.
En France, à l’étranger ou naturellement au cœur de près de deux cents communes de la
région Nord / Pas-de-Calais qu’il irrigue musicalement dans une démarche exemplaire de
décentralisation, l’Orchestre National de Lille s’est ainsi imposé comme l’une des formations
les plus prestigieuses, véritable ambassadeur de sa région et de la Culture Française au fil
de quatre continents et de trente pays. Il développe par ailleurs une présence régulière à la
radio et à la télévision ainsi qu'une politique discographique dynamique illustrée par des
nouveautés dont un premier enregistrement consacré aux Chants d'Auvergne de
Canteloube, meilleure vente mondiale du Label Naxos pour l'année 2005, La Damnation de
Faust de Berlioz, un disque Dukas / Chausson / Berlioz avec Elsa Maurus, un disque
Milhaud ainsi que le Lieutenant Kijé et Alexandre Nevsky de Prokofiev.
26
KRONOS EXPRERIENCE
Kronos Quartet
Depuis plus de trente ans, le Kronos Quartet – David Harrington, John Sherba (violons),
Hank Dutt (alto) et Jeffrey Zeigler (violoncelle) – poursuit un projet artistique original,
combinant un esprit d’exploration sans limites avec le souci d’élargir l’éventail des
possibilités pour le quatuor à cordes. Le Kronos est ainsi devenu un des ensembles les
plus célèbres et les plus influents de notre époque. Il a donné des milliers de concerts
dans le monde entier et a sorti plus de quarante enregistrements d’une extraordinaire
profondeur et créativité. Il a collaboré avec des artistes et compositeurs des plus
éclectiques et a commandé des centaines d’oeuvres et d’arrangements pour quatuor à
cordes. L’oeuvre du Kronos a également été récompensée par de nombreux prix,
notamment un Grammy pour la Meilleure Représentation de Musique de Chambre (2004)
et le prix “Musiciens de l’Année” (2003) décerné par Musical America.
Depuis sa création en 1973, le Kronos a construit un repertoire pour quatuor à cordes
très éclectique: oeuvres des maîtres du 20è siècle (Bartok, Shostakovitch, Weber), de
compositeurs contemporains (Sofia Gubaidulna, Arvo Pärt, Alfred Schnittke), de
légendes du jazz (Ornette Coleman, Charles Mingus, Thelonius Monk), ainsi que d’autres
artistes comme le guitariste Jimi Hendrix, le maître du chant indien Pandit Pran Nath, et
le saxophoniste avant-guardiste John Zorn.
Il a développé toute une série de collaborations à long terme et en profondeur avec les
compositeurs les plus reconnus, Terry Riley, Philip Glass, l’azerbaïdjanais Franghiz AliZadeh, Steve Reich, et avec l’argentin Osvaldo Golijov, l’auteur de compositions et
d’arrangements pour des albums comme Kronos Caravan et Nuevo.
Le Kronos a également collaboré avec de nombreux artistes du monde entier, le
chanteur Bollywood, Asha Bhosle, la célèbre soprano américaine Dawn Upshaw, les
pop-rockeurs mexicains de Café Tacuba, les tziganes roumains de Taraf de Haïdouks,
etc… Le Kronos s’est produit sur scène avec les icônes artistiques que sont Allen
Ginsberg, le Modern Jazz Quartet, Tom Waits et David Bowie.
Le Kronos a aussi expérimenté des collaborations avec d’autres disciplines artistiques,
comme le cinéma (musiques de Requiem for a Dream, de 21 Grammes…) et la danse
avec, notamment, la chorégraphe Merce Cunningham.
En tournée cinq mois par an, le Kronos Quartet s’est produit dans les salles et les
festivals les plus prestigieux du monde. Il a sorti de nombreux disques chez Nonesuch
Records, comme Pieces of Africa (1992), Kronos Caravan (2000), Kronos Quartet: 25
Years (1998), Nuevo (2002), et Lyric Suite (2003).
La Kronos Performing Arts Association participe de cette activité de création par ses
commandes de plus de 500 nouvelles oeuvres et arrangements pour quatuor à cordes.
Le “Kronos : Under 30 Project” est un programme unique destiné aux compositeurs de
moins de 30 ans, mis en place à l’occasion du trentième anniversaire de quatuor en
2003. C’est pour avoir cultivé trente ans durant des relations créatives avec tous ces
talents que le Kronos récolte à présent le bénéfice de sa sagesse, tout en ayant su
garder toute sa fraîcheur à son approche de la création musicale.
http://www.kronosquartet.org/
27
Felipe Pérez Santiago
Compositeur d’origine mexicaine né en 1973, Felipe travaille désormais en Hollande, à
Rotterdam. Il a obtenu ses diplômes en composition au Centro de Investigación y Estudios
Musicales (Mexico) puis au Conservatoire de Rotterdam, où il a fait un Master en musique
électronique, avec l’aide de Fonds pour la Culture et les Arts de la ville de Mexico.
