L´Art et la santé - Kunst und Gesundheit

Kunst und Gesundheit
L’ART ET LA SANTÉ
Ausstellungskatalog
Catalogue de l’exposition
Ausstellung KUNST UND GESUNDHEIT
Exposition L’ART ET LA SANTÉ
vom 14. Mai bis 18. Juni 2014
du 14 mai au 18 juin 2014
Potsdamer Straße 8, 10785 Berlin
Vernissage am 8. Mai 2014
Vernissage le 8 mai 2014
Französische Botschaft in Berlin
Ambassade de France à Berlin
Mit der Ausstellung „L’Art et la Santé/Kunst und Gesundheit”
feiert Sanofi das 50. Jubiläum des Elysée-Vertrags, des
Symbols der deutsch-französischen Freundschaft.
Die deut­schen Wurzeln des Unternehmens liegen in der
1863 im nassauischen Höchst am Main gegründeten
Farb­werke Hoechst AG. Diese Fabrik war Grundstein für
spätere Erfolgs­geschichten, die einen großen Anteil
daran haben, dass Sanofi heute eines der führenden
Pharma­unternehmen weltweit ist. Damals wie heute
war das Unternehmensziel die medizinische Versorgung
der Menschen mit innovativen Arzneimitteln weltweit.
Über Ländergrenzen und Zeitzonen hinweg ist die
grenzüberschreitende Zusammenarbeit der Mitarbeiter
wichtig für einen nachhaltigen Unternehmenserfolg.
A l’occasion du cinquantième anniversaire du Traité de
l’Elysée, Sanofi a souhaité marquer cet évènement qui
symbolise l’amitié entre la France et l’Allemagne.
En effet, une des racines du Groupe voit le jour en 1863
dans une petite usine située à l’ouest de la ville de Hoechst,
en Allemagne. C’est l’origine de la société Hoechst
Marion Roussel qui réunit l’industrie chimique allemande,
ses prodigieuses découvertes dans le domaine de la
synthèse, de l’insuline, et l’entreprise pharmaceutique
française la plus novatrice du XXe siècle. Aujourd’hui, la
coopération transfrontalière dans les domaines de la
recherche, de la production ou encore des échanges
économiques et scientifiques fait partie intégrante de la
vie de l’entreprise et de ses collaborateurs.
Als Beispiel für die gemeinsamen Wurzeln und die gemeinsame Geschichte haben zehn junge Künstler aus
Frankreich und Deutschland Arbeiten zum Thema Gesundheit geschaffen. Diese Arbeiten entstanden in einem
mehrere Monate an­dauerndem kreativen Prozess und
werden nun zum ersten Mal in den Räumen des Firmen­
sitzes von Sanofi im Rahmen einer Gruppenausstellung
unter dem Titel „Kunst und Ge­sundheit” präsentiert. Die
Künstler haben mit unter­schiedlichsten Medien wie Bildern,
Skulp­­turen, Zeichnungen, Fotografien oder Videos uni­­ver­
selle Themen bearbeitet – wie die Beziehung zu unserem
Körper, zum Altern, zur Wissenschaft und zum Glauben.
Die künstlerischen Ansätze ihrer Werke zeigen auf, welch
zentrale Rolle die Gesundheit in unserem Leben und in
unserer Gesellschaft spielt.
Pour illustrer aujourd’hui ces racines et cette histoire
communes, dix jeunes artistes français et allemands ont
réalisé une œuvre sur le thème de la santé. Fruits d’un
processus de création de plusieurs mois, les œuvres ainsi
réalisées sont présentées pour la première fois au siège
du Groupe Sanofi et réunies dans une exposition collec­
tive, intitulée « L’art et la santé ». Peinture, sculpture, dessin,
photographie, vidéo, les artistes ont exploré des formes
très variées pour traiter de thèmes universels, tels que
notre rapport au corps, à l’âge, à la science et aux
croyances. Autant d’approches qui témoignent de la
place centrale que la santé tient dans nos vies et dans
nos sociétés.
Die Ausstellung wurde am 22. Oktober 2013 von Christopher
A. Viehbacher, dem Vorstandsvorsitzenden von Sanofi, in
Anwesenheit von Susanne Wasum-Rainer, der deutschen
Botschafterin in Frankreich, eröffnet. Anwesend waren
außerdem die Mitglieder der Auswahlkommission, die
Künstler sowie einige französische und deutsche Persön­­lichkeiten aus dem Bereich der Kunst.
Cette exposition a été inaugurée le 22 octobre 2013 par
Christopher A. Viehbacher, Directeur Général de Sanofi,
en présence de son Excellence Madame Susanne
Wasum-Rainer, Ambassadeur de la République fédérale
d’Allemagne en France, des membres du Comité de
sélection, des artistes ainsi que de personnalités françai­
ses et allemandes du monde de l’art.
Die Ausstellung war ebenfalls Teil des „Parcours Privé” im Rahmen der
weltweit renommierten 40. Internationalen Messe für Zeitgenössische Kunst
(FIAC), die vom 24. bis 27. Oktober 2013 in Paris stattfand.
Cette exposition s’inscrit également dans le cadre du Parcours Privé de la
40e édition de la Foire Internationale d’Art Contemporain (du 24 au 27
octobre 2013, Paris), rendez-vous incontournable de la création artistique
internationale.
