EST / OUEST - NORD / SUD

SAMEDI 28 MARS 2015
EST / OUEST - NORD / SUD
ORCHESTRE SYMPHONIQUE DE BRETAGNE
DARREL ANG
IBRAHIM MAALOUF | YU JIA
PROGRAMME
Manifestation organisée dans le cadre de « Singapour en France – le Festival (26 mars30 juin 2015) www.singapour-lefestival.com ».
L’œuvre Parachute de Ibrahim Maalouf est soutenue par la Banque Populaire de l’Ouest.
Partenaires médias d’Orchestres en fête
SAMEDI 28 MARS 2015 ................................................19H
SALLE DES CONCERTS
EST/OUEST – NORD/SUD
Darius Milhaud
Le Bœuf sur le toit
Tan Dun
Concerto pour pipa et orchestre à cordes
Ibrahim Maalouf
Parachute
ORCHESTRE SYMPHONIQUE DE BRETAGNE
DARRELL ANG, DIRECTION
YU JIA, LUTH PIPA
IBRAHIM MAALOUF, TROMPETTE
Concert diffusé en direct sur France Musique dans le cadre de la journée spéciale
« Orchestres en fête ».
Coproduction Orchestre symphonique de Bretagne, Philharmonie de Paris.
FIN DU CONCERT (SANS ENTRACTE) VERS 20H25.
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DARIUS MILHAUD (1892-1974)
Le Bœuf sur le toit
Composition : 1919.
Création : 21 février 1920 à la Comédie des Champs-Élysées, sous la direction de
Vladimir Golschmann.
Effectif : 2 flûtes (dont piccolo), hautbois, 2 clarinettes, basson – 2 cors,
2 trompettes, trombone – percussion – cordes.
Durée : environ 17 minutes.
De retour du Brésil, où il a été secrétaire d’ambassade auprès de
Paul Claudel, Milhaud s’empare d’une matchiche (sorte de tango
brésilien pratiqué par les Chopi, noirs originaires du Mozambique)
sortie à l’époque du carnaval 1918 pour l’intégrer dans son nouveau
ballet ; elle lui donne son titre, Le Bœuf sur le toit (O Boi no Telhado, en
version originale). D’abord pensée pour violon et piano, puis transformée en ballet sur les conseils de Cocteau, l’œuvre est créée en
1920 à la Comédie des Champs-Élysées, avec notamment la participation des plus célèbres clowns de l’époque, les frères Fratellini.
L’argument, que l’on doit à Cocteau, est loufoque et dresse une
galerie de personnages, réunis dans un bar : boxeur, policier, bookmaker, nain, travestis… Ce Bœuf devient vite un incontournable des
« soirées du samedi » qui réunissent, entre autres, les membres du
Groupe des Six, comme l’explique Stéphane Villemin : « Les soirées
se terminent chez Darius Milhaud ou au bar Gaya […]. Cocteau lit ses derniers
poèmes. Milhaud et Auric, rejoints par Arthur Rubinstein, jouent Le Bœuf
sur le toit à six mains. Cette pièce de Milhaud […] va devenir le morceau à
succès des samedistes. Si bien que le propriétaire du fameux bar Gaya donne à
son nouveau restaurant rue Boissy-d’Anglas le nom de Bœuf sur le toit. »
La succession de vignettes qui caractérisent le ballet répond au
collage de la musique, dans laquelle Milhaud amalgame une
multitude d’airs de musiciens populaires au Brésil. Seul passage
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dont le musicien est véritablement le compositeur : le thème du
rondo sur lequel s’ouvre la partition, qui revient quinze fois au
cours de la vingtaine de minutes que dure ce Bœuf. (On pourrait
être tenté de croire que c’est celui de la chanson O Boi no Telhado,
mais il n’en est rien ; celle-ci apparaît brièvement aux cuivres vers
le début de la troisième minute.) Le pot-pourri donne l’occasion à
Milhaud de jouer avec l’orchestration, volontiers cuivrée et percussive (notez l’utilisation du güiro, instrument strié que l’on racle avec
une baguette, très utilisé à Cuba notamment), avec les contrastes,
irruptions et interpénétrations des mélodies, avec la polytonalité
enfin. Ce geste, tout à fait caractéristique du compositeur, rappelle
ici la démarche de Stravinski superposant diverses chansons populaires russes et françaises dans Petrouchka – en plus réjouissant : elle
est ici métaphore du joyeux désordre qui règne en ce bar où jazz,
musique populaire et musique savante se rencontrent comme les
femmes déguisées en hommes et les hommes grimés en femmes.
