avril 2015 - Guts Of Darkness

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Guts Of Darkness
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progressif, metal, electro, hardcore...
avril 2015
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Les chroniques
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Thunder Way : The Order Executors
Chronique réalisée par Rastignac
Je parcourais du regard les pays présents sur guts of darkness. On en est à 126, pas mal non ? Et puis, par
curiosité, je suis allé voir la liste des États souverains sur wikimerdia : eh, il nous en manque plus de septante !
"L'encyclopédie" en ligne nous dit 197 États pour l'ONU, sans rentrer dans les détails politiques des pays pas
reconnus, juste un peu, ou juste par machin et pas par truc... Parmi les absents par chez nous, l'Albanie (ben
oui, j'ai commencé par la lettre A, mais, rassurez-vous, je vais pas pousser le vice à combler le vide jusqu'à
Z...). Bon, on sait que le pays a vécu pendant des décennies un ostracisme permettant une imperméabilité aux
solos de Dave Mustaine, mais, comme toutes les bonnes choses ont une fin, la chute du "rideau de fer" a
permis, même là-bas, l'émergence du tout puissant metal - enfin, juste d'une tête, parce que les groupes de ce
genre se comptent encore aujourd'hui sur les dix doigts, quelques groupes récents de death à noter, enfin, pas
grand chose quoi, contrairement à ses voisins. Premier sur la liste du pays : Thunder Way, fondé dit mon
oreillette par un des premiers rockeurs albanais sous l'ancien régime. Le groupe est souvent catalogué comme
power metal / speed metal. Comme une bonne partie de cette scène collée derrière cette étiquette
non-gutsienne a tendance à m'endormir sérieux j'ai joué la carte méfiance, mais je me suis laissé aller à trainer
une oreille après avoir longuement regardé l'illustration bien coloriageocrado de cette cassette introuvable,
"rééditée" en Albanie par je ne sais qui sous format CDr patche inclus. Regardez moi cette pochette : si ça ne
respire pas la désolation version stalinisme en fin de course ! Je me suis dit qu'il y aurait forcément un fond de
croute malfaisant. A l'écoute, les influences, évidemment, sont à choper vers le heavy metal dérivé de Maiden,
bien mixé avec un esprit speed teuton frisé à la Helloween ou Rage mais sans trop tomber dans une vulgarité
laque et paillettes (bon, j'ai pas vu les clips passés sur la télé albanaise, ça doit valoir son pesant de Diamond
Darrell). En fait, voilà pourquoi je vous parle de ce disque ici : cet album dégage une aura bien tristounette,
grâce à ces shreds en modes mineur, des envolées de riffs heavy et speed lorgnant vers le thrash plus glauque,
ou vers un power metal mais toujours une larmichette à l’œil. Vous ajoutez à cela cette impression que le
chanteur est au bord de la dépression nerveuse, et pète de temps en temps des câbles en grognant entre deux
envolées ultra-lyriques à la Bruce... et puis ce "Devil's Rules" presque entièrement instrumental, assez doom
dans l'esprit d'un Candlemass. A lire ensuite les paroles, ça parle moyennement des gardiens du Metal qui se
battent contre les gobelins de la mort, mais de trucs plus terre à terre comme la vie de bidasse qui transpire et
qui flippe, et qui cauchemarde la nuit, en gros cet album parle de souffrance mentale et physique... pas
étonnant venant de la part de mecs ayant grandi au pays des bunkers. On n'est donc pas dans la ripaille totale
que l'on peut subir en écoutant Helloween grâce surtout au fabuleux guitariste ici aux manettes, et à un moral
général semblant vraiment en berne. En 1993, l'heure n'était donc pas encore au metal qui fait rire en Albanie,
malgré cette forme a priori bondissante comme un Gollum goulu tout droit sorti de la scène du Wacken en
milieu d'après-midi. Thunder Way en sont donc arrivés à faire d'un sous-genre ultra-sucré une musique
cafardée, un speed / heavy / power metal plombé par la fatalité et la souffrance. L'histoire nous dit que ce
disque fut financé par un homme d'affaires albano-américain (je voudrais bien savoir qui) et que le groupe
splitta ensuite, le guitariste gratouillant des délires pop dans les shows télévisés me dit-on encore du fond de
l'internet. Drôle d'archive de la lose quand même, à offrir aux fous de guitare à solos, et aux amateurs de rêves
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perdus.
Note : 4/6
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Geto Boys : Till Death Do Us Part
Chronique réalisée par Raven
Un homme qui s'y connaissait très bien en laideur a un jour demandé : après tout, pourquoi n'y a-t-il pas autant
d'art possible dans la laideur que dans la beauté ? Le hip-hop répond très bien à cette question : musique laide
d'âme, musique d'ego, musique à qui certains ont tant reproché d'être pauvre, stupide, et plus digne de
babouins que d'hommes, mais bon, après tout, le premier noir qui a soufflé dans une trompette a inspiré ce
genre de réflexions aux individus de cette engeance. Geto Boys m'inspirent, comme bien d'autres, cette idée
d'un art de la laideur. Avec eux le hip-hop avait les ongles crasseux, les survêtements et la casquette n'avaient
pas l'air de sortir de la machine comme maintenant, avec tous ces putains d'esclaves content d'être propres,
qui ont l'air photoshopés même en vrai et qui croient faire de l'esprit parce qu'ils gèrent la punchline. Putains
de bouffons moyens, avez-vous oublié les Geto Boys ? Leurs pochettes comme celle-ci, déjà, sont en plein
dans le thème. Laideur, assumée, limite sacerdoce. Ensuite y a le son, qui sent bien la misère, et la prise de
drogues affaiblissantes. Bien funky-crapoteux, ce Till Death Do Us Apart, même dans ces moments plus groovy
("No nuts no glory"), jusqu'à descendre dans des beats de console game-boy ("Straight Gangstaism",
mouhahahah). Et puis les paroles, qui comme d'habitude suintent l'imagination du pauvre, déblatérant toutes
sortes de dégueulasseries, soit pour se faire mousser soit pour expurger le trop plein de merde dans la tête.
Peut-être bien les deux. Et surtout ce côté parodique évident, par exemple sur ce "Cereal Killer" (qui a dit
Blackout! ?) joyeusement débile où Scarface se tape un délire qui n'est pas sans évoquer le MM Food de MF
Doom à venir. Ah ouais, Willie D. a été remplacé par un certain Big Mike, de la Nouvelle-Orléans, quelque chose
de sérieux, apparemment ; je croyais sentir une odeur juvénile, aussi, mais il est bon le con... Ici, le style Geto
Boys commence pourtant à montrer ses limites, moins flamboyant que sur leurs deux classiques précédents.
Ils rappent dans les vestiaires de leur style, pour le meilleur comme pour le pire. Les délires psycho-gangsta
laissent un peu plus de place au graveleux fainéant. L'effet southern, cette saveur texane, est bien là, mais des
molleries comme "Murder Avenue", où l'inspiration psychopathe est encore là mais le son ne suit pas, donnent
plus envie de réécouter ce qui s'est fait avant. Faut dire que ce rythme qui est globalement devenu plan-plan,
glandouille-style, pâteux ("This dick's for you"), fout moins de funky-claques dans la gueule, c'est plus
ensuqué, parfois indigent ; ça peut donner un charme toxicomane, je dis pas... Il y a bien ce marathon de flows
de huit minutes à la fin, "Bring it on", procession de toute la clique Rap-a-lot, et surtout deux couplets cramés,
l'un du non moins cramé Ganksta N-I-P, l'autre d'un Scarface halluciné... Ce Geto Boys m'est sympathique,
mais j'en skippe le gras. Hormis le titre-marathon, on peut très facilement l'oublier ou l'éviter, d'ailleurs c'est
visiblement ce que la plupart des gens font depuis sa sortie et ça ne change pas grand chose : la merde reste
dans le caniveau. Bienheureux sont les diptères, en vérité je vous le dis.
Note : 3/6
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Geto Boys : We Can't Be Stopped
L'anecdote du nain borgne est connue : un soir comme les autres, Bushwick Bill, le MC miniature des Geto
Boys, en pleine crise suicidaire, demande à sa femme de lui tirer dessus ; elle refuse, il la bastonne, et, jeu de
nain jeu de vilain, une balle part du flingue et arrache l'oeil droit du rappeur, qui, décidé à crever, avait réussi à
se placer juste en face du canon. A peine arrivé à l'hôpital, il est accompagné par ses potes, qui savent déjà
qu'ils tiennent la pochette de leur prochain album. Voilà pour situer l'esprit Geto Boys, et pourquoi ils sont sur
notre site. La pochette déjà culte avant la sortie, ne restait plus à nos daltons gangstas qu'à chier une quinzaine
de morceaux dans la même mentalité que le précédent, quoiqu'encore plus sociopathe (le borgne est inspiré et
ses deux potes pas moins), avec un style un peu moins brutalement funky peut-être, absence de Rubin au mix
oblige, mais ce qui est perdu en sévérité funk est gagné en glauque : les prods, cheap, sentent les chiottes
turques. Intro cultissime (ce sample de Scarface aaaah, ce son... Mobb Deep peuvent aller se rhabiller), hits qui
défouraillent sur la face A, avec une préférence personnelle pour le titre éponyme, le bizarre-cheap "Chuckie",
très proche du style d'Esham, et, bien sûr LE classique parmi les classiques, "Mind playing tricks on me" (seul
moment de smooth avec la sex track "Quickie" et le, hum, paradisiaque "The Other Level") comme une halte
rafraîchissante dans le lait de coco, et pourtant, le texte est pas du genre relax, c'est plutôt l'introspection
paranoïde. Hélas sur son dernier tiers l'album devient un tantinet emmerdant, voire pénible. Je vois pas trop
quoi rajouter, en fait. Ce Geto Boys, c'est simplement de la bonne viande hip-hop bien sale, un truc de clochard
vengeur, avec tout plein de projets pour équarrir la racaille.
Note : 4/6
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Kool G Rap & DJ Polo : Road To The Riches
Intro mythique, puis le MC plus rapide que son flow - disciple de Just-Ice selon certains, LL Cool J psychopathe
pour d'autres - entre dans le saloon. Ses mots crachés comme des balles d'une gatling, fument tous les
ivrognes du beat, pendant que les filles de joie restent médusées en haut de l'escalier, de tous les hommes seul
le pianiste survit, stressé, pour servir de sample. Plus loin, un harmonica annoncera une grosse tuerie (*).
Western hip-hop ? Kool G Rap vient juste après Rakim, de la même façon que pour certains Slayer vient juste
après Metallica. Comprenez-le comme ça vous arrange. Tradition de l'egotrip vieille école, la personnalité du 'G'
est encore dans un carcan orthodoxe, mais elle déborde déjà. Blase à l'ancienne, caboche de taulard, vilaine
cicatrice d'acné mal soignée à la joue, ou d'éraflure datant du jour où il s'est fait plaquer face contre crépit par
la flicaille, on sait pas trop. Rime, rythme, capacité de gérer le débit d'adrénaline : le taulier d'un style se
reconnaît assez vite. Gare au moteur le plus traître du Juice Crew. Car Kool G Rap, plus encore qu'une fine
gâchette du mic, c'est un peu le camion de Duel, réincarné en rappeur. Au début comme ce couillon de Dennis
Weaver, tu l'trouves pataud, moche et polluard, tu t'dis "bouais, juste un rappeur des années 80, un suiveur un
peu crade de Rakim et Chuck D". Pas de peur, pas d'inquiétude outre mesure. Et tu veux le doubler. Fatale
erreur : y a un gros turbo de tonton sous ce capot perché à trois mètres, et c'est après le cul de ta chaîne hi-fi
qu'il en a désormais. Pare-choc contre pare-choc, flow contre baffle. Une fois repassé devant toi, il ralenti un
chouia, et comme il est taquin ses rimes te font des signes de la main dans les virages au moment où une
bagnole arrive à fond d'en face. Technique de crevard, principe du gangsta rappeur des bas-fonds. Kool G il
s'acharne, presque citoyen pour l'oreille profane, mais il s'acharne, on lui change le micro tout grillé par les
postillons à chaque titre. Peu importe de quoi il cause d'ailleurs, bien que ses lyrics bêtes et méchantes soient
évidemment pas négligeables : tout est dans le charisme dégagé, comme une émanation hydrocarbure.
Pourquoi Kool G est-il différent ? Pourquoi l'eau ne sent rien, alors que l'essence qui a le même aspect
m'étourdit ? Le mauvais goût, le grivois, la non-gonflette, l'authenticité ? Même voler Gary Numan est le genre
d'opération de mauvais goût qu'il revendique, mais il arrive à transcender le larcin. L'originale de "Cars" en
devient même assez fade quand on l'écoute après, c'est sans doute la magie du hip-hop quand le tunning
pillard fonctionne. En 1989, le hip-hop carbure encore à une forme puérile et bon enfant d'egotrip, genre "moi je
rime le mieux, moi les filles tombent toutes à mes baskets, gnagnagna, bisque bisque rage !"... Et Kool G Rap
avec lui c'est un peu moins poli, le mec entérine l'appelation "bad boy" majeur tendu, mais c'est aussi un
spirituel à ses heures, il pourrait être du genre à souhaiter le sida à une ex pour un anniversaire manqué, mais
l'étrange ballade "She loves me she loves me not" nous prouve qu'il sait aussi rapper la peine du juste et
sonder l'âme sous la testostérone ("You move too quick / You become seasick / And a one-night stand is for the
one-track mind man / The kind of guy you kick like a can"). Et puis bien sûr il y a le son Marley Marl, une
évidence pour ceux qui pensent Eric B. quand il pensent Rakim... car DJ Polo est sur l'affiche mais c'est pas
son Eric B., lui c'est juste pour le scratch. Le vrai artisan du son c'est Marley. Un son entre deux âges, à la fois
rudimentaire et auquel y a rien à rajouter. "It's a Demo", "Men at Work", "(*)Trilogy of Terror", "Rhymes I
Express" avec sa greffe fatale de Kraftwerk, "Poison" (pure puissance !) : les classiques sont là, implacables,
mis en valeur par une ou deux pistes en mousse (une chiure laid back et une instru house inutile avec le
scratching sympathique de Polo) mais il faudrait être un sacré pisse-froid pour ne pas voir dans Road To The
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Riches la suite directe d'un Paid In Full, d'un Follow The Leader. Même si je préfère sans hésiter Wanted Dead
Or Alive et Live & Let Die, ce qui justifie le 4/6 au verdict. Les plus jeunes trouveront probablement un tel album
désuet comparé à leurs daubes "hardcore" en vogue à base de sons de rave party et de flow syncopé, mais
bon... on peut aussi trouver Jean Gabin désuet par rapport à Vin Diesel, mais je crois bien savoir lequel des
deux tirerait l'oreille à l'autre pour lui faire terminer sa soupe.
Note : 4/6
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Kool G Rap & DJ Polo : Wanted Dead Or Alive
C.A.R.R.É., p'tit con. Kool G Rap ça rostre. En ces temps reculés, les "bitch" étaient encore volontiers des
"honey", mais le rap se pratiquait sans chichis ou tai chi. Les arts martiaux qui sentent le riz chaud et le
pyjama, pas trop le genre de la maison, non, plutôt boxe poings-poings : un salut pour le gladiateur, un
tombeau pour les neurones. Même si question intellect, l'un des pionniers de la lignée des bons gros rappeurs
bien cons et bas du front se défend, le bragadoccio est axé outrance et excès. Un tel flow suffit a avoir assez de
panache, et si tu ne saisis pas les versets à cause de la barrière de la langue, retourne la sept fois pour mieux
apprécier le magnétisme du son. Le hip-hop de Kool G Rap a comme une odeur de nubuck - snfffff, hmmm authentique ! S'il faut te buter, le vétéran Kool G aura toujours la rime la plus négligente, la plus instinctive. Il
s'est armé du son absolu pour motoriser tout ça : Eric B. et Large Professor. Le poing et le talon. On grimpe
d'un cran en puissance par rapport à Road To The Riches. C'est pas le Bomb Squad au sommet, mais ça
tabasse avec ferveur. Des morceaux surpuissants comme "Death Wish" ou "Talk Like Sex" parlent
d'eux-mêmes. Ce son, c'est de l'ébène grossièrement sculptée qui te fait des bosses. Chaque piste un container
pour passage à tabac. Kool G Rap est à la vague hip-hop dite "hardcore" ce que Celtic Frost est au black-metal.
Un genre d'ancêtre totémique contre lequel ne vient pas l'idée de trop se frotter. Si on excepte les variations de
tempo, son péché mignon (avec Kool G le beat s'adapte au flow, pas l'inverse), on est sur du pur artisanat dans
le machisme délinquant. Un vrai salopard de compète le Kool G, le genre de type pour qui la nature aurait
inventé le poil avant la peau. J'en veux pour preuve l'enchaînement hold-upesque du morceau-titre (ah, ce beat
de caisse claire !) et de "Money in the Bank", ou encore le morceau gangster avec Large Professor au micro ou
celui, plus posé, avec Big Daddy Kane et Biz Markie (ah, ces blases de maquereaux qu'on aime tant citer !) où
l'antiracisme est plus prétexte à une démonstration de cool bien bitumeuse. Et puis, une coudée au-dessus, le
surpuissant "Talk Like Sex" dont j'ai déjà parlé, étalage graveleux digne d'un Gainsbarre sous stéroïdes dans
lequel il fait étalage de ses capacités pour la bagatelle, jusqu'à certifier que popaul mérite une cape de
super-héros. Le hip-hop confine déjà au grotesque, le côté exagéré c'est dans sa nature profonde. Kool G a
compris qu'avec ce style clownesque dead-serious, il pourrait comme les Geto Boys hisser le rap à un niveau
supérieur d'immoralité. Les grands frères école Kurtis Blow ou LL Cool J, braves soudards du micro, se
targuaient de pouvoir séduire en bob kangol dans des poses trisomico-félines, princes de Bel-air ou rois des
blaireaux, selon l'angle. Kool G Rap entre garni de colliers d'or lourd dans la prison des femmes, façon
Mutunus Tutunus. Il repartira en sueur, et sans promesses. Ce disque, comme Iceberg de Ice-T, c'est un peu ce
moment fatidique pour le hip-hop, le moment où le retour n'est plus possible, ce moment où le rap a embrassé
sa condition de musique de salaud, et a vraiment commencé à devenir ce genre qui rend physiquement
malades ses détracteurs, leur faisant vociférer toute sortes d'imprécations fébriles. Disque d'homme.