AUSWAHLKOMMISSION
LE COMITÉ DE SÉLECTION
KÜNSTLER
ARTISTES
Roselyne Bachelot
Prof. Dr. h. c. Klaus-Dieter Lehmann
Ministerin a. D. für Jugend, Gesundheit und Sport
Ancienne ministre de la Santé
Präsident des Goethe-Instituts und der Stiftung
Preußischer Kulturbesitz
Président du Goethe-Institut, Président de la Prussian
Cultural Heritage Foundation
Fabrice Bousteau
Chefredakteur des Magazins BeauxArts
Rédacteur en chef de BeauxArts magazine
Dr. Sebastian Preuss
Journalist (Radio Classique) und Kunstsammler
Journaliste à Radio Classique et collectionneur
Stellvertretender Chefredakteur der Zeitschrift
Kunst und Auktionen
Rédacteur en Chef adjoint du magazine
Kunst und Auktionen
Malte Greune
Laure Thibaud
Guillaume Durand
Sanofi-Aventis Deutschland GmbH
Senior Vice President, Communication Sanofi
Elke Gruhn
Jacques Toubon
Künstlerische Leiterin Nassauischer Kunstverein
Directeur artistique de Nassauischer Kunstverein
Guillaume Houzé
Direktor Mäzenatentum der Galeries-Lafayette-Gruppe
Directeur du Mécénat pour le Groupe Galeries Lafayette
Laurent Le Bon
Direktor des Centre Pompidou Metz
Directeur du Centre Pompidou Metz
Kulturminister a. D., Ehrenstaatsrat,
Präsident des Deutsch-Französischen Kulturrats
Ancien ministre de la Culture, Conseiller d’État honoraire,
Président du Haut conseil culturel franco-allemand
DIE DeutscheN Künstler
LES ARTISTES ALLEMANDS
Natalie Czech
Michael Müller
Sophia Pompéry
Torsten Ruehle
Sebastian Stumpf
Die Französischen Künstler
LES ARTISTES FRANÇAIS
Bruno Botella
Jacqueline Doyen
Rainier Lericolais
Nicolas Milhé
Morgane Tschiember
Bruno Botella
Elle ne peut que sangloter dans
ma cheminée
2013
Kontaktlinsen, Skopolamin, Holz
Verres de contact, scopolamine, bois
Bruno Botella wurde1976 in Sarcelles, Frankreich, geboren.
Er lebt und arbeitet in Paris.
Bei dem Werk handelt es sich um in einen Holzkasten einge­las­
sene Kontaktlinsen, die mit einer halluzinogenen Substanz
be­schich­tet wurden. Gleichzeitig zerbrechlich und Fremdkörper,
werden diese Linsen vom Künstler als seltsame optische Maschi­
nen verstanden. Es würde genügen, sie auf die Hornhaut zu
legen, und so­gleich korrigierten sie nicht nur eine Fehlsichtigkeit,
sondern ihr Träger erlebte auch Visionen. Sie könnten nicht
nur Halluzinationen hervorrufen, sondern hätten auch Neben­­­wir­k­un­gen wie die Erweiterung der Pupillen, Verstopfung und
Herz­rasen.
Diese Arbeit von Bruno Botella reiht sich ein in die Sammlung
seltsamer Objekte, die einen dem Betrachter verborgenen
Gegenstand beherbergen. Einen Gegenstand, der paradoxer­
weise das Objekt neutralisiert, das ihn einschließt, sobald er
frei­gelegt wird. Es gibt zahlreiche dieser seltsamen Objekte wie
etwa das Kunstwerk A bruit secret von Marcel Duchamp: Hierbei
handelt sich um eine Rolle Haushaltsgarn, zusammen­gehalten
von zwei Messingplatten. Auf Marcel Duchamps Geheiß hatte
ein Freund von ihm ein kleines Objekt in die Rolle gelegt, ohne
ihm zu sagen, worum es sich handelte. Ein weiteres Beispiel ist
der subglaziale Wostoksee mit seinen Millionen noch unerforsch­
ter Lebewesen, deren Existenz jedoch in Gefahr geraten könnte,
sobald Forscher den antarktischen Eisschild durchbohren
würden, der diese Organismen von der Außenwelt trennt. Die
hier nun ausgestellten Kontaktlinsen sind gleichzeitig Angebot
und Bedrohung. Sie verführen zu einem paradoxalen Gebrauch,
bei dem das Sehen dazu führen kann, alle Möglichkeiten der
Beobachtung auszulöschen.
Vertreten durch die Galerie Samy Abraham (Paris)
Représenté par la galerie Samy Abraham (Paris)
Né en 1976 à Sarcelles, France. Il vit et travaille à Paris.
Présentée dans un coffret, une paire de lentilles de
contact enduite d’une substance hallucinogène.
Objets à la fois fragiles et perturbants, ces lentilles sont
considérées par l’artiste comme d’étranges machines
optiques. Il suffirait de les appliquer sur la cornée pour
qu’elles se mettent en marche, non pas pour corriger la
vue mais produire une vision. Leur potentiel à provoquer
l’hallucination s’accompagne d’effets secondaires :
mydriase, constipation, tachycardie.
Cette œuvre de Bruno Botella s’inscrit dans la lignée de
ces étranges objets qui tiennent un élément inaccessible
aux sens – un élément qui, paradoxalement, une fois
découvert neutraliserait l’objet qui le renferme. La lignée
est nombreuse : A bruit secret, cette bobine de fil dans
laquelle est scellé un objet placé secrètement par un
ami de Marcel Duchamp à la demande de celui-ci ;
le lac subglaciaire de Vostok à l’intérieur duquel nagent
des millions d’espèces inconnues susceptibles de dispa­
raître si un observateur tentait de sonder la glace qui les
isole du monde extérieur. A la fois offertes et menaçan­
tes, ces lentilles induisent un usage paradoxal où la vision
se fait au risque d’anéantir toute observation.