ANGÈLE LEROY
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TAN DUN (1957)
Concerto pour orchestre à cordes et pipa
I. Andante molto
II. Allegro
III. Adagio
IV. Allegro vivace
Composition : 1999.
Création : juillet 1999 dans le cadre du Pacific Japan Music Festival à Sapporo.
Durée : environ 16 minutes.
Le Concerto pour orchestre à cordes et pipa rend hommage à l’instrument
traditionnel à cordes pincées chinois. On le rapproche du luth occidental et de l’oud oriental. Datant de l’Antiquité asiatique, le pipa possède
quatre cordes en soie, une caisse en forme de poire aplatie. Trente
frettes sont tenues par le chevillier, offrant ainsi une étendue expressive
considérable à cet instrument qui fait appel à une grande virtuosité.
Tan Dun composa le Concerto d’après les idées musicales de son opéra
Ghost (Fantôme). L’œuvre nécessite une spatialisation particulière. Le
soliste est placé devant le chef d’orchestre. Les premiers et seconds
violons se placent à gauche, puis suivent les basses. Les violoncelles et,
derrière, les altos sont à droite. Le son du pipa est amplifié.
Le premier mouvement du Concerto est un Andante molto. Le son râpeux
des cordes introduit un climat obsessionnel. Il devient de plus en plus
violent avec une pulsation abrupte. Le pipa entre dans un rythme de
danse. Accompagné par les glissandi des cordes, il prend toute sa place
de « narrateur ».
L’Allegro joue de la percussivité de l’instrument, mais aussi de son art du
vibrato. Les cris des musiciens de l’orchestre surprennent car ils ponctuent le chant du pipa. Le soliste fait preuve d’une grande virtuosité,
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utilisant des effets sonoristes, des rythmes syncopés, imitant aussi le son
de percussions imaginaires avec un lyrisme de plus en plus exacerbé.
À la fin du mouvement, le pipa se lance dans une grande cadence. Le
violon solo met un terme au mouvement et annonce l’Adagio.
Le mouvement lent est bâti comme un duo entre le violon solo et le
pipa. L’atmosphère recueillie gagne en intensité lyrique. Le dialogue
fait songer à quelque page baroque, lointaine réminiscence, peut-être,
du concerto grosso italien. Tan Dun fait s’entrechoquer les cultures
entre elles, jouant des rythmes dansants.
Le finale, Allegro vivace, est brillant, dans l’esprit « classique ». La
virtuosité et le sens du divertissement raffiné s’imposent avec maestria.
STÉPHANE FRIÉDÉRICH
IBRAHIM MAALOUF (1980)
Parachute
Composition : 2014.
Commande : Orchestre Symphonique de Bretagne.
Création : le 6 mars 2015 au Théâtre de Cornouaille, Scène nationale, Quimper,
par l’Orchestre Symphonique de Bretagne sous la direction de Darrell Ang.
Effectif : trompette à quarts de tons et orchestre.
Durée : environ 40 minutes.
Cela faisait plusieurs années que je rêvais d’avoir l’occasion de créer
une pièce symphonique qui donnerait la part belle à l’improvisation.
Lorsque j’ai croisé pour la première fois Marc Feldman, l’administrateur
de l’Orchestre Symphonique de Bretagne, nos conversations se sont
instinctivement dirigées vers la notion de « croisements culturels », et j’y
ai ajouté celle de prise de risque qui, dans le cadre musical, m’intéresse
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grandement. Un croisement culturel n’étant pas uniquement lié à
l’origine des protagonistes, il peut être aussi un mélange entre deux
différences au sein d’une même culture. En l’occurrence ici, il s’agit de
faire une rencontre culturelle entre de nombreuses influences musicales
au travers d’une écriture diversifiée, mais également une rencontre plus
rare, voire inexistante, dans l’enseignement de la musique classique :
une rencontre entre l’interprétation et l’improvisation.