Note : 5/6
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Kool G Rap & DJ Polo : Live And Let Die
Là on est pas sur du hip-hop de pédale les enfants ; ou alors de pédale de droite, vu la capacité d'accélération
bestiale dont est capable Kool G Rap. Live and Let Die est pour moi l'album hip-hop matinal par excellence, le
meilleur pour entamer la journée. Même s'il s'accommode très bien aux nuits et aux sonos des tires, c'est dans
sa turne qu'il faut l'écouter, aux premières lueurs de l'aube, avec le double café noir et en peignoir. Et un bon
havane de compète pour finir - et que le smicard ne vienne pas me rétorquer que c'est du luxe quand il a les
moyens de claquer sept jetons par jour dans un paquet de blondes ! Kool G lui, il s'est donné les moyens, pour
créer ce qui passe pour le premier album véritable de mafioso rap, alors qu'il était loin d'avoir le train de vie du
mafieux tel qu'on l'imagine chez Coppola ou Scorcese. Dans le sillage des Geto Boys et Ice Cube pour mieux
les doubler, il a mis la gomme sur le style gangster excessif déjà tâté sur Wanted Dead or Alive, et en même
temps ses productions sont devenues plus matures, plus ciselées. On passe de l'egotrip au storytelling :
invitation à la cavale criminelle. Bien que cette pochette d'une grande élégance renvoie plus au style albanais
ou chicanos (on devine presque la tronçonneuse et l'acide, hors-champ), Live and Let Die est clairement réalisé
avec l'idée de toucher au crime à l'italienne, sample de Nino Rota et références lyricales à l'appui. Mythomanie
mafieuse, et, en même temps, le vécu urbain du MC suinte de partout, dans ses fulgurances, dans son
adrénaline, y a un truc pas joué, vrai. Pour la production, du travail d'orfèvre, souvent porté par un groove
énorme ("Ill Street Blues", le titre épo... tous en fait !). Un album construit comme un polar, où chaque piste fait
office de scène culte. Ici nous avons en quelque sorte la version brutale et granuleuse du futur classique de
Raekwon. L'origine, loin des intérieurs cossus, même si le MC en chef est déjà porteur d'écharpe fine. Après
l'intro Godfather, quand s'évapore le sublime "On The Run" et son sample de soul glacé, tout semble limpide,
évident, sublime. C'est de la popote du cartel, du hip-hop de daron, massif et putain de groovy. On flirte aussi
avec le nauséeux, comme sur "Straight Jacket". Chaud-glaçant, à la fois cafardeux et galvanisant, Kool G
assume pleinement le combo cagoule-costard trois pièces. Ses fantasmes de meurtre et d'argent facile se
mélangent à une description quasiment bukowskienne du quotidien ghettoïsé. Il étale volontiers des angoisses
de mort (le glaçant "Edge Of Sanity") à côté desquelles la très grande majorité des rappeurs actuels font figure
de geignards. Kool G cherche l'issue, par cavale mentale. Il se paye encore de grosses accélérations, comme
son si son flow était traqué, cherchant à survivre ("Go for your guns", boucherie, très proche du style Death
Certificate, ou "Nuff Said", avec en embuscade ce sample sinistre qu'on retrouvera dans un certain
"Mezzanine") en stoppant de temps en temps pour tirer deux-trois bastos ("Train Robbery", noir et massif), ou
méditer sur sa condition d'ordure sociale prisonnière du béton, imaginer un genre de lupara bianca parfaite
pour quelque flic qui l'aurait un peu trop contrarié. Le style de production, clé de cette qualité supérieure et
secret de Sir Jinx, est nettement plus élaboré que sur les deux précédents, limite avant-gardiste par moments :
on sent les origines de toute une frange du rap qui doit des billes à Kool G, et en même temps c'est quelquefois
d'une bizarrerie dans les effets qui n'a pas à rougir de la comparaison avec les futurs MF Doom. Brillant et
underground. Tout en gardant ce côté viril et direct, asphalte-à-asphalte, typique de Kool G Rap. Chaque titre a
son feeling mais tout se tient d'un bloc, jusqu'au final "Two to the Head", ultime pépite d'un album qui en est
gavé, où Nathaniel s'adjoint les services de la peste et du choléra (Ice Cube et les Geto Boys) pour un featuring
d'anthologie, réunion menaçante de L'Ouest et du Sud sur les terrains gris de L'Est, qui, tandis qu'elle gronde
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dans mes baffles, me pousse à sceller un six sur six incontestable. L'album new-yorkais par excellence de l'ère
pré-Wu Tang. L'Instinct de Mort du hip-hop, sort of.
Note : 6/6
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Kool G Rap : 4,5,6
Succint, raffiné et nocturne, ce "premier solo" de Kool G Rap est resté méconnu, presque oublié. Normal : en
1995 c'était le genre d'album qui fleurissait en masse à New York. Kool G était comme qui dirait incognito dans
ce costume street-sombre, tomber le polo était une bonne idée mais aussi la meilleure façon de passer
inaperçu. Pourtant c'est très loin d'être de la merde, le Kool G en mode urbain intégral. Faut dire qu'au moment
de l'enregistrement ça se bouscule de plus en plus dans le secteur, certains qui étaient encore puceaux du
temps de sa gloire sont désormais les caïds. Des petits, des gros. Samples de piano, de synthés façon polar,
ambiance urbaine-crépusculaire qui colle au cerveau, à la King Of New York, refrains choraux façon "mon crew
me soutient dans l'ombre" : Kool G va un peu faire tâter de sa lame aux Wu-Tang, Onyx et autres Black Moon,
en pratiquant l'infiltration. Les petits frères c'est mignon, mais faut pas trop les laisser faire sinon ils te bouffent
tout le terrain. Bien sûr, 'G' rappe toujours comme un fugitif dangereux : son flow a toujours l'air d'être contenu
dans des couplets trop courts, il déborde, quand on entend un morceau comme "Executioner Style", avec ce
contraste saisissant entre la vivacité du flow et le calme menaçant de l'instru, on se demande bien ce que les
jeunes s'emmerdent à comparer Eminem avec Busta Rhymes ou Twista pour savoir qui dégomme le plus de
syllabes, alors qu'on peut admirer le style fugitif pur gangster d'un authentique parrain. Enfin tout ça ce sont
des histoires de branlette sportive en réalité : Kool G a toujours tué au micro d'abord parce qu'il savait allier
son style vétéran à des sons impeccables. Sur 4,5,6 il évolue donc dans ce décor nettement plus grisâtre, plus
sombre, new-yorkais by night, un style moins personnel que sur Live and Let Die mais épais comme le drame.
L'enfant prodige Nas est invité sur le seul morceau pop de l'album, qui d'ailleurs irait très bien sur It Was
Written ; une instru datée, comme celle du final avec la légende underground MF Grimm, et qui arrive à sonner
à la fois FM et underground, à cause de ou grâce à cette prod dégueu. Sur le suivant Kool G fera exclusivement
dans le cheap, fauché, mais ici il a du répondant, du grain. Le jazzy-smooth ("For da brothaz") lui va très bien
aussi, mais c'est sur des pistes plus troubles, typiques de cette période bénie du rap new-yorkais, qu'on tient
ses moments les plus gutsiens, et en la matière j'avoue que je bloque toujours sur "Blowin' Up in the World",
une des plus belles prods de Buckwild. Il y a une sinistrose qui part pas au lavage là dedans, un écrin de smog
pour un flow impossible à dompter... Essai de costume trois-pièces transformé.
Note : 5/6
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Goodie Mob : Soul Food
Le second manifeste Dirty South dans le sillage - voire l'ombre - du premier Outkast, chargé de soul, blindé de
flows rivalisant en gravité (dans les trois sens du terme). Sa puissance contenue tient dans l'esprit politique
parfois bien aiguisé autant que dans cet egotrippin' chaloupé à quatre flows, et dans les sons de Organized
Noise, pas futuristes comme chez Outkast, plus concentrés, dans le boisé et le groove, entre l'ambiance
urbaine nocturne et le bon gospel de la campagne. Un hip-hop à la fois sobre et finement ciselé, qui rivalise
sans problème avec toute la génération de gros groupes new-yorkais. La profondeur de cet album, rare dans le
genre, autorise de nombreuses écoutes au fil des années, pendant lesquelles on a à chaque fois l'impression
de le redécouvrir. Soul Food a une âme, une âme qui suinte du style soulful, mais autant des productions, par
exemple dans cette instru qui tient sur un sifflement de grillon ("Fighting"). Ambiance champ de coton, la nuit,
pendant que les maîtres dorment, complot, évasion... L'ajout de vocalises féminines tout à fait harmonieuses
n'empêche pas la noirceur concrète, on est pas dans le r'n'b de chiotte que ceux de ma génération ont subi
dans les radios des bus scolaires ou les fast-foods : on est dans la vraie soul, épaisse, religieuse, l'âme des
enchaînés émancipés (le logo du groupe). Mais toutes ces considérations, c'est un peu de l'épice pour le
néophyte : si Goodie Mob sont si efficaces, c'est d'abord parce que question rap, leur album envoie du flow et
du beat de calibre robusto, sans relâche. N'importe quel groupe de rap à l'époque aurait tué pour être capable
de claquer un enchaînement comme "Cell Therapy" - "Sesame Street" - "Guess Who". J'ai une nette préférence
personnelle, question Dungeon Family, pour Outkast, plus flamboyants et expérimentaux - et peut-être aussi
plus tape-à-l'oeil - mais en étant parfaitement scientifique (hélas je suis un littéraire), Soul Food peut très bien
tenir la dragée haute à n'importe lequel des solos Wu-Tang. Il est unique. "Born into these crooked ways / I
never even ask to come so now / I'm living in the days / I struggle and fight to stay alive / Hoping that one day
I'd earn the chance to die".
Note : 5/6
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Vas Deferens Organization : Drug Bubbles
Chronique réalisée par dariev stands
So… Come up to the lab… And see what’s on the slab. Aujourd’hui, le guide Michelin des bouis-bouis
psychotropes vous présente un de ses chefs les plus étoilés : Vad Deferens Organization. Des texans qui ont
toujours été under the radar hormis une unique sortie sur le culte label Charnel Music (qui oscille entre
expé-indus et groupes psyché noise japonais, dont le 1er EP de Melt Banana !). Beaucoup les ont découverts
via le blog de l’un des membres, l’illustre Mutant Sounds. D’autres, plus tard, quand Ariel Pink choisit de les
placer en intro de son album le plus connu – geste héroïque passé inaperçu dans le brouhaha indie, bien sur
hermétique à tout ce qui rime avec expérimental. La sortie la plus aboutie et la plus appréciée des grands
toqués VDO – même si à ce niveau d’anonymat, ça ne veut plus dire grand-chose – est donc ce Drug Bubbles,
dont le titre ne rend pas vraiment justice à son contenu : l’un des trips les plus carbonisés du bulbe jamais
couché sur bande. Si vous êtes arrivées ici par Ariel Pink, préparez vous à passer la porte d’où sort la mamie
fluo pour pénétrer dans une arrière-boutique aux gris-gris gigotants et aux murs ruisselant d’une folie liquide et
purulente. Précisément. L’idée qui tue, ici, c’est d’avoir groupé ce qui n’est au final qu’une succession de
courtes vignettes disparates et totalement en roue libre, en 3 agglomérats de 6 ou 7 pièces, formant ainsi 3
"suites" décrites comme le menu d’un restaurant cajun hanté, tenu par le Baron Samedi en personne. Ces
types sont peut-être incapables de créer un développement d’un même tenant sur plus de 2 minutes ; mais en
bons crate-diggers obscurivores, ils savent très bien comment agencer leurs délires pour leur donner une
forme captivante. Drug Bubbles, derrière son air improvisé – ce qu’il est surement en grande partie, comme
toute l’œuvre de VDO – se pose fièrement comme le plus fascinant des disques expérimental, ou mieux encore,
comme le plus expérimental des disques fascinants. D’une densité fabuleuse, chaque seconde y participe du
kid-napping spatio-temporel orchestré ici par Matt Castille, Eric Lumbleau et leurs potes. Comble de l’ironie, la
production et le son sont beaucoup plus clairs et avec relief que chez Ariel Pink ! Les "V.D.O. Studios"
(probablement le garage de l’un des zigomars) se contentent de capter sur bande la bargerie cérémonielle qui
se trame entre ces non-musiciens, les manipulations électroniques succédant aux transes hypnotiques,
toujours nervurées par une basse lancinante. En de nombreux endroits (Rosewater fountains for the seratonin
starved, par exemple), celle-ci semble donner la cadence – non pas pour fauter dans les bois dans les prés
bande de petits polissons – mais bien pour une procession vaudou entre bric et broc et sommet du bad trip
décadent. Avec une approche aussi iconoclaste, pas étonant qu’ils aient collaboré avec l’intrépide Brad Laner,
dont les frappadingues Steaming Coils sont l’un des rares points de comparaisons tentables avec Vas Deferens
Organization. Pour le commun des mortels, cantonnons nous à avancer que Drug Bubbles est un genre de
Saint-Graal fait de détritus – de ceux qu’on a jamais osé chercher, ignorant tout de la possibilité de leur
existence. Un Graal, donc, pour ceux qui aiment leur expérimental à l’amerloque : bordélique, anti-sérieux,
claudicante et sauvage. Quelque part entre les premiers Beck, Harry Partch et Red Crayola. Avec un son
moderne, généreux en basses et aigus ! Halléluïa, ou plutôt Halleluwah, œuf corse.
Note : 5/6
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Shit And Giggles : Trick Or Treat
Caca et rires nerveux. C’est ce que conjugue avec brio ce faux groupe, en réalité émanation putride d’Ariel Pink
collaborant avec les mecs de Vas Deferens Organization, accompagnés de deux membres du groupe de
grind/thrash expé Akkolyte. Comme la plupart des albums de ces fracassés du bulbe de V.D.O., le son est
plutôt bon, loin du lo-fi trop souvent synonyme d’expérimentations hasardeuses. Non, ici, on a droit à des
expérimentations hasardeuses, totalement fumeuses même, mais avec un super son. Un peu ce qu’auraient fait
les Butthole Surfers avec les moyens d’aujourd’hui, et donc sans l’influence de la scène hardcore. Puisqu’on
parle de son, un sommet a été atteint avec Eye Peels & Brain Picks, album de 2011 de V.D.O., bien plus abouti
et arraché que ce EP pour le moins désinvolte. Pas la peine de le nier : c’est un one-shot, les mecs s’amusent,
prennent des drogues, jouent avec les boutons, et ça s’entend. La patte d’Ariel Pink s’entend au détour de
quelques plans trempés de reverb, mais à vrai dire le gros de l’EP consiste en une joute de cuivres égarés sur
lit de rafistolage miteux, avec quelques incursions tantot vers un Dub hébété (Corduroy Kiss), tantot vers un
instantané de sons de jouets et de soubresauts minimal-wave à la Residents (Spellcaster, parfait), et pour finir
une jam maladive, tordue au dernier degré (Junkanooga Booga, produits de cerveaux malades et esseulés).
Inexplicablement, le tout s’écoute avec grand plaisir. Très explicablement, on n’en retiendra pas grand-chose,
si ce n’est l’impression de liberté (trop ?) dégagée.
Note : 3/6
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Ariel Pink's Haunted Graffiti : Before Today
Le dénommé Ariel Rose183erg, chantre d’une affreuse « pop » défigurée et lo-fi insortable sauf à Halloween, a
passé une bonne partie des années 2000 à tourner dans le monde entier sur la foi de ses disques
invraisemblables, sortis sous le nom de Ariel Pink’s Haunted Graffiti, au succès comment dire… surprenant. Le
nom de Haunted Graffiti sonnait comme si ce grand sociopathe avait fantasmé un groupe imaginaire, idée aux
antipodes de sa démarche réèlle, qui était de produire une musique autiste et grinçante dans sa chambre. Et
pourtant, un beau jour, le groupe de ses rêves advint, et alors qu’une nouvelle décennie commençait, déboulait
ce disque. Et derrière une énième hype, la voix de ce type, qui avait enfin décidé de chanter et de céder à ses
ambitions pop, apparaissait comme un improbable oasis de sincérité. Ariel Pink est certes un gros malin
doublé d’un mélodiste pop bien rodé, il est surtout... touchant. Entre machisme disco-fm de pacotille
typiquement L.A. et poses de slacker-travelo – un genre de mutant en soi – Pink fait dans le charisme subtil,
mais avec des ingrédients grossiers. Même sur les titres les plus disco, voire FM californiens, (Fright Night,
Can’t Hear My Eyes) ses mélodies un peu sottes ne s’aperçoivent qu’à travers un filtre hantologique… Oui, «
Hauntology », ce terme emprunté à Jacques Derrida, et lançé par la presse intello anglaise dans le domaine
musical. L’art d’évoquer le passé sous sa forme distordue, fantomatique, comme à travers les distorsions d’une
vieille bande magnétique usée. Cela n’a rien d’une connerie de critique d’art, puisque dans ce bien nommé
Before Today, tout semble surgir d’un maëlstrom nostalgique et inquiétant. De la pochette au grain si délavé et
imprécis (mi-cheap, mi-envoûtante) jusqu’à ces nombreuses et soudaines incursions dans des sons
non-identifiés, en particulier au début et à la fin du disque. Et puis, bien sûr, il y a ces 3 « reprises », qui
explorent chacune un degré différent du recyclage musical, toutes à partir d’une source glorieusement
obscure. D’emblée, il y a ce Hot Body Rub, intro fumeuse tout simplement issue d’un disque sorti en même
temps, le EP « Ariel Pink & Added Pizzazzz », collaboration expé avec Vas Deferens Organization, à des
années-lumières de la jolie notoriété indie de Pink ! Puis débarque en trombe un Bright Lit Blue Skies, reprise
fidèle mais génialement boostée des Rockin’ Ramrods, dont l’original est impardonnablement absent du coffret
Nuggets… Plus subtil, Beverly Kills n’est pas une reprise mais est entièrement basée sur la rythmique de For
You, de Ago, un single d’Italo-disco parfaitement oublié. Et il y a ce Reminiscences, reprise étonamment
reconnaissable et über-estivale (sur un album qui EST l’été) d’une pop song éthiopienne… Sans parler des
multiples emprunts, motifs de basse ou de synthés repiqués aux années 70/80, déjà évoqués dans la chro de
l’énormissime Round and Round. Dans ce grand cimetière des éléphants roses en plastique, les références à
l’inconscient collectif de la culture pop se ramassent au tractopel... Et visiblement, les déchets les moins
biodégradables après 20, 30 ans, se révèlent être les lignes de basses et les rythmiques… Tant d’emprunts
pourraient friser l’indécence, s’ils n’étaient pas envoyés comme une bonne blague bien potache adressée en
clin d’œil par ce Freak Next Door qu’est Ariel Pink. En fait, Before Today fait aussi bien du neuf avec du vieux
que pouvaient le faire des albums de rap comme Paul’s Boutique ou 3 Feet High en 89. Bien sûr, au risque de
se la jouer vieux con (on a forcément un côté vieux con si on aime Ariel Pink), il faut avoir le recul nécessaire
pour comprendre la jouissance que peut représenter le fait d’annoner tel un zombie « rape me, caaaaaastrate
me, make me gayyyyy » sur une section rythmique 50% Billie Jean et 50% And the cradle will rock de Van Halen
! Comme disait T.S. Eliot : « Le talentueux emprunte, mais le génie vole ». (et non pas sample, triste sire
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Gonjasufi). Tout ceci ne vaut que par l’évidence dégagée par la pop du groupe, ces mélodies et rythmiques qui
restent en tête comme le meilleur des Blondie ou des Cars. Hors champ, on trouve l’étrange "L’Estat", morceau
le moins évident placé ici en 3ème, qui semble peindre le destin de la vieille dame fluorescente de la pochette,
retranchée dans sa villa défraîchie, et exsudant tout le baroque d’une époque passée dans sa démarche et ses
atours… Ce qui se trame dans cette chanson accidentée est tellement moins évident et tellement plus
mystérieux que le reste de l’album, déjà succulent... Que cela ne peut que laisser rêveur quant au potentiel de
l’animal. Ariel le laisse échapper à la fin du lo-filisé Little Wig, bien que son groupe soit un des meilleurs
actuels, il n’est pas fait pour rentrer dans le rang de la hype ou devenir une « valeur sûre indé » : « I have
opportunities, I’ll miss them all / The road to glory is just down the hall ». Il y a trop de rafistolage en plastique
dans ce Frankenstein des années 70/80 pour espérer avoir le label Bio, et bon dieu, ça fait du bien.