Il a étudié la composition avec Peter-Jan Wagemans et Klaas de Vries, et la musique
électronique avec Rene Uijlenhoet. Il a été le compositeur en résidence au Festival de
Cracovie en Pologne ; également au Centre de Création Musicale Iannis Xenakis à Paris ;
au Studio pour l’”Electroinstrumental Music” (STEIM) à Amsterdam ; enfin, au Centrum voor
Elektronische Muziek à Amsterdam.
Il a également été récemment récompensé par la Fondation pour les Arts de Rotterdam, et
par la Fondation Creative Tone Arts d’Amsterdam.
Pérez Santiago a reçu le Prix de résidence de l’Institut de Musique Electroacoustique de
Bourges pour sa pièce Ofaniel (ange de la luna). Cempoal, pour quatuor à cordes et
musique électronique, commandée par le Quatuor à cordes du Philharmonique de
Rotterdam.
À côté de son activité de concerts, Felipe Pérez Santiago écrit pour la danse, l’opéra, la
vidéo, les productions multimédia, le cinéma. Les commandes viennent de l’international ;
ses créations sont données en Hollande, à Mexico, en France, en Suisse et en Allemagne,
en Argentine, aux Etats-Unis et en Pologne. En 2003, Pérez Santiago a été sélectionné pour
le projet “The Kronos : Under 30”, commandé par le Kronos Quartet pour fêter leur trente ans
d’existence. Ce programme soutient la création de nouvelles oeuvres de jeunes artistes
(autour de trente ans). Il a également pour vocation d’aider le Kronos à cultiver cette
connection - qui a toujours fait son identité - avec les jeunes générations de compositeurs et
de créateurs. Le projet a été reconduit une deuxième année avec l’oeuvre CampoSanto
créée par le Kronos Quartet, à l’Université de Stanford et au Centre de Musique Américaine.
À propos de Encandilado, compositeur écrit :
“L’inspiration de cette pièce vient de l’expérience de la transe”.
“Le terme encandilado vient du mot espagnol candela, qui veut dire chandelle ou feu, et il y a
plusieurs déclinaisons du mot comme candil ou candelabro également associés à l’idée de
lumière. Encandilado n’est pas un mot qui existe vraiment mais il se réfère à une expérience
d’aveuglement par quelque chose, ou par quelqu’un…”.
“Cette pièce est un voyage dans un esprit perturbé qui passe par plusieurs étapes : de
l’euphorie au calme le plus absolu, de la panique au courage, de la beauté à l’horreur, du
bonheur à la dépression, du rêve au cauchemar. Pas de sentiments entre tout ça, que des
extrêmes.”
“Quand la lumière est trop brillante, c’est difficile, presque douloureux, de pouvoir la
regarder… C’est très excitant et fascinant de plonger dans sa luminosité…” .
“Encandilado a été composé pendant ma résidence au PHONOS (Music Technology
Department of the Pompeu Fabra University, Barcelone). Cette oeuvre est dédiée à ma
famille à Barcelone avec un remerciement tout particulier àTatiana Vallejo.”
Encandilado (Aveuglé par la lumière) de Felipe Perez Santiago a été commandé par le
Festival de Saint-Denis et le Centrre de création Robert et Margrit Mondavi pour le Kronos
Quartet.
http://felipeperezsantiago.com/
28
BRITTEN
War Requiem
Kurt Masur
direction
Né en Silésie en 1927. Directeur musical des Opéras d’Erfurt et de Leipzig, puis de l’Opéra
Comique de Berlin.
1970-1996 : Directeur musical du Gewandhaus de Leipzig.
1991 : Directeur musical de l’Orchestre de New York. Chef invité honoraire à vie de
l’Orchestre Philharmonique d’Israël depuis 1992, il occupe le poste de chef principal du LPO.
Kurt Masur a dirigé l’Orchestre National de France pour la première fois en 1973. Il est
officiellement le directeur musical de cette formation depuis septembre 2002.
2002-2003 : Intégrale des Symphonies de Beethoven et cycle Mendelssohn.
2003-2004 : Cycle Brahms
2005-2006 : Cycle Tchaïkovski et Chostakovitch.