Tout a démarré par ces envies de rencontres. Tenter d’élaborer
une pièce qui débuterait avec une improvisation orchestrale, puis
qui serait relayée discrètement par une écriture plus traditionnelle
méticuleusement orchestrée de manière à simuler au mieux une
improvisation. Et de la même façon, le relais serait discrètement transmis à la fin de manière à laisser la véritable improvisation prendre à
nouveau le dessus.
C’est une mission difficile mais très excitante que de faire improviser
un orchestre tout entier en même temps. Surtout s’il ne l’avait presque
jamais fait auparavant. Ma mission est donc triple : d’une part, écrire
une pièce (la partie centrale) qui ressemble à une improvisation et qui
doit évidemment avoir du sens, d’autre part, apprendre aux musiciens
de l’orchestre à improviser, ou tout du moins, les guider dans cette
démarche qui, je le répète car ce n’est pas anodin, est loin d’être
commune au sein du monde de la musique classique. Enfin, je me dois
aussi de donner un sens à tout cela avec ma trompette qui a maintenant
l’habitude de se prêter à ce type d’exercice et qui nous aidera à bâtir
l’homogénéité de l’œuvre.
Le message que j’essaie de transmettre à travers cette expérience est
intimement lié au travail pédagogique autour de l’improvisation que
je mène depuis quelques temps. Je souhaite prouver musicalement
que tout le monde peut improviser, y compris en groupe, en créant
une émulsion sonore intéressante, identique aux « jams », lorsque des
musiciens se rencontrent et inventent sur le moment des musiques
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hybrides. Et je crois vraiment que les « jams » devraient être des
moments essentiels dans le parcours pédagogique des musiciens classiques en formation dans nos conservatoires. Ma conviction est que
nous sommes tous capables de nourrir un propos artistique, qu’on
soit mélomane ou pas, mais a fortiori si on est musicien ! Que l’on
vienne ou non des musiques improvisées, du jazz, des musiques dites
« actuelles », ethniques ou même de la musique classique, nous sommes
tous en mesure d’exprimer à travers notre bagage culturel et selon
notre niveau technique de musicien un certain nombre de sentiments
et d’émotions. Ces sensations auditives et visuelles improvisées ont tout
à fait leur place en concert, pour ceux qui, attentionnés et bienveillants,
tentent d’en déceler l’intérêt.
Pour guider cette démarche, la partie écrite est là pour rassurer les
musiciens sur la bonne tenue de la représentation publique. Mais l’introduction et la conclusion de cette grande improvisation « préparée » sont
exclusivement improvisées et donc uniques à chaque représentation.
En sons, en timbres, en mélodies, harmonies et rythmes, mais aussi en
durée. Si les musiciens arrivent à vraiment se libérer, l’improvisation
pourra durer plusieurs longues minutes exaltantes. S’ils n’osent pas trop
se lancer, elle ne durera que quelques secondes. Mais l’objectif est là :
tenter l’expérience et ne pas avoir peur de se lancer dans le vide, tout
en sachant qu’on a un parachute dans le dos pour nous sauver en cas
de détresse : la partition.
IBRAHIM MAALOUF
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YU JIA
à prendre part à un projet collaboratif, Ink-splashed Immortal. Avec le
label taïwanais Poem Culture, elle
a enregistré quatre albums dédiés
au pipa, en solo ou en concerto. Les
dernières années, elle a également
été invitée à participer à plusieurs
festivals au Danemark, à Mexico,
Hong-Kong et Singapour, ses prestations étant à chaque fois saluées
par la critique.