Note : 5/6
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Stolearm : Glasslight Schwarzfaçade
Il faut avoir la foi, quelque part, pour encore écouter de la musique inspirée par les années 80 en 2015 (ou en
2013, donc, puisque c’est là que je découvrai Stolearm). Avoir vu Stolearm sur scène peut aider un peu, aussi.
Le gars Lühje Dell Eglio annonce direct Yello et Young Gods en influences, ce qui montre qu’en restant dans le
fromage suisse on peut déjà la jouer double tranchant, cumuler agressivité et ivresse des synthés qui
débloquent. Malin, il rajoute même "fœtal pop" dans sa description, ce qui en plus de décrire la prod (mastoc,
multiple... et maternelle) renvoie à Fœtus, référence ô combien dangereuse mais dont il se montre digne, et
c’est bien là tout le sel de Stolearm : le chant a une personnalité, une vraie, et dieu que ça change tout ! La
chose est en voie de disparition, apparemment à Montpellier il y en a qui tiennent le coup sous stéroïdes, entre
futurepop et EBM, avec quelques effluves dark-wave. D’entrée, Glasslight Schwarzfaçade impose le respect :
Depuis quand au juste un début d’album n’avait pas chopé aux reins avec autant de classe ? L’intro "Le
Immeuble" qui ferait presque bailler, l’air de jouer les pompeux goth-wave insipides trop surs de leurs effets,
c’est en fait une montée absolument imparable vers le monstrueux tube qu’est "Tronade Wave", ebm mélodieux
et sévèrement classe figé dans un mille-couches verglacé, balayé et érodé par un blizzard mentholé de tous les
diables… Depeche Mode buteraient leur mère pour pondre un machin pareil aujourd’hui, quant à Trenty Reznor,
c’est pire : il en vendrait sa collec de Jim Thirwell… Tout y est : binaire pressé, basse saccadée, manque,
sueurs froides, adrénaline rock qui coule dans les veines cold wave, si bleues et si saillantes. J’ai l’air d’en faire
trop, en fait non, ce truc met au sol, souffle court, et va vous faire découvrir fissa que même le monde
bisounours de bandcamp vous réclame de la thune si vous appuyez trop sur la fonction repeat. Stolearm vous
initie aux nouvelles fonctionnalités du ouaibe, c’est pas beau ça ? En plus ce coup-ci les capitalistes ont raison,
faut descendre de sa planche de surf et choper tout l’album, parce que juste après, sans transition, que voit-on
pas arriver en plage 3 ? "Jimpse". Et là, le constat s’impose : y’a combien de chansons de new wave sur la
planète qui sont plus puissantes que ça ? Pas beaucoup. Oui, c’est vertigineux, et pourtant, pourtant, voilà le
travelling ; réveil en retard, anxiété, café clope, métro, bruit de freins, yeux révulsés, suées encore, anxiété,
grincement des dents en silence, mp3 trop fort, boulot, journée qui passe en un éclair, micro-ondes, anxiété,
heure de pointe, retour, lexo, frigo, dodo, insomnie, réveil, mâchoire toujours serrée, tête contre la machine à
laver, plaisir du cerveau qui se reformate au rythme du tambour plein de mousse… Non, toujours pas ? Bon, je
vais pas y aller par quatre chemins : Stolearm ont le truc. Les autres cherchent. Bien qu’ultra consistant et
toujours impressionnant, le reste du disque n’atteint pas le niveau de ces fulgurances (évidemment j’ai envie de
dire, ces deux tubes sont des flashes comme balancés au réveil, les neurones éteints mais le rêve encore frais).
Volontiers étrange et coupé du monde réèl, Stolearm enchaîne les titres assez variés, truffés de clin d’œil épars
et géniaux : "1000 Knives" de YMO, la b.o. de Donkey Kong Country I, parmi ceux que j’ai pu capter, le tout
envoyé – sans les mettre à l’amende cette fois - avec la débauche de new wave dark de Depeche Mode période
"Everything Counts" et la classe vocale de Nine Inch Nails dans ses meilleurs jours. Et encore, en plus viril et
moins énervant que trentoune. A vrai dire s’il y a un vocaliste auquel Lucien Dall’Aglio (c’est même pas un
pseudo) fait penser, c’est plutôt… Dick Witts, de The Passage ! Un type maniéré typique du nord de
l’Angleterre, à l’éloquence littéraire et aux textes vitriolés. Donc pas d’accent français approximatif ici :
Stolearm c’est du rôdé, ça pourrait chanter n’importe quoi que ça passerait, avec une diction et prosodie aussi
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classe… (écoutez moi ce "Factice", c’est du Mark Hollis qui aurait bouffé du Mark Lanegan, le tout sur une
vigoureuse raclée Trevor Hornienne, mécanique et urbaine). Et en prime il y a le petit côté
fougueux-méditerranéen-échevelé, le bonus EBM qui vient transcender les références pointues comme une
arrête d’immeuble. Cherchez pas un truc de machin-wave plus classe ces dernières années, à part The Knife,
y’a pas. Malgré tout, un certain creux subsiste après les deux tubes du début, du moins jusqu’au défoncé et
maniaque "Deterre Unwomb" et surtout "Heat in the Basement", bombe europop entre Tubeway Army et Dave
Gahan… On restera donc sur un gros 5 aussi mastoc que cet immeuble, illustration parfaite pour ce disque,
d’ailleurs. Pour la prochaine fois, espérons un chant plus en avant, et que Stolearm hésite pas à à lâcher les
chiens de traîneau sur le côté dreampop discordant.
Note : 5/6
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OutKast : Southernplayalisticadillacmuzik
Le hip-hop du Sud, en cadillac eldorado, dans la ville du plus grand aquarium du monde. Albedo encore faible,
bédo déjà fort... Ce hip-hop bitumeux et juteux, envoûtant... OutKast ! Dans leur fraîche majorité ils exultaient
d'un groove déjà unique. Et le son Organized Noise avec les arragements fignolés à mort faisait toute la
différence. Le flow du plus habile des deux MC's est déjà cette contorsion stressée. Les deux émanations
lyricales André Benjamin et Big Boi Patton, le mÂlpha et l'Omega-speedmaster, le fluide et la masse,
s'entre-lovent comme deux najas libres de toute entrave. Les instrus, une perfection en 1994, sont déjà bigarré
par le funk et la soul. Et puis, y a comme qui dirait du Miami à Atlanta, quand les pimps se détendent. Les pistes
les plus ensoleillées tempèrent un excès d'enthousiasme qui serait gutsiennement mensonge : que ce soit le
titre éponyme, parfait pour la plage, mais aussi ces sex slows bien monoï comme "Funky Ride" (jusqu'à ce
solo de guitare dégorgé à la façon d'un Eddie Van Halen qui se ferait faire une turlute sous opiacés - George
Clinton est pas loin) ou encore tubes pas du tout gutsiens mais imparables, qui annoncent leurs futures
sauteries pop ("Player's Ball"). La partie street m'inspire des métaphores majestueuses, dès le doublé fatal
"Myintrotoletuknow" / "Ain't No Thang", jusqu'aux petits détails des beats qui font la différence (par exemple
l'apparition géniale du beat-batterie Black Sabbath au milieu de "Hootie Hoo") comment oser nier que ce
groupe ne puisse pas avoir sa place dans nos pages mes chérubins ? Soyons sérieux. Pareil pour ceux qui y
verraient un brouillon où je sais pas quoi ; Southernplayalisticadillacmusik n'est pas Outkast dans sa forme
rudimentaire : il est OutKast dans sa forme hip-hop. Il est OutKast qui met la branlée à New York. Ce skeud
c'est un peu comme quand Pete Rock & CL Smooth sont arrivés avec Mecca. En mieux. Les new-yorkais ont
bien sûr leur part d'influence ("Hootie Hoo"), tout autant que le style funk de Los Angeles j'imagine. Mais il y a
transcendance des deux secteurs. Pas de trucs de jazzeux ici : Organized Noise sont le laboratoire funky-soul
armé de synthétiseurs et de toutes sortes de samples organico-organoleptiques. Ici on parle séduction,
magnétisme de félin, mufle humide de MC, reflet de Lune dans baffles laquées. Hip-hop marginal. "You wanna
go deep ? I take you deep". Je subodore déjà ATLanta la belle, les nuits de moelleux, je m'avachis dans un
hip-hop où le béton se fond en liqueur, porté par le méta-egotrip à supra-punchlines. Rien de très gutsien dans
la partie diurne de l'album, la guimauve comme je le disais est inévitable, mais avec Outkast c'est jamais de la
guimauve de forain, on est sur de la supra-qualité. Cette sensibilité mélodique qui a fait qu'on a un peu vite
étiquetté Outkast "hip-hop de gonzesse" est à double tranchant, finalement, n'est pas grand chose à côté du
featuring avec Goodie Mob, "Git Up, Git Out", sept minutes de pur jus de Lune urbain. Les deux albums
suivants, moins hip-hop mais plus envoûtants, vont porter cette dope nouvelle à un niveau de qualité
heise183ergien. Sur Southernplayalisticadillacmuzik, OutKast sont afro-terriens, ils n'ont pas encore appareillé
pour le monde afro-futuriste... Ceux qui préfèrent le métissage érotico-mystico-cosmique du dyptique
ATLiens-Aquemini, ou l'explosion pop mégalomane de Stankonia et The Love Below, trouveront donc cet
album un peu basique. Les puristes hip-hop y reviendront systématiquement. Entre les deux il y a des gens très
bien aussi.
Note : 5/6
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OutKast : ATLiens
Les verres de mes lunettes sont en ouraline. Dans cette fluorescente perspective, je vois Outkast, et je
contemple ATLiens, leur album raëlien, l'album de rap à mystique et galactique par excellence. C'est p't'être
mon côté nostalgique-mélancolique qui s'exprime, aussi, quand il s'agit de cet album, mais j'adore ce son, ce
parfum de soul-rap funky du "futur", qui me rend un peu tout drôle, à chaque fois, quand j'ai cette "odeur"
chimique-mentholée des années 90 qui me remonte aux neurones. L'afro-futur ? Quand nous serons tous
désintégrés depuis des siècles, et que le peu d'humanité éventuellement concernée par les musiques
sombrexes lira Guts Of Darkness depuis une base extraterrestre regroupant les archives internet ayant
survécu, pourquoi pas martienne, quand l'épave d'Opportunity sera perçue comme la statue antique construite
en des temps obscurs par une civilisation mystérieuse... quand il ne restera de notre mélomanie que quelques
amas de pixels perdus sur leurs écrans géants... les derniers humains sensibles, quand ils se prendront trop le
cosmo-chou à propos de cette atmosphère irrespirable obligeant le port de combinaisons semblables à de gros
harnois en polymères lourds qui entravent leurs sens, penseront à se faire plaisir de temps à autre avec du rap
de nébuleuse pour se changer les idées. ATLiens arrivera à point nommé. Les beats sont plus légers, plus pop
et féminins, que sur Southernplayalisticadillacmuzik, mais les instru-mentaux ont évolué vers le raffinement
cosmique, un truc de végétarien illuminé qui traîne dans son sillage son sidekick gangster... Sens-tu ces
vibrations positives, cette mélancolie afro-descandante, transcendant sa négritude pour lécher les étoiles ?
Phase 1 : spleen et envol onirique, intro soul avec un sens mélodique digne de Neil Young + "Two Dope Boys"
et ses petits aliens à l'hélium qui font nah nah dans la stéréo. Organized Noise a fourni le convecteur temporel
et la propulsion chimique, la cadillac décolle... C'est bon, ta ceinture est attachée... Phase 2 : "ATLiens" /
"Wheelz Of Steel". High kick mental, hip-hop onirique et fruité. Là on touche esthétiquement à la silhouette de
Pam Grier, visage inclus ; l'envie d'en bouffer, le fluide chocol'A.T., s'insinuent en toi jusqu'à saturer tes corps
caverneux. Phase 3 : tout va devenir plus vaporeux, façon bunga bunga en apesanteur... laisse-toi aller... je ne
vais pas te raconter le scénar en entier mais c'est beau. Bien sûr tu me diras qu'il y a de la grosse baisse de
régime, et tu me demanderas pourquoi je lui mets une boule de moins qu'à Aquemini... donc il faut que je te
parle du coeur-léthargique de ATLiens, de son ventre mou tout doux ? Sa plénitude vegan me ravit, mais il
manque peut-être que le soupçon de menace urbaine : le suivant comblera. On causera plutôt de "Jazzy Belle",
la belle pas vraiment jazzy mais joliment jaretellée par ce beat et ses soupirs qui feraient aimer le r'n'b à un
death-métalleux intégriste (alors que le gospelien "Babylon" devrait plutôt le convaincre de continuer dans la
voix de la haiiiiine)... Ouais... si les anneaux de Saturne circulent pas un peu dans ces multiples styles
outkastiens qui sondent le groove, j'veux bien sucer Alf... Et qu'on me crucifie à Foxy Brown en 69 si je dis vrai.
Out of this wooooorld - Are you alieeeeen ???
Note : 5/6
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Besieged : Victims Beyond All Help
Chronique réalisée par saïmone
Je remarque que tu n'as rien dis ? Qu'y aurait-il à dire, de plus ? Un lâche au vocabulaire si fourni s'est
certainement retrouvé tout nu face à cet album de Besieged, je me trompe ? Pas de place pour les gnagna ici,
c'est les phalanges en travers du visage, cash. Le meilleur album de thrash de ces cinq ou dix dernières
années ; ce thrash du début des années 90, hyper brutal et incarné, déjà éloigné de celui des prolos du milieu
des années 80, celui qui a copulé sans vergogne avec le death metal alors florissant. Besieged, comme tu l'as
vite compris avec sa pochette de Repka, joue dans une cour que la mort de Sepultura a déserté, prenant cette
place laissé vacante à jamais : celle des riffs qui ressemblent à du hardcore joué beaucoup trop vite, du chant
de camionneur polonais en fin de bagarre, d'une batterie en miette, celle d'une bande-son virile du remake de
mad max, cartouchière compris. La recommandation Beneath the remains n'est pas volée, on parle même
d'usurpation à ce niveau là. Mais la grande force de Besieged, c'est d'avoir réussi à tuer le père, avec cette
tuerie presque parfaite (ce qui n'était pas le cas du Sepultura, n'en déplaise à notre chroniqueur), sans temps
mort, sans mauvais morceaux, qui tourne en boucle sans jamais lasser, grâce sans doute à cette furie héritée
de l'unique album intéressant (mais quel album !) de Morbid Saint – ça vous situe le niveau. J'aurais pu laisser
mon précédent coup de gueule tel quel, tellement ça se passe de commentaire, ce genre de boucherie. Faut
croire que j'avais mauvaise conscience de ne pas lui avoir donné ses six boules. Problem solved.
Note : 6/6
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Batterie:Acid : Complete Works 1993-1996
Chronique réalisée par Wotzenknecht
Il y a encore des surprises dans la vie pour nous rappeler que l'époque bénie des joies non feintes ne se noie
pas toujours dans les flots du quotidien. Alors que Batterie:Acid – le seul groupe pouvant rivaliser avec Crash
Worship sur le terrain du pilonnage percussif massif – semblait être lui aussi enseveli dans l'immense majorité
des groupes oubliés pour de bon, le voilà ressuscité dans une complète qui nous tombe dessus l'air de rien
comme si une de ces machines attrape-couillons de fête foraine non seulement fonctionnait, mais attraperait de
surcroît juste la peluche que vous lorgniez. Alors ces types, dans le son comme dans l'attitude, sonnent
tellement hors du temps qu'ils pourraient avoir été enregistrés l'an passé, en 1980 ou dans une cave du
Paléolithique que ca n'y changerait pas grand chose. Il s'avère qu'ils viennent du Detroit des années 90, bien
différent d'aujourd'hui. Cinq percussionistes (!) ou bien quatre lorsque Pardike s'empare de la basse (exploitée
facon post-punk, aussi hargneusement que vous pouvez l'imaginer) enveloppent le seul Scott Weldon chargé
des beuglements de chef de guerre et des samples, souvent utilisés avec parcimonie et à très bon escient (le
gusse a tout de même enregistré pour Today Is The Day, à la même époque) et nous emmênent cavaler à
travers une première partie plus ””musicale””, dans le sens où les compositions sont orientées et souvent
accompagnés de stances intelligibles. À la mi-chemin, un primitivisme des plus vivifiants prend les rennes de
la musique qui ne survit au chaos que par une technique de jeu remarquable (un détail qui les éloignent de Test
Dept), le long de cette basse s'obstinant sur quelques notes, feignant de ne pas entendre les appels à la guerre
du reste des instruments (l'espèce de cor de chasse sur 'Novelty/Entropy' en dit long). Les titres s'enchaînent
sans s'excuser, envoient souvent toute la sauce de la première à la dernière seconde ('Five'!, 'Now-Here'!!),
assument les fractures rythmique les plus osées le long de trames métalliques s'invectivant sur les toms dont
les peaux torturées n'en finissent plus de secouer la salle. Bien vite les souvenirs des premiers titres plus
structurés s'effacent sous des nuées de grognements – humains ou autre ; les pièces de métal volent et
cognent sans retenue mais paradoxalement toujours en orbite autour de ces trames percussives dont la
répétition forcée pousse parfois à l'anéantissement ('Transcend'). On retrouve même le petit 7” que j'avais
chroniqué tantôt, dans toute sa gloire et tension intrinsèque. Votre cédéthèque sotériologique passe donc à
deux avec cette compile ; quant à l'autre vous l'avez déjà ; sinon, voir ci-dessous.