NATALIE CZECH
Natalie Czech wurde 1976 in Neuss am Rhein geboren.
Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Née en 1976 à Neuss, en Allemagne. Elle vit et travaille
à Berlin.
A hidden poem by Tom Raworth
Seit 2010 arbeitet Natalie Czech an einer Reihe von Werken mit
dem Titel Hidden Poems. Es handelt sich um Fotografien ganz­seitiger Abbildungen oder Ausschnitte aus Büchern, Zeitungen
oder Magazinen. Mit Filzstiften oder mit Bleistift markiert die
Künstlerin in den Texten ganze Wörter oder auch nur einzelne
Buchstaben. Liest man die gekennzeich­neten Stellen in ihrer
Reihenfolge, entstehen aus den Textfrag­menten Gedichte, die
neue Bilder und Betrachtungs­weisen wecken und ihrerseits auf
die Deutung des Ausgangsmaterials der Texte und Illustrationen
zurückwirken.
Depuis 2010, Natalie Czech travaille à une série
d’œuvres intitulées Hidden Poems. Il s’agit de photogra­
phies de pages de magazines, de journaux ou de livres
illustrés. A l’aide d’un feutre ou d’un crayon, l’artiste
surligne dans un texte des mots entiers ou seulement
quelques lettres. Lus en séquences, ces fragments de
texte forment un poème qui entre en résonnance avec
le reste du texte et les illustrations sur la page.
2013
Fotoabzug
Tirage photographique
136 × 114,6 cm
Die Fotografie A hidden poem by Tom Raworth, zeigt eine Seite
aus einem Artikel des amerikanischen Magazins Life zum Thema
Gesundheit und Gehirn. Das Gedicht, das im Text verborgen ist,
wurde durch die Markierungen der Künstlerin sichtbar gemacht.
Es ist zusätzlich an der benachbarten Wand zu sehen, sodass
der Betrachter zwischen beiden hin und her wechseln kann. Die
Textüber­­schrift lautet: „The eye talks to the brain in a dotlike
language” (Das Auge spricht mit dem Gehirn in einer punktför­
migen Sprache) und wurde von der Künstlerin durch­gestrichen,
so als wolle sie diesen Satz nicht vor uns verbergen, sondern
unsere Aufmerksamkeit darauf richten und uns auf eine andere
Form der Poesie hinweisen, die die Funktionsweise des menschli­
chen Körpers zum Thema hat und durch die Wissenschaft
geprägt wird, die versucht, sie zu verstehen.
La photographie, réalisée pour A hidden poem by Tom
Raworth, représente une page du magazine américain
Life issue d’un dossier consacré à la santé et au cerveau.
Le poème, caché dans les mots de l’article et révélé par
la main de l’artiste, est aussi exposé sur le mur à côté de
la photographie permettant au regard d’osciller entre
l’image et le texte. Placée en exergue sur la page, la
phrase « The eye talks to the brain in a dotlike language
» (L’œil parle au cerveau en utilisant des points comme
langage) est barrée d’un trait par l’artiste comme si au
lieu de nous la dissimuler, elle souhaitait attirer notre œil
sur elle et sur une autre forme de poésie propre au fonc­
tionnement du corps humain et aux sciences qui tentent
de le comprendre.
JACQUELINE DOYEN
Jacqueline Doyen wurde 1978 in Frankreich geboren. Sie lebt
und arbeitet in Berlin.
Model 3107
Diese neue Arbeit von Jacqueline Doyen ist Teil einer Serie von
Skulpturen, die den Körper und seine Darstellung zum Thema
haben. Ihre Objekte aus Stahl und Leder sind nach der Vorlage
von Modellen entstanden und umschreiben die Negativform
eines abwesenden Körperbildes. Die statisch und starr wirken­
den Objekte suggerieren Körperverlängerungen und lassen an
Apparate denken, deren Funktion es ist, den Körper zu stützen
oder ihn zu fordern, wie es bei medizinischen Prothesen,
ortho­pädischen Geräten oder Fitnessgeräten der Fall ist.
2013
Rostfreier Stahl und Leder
Acier inoxydable et cuir
150 × 65 × 50 cm
Ausgangspunkt ihrer Skulpturen sind Fotografien, aus denen sie
typische Körperhaltungen und Gesten isoliert. Für Model 3107
ließ sie sich von einer Fotografie des ehemaligen bri­tischen
Models Christine Keeler inspirieren, die auf einem Stuhl des
dänischen Architekten und Designers Arne Jacobsen Modell
saß. Das Modell und der Stuhl sind bei dieser Skulptur abwesend,
die Künstlerin umschreibt hier jedoch anhand weniger Schnitt­
stellen die Position jedes Körperteils und lädt den Betrachter
ein, den fehlenden Körper gedanklich zu ergänzen. Jacqueline
Doyens Skulpturen sind auch Teil künstlerischer Performances,
bei denen Modelle die Gesten und Körperhaltungen einneh­
men und das Kunstwerk durch ihre physische Präsenz ergänzen.
Née en 1978 en France. Elle vit et travaille à Berlin.
Cette nouvelle œuvre de Jacqueline Doyen appartient
à un ensemble de sculptures dans lesquelles elle met
en jeu le corps et sa représentation. Ces constructions
en acier et cuir, réalisées d’après modèle, évoquent
la posture d’un corps absent désigné en négatif. Leur
caractère statique et rigide suggère aussi des extensions
du corps, des objets dont la fonction est de le contrain­
dre ou au contraire de le soutenir : prothèse médicale,
appareil orthopédique, ou machine de musculation.