Enregistrement : Paru chez Naïve, dans la collection Radio France, Symphonie n°5 de
Tchaïkovski enregistrée au Festival de Saint-Denis, avec l’Orchestre National de France.
Le War Requiem avec l’Orchestre National à Saint-Denis fait partie des concerts qui
honorent les 80 ans du Maestro ; Kurt Masur sera également aux Proms avec le LPO et le
National le 18 juillet et dirigera aussi le Gewandhaus de Leipzig.
http://www.kurtmasur.com/
Kurt Masur au Festival de Saint-Denis :
1985 : Concert avec le Gewandhaus de Leipzig
1990 : Concert avec l’Orchestre National de France (Bach : Passion selon saint Matthieu)
1999 : Concert des trente ans du Festival avec l’Orchestre National de France (Schubert :
Symphonie Inachevée, Chostakovitch : Symphonie Babi Yar).
2002 : Alexandre Nevski de Prokofiev et le Requiem de Mozart avec l’Orchestre National de
France.
2003 : Concert avec l’Orchestre National de France : Wagner Wesendonck Lieder et Rienzi
ouverture en ré majeur et Bruckner, Symphonie dite « Wagner Symphonie »
Kurt Masur a reçu en mai 2003, la médaille de la Ville de Saint-Denis.
2004 : Concert avec l’Orchestre National de France : Brahms Un Requiem allemand.
Septembre 2004 : Jeanne au bûcher de Honegger avec l’Orchestre National de France et
Marthe Keller
2005 : Concerto pour violon de Tchaïkovski à la tête de l’Orchestre National de France avec
Renaud Capuçon, Symphonie n°9 de Bruckner.
2006 : Concerto pour violon de Chostakovitch à la tête de l’Orchestre National de France
avec Sergey Khachatryan, Symphonie n°9 « du nouveau monde » de Dvorak.
29
Olga Guryakova
soprano
Née en Russie à Novokuznetsk, Olga Guryakova est diplômée du Conservatoire de Moscou.
Dès 1994, elle est admise au sein de la compagnie Musical Theater by Stanislavsky. Elle se
produit régulièrement en concert, notamment en Allemagne au Festival de Ludwigsburg et
au Festival de Schleswig-Holstein. Elle chante à de nombreuses reprises le War Requiem de
Britten sous la baguette de Maestro Rostropovitch à travers l’Europe. Elle fait ses débuts au
Metropolitan Opera en 1998 dans le rôle de Maria (Mazeppa, Tchaikovski), sous la direction
de Valery Gergiev. Elle se produit au Carnegie Hall, dans le rôle de Iolanta et chante
Desdemona (Otello) sous la direction de Gergiev à Francfort ainsi qu’à Rimini en Italie. Ses
débuts à la Scala sont avec le rôle de Maria dans Mazeppa de Tchaïkovski sous la direction
de Rostropovitch. Durant les saisons suivantes, Olga Guryakova fait ses débuts au
Staatsoper de Vienne (Ernani et Pagliacci) et au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg.
Elle revient régulièrement à l’Opéra Bastille (Guerre et Paix, Eugène Oneguine) et l’Opéra de
Lyon (Otello, Dame de Pique). Elle a aussi chanté sur les scènes du Grand Théâtre de
Genève, de l’Opéra de Monte-Carlo (Don Carlo), du Théâtre de la Monnaie (La Bohème), du
Festival d’Aix–En-Provence avec Peter Mattei (Eugène Onéguine), du San Francisco Opera
(La Bohème) ainsi qu’au Bayerische Staatsoper de Munich (La dame de Pique), à la Scala
de Milan pour la réouverture en 2006 avec le rôle de Tatiana dans Eugène Onéguine et au
Houston Grand Opera avec Simone Boccanegra. Prochainement, Olga Guryakova
retournera au Metropolitan Opera (The Gamblera), chantera au Bayerische Staatsoper dans
une nouvelle production d’Eugène Onéguine et à l’Opéra National de Paris (Simone
Boccanegra, Don Carlo).
Olga Guryakova enregistre pour Denon Records.
30
Paul Groves
ténor
1992 : Débuts au Met dans Le Hollandais Volant de Wagner
1995 : Débuts au Festival de Salzbourg dans le rôle de Don Ottavio (Don Giovanni) sous la
direction de Daniel Barenboïm.
1996 : Débuts à la Scala de Milan dans le rôle de Tamino (La Flûte Enchantée) sous la
direction de Riccardo Muti, The Rake’s Progress mis en scène par Peter Sellars avec EsaPekka Salonen au Châtelet.