Note : 6/6
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Otzir Godot : InChronique réalisée par Wotzenknecht
Dans les percussions comme ailleurs, il y a toujours des petits miracles. Le finnois Otzir Godot au pseudonyme
évocateur ne rentre dans aucune case en particulier lorsqu'il s'agit de définir son approche stylistique : il se
déclare simplement poète. Spécialisé dans l'improvisation, il m'avait fait grand effet lors de sa performance
avec le chamane-violoniste Tuomas Rounakari (l'article est sur ce site même), manifestement apte à s'adapter à
toutes les situations. D'autres performances m'ont permis de saisir l'étendue de son vocabulaire musical,
capable des mouvement les plus lestes à des accélérations frénétiques en un clin d'oeil sans perdre une once
de souplesse et de musicalité. Il se livre ici à l'entreprise difficile du disque solo, monté en une seule pièce de
quarante-quatre minutes. D'emblée cela parait fastidieux mais les mouvements sont séparés en douze plages ;
l'autre qualité étant qu'Otzir, plutôt versé dans les musiques orientales, sait très bien manier le silence pour
laisser chaque instrument s'exprimer librement. Et ceux-ci sont légion : toms, cymbales, marimbas, clochettes
et jouets divers ainsi qu'un étonnant gong résonant qui sera la voix principale du martelant septième titre où il
est mis à rude épreuve dans un combat de toms sorti tout droit de chez Crash Worship. Ces mêmes toms
ouvrent ce In-, percant le silence fermement mais avec bienveillance. Nous passons tour à tour près des
cloches de vache voire dans des nuées aériennes ; parfois à l'écoute du microcosme et ailleurs serrant les
dents sur un grincement métallique déchirant les espaces silencieux. Le très impressionnant dernier titre a des
airs de Halo Manash (groupe qu'il avouait ignorer mais dont l'écoute l'a, sans surprise, immédiatement
enchanté) avec qui il partage le sens de l'équilibre son/silence et l'attention portée aux textures des instruments
convoqués. On peut échapper à l'esbrouffe technique en apprivoisant sa créativité et en l'invitant à l'écoute
intérieure, profonde, du corps et de l'esprit ; ce disque en est un parfait exemple.
Note : 5/6
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Ars Nova : Biogenesis Project
Chronique réalisée par (N°6)
À un moment donné dans sa vie il faut choisir. Soit on écoute du prog symphonique japonais et on prend un
abonnement à NoLife, soit on écoute du funk et on baise. D'accord, ok, intro pas cool. En plus il paraît que
Milka Manson était une geekette. Bon, ça commence portnawak cette chro. Non mais cette pochette aussi, elles
cherchent la verge pour se faire battre quand même. Enfin, comme promis et puisque vous avez été bien
gentils, voici la suite des aventures de Keiko Kumagai, seule nana au monde capable de porter un pull-over
Tarkus tant en jouant les parties de clavier de Keith Emerson sans se casser un ongle. Bon je vous passe "le
concept", ça fera baisser les chances d'AVC. On glose avec force ironie sur la puérilité des histoires des
"concept albums" progueux, mais bon zut quoi. Et en plus y a des paroles. C'est un vrai problème. D'autant
qu'il y a un rital qui se prend pour une castra quand il monte dans les aigus, c'est gênant. Pas aussi
dégueulasse que la dénommée Mika quand elle essaye de chanter en anglais, mais gênant tout de même.
Concept embarrassant, chanteurs merdiques, paroles neuneus, du coup faut se rabattre sur la musique. Et y a
de quoi faire vu la pléthore d'invités qui se bousculent derrière la claviériste nippone, et avec des signatures s'il
vous plait. Bon, des gars de la scène prog sympho japonaise forcément, dont le très bon, pour autant que je
puisse en juger ici, Masuhiro Goto de Gerard (la simple idée qu'un groupe de prog symphonique japonais
s'appelant Gerard existe me réjouit au plus au point). Mais surtout Claudio Simonetti (Goblin) et Gianni Leone (Il
Balletto di Bronzo), invités strictement pour jouer des *soli*. Ouais, faut savoir ce qu'on veut dans la vie, et
Keiko elle veut que deux de ses idoles lui jouent des soli de synthés. Et puis un membre de PFM et son violon
les doigts dans la prise, le zigoto d'Ayreon pour les gros riffs métal emphatiques. Lachées un peu les
ambiances de giallo sado-maso, ici ça envoi plus clairement du bois, le côté orgie prog avec chaque
protagoniste qui vient (littéralement) lâcher son gros son sur fond de roulement de tonnerre fait son petit effet
dès l'intro. Mis à part les problèmes de chanteurs qui foutent la honte, la sauce prend d'ailleurs assez bien
tellement Keiko et son supergroupe balancent du space-opéra horrrrrrrifique (ben ouais quand même, on ne se
refait pas, la montée hystérique de Gianni di Bronzo vient évacuer cette joliesse cosplay un peu moche qui
émerge parfois), avec juste ce qu'il faut de touche sympho craignos relevée à la sauce synthés-tunés qui
passent plus le contrôle technique. On notera une petite appropriation classique avec effet de flottaison
cosmique sur "Humanoid's Breakfast", c'est du super connu (pour la référence vous vous démerderez, y a pas
marqué Sheer-Khan). Y a même un soupçon d'humour là dedans, quand le morceau part en vrille dans une
adorable débilité perchée que ne renierait pas des gens bien de chez nous comme, au hasard, Pryapisme. Mais
c'est avant tout quand dégorge des gerbes de claviers que ça fait la culbute, d'autant que les renforts en
section rythmique pallient largement ce qui faisait la faiblesse du groupe jusque là. Cette Keiko est quand
même une guerrière du tripotage de synthé, avec ce que ça comporte de branlage et de kitsch inévitable, mais
quand elle décide de rentrer dans le tas, sur l'impeccable "Metamorphosis" par exemple, tu comprends ta
douleur, toi et ta Méthode Bleue. Une odyssée spatiale qui prend quelques détours inattendus, la ligne de
basse-synthé de "Against the Meteors" qui évoque aux bonnes âmes le Planet Claire des B52's, une étrange
rythmique qui d'un coup sonne comme une sorte de zouk martien avant que n'enchaine un piano très caliente
latino (si, ça se tente) sur l'exponentiel "Trust to the Future", sorte de pochette surprise prog-merdier dont il
faut ignorer les premières minutes gâchées par quelques séquences horribles avant de faire office de bouquet
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final d'éjac de soli protéiformes. En bref, y a à boire et à manger (voire même à vomir), mais en poussant le
bouchon trop loin (merde, concept album de sci-fi horrrrrifique avec assemblage de mercenaires historiques du
prog italien + prog japonais qui s'appelle Gerard + métal sympho hollandais, tu la sens bien l'internationale du
bon goût ?), Keiko a finalement pondu une sorte d'alien progressif dans tout ce que ça peut constituer de
repoussant mais aussi d'irrésistiblement fun. Oui, je dis fun, parce que malgré la pochette, y a quand même rien
de moins sexuel. Un pur attrape-couillon pour geeks morts de faim cette pochette. Du coup, en attendant de
vous parler du meilleur album d'Ars Nova l'année prochaine, où la preuve sera faite que même dans le prog
sympho à claviers, rien ne vaut un truc bien cadré, je vais me réécouter un peu Kelis et Betty Davis (oui ben je
tiens à ma vie sexuelle moi).
Note : 4/6
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Benümb : Withering Strands of Hope
Voici un album colérique, et, pour ma pomme, le plus efficace de la courte discographie de Benümb. Comme un
faux jumeau de Pig Destroyer mais plus porté sur la violence sociale que celle du psychopathe qui découpe
des petites filles, Benümb est un groupe issu plutôt de la scène hardcore, mais qui au gré des personnels saura
ultra-métalliser son son (ducanon), pour fournir un paquet de splits comme il est d'usage dans cette scène, et
trois albums "longue durée" avec peu de minutes mais beaucoup de pistes dedans, remplis jusqu'à la gueule
de frustration et de haine. Surtout celui-là, le premier étant un peu moins punchy, et le troisième révélant un
autre aspect de la voix de Pete Benümb un peu plus, euh... goret, et faut savoir se l'enquiller. Voilà,
stylistiquement, j'espère que vous voyez le topo, grind powerviolenté avec des riffs de death metal ou de
hardcore, avec morceaux entre quelques secondes et quelques petites minutes, et c'est fou, chaotique, mais ça
passe, et ça te donne juste envie d'en prendre un pour cogner sur l'autre, foutremerde ! Au niveau des
lyriczzzzz, comme on dit en américain, ben regardez la pochette, lisez deux trois titres... voilà... y a pas les
paroles dans le livret, désolé, faut faire travailler son esprit de déduction (ou essayer de comprendre ce que
hurle le Pete, alors, hein, bonjour). Si vous voulez un équivalent filmique, regardez The Wire (bon, c'est moins
grind, mais le message me semble pas très éloigné)... en tout cas, le propos est résumé sur une page du inlaey
(comme diraient les irlandais) : "Combien d'amis, et de membres de nos familles nous avons perdus à cause de
l'addiction ?". Comme un boy-scout braillard au milieu du donjon de la désolation, témoin du fracas du néant
entre deux supermarchés bio, Benümb vous veut donc du bien, même s'il ne donne pas cher de votre peau
quand même. "Aaaaarrgggh... monde de merde !" comme dirait l'autre, en somme...
Note : 5/6
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France Sauvage : Couper Les Tchou Tchou
Chronique réalisée par Dioneo
Cette fois-ci c’est le Baroque qui fera gris élimé, indéfini ; bruit parasite, fantôme statique, craquement faible. Et
les frottements de choses – l’aiguille qui dérape – et les chocs d’objets, les résonances de bouts de métaux
tordus, qui feront matière épaisse, grain, leur présence plaisir qui plonge et qui érupte, excitation de neurone et
chair qui fouille. Les voix triviales, aussi, qui feront rire et se demander, qui viendront colorer les bégaiements
de lamelles et roulements d’on ne sait quel bassine ou coque. France Sauvage, sur ce premier disque, est déjà
une machine formidable ; à convoler et faire des émulsions – car tout ne peut se fondre, se combiner, et
l’allergie mutuelle des fluides et poudres et blocs de solides est parfois un jouissant spectacle – avec les
morceaux de cent réalités découpées, soudée, trafiquées, changées de plans ; à tordre les perspectives ; à
courber les carrures et anguler les perspectives. Ils sont là encore quatre – Simon Poligne n’en sera bientôt
plus. Et la méthode, il me semble, doit différer un peu. Je crois – question de définition du son, de morphologie
visible de la mécanique. On a l’impression, ici, que des matériaux ont été collectés plus soigneusement
qu’ailleurs ; que jetés crus dans le processus, ils ne sont pas pris seulement, toutefois – comme donnent à
croire d’autres sorties, ensuite, d’autres objets étranges rendus après publiques – à l’atmosphère des lieux où
ils sonnent, jouant avec leur acoustique, leur peuplement. Tout simplement, il appert que Couper Les Tchou
Tchou est un travail de studio, là où nombre ceux d’après – si ce n'est tous à ce jour ? – seront des
enregistrements de concerts. Cela n’exclue, n’entame nullement la spontanéité, la liberté totale et réjouissante
du jeu ; peut-être la question de "l’improvisation ou non" est-elle même, pour cette fois, presque secondaire ; il
y a là aussi celle de la… Préparation. À vrai dire c’est l’impression que me fait cette musique, assez exactement
: celle d’entendre une pièce "préparée". Au sens le plus ouvert du terme ; c’est à dire : comme on parle,
ailleurs, d’instruments préparés, leur lutherie modifiée, des tenseurs, des résonateurs, des ponts fixés, glissés
entre des surfaces vibrantes ainsi mises en sympathie quand leur fabrication première les destinait à
l’isolement, à l’isolation ; mais aussi : une reconnaissance, un inventaire des outils ayant déblayé pour l’œil et
pour les gestes les points d’assaut possible, les ruptures jouables et saillances où accrocher. Rien
d’incompatible avec le goût de l’accident, à vrai dire, de sa répétition, l’attention l’ayant saisi, pour en faire une
forme fugitive, une forme à poursuivre un instant, quelques mesures – non écrites, non congrues, quelques
battements ou le temps d’une plus obsessive mise en boucle – à dissoudre, à renverser, pulvériser. Ça ne fige
rien, j’insiste. Les titres des pistes sonnent déjà comme des programmes instables – processus et inventaires
où l’on n’est pas certain de trouver le lien à mesure qu’on aligne, qu’on dispose ; la Piste Douze est en sixième
index. Mais "c’est autre chose" ; une autre course, une autre partie, que ce qu’ils feront bientôt : arriver quelque
part sans avoir rien prévu, à peine plus au fait que le chaland, que le public, de ce qui va survenir ; un peu tout
de même : parce que malgré tout, les mécaniques à bruits sont des corps familiers aux leurs, à leurs sens, à
leurs allures, à ceux qui s’en font membres – il est bien possible, on aime à penser, que "l’avantage" soit si
maigre, déterminant seulement comme ça. Toujours est-il, trêve de théories et de supputations… Que cet
album à nul autre – des leurs, aussi, avant tout – pareil me fait l’effet d’un formidable assemblage. Fou,
imprévisible, franc-tireur. Qui porte des voix, s’amuse avec leur statut, se moque de leur autorité ; mais n’est
pas du mot d'ordre, ne milite pas ; qui les articule autrement mais ne les manipule pas pour leur "faire dire" :
les rabrouements d’un quelconque pion d’internat, les commentaires avinés ou beaufs ou juvéniles-viriles mais
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pas foncièrement antipathiques en tout cas après le chant collégial pas fin… Rien n’est tourné – serait-ce par
mise en inverse – en idéologie. Si politique il y a – si tout l’est en quelque manière – c’est en "faisant", pas en
dictant, pas en brodant du discours. Rien n’est neutre mais rien n’est dicté. On ne vous expliquera pas ce qui
n’est pas pareil… Pas plus pourquoi il y trouve si bien son rythme, ce clavecin poussiéreux en bribes – disque
baroque disais-je, qui craque, le spectre nasillard, étroit – qui ouvre en premier le sillon et ressurgi ça et là ;
avant que la guitare cisaille et broie ; avant que l’orgue déborde et gronde-effervescence dans les ornières que
la batterie taille ; qui ne fait pas collage plus que le reste, puisque ça fait chimie, substances, mutées mais
entières. Ce n’est pas nulle part mais ni eux ni moi ne sommes là pour vous le situer au cadastre. C’est
broussailleux et plein d’indices et bruissements, exclamations d’animaux, on croirait parfois, comme laisserait
entendre le nom du groupe – pris si je ne me trompe à une série de documentaire faune-et flore, justement.
Autant le tourner autrement qu’en lénifiante culture. Autant s’attarder et revenir, souvent, sur ce territoire là ;
qui n’est aucun des autres, une dernière fois, où ceux-là fricheront et défricheront plus tard ; ce qui n’est pas
une raison pour ne pas s’y enfoncer.
Note : 5/6
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Benümb / Pig Destroyer : Benümb / Pig Destroyer
J'aime ce slip. Non, je voulais dire : j'aime ce split. Pourquoi ? Déjà, parce que je l'ai écouté des centaines de
fois, mais aussi parce qu'il regroupe deux de mes groupes préférés en violence metal. Allez, d'un côté Benümb
cuvée 2002, donc avec la voix "breeeeuh eeeeeeuh" du bout de la gorge estampillée dernière vague du groupe,
trois morceaux, on va dire un morceau avec deux extensions, comme sur les RPG, le premier contenant un des
fameux simili-scats râlés par notre Pete Inter-Armées, la suite balançant intro doomée pour mieux conclure
deux secondes après - faut le faire, ils le font bien. Deux minutes plus tard, Pig Destroyer - vous les
différencierez très rapidement, le son n'a rien à voir, tout plat et cru pour Benümb, avec une trop grosse
saturation sur quelques explosions infra-basses (intentionnelles ? ou non ? moi j'kiffe). Tout rond et tout
mignon pour Pig Destroyer qui jouera à peine plus de trois minutes sur ce disque, mais qui jouera plus de
morceaux avec au milieu une super reprise des Dwarves, vous savez, les Dwarves, le sang, le sperme, la
drogue, le rock and roll ! Défoncez vous ! Tout cela embourbé dans un cauchemar de trucs gluants et noirs
sortant de la conscience ô combien tourmentée de JR Hayes, héraut des héros grindeux death hardcore sludge
horrifiques épaulé par le non-moins fabuleux Musclor de la six cordes Scott Hull... ces pistes ont été en fait
écrites et enregistrées en 2000, entre la sortie du premier "Explosions in Ward 6" et l'enregistrement du funeste
"Prowler in the Yard", au moment où le groupe ne sortait que des splits et, si je suis bien, ces morceaux (c'est
le cas de le dire) de Pig Destroyer seront regroupés et remasterisés en 2004 avec d'autres bouts d'autres splits
et vieux trucs par le label Robotic Empire dans la compilation intitulée "Painter of Dead Girls" ; donc bon. Si
vous préférez Pig Destroyer, achetez plutôt cette compilation, mais si vous avez un penchant pour le Benümb,
surtout pour ses capacités ragga violence, laissez-vous charmer par ce mini CD, aujourd'hui gentiment réédité
sous format numérique - quelques minutes de violence sublimée pour éviter de cogner votre prochain, ça se
tente ?
Note : 5/6
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KRISIUN : AssassiNation
AssassiNation (assassin de la Nation ?) est le sixième album longue durée de Krisiun, et ce n'est pas peu dire
que celui-ci est bourrin, mais, comme on dit dans le Bouchonnois, "Y a le bon bourrin, et y a le mauvais bourrin
!". Oui, cet album est tellement bas du front et concentré sur la virtuosité du frangin batteur qu'on se demande
si ce n'est pas lui qui a tout écrit autour de ses propres plans de batterie, que ça soit les riffs, la voix, les solos.