Yu Jia commence l’apprentissage
du pipa à l’âge de 4 ans avec son
père Yu Song Lin, et s’inscrit au
conservatoire à l’âge de 9 ans. Elle
étudie sous la conduite du maître
de pipa Li Guang Hua, et remporte
de nombreux succès. Elle représente son université à Singapour, en
Malaisie, à Hong Kong et au Japon,
entre autres pays. Participant régulièrement à des concours internationaux, Yu Jia a remporté plusieurs
prix. En 1997, elle est diplômée du
Conservatoire Central de Musique
avec un « Bachelor of Arts ».
La même année, elle rejoint le
Singapore Chinese Orchestra, dont
elle est actuellement soliste. Tout au
long de ses quinze années avec le
Singapore Chinese Orchestra, Yu
Jia a été soliste à de nombreuses
reprises, et sous la direction de chefs
d’orchestre renommés, dans des
concertos comme La Rivière rouge,
Se, Colère, Destin, Capriccio de l’Ancienne Voie, Petites Sœurs de la prairie,
Vol céleste, Hua Mu Lan et Printemps
et Automne. Yu Jia a été invitée par
le National Experimental Chinese
Orchestra de Taipei et son chef
d’orchestre, Chen Tseng-Hsiung,
IBRAHIM MAALOUF
En 2014, Ibrahim Maalouf reçoit
pour son album Illusions une
Victoire de la musique dans la catégorie « Meilleur album de musiques
du monde ». C’est la première fois
en 29 ans que les Victoires de la
musique récompensent un projet uniquement instrumental, une
révélation pour le grand public qui
ne connaissait d’Ibrahim Maalouf
que ses collaborations – Amadou
et Mariam, Vincent Delerm, Sting,
Matthieu Chédid, Salif Keita,
Lhasa de Sela, pour n’en citer que
quelques-unes. La même année, il
réalise enfin deux rêves : composer pour le cinéma avec la bande
originale d’Yves Saint Laurent réalisé
par Jalil Lespert (il est nominé aux
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Césars 2015 dans la catégorie meilleure musique originale) et celle de
La Crème de la crème réalisé par Kim
Chapiron, mais aussi composer et
réaliser les albums d’autres artistes :
Funambule pour Grand Corps
Malade et Something Came With the
Sun pour Isabel Sörling. Au cours
des trois dernières années, Ibrahim
Maalouf s’est produit à l’Olympia
et dans tous les grands festivals de
jazz, tout en s’installant en tête des
ventes d’albums de jazz en France.
Pourtant, si Ibrahim Maalouf parcourt le monde depuis la trilogie
Dia (trois albums sortis entre 2007
et 2011), jusqu’à son hommage à
Miles Davis, Wind, sorti en 2012,
qui lui valut également la Victoire
du Jazz « Artiste de l’année », on
ne se doute pas du parcours rare de
ce musicien éduqué, dès son plus
jeune âge, à une double culture
musicale. Enfant, il est ce petit
virtuose s’accrochant aux genoux
de son père Nassim Maalouf (élève
de Maurice André), qui lui enseigne
très jeune la technique de la trompette pour jouer avec lui, dès l’âge
de 9 ans, des concertos classiques,
baroques et contemporains du
répertoire pour trompette. Grâce à
son père, inventeur d’un instrument
unique au monde, la trompette
à quarts de tons qui permet de
jouer les modes arabes, Ibrahim
Maalouf hérite d’une petite perle
de l’histoire contemporaine de
la musique, car rares sont les instruments acoustiques inventés de
nos jours. À 22 ans, avec plusieurs
prix internationaux en poche et le
diplôme du Conservatoire de Paris
(CNSMDP), Ibrahim Maalouf
compose et improvise avant tout.
Il se nourrit de tout, au travers
des rencontres, allant du hip-hop
à la musique électronique, en passant par les musiques africaines,
indiennes, balkaniques, le rock,
le hard rock, la pop et des nombreuses autres couleurs qu’offre le
paysage musical mondial. Ibrahim
Maalouf est un enfant de Beyrouth,
né sous les bombes en 1980, dans
un Liban décimé par une guerre
qui semble ne plus vouloir s’arrêter
et qui durera jusqu’en 1993. À 12
ans, il avait découvert un paysage
lunaire, et se rêvait en architecte
libre pour reconstruire le Liban. Ce
sera finalement grâce à sa musique
qu’il transmettra son souffle de
liberté. La transmission est même
devenue un enjeu majeur de son
travail, à travers l’enseignement
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de l’improvisation au Pôle supérieur d’enseignement artistique
Paris Boulogne-Billancourt, où
toutes les semaines, les élèves
(futurs musiciens professionnels
classiques) apprennent avec lui
à se libérer de leurs codes pour
découvrir un espace d’expression
qu’ils connaissent peu. Ses albums,
ses collaborations et ses nombreux
projets sont le reflet de cette liberté
qu’Ibrahim Maalouf revendique
avant tout.