Jacqueline Doyen choisit dans des photographies les
attitudes qu’elle transformera ensuite en forme. Pour
l’œuvre Model 3107, elle s’est inspirée de l’image célè­
bre du mannequin anglais Christine Keeler posant sur une
chaise de l’architecte et designer danois Arne Jacob­
sen. Le personnage et la chaise ont disparu, mais l’artiste
laisse des indices sur la position de chaque membre et
invite ainsi le visiteur à intervenir en restituant mentale­
ment l’empreinte du corps sur l’objet. Cette sculpture
peut également donner lieu à des performances au
cours desquelles des modèles prennent la pose et com­
plètent l’œuvre par une présence physique.
RAINIER LERICOLAIS
Mesmer Variations
2013
Holzrahmen, Gips und Paraffin
Cadre en bois, plâtre et paraffine
83 × 70 cm
Rainier Lericolais wurde1970 in Châteauroux geboren. Er lebt
und arbeitet in Paris.
Né en 1970 à Châteauroux, France. Il vit et travaille à
Paris.
1773 prägte der deutsche Arzt Franz Anton Mesmer (1734–1815)
den Begriff des „animalischen Magnetismus”, der auch „Mes­
merismus” genannt wird. Mesmer war der Überzeugung, einen
magnetischen „Lebensstoff” gefunden zu haben, der sich für
die Heilung von Krankheiten nutzen lasse. Seine Behandlungen
führte er in Paris durch. Die magnetischen Heil­ströme wurden
mittels Handauflegen und Luftstrichen auf die Patienten über­tragen. Zur Magnetisierung mehrerer Personen gleichzeitig
entwickelte Mesmer Bottiche mit magnetisierter Flüssigkeit. Die
Patien­ten wurden rund um diesen Zuber gesetzt und hielten sich
bei den Händen. Mesmer begleitete die Sitzungen oft an der
Glasharmonika. Bei diesem Instrument sind abgestimmte
gläserne Schalen auf einer gemein­samen Achse befestigt, die
durch einen Fußantrieb in Bewegung gesetzt wird. Die Töne
werden durch Druck der angefeuchteten Finger auf die
rotierenden Ränder der Schalen erzeugt.
En 1773, le médecin allemand Franz Anton Mesmer
(1734–815) invente la notion de « magnétisme animal »
aussi appelée « Mesmerisme », par laquelle il envisage
l’existence d’un fluide magnétique universel dont
l’utilisation pourrait avoir des propriétés thérapeutiques.
C’est à Paris qu’il met en pratique sa théorie au cours
de séances de traitement collectives durant lesquelles il
convie ses patients à se rassembler autour d’un instru­
ment de sa fabrication en forme de cylindre, qu’il nom­
me le « baquet ». Les séances sont souvent accompa­
gnées par Mesmer à l’harmonica de verre, un instrument
composé de verres assemblés en clavier.
Für seine Skulptur aus Bruchstücken von Azetatplatten, die in
eine Gipsoberfläche eingelegt und von einem Holz­rahmen
ein­gefasst sind, ließ sich Rainier Lericolais von Mesmers Bottich
inspirieren. Die in die Bruchstücke eingravierten Rillen geben
Tonspuren einer Aufnahme der Partition „Adagio et Rondo
KV 617” von Wolfgang Amadeus Mozart wieder, die dieser –
ein enger Freund Mesmers – für die Glasharmonika komponiert
hatte.
Rainier Lericolais widmet sein Werk Mesmer Variations der
„Heilkunde Franz Anton Mesmers und der außergewöhnlichen
musikalischen Begleitung Mozarts, die gespenstische Geschich­
ten und Figuren heraufzubeschwören vermag”.
Vertreten durch die Galerie Frank Elbaz (Paris)
Représenté par la galerie Frank Elbaz (Paris)
Rainier Lericolais s’est inspiré du « baquet de Mesmer »
pour réaliser une sculpture composée de fragments de
disques acétate incrustés dans une surface en plâtre
entourée d’un cadre en bois. Ces fragments de disques
sont gravés de sillons reproduisant l’enregistrement de
la partition « Adagio et Rondo KV 617 » que Wolfgang
Amadeus Mozart, dont Franz Anton Mesmer était un ami
proche, a composé pour l’harmonica de verre.
Avec Mesmer Variations, Rainier Lericolais a souhaité
« rendre hommage à la médecine empirique de Franz
Anton Mesmer et à l’incroyable accompagnement mu­
sical de Mozart, en provoquant un télescopage de récits
et de figures fantomatiques ».
NICOLAS MILHÉ
Nicolas Milhé wurde 1976 in Bordeaux geboren. Er lebt und
arbeitet in Paris.
Né en 1976 à Bordeaux en France. Il vit et travaille à
Paris.
Two hundred million people
2006 schuf Nicolas Milhé das Werk Pyramides, das aus zwei
Beton­skulpturen bestand, die verkleinerte Modelle von Wohn­
gebäuden darstellten. Die Skulpturen hatten jeweils die Form
der Alterspyramiden Frankreichs und der Republik Kongo. Eine
Alterspyramide stellt die demografische Verteilung dar. Anhand
von Alterspyramiden lässt sich die Entwicklung und Alterung der
Bevölkerung eines Landes messen. Es fällt auf, dass sich lediglich
bei der Pyramide, die den Kongo darstellt, noch die namensge­
bende Form wiederfindet, ihre Basis also breiter ist als die Spitze.