On voit de loin qui tient la baguette dans la fratrie ! En fait, j'ai l'impression que le groupe a voulu reproduire
des rafales de fusils automatiques, ce qui veut dire peu de variations tonales, un peu comme dans les refrains
de néo-metal tous cons, les solos ne servant qu'à enrober les pétarades de guitare... tin tin tin... Alors, je sais
pas pour vous, mais si je veux des trucs patauds death metal, il faut qu'il y ait un minimum de groove et le
besoin de faire passer un message un peu défoncé ... ici, je crois que le seul message c'est "bleuargh, prend ça
dans ta trooonche !!" version uzis accrochés aux bretelles comme Chuck Norris. Oui, vous aurez droit à un
gros son de chez gros son, du bon grunt juste comme il faut, des silences millimétrés pour mimer cette "rafale"
de riffs, mais c'est d'une linéarité... indigestion dès le troisième morceau, et la troisième répétition de ces riffs
saccadés, qui se répéteront jusqu'au terme du disque, seulement entrecoupés à la fin de deux instrumentaux
anecdotiques, dont un complètement percussif version djembé le soir dans le jardin... tout cela conclu par une
reprise du Sweet Revenge de Motörhead, purgeant tout le côté ultra-def de ce morceau lent et stupéfié en le
sursaturant, en le surbourrinant. Lattage de Lemmy. Si le son vous plaît quand même, vous pourrez également
regarder des extraits d'un autre DVD live ("Hatred Inherit" extrait de "Conquerors of Armaggedon", et
"Murderer" extrait de "Works of Carnage"), un peu comme de la promo pour un DVD mais dans un autre
album... À quoi ça sert à part faire de la pub, et remplir tout l'espace disponible ? Au final, malgré le besoin
visible du groupe d'occuper la place en sortant plein d'albums tout le temps avec le plus de soin et de
concentration possible, je ne peux hisser celui-ci au-dessus de la moyenne, mon baromètre personnel étant la
capacité à écouter un objet musical en entier sans que le stress me submerge, et là, c'est vraiment difficile, il
fait beau dehors, j'ai soif, et j'ai le dos qui me gratte, cela fait déjà trois raisons de faire autre chose...
Note : 2/6
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Alio Die & Lorenzo Montanà : Holographic Codex
Chronique réalisée par Phaedream
Une lointaine ligne sonique amplifie sa présence à mesure que les premières secondes de "Muns de Etrah"
courtisent sa première minute. La ligne est musicale. Elle étend un voile, comme une ombre, qui ondule sous le
poids de sa densité. Ça devient un maillage de souffles qui ourlent en boucle, échappant au passage un mince
filet de brises spectrales. Les bruits blancs arrivent en même temps que les percussions. Leurs frappes sobres
façonnent un splendide down-tempo qui se déhanche dans un univers sonique qui accroît sa richesse à
mesure que les secondes fuient "Muns de Etrah". Alors que les percussions tambourinent un rythme abstrait,
échappant des claquements éparses ici et là, de fragiles notes tintent et fragilisent la mélodie spectrale qui
embaume l'univers de "Muns de Etrah" dont le voile surnaturel est délicatement secoué par des percussions un
peu plus vivantes. C'est avec un séduisant down-tempo enveloppé dans une enveloppe psybient que Alio Die et
Lorenzo Montanà nous convient dans l'univers de “Holographic Codex”. Pour cette première collaboration, le
duo très éclectique mélange à ravir leurs visions musicales et spirituelles, donnant un album qui croise toutes
les sphères d'une MÉ qui honnie les frontières. Que ce soit de la transe psychédélique aux longs moments
d'ambiances sédatives, en passant par les délicats rythmes de la Pacific School, “Holographic Codex” propose
une musique où les vents, les longs drones gutturaux de Alio Die épousent les rythmes ambiants et instinctifs
de Lorenzo Montanà.
Les premiers accords de "Hydra e Vers" tombent avec un voile d'émotions hybrides . La mélancolie se mélange
avec l'ésotérisme avec une étrange prière narrée sur une structure morte qu'un discret piano maintient sur un
respirateur. C'est très spectral, à la limite éthéré! On reste dans des sphères ambiantes avec "Akvil" et son
essaim de prismes, de carillons qui tinte dans des longs gémissements spectraux. Le titre évolue vers une
phase plus onirique un peu après la deuxième minute avec des ondes synthétisées qui emmitouflent les chants
des ectoplasmes et assourdissent les bruits des carillons. C'est un titre très méditatif où les ténèbres et la
clarté viennent titiller le subliminal. "Egetora" est nettement plus ambiant, plus sombre. Mais entre les deux, il y
a "Silent Rumon" et ses étranges voix spectrales qui soufflent et se lamentent dans un tollé de brises
sibyllines. Même si très ambiante, l'introduction de "Silent Rumon" reste très enveloppante, très envahissante.
De fins tambourinements amènent le titre à un autre niveau dès que la barre des quatre minutes est franchie. Le
rythme qui vient alors est délicat. Sculpté dans le modèle Roach et de la Pacific School, il bouge comme des
froissements de pieds, comme un ballet spirituel sur un tapis de lécanore. Ce sont plus les éléments qui
l'entourent qui le mue, le transporte. Des riffs tonnent comme les colères des dieux sur des murmures, des
chants et parfois même des cris d'angoisse, alors qu'une panoplie d'éléments ésotériques instaure un
enveloppant climat de transe spirituelle. C'est très intense et les effets qui entourent ce titre nous transporte
littéralement ailleurs. J'ai bien aimé! Mon salon s'illumine d'un étrange aura lorsque je le fais jouer. Après le très
noir et ambiant "Egetora", "Cinta della Breccia Divina" assaille nos oreilles avec des bruits d'une faune boréale,
des tintements et des drones dans une introduction riche en couleurs soniques. C'est très méditatif, à la limite
bouddhiste avec ces tintements qui pétillent dans des vents astraux et des drones vocaux. La faune sonique
est riche et très versatile avec des teintes et des nuances qui font que l'on ne trouve pas vraiment le temps long
dans ce long parcours où les éléments sont la force d'une structure qui bouge, qui évolue comme une tempête
perturbe la course des nuages. Phénomène que l'on observe aussi sur le très ambiant "Eternal Wisdom" et
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dont les souffles des vents qui échappent des filets de voix me rappellent les indiscrétions de Steve Roach sur
les structures du silence. C'est un très beau titre ambiant. Introspectif et méditatif comme on aime !
J'ai bien aimé cette collaboration entre Alio Die et Lorenzo Montanà. J'aime ces rythmes ambiants et intuitifs
qui serpentent malicieusement cet univers sibyllin tissé dans ces envoûtants drones soniques et ces vents
astraux pétillant de mille prismes. La force de cet album repose sur cet habile mélange des titres. “Holographic
Codex” ouvre avec force et se termine dans la quiétude tout en nous faisant vivre une gamme de riches
émotions entre les 50 minutes qui séparent les deux extrêmes, la pierre angulaire, le summum étant "Silent
Rumon". Mais tout autour gravitent ses ombres et ses influences qui ont ce don de nous entraîner
constamment vers des niveaux où la contemplativité prend des formes holographiques.
Note : 5/6
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Thought Guild : Third Voyage
Pour ceux qui ne connaissent pas l'univers de Thought Guild, disons que leur musique se situe au cœur des
années analogues où l'improvisation en studio s'appuyait par de fins rythmes séquencés. La force du duo
américain, composé de Christopher Cameron, qui est décédé en Aôut 2011, et de Gregory Kyryluk, l'homme
derrière Alpha Wave Movement, Open Canvas ainsi que Within Reason, est le son. Un son chaleureux où on
sent vraiment une emprise cosmique et céleste sur nos sens. Initialement réalisé en 2012, “Third Voyage” est la
3ième et dernière collaboration entre Cameron et Kyryluk. L'album était prévu pour l'année 2006 mais divers
problèmes et un mauvais alignement des planètes ont repoussé le projet en tout début de 2012 avec une
édition maison, produite en 50 copies numérotées. C'était le point final d'une trilogie amorcée en 2002 avec
l'album Context. Le label Harmonic Resonance Recordings a décidé de ré-éditer cette œuvre en CD et en format
téléchargeable avec un titre en prime, "Ki", qui était perdu dans les voûtes du studio depuis 10 ans.
Des nuages de prismes et une chorale angélique s'extirpent d'une assourdissante onde sonique, un peu
comme les réacteurs d'une navette spatiale, qui ouvrent les premiers instants de "The Ebbing Universe". Déjà
la sérénité de Thought Guild s'empare de nos oreilles avec de belles nappes de synthé très éthérées qui
bercent le mouvement de fines séquences dont les ions arpentent les cimes d'une montagne astrale. Ces ions
sont fins. Pincés comme une harpe, ils posent témérairement le pas dans un aphrodisiaque mélange de voix
séraphiques, de tintements célestes et de nappes de synthé aux couleurs de la Pacific School ainsi qu'aux
saveurs très Steve Roach où de sourdes impulsions et de fines permutations dans le jeu des séquences
déjouent la passivité de l'auditeur et ajoutent des éléments émotifs, des éléments de charmes à une structure
déjà très riche en séduction. "Iridescent Resonance" est un superbe titre ambiant avec des larmes de synthé et
de guitare qui pleurent comme Steve Howe faisait pleurer sa Lap Steel Guitar dans Soon. Des influences
cosmiques et futuristes de Vangelis farcissent aussi ce superbe titre qui parfumera aussi l'introduction de
"VCO VS. DCO". "Last Train to Lyon" est un clin d'œil aux rumbas cosmiques de Jean Michel Jarre. Le rythme
est délicat et respecte en tout point les charmes de ces rythmes emprisonnés dans les vieux orgues, alors que
les effets soniques des années analogues et les nuages cosmiques balaient nos oreilles avec des délicats
poussières d'étoiles qui flottent dans des parfums de guitare cosmique. C'est le genre de musique qui accroche
à la première écoute. Après une intro sombre, huilée par des vents caverneux, caressée par des drones
lointains et irisée de chants sibyllins, "Retropolis" émerge avec une structure de rythme bondissante qui se
métamorphose en un bon rock cosmique. Les vents d'Orion, les chants des étoiles et de belles nappes astrales
caressent la force tranquille d'un rythme qui éclate toujours un peu plus avec l'ajout de séquences, tant
rythmiques qu'organiques, tantôt paisibles et tantôt chevrotantes, modifiant constamment un parcours qui
accepte le support de très bons solos de synthé. Du bon vieux rock cosmique à son meilleur !
De l'eau, des tintements et de fins arpèges qui scintillent dans des larmes de synthé, "Moon Blossom
Meditation" est une brève berceuse astrale aux parfums Bouddhistes. En ce qui me concerne, "VCO VS. DCO"
est la pierre angulaire de “Third Voyage”. Un morceau de génie échappé par Christopher Cameron et Gregory
Kyryluk. C'est avec plaisir que l'on renoue avec les larmoiements de "Iridescent Resonance" qui fleurissent
dans une intro ambiante, délicatement cisaillée par des serpentins et leurs courses folles. Des nappes de
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synthé viennent s'y recueillir, faisant ressortir encore plus les empreintes futuristes de Vangelis et de son
magnifique Blade Runner. C'est trop court ? On en veut plus ? Il reste toujours "Iridescent Resonance" ! Sauf
qu'ici, il y a un rythme qui émerge de cette beauté astrale. Des percussions halètent avec des coups sourds.
Des séquences vives volètent en papillonnant tout autour des percussions. Et d'autres séquences bourrées de
gaz échappent des tonalités de Tangerine Dream dans Poland. Tout un micmac rythmique qui répond de ses
trois structures entrecroisées dont les courses effrénées et les directions opposées sont accompagnées par
des solos de synthé aux tonalités hybrides. Splendide ! "Titanium Ashram" nous amène dans le cœur d'une
grotte à ciel ouvert où l'on peut voir les étoiles déchirer la noirceur des nuits cosmiques et entendre les murs
suinter les chants des gouttes soniques. Nous restons toujours dans des sphères de la contemplativité avec
une nuée de lignes astrales qui dessinent les aurores boréales soniques de "Celestial Glossolalia". La musique
ambiante peut-être très belle. Aussi belle que méditative. Et Thought Guild en fait la démonstration avec des
voix séraphiques, des nappes de synthé larmoyant et d'autres imbibées d'une brume éthérée. Le mélange
devient autant sibyllin qu'angélique, surtout lorsqu'un délicat rythme ambiant est tambouriné sous ce dense
voile dont les chants sont aussi attirants que ceux des sirènes des voyages d'Ulysse. Les tam-tams éclatent de
nouveau dans "Ki". Ils sculptent une fascinante danse païenne et tambourinent sous des chants de flûtes.
Improvisé en studio, un peu comme la plupart du matériel de Thought Guild (un truc que j'ignorais), le rythme,
comme les ambiances, deviennent plus soutenu et plus précis. Une ligne de séquences fait palpiter ses ions,
jouant ainsi dans l'ombre des tam-tams et subdivisant harmonieusement l'approche rythmique, alors que les
chants de flûtes deviennent moins tribaux, plus éthérés. Tout est en progression dans l'univers de Thought
Guild et "Ki" n'échappe pas à cette règle en épousant un rythme plus frénétique. Un rythme plus près du rock et
du progressif alors que les chants de flûte se mêlent aux harmonies d'un clavier très genre Rick Wright et que
le synthé revêt des habits de Mellotron en éparpillant ses chants flûtés dans des brumes et des orchestrations
astrales. Et dire que ça dormi 10 ans dans des voûtes!
Définitivement, le petit monde Gregory Kyryluk respire de fraîcheur. Que cela soit en solo, en duo. Que ce soit
des œuvres nouvelles, dans les habits d'Alpha Wave Movement, ou encore dans des vieux trucs qui ont
échappé à notre attention ; sa musique est une énorme corne d'abondance sonique où la diversité et les sons
restent aussi charmants que les émotions qu'ils transportent. Nous avons ici de la très belle musique. Poétique
et cosmique avec des influences qui varient entre Kitaro, il y en a énormément surtout de la période Ki, Steve
Roach, Vangelis et Jean Michel Jarre. Un cocktail d'harmonies, de rythmes et d'ambiances qui font de “Third
Voyage” un splendide voyage dans le temps. J'ai adoré et il y a de belles petites perles là-dedans !
Note : 5/6
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Gert Blokzijl : Interaction
Qu'est-ce qu'un classique ? Je dirais que c'est un album qui laisse résolument ses empreintes, ses influences
sur le temps et ainsi que sur beaucoup d'artistes qui continuent de s'en imprégner bien des années plus tard.
Mirage de Klaus Schulze! Son long mouvement minimaliste porteur d'harmonies électroniques rêveuses sur
une structure en délicate permutation est ce genre d'album. Et c'est l'essence même des charmes de ce dernier
album de Gert Blokzijl. Synthésiste Hollandais autodidacte qui a découvert les nombreuses possibilités de la
musique électronique minimaliste dès l'âge de 4 ans après avoir fait la découverte d'un harmonium brisé dans
une grange familiale. Depuis il n'a cessé d'élaborer une MÉ inspirée par l'art visuel ; les films, les photos et la
peinture. Des années 90 à aujourd'hui, Gert Blokzijl a composé et produit près de 20 albums qui se sont
bousculés sur les plateformes de téléchargement depuis 2011. Son style s'accroche aux influences de la Berlin
School avec les repères de Klaus Schulze et Tangerine Dream, alors que pour les moments d'ambiances ses
influences vont de Steve Roach à Biosphere. Klaus Schulze et Biosphere sont au cœur de “Interaction”; un très
bel album qui simplifie à l'extrême le mouvement minimaliste et où la photo de la Pendule de Newton sur la
pochette est plus que significative.
Une brise sibylline, maquillée de délicats tintements, de crépitements et amplifiée par de sourdes implosions,
flotte sur les deux premières minutes de "Interaction I". Une première ligne de séquences émerge de cette
brève et nébuleuse phase astrale. Les ions sont limpides. Ils sautillent et se poussent dans le dos, serpentant
en file indienne un parcours minimaliste qui dessine un longiligne mouvement sphéroïdal. Une délicate ligne de
basse pulse en retrait. Son pouls ajoute un autre tracé rythmique parallèle qui rappelle un mouvement de
Tubular Bells. D'autres séquences s'ajoutent. Cette fois-ci les ions papillonnent comme des feux-follets trappés
dans l'œil d'une tornade. La basse accélère la cadence et les ombres de feux-follets s'excitent tout autant.
Magnétisant, le mouvement simpliste et très charmeur de "Interaction I" s'enveloppe d'une lourde et ondoyante
nappe de synthé dont les arômes de vieil orgue tracent des harmonies vampiriques aussi angoissantes que
séduisantes. Les charmes de ces harmonies flottent à contre-courant sur le mouvement alors que les
percussions qui tombent ajoutent juste un peu plus de vélocité à "Interaction I" qui continue son ballet giratoire
minimaliste jusqu'à ce que les séquences manquent de souffle et que le mouvement se réfugie dans les
ambiances de son intro. Cinq minutes d'ambiance pour douze minutes de rythmes ambiant et minimaliste ;
"Interaction I" est le genre de truc qui accroche et obsède les sens. C'est aussi le même pattern pour
"Interaction II" qui offre 4 superbes phases de rythme embourbées dans du magma sonique et les sombres
ambiances à la Biosphere.
Le tout débute par une ligne de basse qui palpite sournoisement, éparpillant ses pulsations qui dessinent un
imparfait mouvement ascendant. Des séquences tintent tout au côté du mouvement. Elles scintillent et volettent
alors que le 1iere phase de "Interaction II" prend de l'ampleur. Mais le tout reste statique. Si les ions font des
cabrioles harmoniques en dessinant des figures rotatoires un brin saccadées, le mouvement reste paisible.