est premier chef invité jusqu’en
2010 de l’orchestre du même
nom. En 2011, après Gustavo
Dudamel, Darrell Ang est choisi
par le Philharmonia Orchestra et
le London Philharmonic, à l’unanimité par Esa-Pekka Salonen,
Sir Colin Davis et Vladimir
Jurowski, pour être le jeune chef
en résidence, soutenu par l’Allianz
Cultural Foundation. Cofondateur
en 2001 du Saint-Pétersbourg
Chamber Philharmonic, Darrell
Ang est fréquemment invité à
l’opéra où il a dirigé La Traviata et
Les Noces de Figaro ainsi que The Rape
of Lucrecia de Britten. Il retourne
régulièrement à Saint-Pétersbourg
pour collaborer au Festival des
Nuits Blanches. Darrell Ang dirige
déjà régulièrement l’Orchestre
Philharmonique de Strasbourg,
l’Orchestre Lamoureux, ceux de
Toulouse et Metz, ainsi que l’Orchestre national de Lyon, et il se
produit régulièrement au Festival
de Besançon. Très apprécié en
Europe, Darrell Ang a débuté en
2011 au Philharmonia Orchestra
de Londres et à l’Orchestre
Philharmonique de Radio France
à Paris, où il est retourné en 2012
pour diriger le concert des lauréats
DARRELL ANG
Né à Singapour en 1977, Darrell
Ang y étudie le violon, le piano et
le basson avant de se lancer dans
la direction d’orchestre. Après des
prix au Conservatoire de SaintPétersbourg et à l’Université Yale,
il suit des cours d’interprétation
auprès de Sir Colin Davis, Lorin
Maazel, John Eliot Gardiner. En
2007, il remporte le 1er Prix du
50e Concours International de
Besançon (le Grand Prix et le
Prix du public), ainsi que l’unanimité de la part des musiciens
de l’orchestre. Il remporte également le Prix du Concours Arturo
Toscanini à Parme en 2008 et
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du Concours Long-Thibaut à
l’Opéra-Comique, dont il sera
l’invité pour une production de
musique contemporaine la saison prochaine. Ses débuts à la tête
de l’Orchestre Verdi à Milan et
de l’Orchestre Philharmonique
de Londres ont été suivis de
réinvitations, tout comme au
Konzerthausorchester Berlin. La
liste des orchestres qu’il a dirigés
est longue : la Filarmonica Arturo
Toscanini, l’Orchestra Regionale
dell’Emiglia Romagna, l’Orchestra
della Toscana et l’Orchestre Verdi
pour l’Italie ; en Asie, Darrell Ang
a tissé des liens privilégiés avec des
orchestres qui le réinvitent régulièrement comme le National de
Taïwan, le Philharmonique de
Taïwan, le Symphonique de Taipei
ou encore le Philharmonique de
Hong-Kong. Pour l’Allemagne,
l’Orchestre Philharmonique
de Jena et celui de Heidelberg
l’ont invité la saison passée, les
Münchner Symphoniker et le
Münchner Rundfunkorchester,
le Beethovenorchester Bonn ou
le Wiener Kammerorchester l’invitent régulièrement. Une passion exprimée pour l’éducation et
la formation des jeunes a amené
Darrell Ang à créer le Singapore
National Youth Orchestra, dont
il s’occupe depuis 2008 et qu’il
emmène en tournée dans le monde
entier, notamment récemment
en Europe à l’été 2012 avec un
concert final au Konzerthaus de
Berlin. Depuis 2012, Darrell Ang
est directeur musical de l’Orchestre
Symphonique de Bretagne.