Mit der Gegenüberstellung der beiden Objekte wird klar, wie
groß das offenkundige Missverhältnis der Bevölkerungsstrukturen
von Industrie- und sogenannten Entwicklungsländern ist.
En 2006, Nicolas Milhé créait l’œuvre Pyramides : deux
sculptures en béton représentant en modèles réduits
des bâtiments d’habitation, l’un prenant la forme de
la pyramide des âges de la France et l’autre celle du
Congo. Une pyramide des âges représente la répartition
de la population d’un pays par tranches d’âges classées
par ordre croissant de bas en haut permettant ainsi de
mesurer son évolution et éventuellement son vieillisse­
ment. Seule la pyramide du Congo se rapproche
véritablement des contours d’une forme pyramidale de
base plus large que son sommet. La confrontation de
ces deux masses pose le constat du déséquilibre flagrant
qui existe entre pays développés et en voie de dévelop­
pement.
2013
Bleistiftzeichnung auf Papier
Mine de plomb sur papier
36 × 44 cm, 36 × 84 cm, 36 × 59 cm
Der durch die Bevölkerungsstatistik inspirierte architekto­nische
Ansatz wird bei dem ausgestellten Werk in einer anderen Form
fortgeführt. Nicolas Milhé verwendet erneut das Motiv der
Pyramide, hat hier aber das Medium der Zeichnung gewählt.
Er stellt auch hier die Bevölkerungsdiagramme Frankreichs und
des Kongo gegenüber, fügt jedoch zusätzlich das Diagramm
Deutschlands hinzu. Durch die gleichzeitige Präsen­tation der
drei Grafiken wird der Betrachter angeregt, über die künftigen
Herausforderungen der Herstellung eines weltweiten demo­grafischen Gleichgewichts und die gesundheitlichen Aspekte
nachzudenken, die dabei eine herausragende Rolle spielen.
Vertreten durch die Galerien Mélanie Rio (Nantes) und Samy Abraham (Paris)
Représenté par les galeries Mélanie Rio (Nantes) et Samy Abraham (Paris)
Cette approche de l’architecture définie par la statis­
tique démographique se poursuit ici sous une autre
forme. Nicolas Milhé explore à nouveau le motif de
la pyramide mais opte pour le dessin. Il juxtapose à
nouveau les diagrammes de population de la France
et du Congo, mais y ajoute celui de l’Allemagne.
Présentés ensemble, l’observation de ces trois dessins
incite à s’interroger sur les enjeux futurs liés aux équilibres
démographiques mondiaux dans lesquels les questions
de santé prennent une part considérable.
MICHAEL MÜLLER
Michael Müller wurde in Ingelheim am Rhein geboren. Er lebt
und arbeitet in Ingelheim am Rhein, Berlin und in Alchi (Indien).
Né en 1970 à Ingelheim en RFA. Il vit et travaille à Ingel­
heim, à Berlin, et à Alchi en Inde.
Feste und weniger feste Grenzen
(Frontières étroites et moins étroites)
Die Beziehung zwischen Kunst, Geschichte und Wissenschaft
gehört zu den Hauptthemen, mit denen sich Michael Müller in
seinen Werken beschäftigt. Bei seinen Projekten handelt es sich
oft um komplexe Installationen, für die er viele unterschiedliche
Untergründe, Materialien und Techniken verwendet. Diese
Werk­komplexe wirken auf den Betrachter wie eine Aufforderung
zum Erfinden von Geschichten.
La question des relations entre l’art, son histoire et la
science fait partie des principaux thèmes auxquels
s’attache Michael Müller dans son œuvre. Ses projets
prennent souvent la forme d’installations complexes
dans lesquels il utilise une grande diversité de supports,
de matériaux et de techniques. Les ensembles d’œuvres
ainsi réunies fonctionnent comme autant d’indications
données au visiteur pour la construction d’un récit.
2013
Mischtechnik
Techniques mixtes
420 × 140 cm
Vertreten durch die Galerie Thomas Schulte (Berlin)
Représenté par la galerie Thomas Schulte (Berlin)
Feste und weniger feste Grenzen besteht aus sieben Einzelar­
beiten, die, in einer Linie nebeneinander angeordnet, an einer
Wand mit grauem Hintergrund präsentiert werden. Michael
Müller verwendet für seine Arbeiten traditionelle Untergründe
wie Holz, Leinwand oder Papier. Weniger konventionell sind die
zuweilen darauf angebrachten Kerben oder Nähte. In seinen
Werken bezieht er sich auf historische Persönlichkeiten aus
Wissenschaft und Kunst wie den grie­chischen Arzt Hippokrates,
den er im Stile des flämischen Malers Peter Paul Rubens porträ­
tiert hat. In einer realistischen Zeichnung erinnert er an die
Anekdote über den russischen Arzt und Nationalhelden Leonid
Rogozov, der sich auf einer Antarktisexpedition selbst am Blind­­darm operierte. Durch Müllers Gesamtwerk zieht sich das Thema
Grenzen und die Frage nach ihrer Überwindung, insbesondere
geht es ihm um die Grenze zwischen dem Inneren und dem
Äußeren des menschlichen Körpers.
Feste und weniger feste Grenzen (Frontières étroites et
moins étroites) se compose de sept œuvres présentées
dans un accrochage linéaire au mur sur un fond gris.