2000-2001 : Rôle d’Admète dans Alceste de Gluck avec John Eliot Gardiner mis en scène
par Bob Wilson au Châtelet.
2003 : rôle-titre dans Beatrice et Benedict de Berlioz, et rôle de Fenton dans Falstaff de
Verdi (nouvelle production de l’Opéra de Paris). Plus récemment, il a interprété les grands
rôles des opéras de Mozart à l’opéra de Vienne et à Covent Garden et s’est produit dans une
nouvelle production de La Veuve Joyeuse sous la direction de Gardiner aux côtés de
Thomas Hampson et d’Edita Gruberova. A New York, sur la scène du Met, il est aux côtés
de Placido Domingo et Frederica von Stade pour The Merry Widow, participe à de nouvelles
productions de Cosi fan tutte et au Songe d’une nuit d’été… Il a créé le Requiem de John
Harbison avec l’Orchestre de Boston sous la direction de Bernard Haitink.
Paul Groves s’est produit au Festival 2005 avec l’EOP et John Nelson et Natalie Dessay
pour la Création de Haydn. Juste après le War Requiem à Saint-Denis, il sera en duo avec
Natalie Dessay au Théâtre des Champs-Elysées le 11 juillet pour un concert exceptionnel
dans le cadre de la série des Grandes Voix.
Enregistrements : Rigoletto, Parsifal, Idomeneo (DG), Le Hollandais Volant (Sony), Manon
Lescaut (Decca). DVD de la 9e Symphonie de Beethoven avec Seiji Ozawa.
Hanno Müller-Brachmann
basse
Commence sa formation musicale à Basel puis Freiburg, intègre la classe de chant de
Dietrich Fischer-Dieskau à Berlin puis poursuit avec Rudolf Piernay. Suite à de nombreux
prix lors de concours internationaux, Hanno Müller-Brachmann se produit sur les scènes
européennes et japonaises sous la direction de chefs tels que Donald Runnicles, Philippe
Herreweghe, Sir Neville Marriner, Kurt Masur, Kent Nagano ou encore Peter Schreier.
Il chante avec le LPO et Kurt Masur La Passion selon Saint-Matthieu de Bach, le Stabat
Mater de Rossini avec Marriner, La Passion selon Saint-Jean avec Gardiner, Theodora de
Haendel avec Harnoncourt, et Beethoven 9 avec Dohnanyi. Il fait ses débuts à l’opéra en
1996 avec Orpheus de Telemann sous la direction de René Jacobs au Deutsche Staatsoper
de Berlin où il est par ailleurs membre de la troupe depuis 1998. Il y chante alors de grands
rôles de Mozart comme Leporello, Figaro, ou encore Papageno sous la direction de
Barenboïm… Hanno Müller-Brachmann interprète par la suite de nombreux rôles sous la
direction des plus grands chefs comme Kent Nagano ou Seiji Ozawa. La saison dernière, il a
fait ses débuts à l’Opéra de Vienne dans Cosi fan tutte de Mozart avec Seiji Ozawa où il
retournera pour le rôle-titre de Don Giovanni
Le jeune baryton-basse se produit également dans le cadre de récitals à Berlin tant au
Staatsoper qu’à la Philharmonie ou dans le cadre des Schubertiades (Winterreise avec
Philippe Jordan…).
Enregistrements : plusieurs CD parus chez Harmonia Mundi dont un récital Schubert.
31
Choeur de Radio France
Stephen Jackson, chef de chœur invité
Le Choeur de Radio France est en France le seul choeur professionnel permanent à
vocation symphonique. Les chefs d'orchestre les plus réputés l'ont dirigé : d'Inghelbrecht à
Bernstein, Munch, Böhm, Dutoit, Janowski, Maazel, Sawallisch, Ozawa, Muti, Prêtre, Boulez,
Abbado, Giulini, Santi, Jordan, Fedosseiev, sans oublier les directeurs des deux orchestres
de Radio France, Myung-Whun Chung et Kurt Masur. De 1980 à 2004, le Choeur a été dirigé
par Jacques Jouineau, Michel Tranchant, François Polgár et Philip White. Depuis septembre
2006, Matthias Brauer est directeur musical du Choeur de Radio France.