C'est comme entendre une nuée de balles de caoutchouc pétiller dans un bocal trop petit. Des lignes de synthé
libèrent de furtives mélodies qui peinent à s'imposer. Elles rappellent Klaus Schulze avec des lignes nasillardes
au doux parfum arabique. Peu à peu, cette 1ier phase se voit enterrée par de lourdes lignes bourdonnantes et
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des brises creuses qui garnissent les ambiances pour un petit 3 minutes. On y entend des claquements et des
tintements, amplifiant un sentiment d'angoisse, de claustrophobie qui plane tout autour des phases atones de
“Interaction”. Si le premier mouvement a tracé la voie de la curiosité, celui qui émerge vers la dix-septième
minute nous amène tout droit dans les meilleurs moments de l'union Klaus Schulze et Pete Namlook dans le
The Dark Side of the Moog IX. Le rythme est lent. Il chevrote avec une batterie dont les coups se répercutent
dans un écho maquillé de souffles et de cliquetis fantomatiques. Le mouvement est hypnotisant et nous
entraîne sur une douce pente soporifique où l'art minimaliste affiche un ornement sonique absolument
envahissant. C'est pas trop long, pas trop court. Un beau 7 minutes où Gert Blokzijl nous amène aux portes de
l'audiophilisme. Une violente tempête de vents, de wiish et de whoosh s'abat sur nos oreilles à la barre des 25
minutes. Nous avons là le plus long passage d'ambiances de “Interaction”. Les vents hurlent et crissent avec
des tonalités parfois creuses et parfois acuités dans des teintes tantôt sombres et tantôt diaphanes sur une
longue période de 8 minutes avant qu'une structure de rythme un peu plus fluide que la phase 1 envahisse nos
sens. Plus vif et plus dynamique, voire un peu funky, le rythme sautille avec un mélange de délicatesse et de
dureté dans les tintements de serpentins séquencés dont les tonalités de verre éparpillent un rythme limitrophe
aux percussions et aux croassements organiques plus sautillants. C'est un peu comme un angelot qui jouerait
du xylophone afin de calmer un troupeau de crapauds et dompter les sauts des sauterelles dans une zone de
sécheresse. Eh oui, nous avons toujours cette sensation d'entendre les spectres de TDSOTM IX rôder autour de
nos oreilles. En tout cas, moi ça m'a donné le goût de l'entendre. C'est un très beau passage qui s'étend
jusqu'au-delà des 42 minutes. Là où nous attend une chorale séraphique et ses chants sibyllins. Un bref
moment assez intense qui précède le dernier chapitre de "Interaction II" et son délicat rythme ambiant. Les
séquences sautillent dans l'ombre de la dernière, forgeant un superbe mouvement sériel harmonique qui roule
en boucle par son écho. C'est hypnotique et ça envahit l'oreille. Cette phase s'intensifie avec des sauts et des
séquences plus vives ainsi que les percussions qui les guident vers les chants des synthés toujours un brin
nasillards, toujours un brin séraphiques. Des synthé toujours aussi présents mais dont on oublie si facilement
le rôle dans tous ces charmes des séquences et des rythmes minimalistes dont ils ont les plans. Des
séquences et des rythmes qui ne cessent de bonifier leurs parures avec un impressionnant amalgame de
nuances tant dans les tonalités que les teintes et leurs agiles sauts quasiment oniriques. Oui mes amis,
“Interaction” est un très grand album qui s'insère très bien entre Mirage et The Dark Side of the Moog IX.
Note : 5/6
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Klaus Hoffmann-Hoock & Bernhard Wostheinrich : Conundrum
Suite à la parution de ma chronique sur l'album Trance'n'Dance de Mind Over Matter, j'ai reçu un courriel de
mon bon ami Bernhard Wöstheinrich afin de me demander si je voulais bien parler de sa collaboration avec
Klaus Hoffmann-Hoock pour l'album “Conundrum”. Le titre me rappelait vaguement quelque chose. Après avoir
fouillé dans mes archives j'ai finalement constaté que j'avais parlé de cet album il y a très longtemps. Voici de
quoi il en retournait. Résurrection d'une chronique et d'une musique que j'avais oubliées dans les corridors du
temps. Avec les multiples carillons qui résonnent, on s'attend à un moment très éthéré, même pieux, alors
qu'une ligne de basse nerveuse et d'agiles séquences bondissantes forgent une structure de rythme aussi
insaisissable que les murmures qui volètent tout autour. Fluide et bien arqué sur ces éléments un brin funky,
tout en étant bien pilonné par des percussions souples, "Virupaksha" sautille dans son plumage psychédélique
sur un beat provocant, sur un genre de musique de danse. Entre du techno morphique et du disco spatial, le
tempo est aromatisé d'éléments de psybient et d'innombrables strates de synthés, de guitares et de sitars
électriques dont les harmonies évanescentes se lovent au-dessus des percussions et des séquences qui
alourdissent graduellement la cadence. Bien que relativement discrète, les crissements de la guitare obsèdent
les sens. Et ce, ça sera tout au long de “Conundrum”. Bien que l'album ne soit pas tout autant explosif, le duo
Hoffmann-Hoock/ Wöstheinrich, flanqué de Markus Reuter et Ian Boddy aux percussions électroniques et aux
séquenceurs, plonge au cœur de casse-tête ethnique du Sri Lanka en exploitant les flottantes, célestes et
quasiment vampiriques nappes de guitares et sitars sur des mouvements aux rythmes progressifs et tempérés.
L'amalgame amène l'auditeur aux frontières d'une œuvre psychédélique avec des éléments ambiosphériques
qui se rapprochent des essences tribales Indiennes.
C'est d'ailleurs une larmoyante strate de guitare qui ouvre les ambiances assez célestes de "Bowed Visions".
La strate multiplie ses ombres. Ceux-ci font miroiter de denses lignes stridentes, et d'autres plus feutrées, qui
s'entrecroisent dans un magma sonique ambiant. Une structure rythmique émerge un peu après la 3ième
minute. Délicate, elle trottine comme une douce ballade sans histoires. La pièce-titre exploite un peu la même
vision avec une intro où les larmes des instruments à cordes se mêlent dans le brouhaha des nappes de synthé
aux couleurs du néant et les murmures d'une voix astrale aux souffles ethniques. Une belle intro très
ambiosphérique qui sert d'entrée à un très beau rythme qui explose un peu après la 4ième minute. Vif et un brin
saccadé, il galope un peu plus qu'il trottine avec un beau maillage de séquences basses et de percussions dont
la subtile vélocité nous bouffe carrément l'écoute. C'est très beau, très envahissant et la guitare de
Hoffmann-Hoock mâchouille son rythme et ses ambiances, alors que "Conundrum" devient de plus en plus
fluide. Je sens à travers ce titre des éléments qui auraient influencé la folie de Thorsten Quaeschning et sa
guitare dans le superbe Utopia de Bernd Kistenmacher. C'est un très beau titre. "Phased Realities" nous mord
les oreilles avec une ligne de basse aux tonalités gargouillantes. Le rythme est suspendu et sournois. Il se fait
happer par des percussions et chatouiller par les élytres des cymbales. On entre dans les terres de l'électronica
avec des percussions électroniques qui cliquètent et virevoltent autour d'un mouvement de Groove orné d'un
mélange de strates de synthé et guitare dont les lentes harmonies tissent des paysages d'ambiances. De
chaleureuses nappes de synthé (ou guitares?) farcissent l'intro très ambiante de "Swarmandel". On entend des
pulsations fomenter une rébellion, de même que des éclaircies électroniques qui laissent paraître les
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harmonies célestes d'une guitare ésotérique. Le rythme sommeille et ronfle. Il se rebelle un peu après la barre
des 3 minutes, soit après les derniers chatouillements de la six-cordes à Hoffmann-Hoock. Il pétille et sautille
avec nervosité, guidant la cadence d'un up-beat sans pesanteur qui va, quitte et revient dans les oscillations
d'une ligne de basse et les serpentins disloquées d'une guitare éthérée. Cette structure de rythme rabouté entre
des phases semi-ambiantes trouve sa niche aussi sur "Flavia's Paradise" avec des mouvements de basse qui
ondule avec force avant de se faufiler sous les nuages d'ambiances dessinées par une six-cordes et des
synthés aux parfums sibyllins. Il y a un tapage incessant sur ce titre ainsi que des beaux passages plus
éthérés. Des moments ornés de pépiements et de pleurs d'une six-cordes qui nous rappellent l'essence
psychédélique de “Conundrum”. "Moonlit" conclût cet accord éclectique entre les deux univers de Klaus
Hoffmann-Hoock et Bernhard Wöstheinrich avec un titre ambiant où la guitare de KHH laisse flotter de
pleureuses harmonies dans les vents bourrés de particules soniques du synthé de Wöstheinrich.
“Conundrum” est dans l'esprit du label DiN. C'est un album aux savoureuses essences hétéroclites et
expérimentales bien servies par des rythmes qui touchent du bout de leurs séquences, des lignes de basse et
des percussions les terres de l'électronica. De ce fait, il y a un beau mélange entre ces rythmes et de riches
ambiances cousues avec une fascinante obsession pour rendre le tout très difficile à apprivoiser. C'est
exactement le principe d'une énigme. Ça pique la curiosité. Ça devient obsédant. Et on fini par trouver des
réponses. Ici les réponses trouvent la forme d'une musique dont les frontières se définissent toujours un peu
mieux à chaque nouvelle écoute. Il ne faut pas oublier que nous sommes en 2007. Je souligne ce fait car nous
entendons ici et là des éléments qui nous semble familiers, notamment dans l'univers du psybient et du tribal
ambiant, démontrant l'approche assez avant-gardiste de ce duo, en fait de ce quatuor, plutôt éclectique.
Note : 4/6
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Blahzay Blahzay : Blah Blah Blah
Blah Blah Blah c'est le rap de New York, comme le plus anonyme des buildings peut être symbole de cette ville
monolithique qu'est New York. En avançant la date de sortie de trois ou quatre ans ce serait l'album-étalon. Une
connaissance veut savoir ce que c'est que du rap new-yorkais ? Tu lui envoies ce disque. Second rôle discret
d'une ère aussi consanguine que fertile dont on a bien plus retenu les albums du Wu, de Gangstarr ou de Big L,
Blah Blah Blah, le petit frère du premier Jeru the Damaja, est un album qui a le charme tranquille des parpaings,
le torve du molosse placidement posté à l'entrée, avec ses flows aussi fantasques qu'un docker travaillant dans
son dock, et ses beats aussi opérationnels que des marines au sortir du camp d'entraînement.
Monotone-savoureux. "Danger - Part 2" ou "Pain I Feel" déboîtent salement dans le genre straight, inspiration
KRS-One/Gangstarr. Aucune originalité donc, ni d'efficacité grisante : juste une sérieuse, posée, et pleine
efficacité, un feeling cool-sinistre pile dans le créneau jazzy-moellon du beat. Came non-coupée, 13 pistes,
scratches, et l'affaire est pliée. Classiquement N.Y.C., sans rien de new-yorkement impoli qui dépasse (à part
peut être le sample-éclair du tube de Dre et Snoop sur un skit), pro, artisanal, standard, j'en passe et des plus
casual. On tique juste un peu quand on voit la date de sortie, comme je le sous-entendais plus haut, surtout
que Mobb Deep étaient en train de retourner les cimetières environnants au même moment et le Wu d'achever
un plan suprémaciste monstrueux avec leur solos, mais cette sortie un chouia anachronique confirme qu'on a
affaire à deux purs matons de Brooklyn. De paisibles crate-diggers ne se souçiant guère de sophistication,
plutôt de rapprocher le hip-hop de son noyau dur : egotrip + gros son compact, le reste étant fariboles. Du
hip-hop new-yorkais en new-yorkais, c'est à dire carré comme les districts et terne comme les immeubles,
traversé par le vent atlantique, berçé par la grise et rocheuse atmosphère d'une ville qui a inspiré les albums les
plus asphaltés du genre.
Note : 4/6
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The Notorious B.I.G. : Ready To Die
On va dire que j'insiste, que je perds mes repères. Que nenni mon loulou. Déjà, le jeune Biggie était assez niqué
de la tête pour coller sa photo de bambin au-dessus d'un titre aussi explicite que du Robert Smith entre deux
âges. Façade peu vendeuse, nous en conviendrons. Autant que cette intro-vie (de l'accouchement à l'adulte
devenu caïd) est l'une des plus grotesques et obscène possibles. Mais, soit : le thème majoritaire dans Ready
to Die, c'est le sport en chambre, et en la matière il est certain que Notorious B.I.G. causait gras (dans le genre
Ron Jeremy du mic, le skit où il bourre Lil' Kim pour lui faire crier son nom est un des grands moments de
débilité du hip-hop, autant qu'un hiroshima dans l'histoire de la literie). Mais je vois aussi "Prêt à crever",
"Pensées Suicidaires". Voilà en fait la nature d'une bonne moitié de cet album bien sûr abusivement mythifié
comparé à tout un tas d'albums de rap moins populaires sortis dans cette période, mais qui, en ce qui concerne
sa vilainie intime, ne permet guère de doute : le gros bébé mafioso était capable d'avoir autant de retour que le
Wu-Tang ou Dälek en matière de noirceur urbaine. Il était juste un peu plus terre-à-terre, et il coupait son
goudron avec de la plume d'oie. Et niveau flow, il était le suiveur patibulaire et graveleux de KRS-One ("Gimme
the Loot"). Plus célébré, moins cérébré. Parfait chroniqueur de son flow au moment même où il l'immortalisait,
m'évitant l'emploi de mes coliques métaphoriques habituelles, ce qui devrait déjà suffir à rendre nos lecteurs
reconnaissants envers lui ("Excuse me, flows just grow through me - like trees to branches, cliffs to
avalanches" -extrait du feat-battle arride et nonchalant "The What" avec Method Man, le seul membre du Wu qui
avait envie d'aller se frotter à l'obèse, pour au final se confondre avec lui dans un egotrip rugueux). Cruel et
flamboyant sur "Things Gone Changed". Rappeur pragmatique sur "Warning", parfaite pour fendre les baffles
comme des bûches. Salopard au style racé sur "Machine Gun Funk" et le titre éponyme. Les pistes
radiophoniques de Ready to Die ? Les trois singles que le producteur exécutif lui a conseillé pour mieux
fourguer sa came, sinon Ready To Die aurait été bien moins connu de tout public, c'est certain. La sex track
principale avec son refrain r'n'b d'abord, "One More Chance", qui cite et sample Geto Boys, et dont les couplets
sont du sauciflard pour l'amateur de rap dominateur. Puis "Juicy" et "Big Poppa", le bubble gum du pimp.
Biggie augmentera la dose de ce genre de titres putasses sur le suivant, mais ici, il tartine serré. Pourtant je
préfère sans hésiter ces deux titres lèche-putes aux deux qui sont entre, et qui me font systématiquement
bâiller. Pas bien grave, car le nounours lubrique réveille ses instincts létaux sur le ragga funky-béton
"Respect". Bruit de succion d'origine femelle certifiée, et on enchaîne en beauté avec "Friend of Mine". Qui a dit
que la pornographie était réservée aux racailles de Los Angeles ? Avec Biggie le centre de gravité du rap porno
était déplacé à New York, ville plus propice aux errances sinistres. Et en parlant de sinistre (enchaînement,
sans les mains), on bifurque direct sur la seule instru signée DJ Premier. Minimale shit. Je vais pas faire de
littérature sur de la chimie, tendez juste la langue pour accueillir le cacheton de l'alchimiste aux platines. Bien.
Mais Premier ne surpasse pas les excellentes instrus souvent signées Easy Mo Bee (qui est pourtant, pas
d'erreur, ce rappeur moisi qui a servi de fossoyeur artistique au grand Miles deux ans plus tôt). Quant à elles et bien qu'elles laissent une impression finale différente d'avec la conclusion suicidaire-léthargique d'origine les deux faces B en bonus sur la réédition sont rigoureusement indispensables, surtout "Who shot ya ?",
provocation narquoise et menaçante, le son d'un hiver qui vient pour nettoyer les faibles. Avec Ready To Die
malgré le superflu, on est sur du serré, du dodu, un genre de paris-brest new-yorkais avec de bon gros éclats
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de mise à l'amende dans la crème. Quant à Puff Daddy a.k.a. P. Diddy, on s'en fout, à peu près autant que de
savoir que Deftones ont été signés par Madonna. 2 Pac, on s'en branle aussi : en dehors d'une histoire n'ayant
pas le moindre rapport avec la musique, j'ai jamais vu le moindre lien entre les deux - et de toute façon pour
moi la vie c'est comme dans les ascenseurs : un gros vaut deux minces. L'avantage quand on est gros, aussi,
c'est que la peau est bien tendue... Hélas, ça n'arrête pas tout. Cinq balles pour Shakur, quatre pour Biggie.
Quatre ½ pour Ready to Die.
Note : 4/6
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Esham : Suspended Animation
Plus il s'aprochait de son cul-de-sac chimique DMT Sessions, plus Esham s'habituait à son nouveau costume
de producteur electro, voire dark electro, s'essayant à des effets skinny-puppiens. La première moitié de
Suspended Animation est bien dans cet esprit droïdesque-chimique (l'intérieur du livret dépliant avec les
couveuses-biostase du futur et l'ambiance aseptisée-immaculée façon THX-1138 est fort à propos). La seconde
moitié délaye une mixture plus rap rock façon Judgement Day dépoussiéré. Voire indie-rock-rap, comme si
notre Esham voulait alpaguer de la groupie mineure aux concerts d'Atmosphere, ou nous faisait un genre de
mutation à la Cage deuxième période... Pas sûr que ce soit la panacée mais bon. Quasiment impossible à noter,
comme Tongues, et peut-être encore plus incohérent, Suspended Animation est gavé ras-la-gueule de
pistes-pilules qui puent Detroit, s'autorisant, comme d'habitude, de la diss track contre toute la génération
"horrorcore" et les petits cons qui ne l'écoutent qu'en le téléchargeant ("But No Thanx"), deux engeances
envers lesquelles il garde toujours un chien de sa chienne. Un peu de tout comme d'habitude, pour l'inspiration
: ce type rappe sur n'importe quoi, et sur des beats qui n'en sont pas vraiment : g-funk périmé, titres cluby,
bidules eshamiens plus basiquement glauques (Esham, probablement après avoir entendu Sole faire de même,
rappe sur le générique de Faites entrer l'accusé. Cela lui va très bien), un riff grunge, de la dream pop country,
j'en passe... Quand Esham pousse la chansonnette il a un côté indé, vite fait, y a sûrement moyen de pouvoir en
refourguer en douce à des lecteurs de Pitchfork. Et il roxe. Avec à la clé des tubes certains ("Horrible", "U can
die"), à ce niveau rock rap, je sens Esham plus dans l'esprit de Run DMC et EPMD que la majorité de ses
contemporains, sans faire dans le capillotracté critique, du tout... même quand il fait du Kid Rock on a une
petite saveur malade. Le mec maîtrise pleinement son style depuis un moment, il enchaîne les pistes en uzi
mais c'est pas K-Rino, lui on le suit dans ses délires, même si on décroche sur la durée... Parce que c'est
ultra-long, évidemment, et niveau consistance c'est plus le pain-surprise avec pas mal de mie en guise de
surprise, et quelques cafards bien planqués dans la mie... 29 pistes quand même... et une indigestion qui peut
arriver rapidement, vers le milieu... Mais il y a toujours les micro-trous noirs eshamiens, les titres qui vous
collent une sale cafardose au cervelet. Ici, c'est "Poultry", berceuse chimique de son cru. Ou comment
comprendre que les petits sophistos lysergiques comme A$AP Rocky ne sont que les fistons jetables du papa
de Detroit, aussi bouleversants que la sortie d'un nouvel i-phone. Je n'ai toujours pas esgourdé le Subatomic
Jetpack (disque bonus de faces B), pour cette version simple disque ce sera donc la moyenne. Putain de
drogué prolifique.