Michael Müller emploie des supports traditionnels avec
des œuvres sur bois, sur toile ou sur papier qu’il traite
de façon parfois peu conventionnelle y pratiquant par
exemple des incisions ou des sutures. Il convoque aussi
des figures historiques de la science et de l’art comme
le médecin grec Hippocrate dont il réinterprète d’une
manière abstraite un portrait imaginé par le peintre fla­
mand Pierre Paul Rubens. Il évoque également dans un
dessin réaliste l’anecdote du médecin Leonid Rogozov,
devenu un héros en Union Soviétique après avoir réussi
sur lui-même une opération de l’appendicite lors d’une
expédition dans l’Antarctique. L’ensemble de ces œu­
vres est traversé par l’idée de frontières et la question de
savoir comment nous les franchissons, en particulier celle
qui sépare l’intérieur de l’extérieur du corps.
SOPHIA POMPÉRY
Sophia Pompéry wurde 1984 in Berlin geboren, wo sie auch
heute lebt und arbeitet.
Index repercutans
Die Künstlerin präsentiert ein Objekt, das die gewohnte Funk­­tion des Spiegels umkehrt. Spiegel dienen üblicherweise dem
Benutzer dazu, seine eigene Erscheinung zu prüfen oder zu
betrachten. Aber auch unser Körper ist ein Spiegelbild unseres
Gesundheitszustands. Im Spiegel erfassen wir einen flüchtigen
Augenblick, bevor dieser sich in etwas anderes verwandelt
oder auch einfach verschwindet.
2013
LCD-Bildschirm, Sensor, Plexiglas, Spiegelfolie,
Kirschbaumholz
Écran à cristaux liquides, capteur, plexiglas,
film miroir, bois de cerisier
140 × 83 × 10 cm
Das Werk Index repercutans wirkt auf den ersten Blick wie ein
ganz gewöhnlicher Spiegel; in Wirklichkeit ist es jedoch ein
Apparat, der auf die Anwesenheit des Betrachters reagiert.
Sobald dieser nämlich nahe genug vor dem Spiegel steht, um
sich darin (bewundernd) zu betrachten, reagiert ein Sensor.
Sogleich erscheinen auf dem Bild sich willkürlich und großflächig
ausbreitende Strukturdiagramme von Substanzen, die in der
pharmazeutischen Industrie verwendet werden.
Dieser Prozess raubt dem Betrachter das eben noch gesehene
Spiegelbild. Die gekippte Wahrnehmung ruft in ihm den Eindruck
hervor, als überdauerte das eigene Bild nur im vorübergehen­
den Zustand eines zerbrechlichen Moments der eigenen
Existenz, die sich wieder auflösen wird, gleich einem flüchtigen
Übergang in eine poetische, unbekannte Welt.
Vertreten durch die Galerie DIX9 (Paris)
Représentée par la galerie DIX9 (Paris)
Née en 1984 à Berlin. Elle vit et travaille à Berlin.
Sophia Pompéry propose un objet qui détourne la
fonction commune du miroir. Les miroirs sont communé­
ment utilisés pour vérifier son apparence ou contempler
sa propre image. D’un autre côté, notre apparence
physique elle-même agit comme un miroir de notre état
de santé. Avec un miroir, nous contrôlons et captons un
moment fugace sur le point de se transformer en autre
chose ou simplement de disparaître.
Index repercutans semble être un miroir normal, mais il est
en réalité un appareil qui réagit à la présence du visiteur.
Une fois celui-ci suffisamment proche de la surface
du miroir pour s’admirer lui-même, un capteur réagit.
Soudain apparaissent les diagrammes de structures de
substances utilisées dans l’industrie pharmaceutique et
se développent aléatoirement comme une forêt.
Ce processus prive le regard de l’image présente à
l’origine à la surface du miroir. Ce basculement de la
perception provoque chez le visiteur l’impression que le
reflet de sa propre image existait juste à l’état transitoire
dans un moment fragile de l’existence qui se dissout
et crée ainsi un passage éphémère dans un inconnu
poétique.
TORSTEN RUEHLE
Torsten Ruehle wurde 1975 in Dresden geboren. Er lebt und
arbeitet in Berlin.
Health
Sein Gemälde Health wirkt auf den Betrachter rätselhaft. Vor
einem weißen Hintergrund zeichnen sich Silhouetten von
Männern, Frauen und undeutlichen Objekten ab. Die Szene
wird vom Künstler senkrecht von oben dargestellt. Durch diese
Vogelperspektive verliert der Betrachter das Gefühl für Raum
und Größe des Dargestellten, das unscharf bleibt und zwischen
öffentlich und privat, zwischen Innen und Außen changiert. Man
erahnt verschiedene Situationen von Menschen, alleine oder in
der Gruppe. Hier könnten zwei Personen auf einem Bett, dort
vielleicht eine Person an einem Tisch sitzen. Eine weitere Person
nimmt vielleicht ein Bad oder eine andere sitzt entspannt auf
einem Sofa.
2013
Öl, Acryl und Filzstift auf Leinwand
Huile, acrylique et feutre sur toile
200 × 140 cm
Torsten Ruehle verbirgt in den Konturen der dargestellten
Personen und ihren unterschiedlichen Körperhaltungen Indizien,
die die Verbindung zu Maschinen oder Prothesen andeuten.
Wenn man genau hinsieht, erkennt man versteckte Verbin­
dungsnetze und unterirdische Wurzeln, die die Menschen mit
den Objekten verbinden. Der Künstler behandelt hier das
Thema der Gesundheit und ihrer Wechselbeziehungen. Es geht
ihm nicht nur um das Fehlen von Krankheit oder Leiden. Der
Künstler lädt vielmehr dazu ein, sich ganz allgemein Gedanken
über den Begriff der Gesundheit zu machen, die einen zentralen
Platz in unserer Gesellschaft innehat, ohne dabei zwangsläufig
sichtbar sein zu müssen.