Le Chœur de Radio France participe à la création et à la diffusion de la musique
d'aujourd'hui. S'il a créé des oeuvres des plus célèbres compositeurs de la deuxième moitié
du XXe siècle : Boulez, Ligeti, Xenakis, Ton That Tiet..., il collabore à l'éclosion d'une
nouvelle génération : Saariaho, Ducol, Mantovani, Fischer, Connesson... Le Choeur de
Radio France se produit régulièrement au Festival de Saint-Denis : La Messe de Chimay de
Cherubini avec l’Orchestre National et Riccardo Muti en 2006, et le Requiem de Verdi (avec
Rolando Villazon en 2006) et la Symphonie des mille de Mahler en 2005 avec le
Philharmonique de Radio France…
Parmi ses derniers enregistrements est paru Daphnis et Chloé de Ravel sous la direction de
Myung-Whun Chung.
Maîtrise de Radio France
Toni Ramon, directeur musical
La Maîtrise de Radio France, fondée en 1946 par Henry Barraud, est l'une des quatre
formations permanentes de Radio France. Initiatrice du « mi temps pédagogique », outre
une formation musicale de très haut niveau destinée à des enfants de neuf ans et plus, la
Maîtrise de Radio France offre la possibilité de participer à des manifestations musicales
prestigieuses sous la direction des plus grands chefs.
Choeur d'enfants et d'adolescents, sa mission : illustrer et défendre le répertoire choral
français et favoriser la création. Son répertoire éclectique va des polyphonies du XVe siècle
à la musique contemporaine et à la comédie musicale, des oeuvres a cappella aux partitions
à grand effectif. La Maîtrise s'est produite en Europe, en Asie et en Amérique du Nord. Elle a
acquis une reconnaissance internationale. En 1995, elle a reçu le premier Orphée d'or de la
musique lyrique attribué à un choeur d'enfants, pour la création de l'oratorio de N'Guyen-Tien
Dao, les Enfants d'Izieu.
Toni Ramon dirige la Maîtrise de Radio France depuis septembre 1998. Il est invité dans ce
cadre à collaborer avec les directeurs musicaux des orchestres de Radio France ainsi
qu'avec les chefs invités. Toni Ramon dirige également le Chœur du Trinity College à
Londres.
http://www.radiofrance.fr/chaines/orchestres/choeur/accueil/
32
GRAND CORPS MALADE
Grand Corps Malade
Fabien Marsaud alias Grand Corps Malade est un auteur et slammeur né le 31 juillet 1977
au Blanc-Mesnil en Seine-Saint-Denis.
Le 31 juillet 1997, à la suite d'un mauvais plongeon dans une piscine alors qu'il était
animateur de colonie de vacances pour la ville de Saint-Denis, Fabien se déplace des
vertèbres et apprend qu'il ne remarchera jamais. En 1999, il retrouve cependant l'usage de
ses jambes après un an de rééducation. C'est en référence à cette expérience douloureuse
qu'il a pris le pseudonyme de Grand Corps Malade.
En octobre 2003, alors que le Slam a débarqué en France depuis quelques années, il fait
son premier slam sur la scène du Collectif 129H, dans un bar parisien. Par la suite, il crée
des ateliers pour initier au Slam les jeunes de son quartier. Un de ses amis (S Petit Nico) lui
propose de faire un habillage musical pour ses textes, d'où la sortie le 27 mars 2006 de son
premier album Midi 20, dont le titre correspond à celui d'un morceau où il réduit la vie à
l'échelle d'une journée. Il y évoque sa ville, Saint-Denis, son amour de la vie, un chagrin
d'amour mais aussi la douleur liée à son accident. Début 2006 il participe au Grand Cabaret
d'Edouard Baer. Pour la sortie de l'album, il fait quelques apparitions télévisuelles, invité
notamment par Thierry Ardisson. Les critiques sont élogieuses, ce qui entraine une bonne
médiatisation de l'album. Parfois a capella, souvent accompagnés d'une mélodie minimaliste
en arrière-plan, les morceaux de l'album sont déclamés avec une voix naturelle et
parfaitement compréhensible. Une grande importance est en effet accordée à la narration, et
à un humour mêlant les clins d'oeil aux figures de style. Fabien accepte le terme de poésie,
les textes font preuve d'une ouverture d'esprit et d'une créativité qui sont sans doute une des
causes du succès.
L'album Midi20 s'est classé rapidement en tête des ventes d'albums. Ce succès public lui
permet de se produire dans des salles plus grandes. Les 15 et 16 mai 2006, il a par exemple
joué à guichets fermés à la Cigale à Paris.
Bien que quelques-uns comme Pilote le Hot ou Nada aient tenté de dépasser les circuits
traditionnel du Slam, c'est Grand Corps Malade qui a permis le premier au slam de toucher
les grands médias et de dépasser son audience.
http://www.grandcorpsmalade.com/