Note : 3/6
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Accept : Objection overruled
Chronique réalisée par Nicko
Comme je vous le disais sur la chronique du live "posthume" "Satying a life", Accept s'est reformé suite aux
retours de ce double-live pour le moins excellent. La période "Eat the heat" ne sera donc au final qu'une
"petite" parenthèse dans la carrière du groupe, même si les conséquences sur la poursuite de leur carrière
seront dommageables. Le succès de la formation allemande sera quand moindre que ce qu'il aurait pu être
sans ce hiatus. Entre temps, le quintette est devenu provisoirement un quatuor. Il s'agit du line-up de "Russian
roulette", sans Jörg Fischer, Wolf Hoffmann se chargeant de toutes les parties de guitares sur ce disque. Assez
rapidement, le groupe écrit de nouveaux titres et dès le début de l'année 1992, on voit débouler ce "Objection
overruled", 9ème album des teutons. Le premier constat est clair, on retrouve bien le Accept qu'on aime, celui
du bon heavy metal teutons, teinté de mélodie, avec un Udo vraiment ien en forme, très éraillé et brut.
Franchement, pour un album de retour, le groupe ne s'est pas planté. Le résultat, même s'il n'est pas aussi
fabuleux que "Balls to the wall" ou "Metal heart", est dans la droite continuité de "Russian roulette" et n'a pas
du tout à rougir de la comparaison. "All or nothing" ou "Bulletproof" sont des exemples de titres valant
largement les hits des années 80. L'album est fidèle au glorieux passé et tout aussi inspiré. On nage en plein
dans le style des années 80. On n'est pas encore dans ce style des années 90 plus lourd et pesant, Accept
continue là où ils n'auraient jamais dû dévier de route au milieu des années 80. L'album est agressif, incisif,
puissant, avec toujours cette dose de mélodie et cette touche de lyrisme issues de Wolf Hoffmann dont les
parties de guitares sont toujours aussi bonnes. On reconnaît toujours ce côté très AC/DC, mais en version
metal, c'est impressionnant de voir cette similarité ("Donation" par exemple), dans un autre style et totalement
bien intégré à leur heavy metal. "Objection overruled" n'est pas l'album dont on va parler en premier quand on
aborde le sujet d'Accept et pourtant son importance est capitale dans l'évolution du groupe. Le fait que plus de
20 ans plus tard le groupe soit toujours actif est directement conditionné par la réussite de cet album. Voilà
clairement un disque trop oublié. Certes il n'est pas parfait, mais son écoute est facile, directe, et la qualité de
ce disque est indiscutable avec une diversité et une inspiration constante sur tout l'album. On a aussi bien des
morceaux speed ("Sick, dirty and mean", "This one's for you"), des ballades ("Amamos la vida"), des morceaux
à faire chanter le public ("All or nothing"). Bref, voilà un album que je vous conseille de rechercher (il est
malheureusement difficile à se procurer), il vaut vraiment le coup.
Note : 4/6
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OFERMOD : Serpents dance
Mine de rien, cela faisait plus de deux ans qu'Ofermod n'avait rien sorti. "Thaumiel" avait proposé une musique
plus originale et mystique qur sur "Tiamtü" qui m'avait un peu déçu. Là, le groupe revient avec un petit EP
2-titres (la version CD contient un titre bonus, une version alternative, datant de 2005, de "Tiamtü" que l'on
trouve dans une autre version dans l'album du même nom). Il faut véritablement prendre cet EP pour ce qu'il
est, 2 titres nouveaux qui donnent vaguement une idée de l'orientation du groupe à l'avenir. Une chose frappe,
l'atmosphère est vraiment bien mystique et trippante. Le changement de chanteur y est pour beaucoup.
Johannes, leader du groupe Mortuus, est totalement imprégné d'une aura ici, son chant n'est pas spécialement
puissant (en fait, pas du tout), mais il est vraiment ample et profond, il ne ressemble à rien d'autre de ce qu'on
peut trouver. Son interprétation de "A million serpents dance" est vraiment unique. Je note en tout cas une
réelle amélioration du chant en comparaison avec sa performance sur "Thaumiel". Musicalement, j'ai eu un peu
de mal à rentrer dedans, mais au final, je trouve cet EP vraiment réussi avec des ambiances vraiment
prenantes. L'album n'est pas spécialement noir, mais il est dérangeant. Les arrangements et enchaînements
sont bien réalisés, le rythme est plutôt bien soutenu sur ces deux titres. On ressent vraiment une portée
mystique avec ce groupe. Leur musique est vraiment intéressante de ce point de vue-là. Je reste quand même
un peu frustré et sur ma faim. Il y a du potentiel pour un bon album, mais cela dure moins de 10 minutes donc il
est difficile de se faire une idée précise de ce que cela peut donner sur la longueur. Par contre, je n'arrive pas à
retrouver la magie, l'aura, la puissance et la folie de leur tout premier EP. Le titre bonus du CD n'apporte pas
grand chose. Certes le son est différent. Ce qu'il perd en puissance, il le gagne en profondeur. Mais
honnêtement, je ne vois pas trop l'intérêt de la chose, il reste trop proche de la version de l'album, sorti 3 ans
après l'enregistrement de cette version. Comme souvent, on peut prendre cet EP comme une manière de
patienter avant le prochain album qui, je l'espère, ne tardera pas trop.
Note : 4/6
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Der Weg Einer Freiheit : Unstille
Franchement, depuis le temps que je vous parle de ce groupe allemand... Vraiment, plus je l'écoute plus je
trouve qu'on a affaire à une formation ultra-talentueuse. Tout est si limpide et direct. On a vraiment l'impression
que c'est facile pour eux d'écrire une telle musique prenante. "Unstille" représente le deuxième album de Der
Weg Einer Freiheit. On ne peut pas noter de réellement évolution depuis leur début, mais ils ont un style
tellement personnel qu'il y a matière à défricher dans le genre. Certes, on peut trouver des influences, Dark
Funeral, Dissection, Drudkh et d'autres, mais on ne peut pas dire que cela sonne comme l'un d'eux. Petit à petit,
Der Weg Einer Freiheit construit son style, entre black metal brutal, post-metal moderne, metal atmosphérique
et mélodique, post-rock (il y a tellement de parties aériennes directement lié à ce genre). Le résultat est
grandiose, toujours très bien inspiré, prenant et diversifié. Il n'y a pas de mauvais morceaux, c'est
impressionnant de voir une telle qualité sur tout le disque. Le chant de Tobias, entièrement en allemand, est
super convainquant, la rythmique de plomb est d'une brutalité hallucinante, les riffs de Nikita s'enchaînent à
merveille, quelque soit le style. Et c'est là que se situe la réussite de l'album. La qualité est constante, quel que
soit le registre. Les parties calmes sont très travaillées et donnent énormément de rythme à la musique du
groupe. Ceux qui trouvent que le black metal brutal est stérile feraient mieux de jeter une oreille à ce groupe
tellement la construction des morceaux est judicieuse et que le rendu est cohérent. C'est rare de voir un groupe
aussi convainquant et musicalement ouvert avec une base complètement encrée dans le black metal le plus
brutal. Der Weg Einer Freiheit peaufine son art, son style. "Unstille" nous montre un groupe ayant trouvé sa
personnalité, s'affranchissant complètement de ses influences. Avec ce deuxième album, les allemands ont
réussi à trouver le chemin vers leur liberté...
Note : 5/6
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COMPILATIONS - LABELS : Crusade from the North
Moonfog est un label que vous connaissez si vous êtes déjà une encyclopédie ambulante et que vous écoutez
du black metal au p'tit déj. Fondé en 1993 par Satyr, le vocaliste et guitariste de Satyricon, ce label a réussi à
mettre en boite les albums de quelques uns des acteurs phares de la scène norvégienne, du début des années
90 à la fin des années 2000 : Darkthrone, Satyricon, Gehenna, Dødheimsgard en tête de gondole, mais aussi,
entre autres, les projets folk et ambient de Fenriz et de Satyr (Storm, Neptune Towers, Isengard, Wongraven) catalogue dont les droits ont été depuis acquis par Peaceville. Vous retrouverez donc sur cette compilation le
vent frais du Nord propre à cette époque-là, époque qui par hasard fut celle de mon premier séjour en Norvège,
découvrant à ce moment même que l'on pouvait dire "Emperor c'est cool" dans un cours d'anglais dont le
niveau surpassait de trois têtes mes pauvres "connaissances et compétences linguistiques" en LV1. Bref, ici,
vous aurez votre dose de folk nationaliste (Storm et ses vocalises sur la forêt éternelle bien d'chez nous,
Isengard et ses vocalises sur la forêt éternelle bien d'chez nous, ainsi que Wongraven et ses synthés. Sur la
forêt. Bien d'chez nous.), du black metal bien dur avec des Darkthrone période Panzerfaust / Goatlord et du
Satyricon période The Shadowthrone / Dark Medieval Times, tout cela ponctué des nappes atmosphériques de
Neptune Towers. Alors, pourquoi écouter cette compilation ? Déjà, si vous ne pouvez pas piffrer Fenriz et Satyr,
passez vot'chemin, parce qu'on les retrouve tout le long des deux cds - mais bon, je me dis que si vous lisez ça,
vous avez au moins un peu d'affection pour la musique de ces deux gusses. Ensuite, plusieurs titres sont des
versions ou des titres que vous n'entendrez que sur cet objet, avec remix et mastering inédits. Enfin, elle donne
un bon aperçu de la scène d'Oslo à une époque (1995/1996) où ces groupes commençaient à conquérir une
certaine notoriété, pour des raisons plus ou moins musicales d'ailleurs, et qui souligne bien que les piliers de
cette scène étaient particulièrement intéressés par la musique électronique et la folk, tentant comme ils
pouvaient de faire ressusciter une certaine norvégitude qui évidemment, vu de chez moi, ressemble à un désir
désespéré de réanimer des expressions culturelles mortes et enterrées depuis longtemps, un peu comme dans
le revival occitan, mais sûrement pas avec les mêmes cogites politiques derrière, l'anti-christianisme et la
xénophobie suintant clairement des chansons de Storm par exemple. Voilà, ceci-dit, musicalement c'est quand
même très riche, ça montre les talents multi-instrumentistes de ces mecs, et ça laisse songeur sur l'apparition
de cette génération spontanée de musiciens formés par l’État norvégien qui reviendront tout péter quand ils
seront devenus grands, nostalgiques d'une culture pré-chrétienne et amoureux de gros riffs, de gros synthés,
et de la forêt bien sûr.
Note : 4/6
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Ballistic Kisses : Total Access
Chronique réalisée par sergent_BUCK
Et Paf, bien visé. C’est Ballistic Kisses qui débarque aujourd’hui sur le site. Les pères fondateurs de la future
omniprésente new-wave, à savoir Talking Heads, Devo, Oingo Boingo, B-52’s, Wall of Voodoo, Ultravox ou
encore les Cars, pour en piocher comme ça à la volée quelque uns qui flottent sur le haut du panier, surent
façonner une esthétique musicale nouvelle durant la fin des 70’s qui entama un véritable bouillonnement dans
le monde de la pop américaine. À base de rythmes rigides comme une rangée de bureaux, et capables
d’exploiter de manière intéressante le nouveau matériel que les avancées technologiques permettaient à
l’époque (les synthés quoi…), c’est à cette époque que le grand public a failli comprendre qu’un look de geek
valait aussi bien qu’un chapeau de cowboy et une fossette au menton. Et Ballistic Kisses alors ? Oui, ces
derniers sont un peu restés planqués dans le fond de la scène, rangés parmi une armée de seconds couteaux
que l’on devine prêts à ressurgir dès qu’une oreille curieuse ira remuer un peu. En tout cas, Total Access est un
disque qui a tout pour plaire : un foisonnement de sons synthétiquement grotesques ou mignonnement
agencés, des rythmiques binaires mais pas trop, les voix tout aussi attardées que les paroles qui vont avec. Et
ça ne rate pas, les tubes sont de la partie. J’en veux pour preuve le single ‘Five‘o’Clock World’ qui n’aurait pas
déparié sur le premier Oingo Boingo, ‘Black and Broke’ et ses imparables claviers séquencés dans une
cavalcade à couper le souffle, et jusqu’à ce ‘Samurai Toys’ qui clot l’album, il y a tout ce qu'il faut chez nos
gaillards pour divertir les oreilles à l’affût de ce genre de sonorités. Hélas, le groupe à la carrière éclair n’a pas
dépassé la paire d’albums (le deuxième, à la manière des Devo tardifs, sera bien plus sage et demandera à
l’auditeur un "certificat d’amateur de bonne soupelette pop" pour être apprécié à sa juste valeur.), mais bon...
faut pas trop en demander non plus.
Note : 4/6
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Vermapyre / Vehrmöedr : Vermapyre / Vehrmöedr
Holy Terror, le label de Dwid Hellion (Integrity), entre deux fournées de T Shirts et de mugs nous sort ces
temps-ci toute une tripotée de 45 tours de groupes plus ou moins connus (Leviathan, Integrity bien sûr,
Gehenna...) mais aussi de projets passant sous le radar de la célébrité. Deux groupes ici, qui font de la musique
vraiment pas facile, bruyante, sans espoir... Face A, Vermapyre, groupe belge classé dans le raw black metal,
nous donne ici à écouter de la musique répétitive, assez atmosphérique, toute faite de chaines et de clous,
plein de brume asphyxiante... très bruitiste, mais sachant bien créer une sensation d'hypnose, Vermapyre est
(sont ?) la preuve qu'on peut charmer les foules en vomissant bruyamment. Face B : Vehrmöedr. Je n'ai
malheureusement pas trouvé grand chose sur ce groupe, je devine qu'ils sont aussi basés en Belgique (où le
Dwid s'est installé depuis un moment déjà). Peut-être est-ce juste Vermapyre sous un autre nom tellement les
deux faces se ressemblent, car c'est reparti pour quelques minutes de cris, de sons compressés, de prises sur
cassette tremblotante et de fracas bordélique, sauf que la sauce me semble moins relevée ici, l'impression
d'improvisation à l'arrache ne me quittant pas lors de l'écoute de ces quelques minutes bruyantes. Hmm... pour
résumer, la musique de ces deux groupes se veut dérangeante, mais elle peut aussi être un peu pénible,
compte tenu de la composition hasardeuse, surtout du côté Vehrmöedr. Une curiosité qui pourrait peut-être
plus plaire aux amateurs de noise que de heavy metal au bout du compte...
Note : 3/6
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The Godfathers (Kool G Rap x Necro) : Once Upon A Crime
Il arrive que vermine n'aie pas d'odeur. Un album de rap qui a Lemmy Kilmister en sample ne peut pas être
totalement inodore, j'en conviens, mais quel navet. Inviter l'un des poids lourds du rap rentre-dedans pour faire
du sur-place une heure durant, c'est même assez moche... à peu près autant que Ron Braunstein, dit Necro,
producteur amateur au flow porcin et aux paroles potentiellement jouissives dont je n'attends plus que
miasmes fainéants depuis longtemps, charisme de fesse nordique, allure pontifiante et aussi digne de
confiance que la méchante truie laiteuse Biraben, mais pas d'inquiétude, je vais parler musique, je me mets
juste au niveau du gonze. Et je vais commencer par ce constat sans appel à l'issue : cet album, dont la sortie
était devenue une arlésienne, n'a qu'une utilité : donner envie de réécouter Live and Let Die, ou, si on s'assume
dans ses goûts de chiotte, ressortir les vieux Necro ou le Non-Phixion. C'est pas que le vétéran de
Queensbridge soit mauvais, à quarante-cinq berges il a du retour et s'autorise quelques versets de feu, mais il
n'est pas à sa place sur ses beats de mendiant. La collaboration part un peu d'un déséquilibre qualitatif
cocasse, faut avouer. La faute au fan imberbe. C'est un peu comme si Nabe invitait Céline pour écrire la suite
des 50 nuances de Grey. T'es pas gêné Braunstein ? S'pèce de cancre las. En même temps t'as jamais été
capable de dépasser le stade de l'adolescent death-métalleux fan de films d'horreur, ma sacoche. Soit. Niveau
instru on est donc sur du Necro de série, un peu de piano par-ci, un peu de western et de giallo par-là, un bout
de hard rock vintage pour faire joli, rien de folichon, ça accroche sympathiquement, comme sur "The Pain", le
déjà plus rugueux "American Sickos", ou "We'll Kill You" quand Necro flowe en mitraillette pour impressionner
son maître. Mais en fait non, ce disque vaut peau d'balle. "Gangsta" ? C'est quoi ce caca mou qu'a même pas le
bon goût de coller aux parois, Braunstein ? Et toi Kool G, pourquoi avoir accepté une collab' d'album aussi
foireuse ? Tu as des enfants à nourrir, je comprends, et puis tu rappes sur de la merde depuis si longtemps que
tu prends ce qui vient... C'est de bonne guerre, et j'imagine qu'il fallait pas s'attendre à être surpris. Mais prout
blasé, quoi. Faire venir Kool G Rap pour un simple nouvel album de Necro ? Oui, ceci mérite de sceller deux
boules punitives. Seuls les fans hardcore de Necro trouveront vraiment leur compte dans ce sous-bock, mais
cette engance pustuleuse grouille si bas sous les pieds de tout adulte amateur de hip-hop qu'il ne peut qu'en
avoir rien à branler, même en forçant l'indulgence à son maximum. "My death-rap style's the best shit you ever
heard in your life". Pfff ouais, ok... et moi je suis le maître absolu de la chronique de navet lue par dix péquins
sur internet, youpi !
Note : 2/6
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The Shallow Graves : Smoke screen for your broken dream
Chronique réalisée par Twilight
‘Bon clone de Rosetta Stone’, se dit-on des Allemands de Shallow Graves à première écoute…Et durant les
suivantes aussi d’ailleurs. Si ce n’est leur look assez peu en accord avec les canons goths traditionnels, nos
deux amis nous proposent un gothic rock de la seconde génération des plus conventionnels. Une fois la chose
admise, force est d’admettre qu’ils sont plutôt doués pour écrire des mélodies fortes et que c’est franchement
un plaisir frais de s’envoyer ce disque d’une traite dans les oreilles. Bien dans leurs baskets et leur époque,
The Shallow Graves ne craignent pas l’usage de l’électronique pour la rythmique et cela s’entend mais juste
pas trop (tant mieux). La guitare, elle, assure et propose même de beaux thèmes (celui de l’intro, ‘Broken
dreams’, notamment), quant au chanteur, il est bon, si ce n’est que son timbre grave est des plus
interchangeables dans le style mais voilà longtemps que le corbeau avide ne se casse plus le bec sur ce genre
de considérations devenues lambda. ‘Smoke screen for your broken dreams’ sonne comme un album de gens
qui se sont fait plaisir à jouer ce qu’ils aiment plus que comme un brûlot révolutionnaire et c’est pas grave
parce que des titres comme ‘Field of love’, ‘Times are changing’, ‘Cold night’ ou Led by lust’ dégagent quelque
chose d’addictif; nos deux lascars se fendent même d’une reprise étonnante et plutôt réussie du ‘The sequel’
des Fields of the Nephilim. On zappera une fois encore les remixes fournis en bonus (mais à quoi bon ? ! ?