Né en 1975 à Dresde, RDA. Il vit et travaille à Berlin.
Avec cette peinture intitulée Health, Torsten Ruehle
nous propose une image énigmatique. Des silhouettes
d’hommes, de femmes, d’objets indistincts se décou­
pent sur un fond blanc. L’artiste choisit un point de vue
à la verticale au-dessus de la scène. Cette vue plon­
geante nous prive de perspective et perturbe la repré­
sentation des volumes et de l’espace dont le statut est
flou entre public et privé, intérieur et extérieur. On devine
différentes situations de personnes seules ou en groupe :
on imagine ici deux personnes assises au bord d’un lit, là
une personne assise à une table, une autre prenant un
bain ou se relaxant sur un canapé.
Cependant, Torsten Ruehle dissimule dans les contours
de ces corps aux postures variées des indices qui les re­
lient à des machines ou des prothèses. Une observa­tion
attentive permet de déceler des réseaux de connexions
cachées, des rhizomes reliant les êtres et les objets
entre eux. L’artiste évoque la question de la santé et
de ses corrélations. Plus que l’absence de maladies et
d’affections, il invite à s’interroger sur la notion de bienêtre en général qui tient une place centrale dans notre
société sans être nécessairement visible.
SEBASTIAN STUMPF
Pfützen
(Flaques)
2013
Video, Bild und Ton, 10’09’’, Endloswiederholung
Projection vidéo et son, 10’09’’, en boucle
Vertreten durch die Galerie Thomas Fischer (Berlin)
Représenté par la galerie Thomas Fischer (Berlin)
Sebastian Stumpf wurde 1980 in Würzburg geboren. Er lebt und
arbeitet in Leipzig und Berlin.
Né en 1980 à Würzburg en RFA. Il vit et travaille à Leipzig
et Berlin.
Für dieses Video hat Sebastian Stumpf eine Reihe von Inter­ven­tionen an verschiedenen Orten im Stadtraum gefilmt. Die
Film­aufnahmen fanden alle während oder kurz nach starken
Regen­güssen statt. Im Zentrum jedes Videos, steht die Person,
die in einer starren Position verharrt, mit nach unten gerichtetem
Gesicht, in einer Pfütze. Einige Details in ihrer Haltung lassen
jedoch darauf schließen, dass die Person nicht bewusstlos oder
tot ist, sondern sich freiwillig in diese Situation begeben hat und
den Atem anhält. Während der etwa eine Minute dauernden
Szenen ereignen sich absurde und ungewohnte Momente:
In einer geplanten Struktur brechen die zufällig entstandenen
Wasseransammlungen in leichten, kaum sicht­baren Vertiefun­
gen im Asphalt unerwartet und kurzzeitig zu sichtbaren Rissen
auf. Durch die Beschaffenheit des Wassers, seine Farbänderun­
gen und die Reflexionen auf der Wasseroberfläche erscheint
der Raum in einem anderen Licht. Wasser­pfützen ziehen zwar
unseren Blick an, dennoch meiden wir meist den körperlichen
Kontakt mit ihnen. Die Interventionen von Sebastian Stumpf
unterdrücken diesen Reflex. Die Person wirkt wie in die Szene
integriert oder sogar in die Pfütze eingetaucht. Ihre Haltung und
Position reflektieren die Selbstinszenierung des Künstlers, die
zwischen Narzissmus und Selbstaufgabe schwankt. Auch wenn
sich der Betrachter fortwährend fragen muss, ob die Situation
nun ernst oder komisch gemeint ist, stellen sich doch fundamen­
tale Fragen über unsere physische und geistige Beziehung zum
Stadtraum und unsere Bildwahrnehmung.
Pour réaliser la projection vidéo Flaques, Sebastian
Stumpf a filmé une série d’interventions mises en scène
dans différentes situations urbaines. A chaque fois,
l’enregistrement a lieu pendant ou juste après de fortes
averses. Au centre de chaque prise vidéo, l’on distingue
une flaque d’eau et une personne couchée dans
celle-ci. L’individu est allongé sur le ventre, immobile.
Certains détails dans la posture portent néanmoins à
croire que la personne n’est pas inconsciente ou sans
vie, mais qu’elle a délibérément choisi de se trouver
dans cette situation et qu’elle retient son souffle.
Pendant toute la durée de chacun de ces plans, d’une
minute environ, des instants absurdes et inhabituels se
succèdent. Les accumulations d’eau dans les affaisse­
ments aléatoires et à peine perceptibles de la surface
asphaltée deviennent des brèches visibles, imprévues et
éphémères, dans une structure planifiée et structurée.
L’espace environnant apparaît sous un jour nouveau à
travers sa matière, les changements de couleurs et les
reflets à la surface de l’eau. Les flaques d’eau ont
tendance à attirer notre regard, pourtant nous tentons
toujours de les éviter physiquement. Les interventions
de Sebastian Stumpf se détournent de ce réflexe du
quotidien, le sujet apparaît ainsi intégré ou même
plongé dans l’image. La posture et la position reflètent
la propre mise en scène de l’artiste, entre narcissisme
et abandon de soi. Dans ce va-et-vient continu entre
sérieux et comique de situation, des questions fonda­
mentales sont posées ; celles-ci touchent à la relation
physique et mentale que nous entretenons avec
l’espace urbain et à notre perception des images.