ORCHESTRE SYMPHONIQUE
DE BRETAGNE
Créé en 1989, l’Orchestre
Symphonique de Bretagne
(OSB) s’est rapidement distingué
dans le paysage européen par
le dynamisme de ses activités,
l’originalité de ses programmations,
ses résidences de compositeurs
et une politique discographique
particulièrement ambitieuse.
Sous la direction musicale de
Claude Schnitzler et de Stefan
Sanderling, l’OSB a été l’invité de
quelques-unes des plus grandes
salles internationales. Depuis 2011,
l’OSB est dirigé par Marc Feldman,
et son directeur musical est Darrell
Ang. Le nouveau projet de l’OSB
remet l’orchestre au cœur d’une
région dont la vitalité culturelle lui
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Jazz magazine en juin 2014), Jeff
Mills, Olivier Mellano, Santa
Cruz, Chris Brubeck. La création
de Brothers in Arts de Guillaume
Saint-James et Chris Brubeck a été
choisie par l’Office National des
Anciens Combattants et Victimes
de Guerre et le Ministère de la
Défense pour les cérémonies
commémoratives du 6 juin 1944.
L’œuvre continue actuellement de
tourner à l’international. L’OSB
est un catalyseur pour plusieurs
projets transversaux (Musée de
Pont-Aven, Champs Libres). Au
fil des années, l’OSB a travaillé
avec le milieu de la danse, dont les
chorégraphes Bernardo Montet et
Boris Charmatz. L’OSB participe
également chaque saison à quatre
à cinq productions lyriques avec
l’Opéra de Rennes. Présent dans
les métropoles de Bretagne comme
dans les plus petites communes (les
musiciens de l’OSB se sont produits
dans 35 villes en 2014), l’OSB se fait
aussi l’ambassadeur de sa région en
prenant part au projet européen
ACT – A Common Territory, un
réseau de treize partenaires francobritanniques, dont l’OSB est fier de
faire partie. Dans le cadre du projet
ACT, dont l’objet est de resserrer les
assure des relais dynamiques. Sans
pour autant délaisser son répertoire
classique, l’OSB développe des
projets artistiques et pédagogiques
en direction de tous les publics. Il
cherche à renouer avec ses racines
bretonnes via le Projet Taliesin, et
part à la conquête de nouveaux
publics et de nouveaux territoires
musicaux tels que le rock, le jazz,
la techno, la danse, le cinéma, la
photographie. L’OSB présente
une programmation éclectique et
populaire : depuis 2012, il dédie une
partie de sa saison symphonique
aux cultures de l’Arc Atlantique, de
la culture populaire (Carlos Nuñez,
Didier Squiban, Outside Duo) au
mélange de la musique classique
et de la musique traditionnelle,
avec l’accueil d’artistes écossais
et irlandais, ou des créations de
nouvelles œuvres de Frédérique
Lory, Marthe Vassallo, Benoît
Menut et d’autres artistes
contemporains bretons. L’OSB est
à l’initiative de projets originaux
avec de nombreux artistes venant
de tous horizons, et a d’ailleurs été
distingué par Musique Nouvelle en
Liberté pour sa programmation.
Ainsi l’OSB a créé des œuvres
de Guillaume Saint-James (Choc
15
L’Orchestre Symphonique de Bretagne
est financé par le Conseil Régional de
Bretagne, le Ministère de la Culture et de
la Communication – DRAC Bretagne,
la Ville de Rennes et le Conseil Général
d’Ille-et-Vilaine, avec le soutien du
Département du Morbihan.
liens entre les habitants du sud de
l’Angleterre et le nord de la France,
l’OSB se produit en Angleterre et
dans d’autres régions françaises, et
partage plusieurs projets avec des
universités et des écoles, un opéra
britannique et un orchestre français.
Le projet Brothers in Arts créé par
l’OSB a été présenté aux ÉtatsUnis pour les commémorations
de la Seconde Guerre mondiale.