MORGANE TSCHIEMBER
Morgane Tschiember wurde 1976 in Brest geboren. Sie lebt und
arbeitet in Paris.
Equilibre instable
Morgane Tschiember schafft Skulpturen aus Beton, Metall, Holz
oder insbesondere aus Glas, einem Material, das sie wegen
seiner Beschaffenheit besonders schätzt. Die Künstlerin bläst ihre
individuellen Glasobjekte selbst und kombiniert sie mit verschie­
densten Materialien. Für das Werk Equilibre instable hat sie eine
Metallkonstruktion gebaut, auf der sich zwei Glasobjekte, eines
am oberen und eines am unteren Ende der Skulptur, gegenseitig
im Gleichgewicht halten. Die Metallkonstruktion ist in sich
instabil, sie bleibt nur durch die beiden Glasobjekte im Gleich­
gewicht. Auch wenn sie statisch ist, sind die beiden oben und
unten befindlichen Objekte unsichtbar miteinander verbunden,
wobei die eine förmlich in die andere zu fließen scheint.
2013
Metall und Glas
Métal et verre
110 × 45 × 63 cm
Für Morgane Tschiember erinnert diese Idee der kommunizieren­
den Röhren an das Zuprosten, bei dem man beide Gläser mit
den Worten „Zum Wohl” aneinanderstößt. Diese Tradition soll
übrigens aus dem Mittelalter stammen: Um zu verhindern, vom
angebotenen Getränk vergiftet zu werden, stieß man die Gläser
gegeneinander, sodass ein wenig vom jeweils eigenen Getränk
in das Glas des anderen schwappte, bevor jeder einen Schluck
nahm und dem anderen dabei in die Augen blickte. Diese
Geschichte erinnert auch daran, dass in Sachen Gesundheit der
Glaube lange Zeit über die Wissenschaft siegte.
Vertreten durch Loevenbruck (Frankreich), Super Window Project (Japan)
und Audio Visual Arts (New York)
Représentée par Loevenbruck (France), Super Window Project (Japon)
et Audio Visual Arts (New York)
Née en 1976 à Brest en France. Elle vit et travaille à Paris.
Morgane Tschiember réalise des sculptures en utilisant
des matériaux de construction tels que le béton, le mé­
tal, le bois ou le verre. L’artiste explore particulièrement
les propriétés du verre qu’elle souffle elle-même sur des
formes et des matières variées. Pour Equilibre instable,
l’artiste a réalisé une structure en métal sur laquelle
viennent se placer deux formes en verre, l’une à son
sommet, l’autre à sa base. La pièce en métal étant en
elle-même instable, ce n’est qu’une fois les deux verres
posés que la sculpture trouve son équilibre. Bien que
l’œuvre soit statique, la forme haute et la forme basse
communiquent dans un mouvement de flux invisible,
l’une semblant se déverser dans l’autre.
Pour Morgane Tschiember, cette idée de vases com­
municants évoque un rituel consistant à trinquer en
entrechoquant les verres, geste que l’on ponctue de
l’expression « A votre santé ! ». Cette pratique trouverait
son origine dans une coutume née au Moyen-Age visant
à prévenir les risques d’empoisonnement en cognant les
verres remplis à ras bord de manière à ce qu’un peu de
liquide s’échange, chacun buvant ensuite une gorgée
en regardant l’autre dans les yeux. Cette expression,
désormais entrée dans les usages communs, rappelle
aussi qu’en matière de santé, la croyance a longtemps
prévalu sur la science.
Nachweise:
Cover: Luc Boegly/Studios Architecture – Seite 10: Copyright Bruno Botella und Galerie Samy Abraham/Foto: Marc Domage – Seite 12: Copyright Natalie Czech – Seite 14: Copyright Jacqueline Doyen/Foto:
Marc Domage – Seite 6: Copyright Rainier Lericolais und Galerie Frank Elbaz/Foto: Marc Domage – Seite 8: Copyright Nicolas Milhé und Galerie Mélanie Rio/Foto: Marc Domage – Seite 20: Copyright Michael
Müller und Galerie Thomas Schulte/Foto: Marc Domage – Seite 22: Copyright Sophia Pompéry – Seite 2: Copyright Torsten Ruehle – Seite 26: Copyright Sebastian Stumpf und Galerie Thomas Fischer Berlin –
Seite 28: Copyright Galerie Loevenbruck und Morgane Tschiember/Foto: Isabelle Giovacchinni
Oktober 2013
Crédits :
Couverture : Luc Boegly / Studios Architecture – Page 10 : Copyright Bruno Botella et galerie Samy Abraham / photo Marc Domage – Page 12 : Copyright Natalie Czech – Page 14 : Copyright Jacqueline
Doyen / photo Marc Domage – Page 6 : Copyright Rainier Lericolais et galerie Frank Elbaz / photo Marc Domage – Page 8 : Copyright Nicolas Milhé et galerie Mélanie Rio / photo Marc Domage –
Page 20 : Copyright Michael Müller et galerie Thomas Schulte / photo Marc Domage – Page 22 : Copyright Sophia Pompéry – Page 2 : Copyright Torsten Ruehle – Page 26 : Copyright Sebastian Stumpf
et galerie Thomas Fischer Berlin – Page 28 : Copyright galerie Loevenbruck et Morgane Tschiember / photo Isabelle Giovacchinni
Octobre 2013
Potsdamerstraße 8, 10785 Berlin | www.sanofi.de