L’OSB a été l’invité des festivals
français (Folles Journées de Nantes,
Flâneries Musicales de Reims,
Festival des Vieilles Charrues à
Carhaix, Electroni[k] à Rennes,
Musicales de Pontivy, Festival de
piano de Dinard, Festival Berlioz
à La Côte Saint-André…). En
2014, l’OSB a renoué avec le
Festival de Cornouaille et les Fêtes
Maritimes de Douarnenez. Au
travers d’une trentaine de disques,
l’OSB s’est particulièrement illustré
au service de compositeurs français
méconnus, de la musique française
d’aujourd’hui et des compositeurs
bretons. L’enregistrement des
Concertos pour piano n° 9 et n° 20 de
Mozart avec François Dumont est
le premier disque produit sur OSB
Productions.
Ce concert bénéficie du soutien de la
Banque Populaire de l’Ouest, mécène
fondateur, et de Musique Nouvelle en
Liberté.
Violons I
Pascal Cocheril
Anatoli Karaev
Nicolaï Tsygankov
Jocelyne Lemée
Kaïto Shibata
Esin Nazan Tekinson
Anita Toussaint
Laurence Dhoosche
Florence Dubreuil
Violons II
Olivier Chauvet
Thomas Presle
Marie-Laure Bescond
Aline Padiou
Noëlle Presle
Virginie Thirot
Pierre Coulaud
16
Cors
Vianney Prudhomme
Laurianne Gebel
Altos
Cyrile Robert
Emmanuel Foucher
Didier Lefebvre
Anne-Marie Carbonnel
Catherine Babonneau
Trompettes
Fabien Bollich
Stéphane Michel
Violoncelles
Olivier Lacour
Stéphane Genay
Claire Martin-cocher
Irène Clément
Trombone
Christophe Gervais
Timbales
Jean-Pierre Petermann
Contrebasses
Frédéric Alcaraz
Camille Mokrani
Manuel Jouen
Percussions
David Lebras
Piano
Franck Woeste
Flûtes
Eric Bescond
Stella Daoues
Hautbois
Laurent Dhoosche
Irving Legros
Clarinettes
Pierre Genisson
Christine Fourrier
Bassons
Marc Mouginot
Pascal Thirot
17
Samedi 28 mars à 15h45
Table ronde en direct et en public
Bar des concerts - Cité de la musique - Philharmonie 2
Quel avenir pour
nos orchestres ?
Les états généraux de l’orchestre en France
Avec :
Philippe Fanjas, directeur de l’Association française des orchestres
Jean-Marc Bador, directeur général de l’Orchestre national de Lyon
Fabienne Voisin, directrice générale de l’Orchestre National d’Île-de-France
Jean-François Verdier, directeur musical et chef de l’Orchestre de Besançon
Déborah Nemtanu, violon solo à l’Orchestre de Chambre de Paris
Marc-Olivier de Nattes, violon à l’Orchestre national de France
Alban Beunache, musicien-étudiant au CNSM…
Un débat animé par Judith Chaine
Dans le cadre de la journée spéciale Orchestres en Fête
sur France Musique
91.7
18
francemusique.fr
Orchestres en fête !
Chaque saison, pendant 10 jours, tous les acteurs de la manifestation
offrent au public un moment privilégié de découverte de l’orchestre.
Le succès de l’événement et l’engouement du public reposent sur la
grande diversité des événements proposés, ainsi que sur la grande
disponibilité des artistes : effectifs très importants ou plus intimes,
concerts traditionnels ou concerts surprenants, ateliers participatifs et
rencontres. C’est l’occasion unique de découvrir l’orchestre comme
on ne l’attend pas.
Du 20 au 29 mars 2015
Une initiative de l’Association Française des Orchestres
www.orchestresenfete.com
Une initiative de
l’Association Française
des Orchestres
19
Imprimeur France repro• E.S 1-1041550 - 2-1041546 -3-1041547
01 4 4 8 4 4 4 8 4
2 21 , AV E N U E J E A N - J A U R È S 7 5 019 PA R I S
P O R T E D E PA N T I N
P H I L H A R M O N I E D E PA R I S . F R