Personne n’en a rien à secouer) pour en arriver à la conclusion, un ‘Brickbats & higheels’ gothic dancefloor pur
jus dans ton mascara ! Sans personnalité spécialement marquée, ce disque tient pourtant la route de par la
qualité de ses chansons, certes consommables assez aisément mais qui pourraient conserver leur saveur au fil
des années. L’opposé d’un chewing-gum en fait et puis, bon, dans l’infinie nébuleuse des groupes du genre,
The Shallow Graves assurent très honnêtement leur contrat. Il faut dire que Christian Roßbach, le compositeur
n’est pas un débutant vu son passé au sein de Chassala, Madre del Vizio, Moribund Thirteen A.D. ou Jessica’s
ascension…
Note : 4/6
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France Sauvage : Live Series Vol. 6
C’est une musique immédiate. Non qu’elle cherche, "facilement", à jouer sur le familier. Pas qu’elle flatte une
quelconque attente. Mais parce qu’elle est… "Sans préalables". Pas seulement sans préambule – ce qu’elle est
certes également, là, qui déboule sur une syncope comme si elle en tombait, en coulait, qui clamerait qu’elle en
naît ; et pas non-plus qu’elle se prétende sans mémoire, prise à zéro quant à l’histoire, aux années qui
s’additionnent, de ceux qui la jouent ; non qu’elle se déclare sans savoir. Mais simplement : tout est improvisé,
sans planification, découvert également par tous au moment du concert – les hommes aux instruments en
même temps que le public. Pas de limite de style. Peut-être même pas de longueurs de vitesses décidées par
avance. France Sauvage – passé de quintet à quatuor puis, comme ici, trio (ce qu’ils sont encore à ce jour) –
avaient déjà décidé, à ce moment de leur parcours, de ne jamais répéter. Pas de répertoire. Des savoirs
mouvants, confrontés, qui jouent à se glisser, à se poursuivre. Ce n’est pas de l’art pour l’art : c’est poussé
plus loin, du cran qu’il faut pour que ça vive : le jeu se réalise lui-même, ne s’illustre pas, ne se fige pas ; il
prend lieu là où il pousse, fore, louvoie, et l’assistance fait une part, sans doute, de sa densité – on appellera
cela "l’ambiance" si l’on pense que ça suffit, en n’oubliant pas que ça veut alors dire un peu plus ; c’est
quelque chose qui fait corps avec et parmi les corps… Il serait certainement hors sujet, aussi, de chercher ici –
ou ailleurs, sur d’autres enregistrements des mêmes – à décréter un style qui nommerait la musique, se
définirait par des traits, des synchronies ou ruptures invariablement remis, repérables, mémorisables, qui d’un
disque à l’autre n’articuleraient que les variations d’une même voix, d’une parole, d’une forme continué mais
une-fois-pour-toute. À la rigueur les titres font indices. Ils seraient comme de curieux programmes. Ils sont
longs, ici ; on pourrait presque les confondre avec ces descriptifs de pièces folkloriques lus sur les disques
Ocora, qui posent des peuplades, des effectifs, des circonstances, des instrumentaires ; on croirait y trouver
du Dada, de la pataphysique, de l’ironie libre en écriture automatique… Les plages de cette cassette, elles – à
les comparer à celles d’autres de leurs disques – sont toutes relativement courtes, d’un peu plus de deux
minutes à un peu moins de sept minutes trente. Le rythme y est marqué, aussi, syncopé, disais-je. Physique,
presque machinique, l’abstraction de son motif seulement à une reprise volatile, flottant, alors qu’autours il
scande, enfonce, crénelle l’espace, séquence la ligne du temps. Ces morceaux en sont, en effet : des machines.
Elles portent, conduisent, sont des charges. Machines d’existences humaines. Connexions ouvertes,
pulsations de substances sonores. Ce qu’habituellement, en un sens plus réduit, conscrit, on appelle
"machines" – générateurs électroniques, boîtiers câblés entre eux ou sur eux-mêmes avec des déviations qui
déroutent leurs cris, effets, appareils de mixages – ne diffère pas, ici, des instruments censément plus
classiques : claviers, guitare et basse, peut-être, batterie… Tout produit un champs en mouvement, le peuple, le
parcoure, le modifie à mesure. C’est cela que j’appelle machine : indistincte de l’idée qu’à chaque fois ils
saisissent, tracent, à quoi ils acquiescent. Ça semble geste très brut, à l’instant de le recevoir, distinct de toutes
théories, arguties, pas distancié par eux. Une complexité, oui, mais sensible et rude. Quelque chose qui passe
et qu’on traverse, où l’on se prend – à remuer, aussi – comme on se plonge dans une matière ; celle-ci est
dense et magnétique mais n’englue pas, n’enveloppe pas les sens, l’écoute, d’une gaze d’engourdissement. On
est frappé, on roule avec, mais pas du tout sonné. Ce qui rend ces cinq titres prenants, ce qui fait que cet objet
n’est pas simple témoignage, document, c’est que leur imprévisible ne tourne jamais, là, à l’errance, à la vide
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dérive, à l’assemblage de hasard qui chercherait en vain comment lancer ou maintenir son mouvement.
Note : 4/6
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France Sauvage : On S'Regarde, On S'Écoute
Cette fois-ci les intitulés sont courts. Toujours étranges, comme d’une logique tordue, décalée, déplacée plutôt
qu’innocemment, intégralement absurde. On y lira ce qu’on voudra… Pour ma part j’y entends un jeu de
bizarres dérisions – champ de décombres historique tourné colifichet, décoration ; culte supposé exogène,
implanté, soudé à une vieille notion d'idéologie nationaliste du cru… Guirlande Zéro, Islam Réel. Deux plages
seulement, sur cette cassette, tirées de deux concerts. Deux improvisations qui pour ce coup s’étendent,
envahissent, investissent deux laps successifs, chacun autours des vingt minutes. L’humour de ces titres – ou
alors c’est autre chose… c’est au fond secondaire, ce flou, cet incertain, voire mieux comme ça – peut donc
grincer à certaines oreilles. C'est tout à fait adéquat. Leur matière non-plus ne rassure pas. Rien n’est lisse.
Tout sature. Le rythme cogné sur les éléments de la batterie brise les nappes d’électronique enharmonique,
perce, démolit l’étale aux bords qui de toute façon filent trop vite, passent toutes lignes, perdent le regard qui
veut les suivre, le point d’écoute. La frappe disparaît parfois, engloutie ou simplement interrompue, suspendue,
tranchée nette ou écroulée. Les attaques ne cessent guère. Simplement l’assaut s’épaissit ou s’aiguise,
l’abrasion se pulvérise en nuage ou se concentre en pointes, se densifie en blocs. Bruits électriques qui
débordent, encore ; coups acoustiques qui crachent pour ne pas que le courant, que la tension, que les flots de
particules vomis par les machines les effacent, les recouvrent. Une séquence d’applaudissements, de cris –
pris aux moments de relâche d'un autre concert ? stockés dans, joués sur un ordinateur, lus sur une bande ? –
est mise en boucle, précipitée, envoyée comme en contre à ceux qui font face, se massent autours du trio. "On
s’regarde on s’écoute". Oui, sans doute aucun, Bruil, Masé, Duval, s’observent, se tracent, s’anticipent. Ce sont
cette fois des tactiques de lutte, d’empoigne. "On se piège, on se déglingue" aurait aussi bien pu faire titre –
peut-être eut-il été seulement un peu trop littéral. Le disque tient – ô combien – le long de ces deux tronçons,
dans ces deux volumes qu'il excave et remplis, sa substance compacte. Parce qu'il y a bien tactiques de
guerre, disais-je, en interne – mais que la stratégie vise les gens autours, qu'il faut entrer dans le vif,
exactement ; pour que ceux-là renvoient du tumulte, poussent, remuent, se campent quand ça déferle. On
suppose en tout cas qu’il était difficile ce jour là, ce soir ci, de rester immobile, insensible, froid, dans l'espace
où tout ça tournait, chutait, se dressait. Cette fois encore je n’entends rien de lâche, d'hésitant, dans ces
champs qui grésillent et sifflent ; ces charges électroniques qui se magnétisent, se collent, se repoussent ; les
flottements mêmes sont affaire de densités qui basculent, ouvrent des vides en quoi tout de suite elles
s’engouffrent. C’est un plaisir fort – vibration pleine, morsure qui tonifie, grondement qui fait crier en même
temps que lui de joie, rire au revers de ce qui serait un effroi, entendu au mauvais volume. Tout craque, explose
sans fin, échappe, rien ne reste un instant en place – au point que le concept d’instant en perde sa pertinence,
dissout dans le remous sans cesse. On entend et on voit, on n'a le temps que de ça. On espère que France
Sauvage continuera de ne jamais tracer des figures identiques sur un plan répété. On se dit qu’ils passeront
bien tôt ou tard, tous les trois, dans nos parages divers aux bâtisses occupées légalement ou non, diversement
chauffées, aux proportions et dimensions de toutes sortes.
Note : 5/6
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Virgin in Veil : Virgin in Veil
Il en a toujours été ainsi avec Saph, c’est un boulimique de travail, toujours dans l’urgence créative…Déjà à
l’époque de Sleeping Children, il s’était senti le besoin de lancer en parallèle un projet plus dur, Gay Worms
Invasion (pas d’enregistrements malheureusement), afin d’étancher sa soif de punk. Rien d’étonnant
aujourd’hui, alors que Secular Plague est en train de se faire un nom dans la scène anarcho-punk élargie, que
l’envie l’ait titillé de lancer quelque chose de plus orienté deathrock. Le nouveau bébé s’appelle Virgin in Veil et
voici déjà une première démo trois titres. Je ne suis pas toujours très à l’aise avec l’appellation ‘démo’ car elle
suggère souvent une idée d’incomplet, ce qui n’est pas le cas ici. L’enregistrement est de bonne qualité et les
fans de deathrock y trouveront tout ce qu’ils aiment. Le Français installé en Finlande travaille vite et juste; pas
question d’arrangements alambiqués, de transitions, il s’agit de trouver les accords qui marquent, de ceux qui
provoquent une émotion directe et indélébile et ceux-là, Saph sait les dénicher. On retrouve dans ces trois
compositions, l’énergie purement punk qui caractérisait les débuts du style (en cela, l’expérience Secular
Plague a certainement aidé, d’ailleurs les paroles restent engagées socialement et spirituellement) avec la
touche sombre et torturée en plus, dans ce cas renforcée par les choeurs fort bien placés de l’épouse de
monsieur qui n’est autre que Suzi Sabotage, la talentueuse vocaliste de Masquerade. Alors voilà, tout ça est
très prometteur et on se réjouit déjà d’en entendre plus. 4,5/6
Note : 4/6
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RUSH : 2112
Le rock progressif, c'est plutôt un truc de droite. Ou du moins un truc de bourgeois. Évidemment aujourd'hui le
rock en général est devenu un truc de bourgeois, mais dans les années soixante-dix, cette constatation était un
peu difficile à avaler après les révolutionnaires sixties psychédéliques. C'est un cliché, mais le rock s'étalait
alors dans des spectacles pour stades, et le progressif devenu gigantesque tiroir-caisse à grand coup de
pompe était le symbole d'une décadence digne de la Rome antique. En soixante-seize, très bonne année par
ailleurs, l'explosion punk était au tournant de la rue, et il fallait bien un groupe comme Rush (Led Zeppelin-like
canadien arrivé sur le tard) pour continuer à foncer tête baissée dans ce qui se faisait alors de plus conchiable,
une "suite rock" de vingt minutes. Et comme si ça ne suffisait pas, de dédier la susdite à Ayn Rand, romancière
et "philosophe" à l'origine du mouvement objectiviste, gloubi-boulga mêlant éloge de l'individualisme et du
laissez-faire (en gros du néo-capitalisme à venir), technophilie et haine des religions (même si vu de loin, le
mouvement a un chouïa la gueule d'une secte, mais enfin ça ou la Scientologie après tout). Il n'en fallait pas
plus pour que le groupe soit voué aux gémonies de la part d'une critique musicale rock forcément de gauche.
Si, forcément, dans les seventies. C'est un peu comme quand Darkthrone colle une étiquette Norsk Arisk Black
Metal sur le livret de "Transilvanian Hunger" en fait, c'est vraiment chercher à se faire démonter alors qu'il y
avait déjà de quoi faire à la base (et tout comme les joyeux Norvégiens effaceront finalement cette bourde, Neil
Peart, parolier "intello" de Rush, tempérera plus tard son goût pour les œuvres de Rand). Et c'est d'autant plus
dommage que très franchement, l'histoire un peu, comment dire, neuneu, narrée dans le morceau titre ne
déborde pas exactement d'une exaltation littérale pour les concepts Randiens. On nage même un peu dans une
sci-fi gentiment culcul la praline, jusqu'à ce que le protagoniste principal, déprimé de ne pas pouvoir éveiller les
conscience grâce à la beauuuuté de sa musique, interdite par les tyranniques prêtres qui règnent sur une
société très orwellienne, se suicide ou se laisse mourir, j'ai pas bien tout compris. Bon au moins c'est les
méchants qui gagnent. Mais enfin, voyez le niveau du machin. Intellectuel qu'on disait à l'époque. Le revers
positif de la médaille, c'est que musicalement, ça se pose là, solide et grandiose comme un de ces temples
futuristes qu'on imagine dès l'intro toute synthétique. Comme Rush est avant tout un power trio qui fait un peu
le pont entre structures complexes et classicisme hard-rock (basse, batterie, guitare, rien de superflu), la
fameuse "suite" se tient d'un bout à l'autre sans dégueuler du solo intempestif, mais faisant globalement le
grand huit entre passages électriques tempétueux et délicatesse acoustique, selon les scènes et les
personnages incarnés par le groupe, à la façon d'un Pierre et le Loup de sci-fi hardos. Bon ok j'exagère, mais ça
passe vraiment bien d'autant que, et c'est là où le groupe trouve sa puissance, ce sont trois instrumentistes
assez uniques en leur genre et pour peu qu'on supporte de chant de Geddy Lee, sorte de Robert Plant sans
sex-appeal, et l'emphase propre au genre, ces vingt minutes se déroulent avec une aise déconcertante,
réservant leur lot de séquences de riffs-éclairs torturés et contre-allées rythmiques ainsi que de très belles
accalmies réellement envoûtantes. Une synthèse parfaite entre hard du début de la décennie et ambition
progressive mais jamais bêtement démonstrative. Pour couronner le tout, comme tout bon vrai groupe de prog,
Rush foire un peu la face B de son album. Alors qu'il y a objectivement des bons titres comme "The Twilight
Zone", son beau refrain grisâtre et un solo de guitare final bien crève-cœur, ou le magnifique "Tears" qui
prouve une fois de plus que la ballade acoustique est un exercice dans lequel les gars de Rush sont
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particulièrement doués (entre un vieux Crimson pour le lyrisme et disons, Scorpions, pour la voix). À côté de
ça, "Lessons" évoque plus les débuts du groupe, en très acceptable pis-aller Zeppelinien, mais le gimmick
chinetok (j'ai pas d'autre mot), de "A Passage to Bangkok" aurait dû rester dans les cartons. Reste le dernier
titre, sec, tranchant, juste tordu ce qu'il faut pour ne pas constituer un obstacle à un barrage de riffs et dont la
thématique cette fois très clairement Randienne (un truc sur la vertu de l'individualisme) nous ramène à
l'affirmation du début. À savoir que le prog est un genre de droite. Mais que le rock reste un truc anglo-saxon.
Parce que quand Rush sortait cet album aux sommets impressionnants malgré des thématiques plutôt
douteuses pour tout punk qui se respecte, en France on se tapait Michel Sardou qui chantait "Je suis pour".
Putain d'année, 1976.
Note : 4/6
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SIDA : SIDA (K7)
Lo-fi, lo-fi… Comment ça, comme "basse fidélité" ? Fidélité à quoi, d’abord ? Vous pensiez que ça promettait du
propre, avec un nom pareil ? Du sain ? Que ça vous devait quelque chose ? Vous croyez que ça peut dire autre
chose que "tu vas douiller et puis crever" ? En fait… Ça ne dit même pas ça. SIDA, en ses débuts, n’articule
rien – hormis cette agression patente et froide, ces quatre lettres frappées sur la pochette, les flyers, infiltrées
dans les annonces de concerts. Tout y hurle, tout est bruit. Ce n’est pas d’ailleurs que Maïssa et les autres
poliront vraiment le son, par la suite, ni qu’ils baisseront d’un ton. Mais ici c’est envoyé encore plus brut, pas
ébarbé, dégueulasse. Elle s’égosille et se fait des chœurs de crissements, les doigts crispés sur le clavier. Ces
nappes de crasse métal et celles que lâche la guitare de Luca ne sont pas forcément distinctes. Quentin martèle
aussi primaire que possible, et le fracas des ses trucs – cymbales, fûts, éléments – sature autant que les
décharges sans forme des deux autres. Il tape, à la rigueur, si on tient aux comparaisons, comme Ikue Mori du
temps de DNA – à ceci près qu’ici ça pousse parfois le défonçage jusqu’autours de huit minutes plutôt que
dans les trente secondes serrées. Et puis d’ailleurs… D’ailleurs si : tout ça est très "fidèle", au contraire,
adéquat, logiquement combiné. Parfait pour cette intention manifeste, forcenée : vous faire la peau ou au moins
que vous repartiez avec ce poison dans le sang. Encore une fois, tout est déjà dans le nom : ce ne sera que
déficience, ça saisira et ça broiera les anticorps avant qu’ils aient le temps même de bouger, de voire venir ;
une effraction qui imprimera la défaillance dans votre santé, votre sécurité mentale. Peut-être qu’au fond ces
jeunes-là – quel âge pouvaient-ils avoir, en 2010, ces deux types et cette fille ? – voulaient simplement se
défouler sans précaution, vider la rage. Il n’empêche. Je me rappelle parfaitement les avoir vus, deux ans plus
tard ou à peine, quand ils jouaient une mouture, une souche encore très proche de celle entendue là, de leur
brouet infectieux. Je me souviens très bien des visages verrouillés, de l’œil brillant mais fixe, coupant. Je n’ai
pas oublié la méchante jubilation de leur bordel sans structure, prolifération anarchique, la raideur des arrêtes,
pourtant, des segments – blam et tchack et maniaque, disais-je, insistait sans fin la batterie. Quelque chose de
fermé, d’hostile, une sorte – je maintiens – de "c’est ça, approchez, on va vous saigner". Et puis bien entendu :
je n’ai pas oublié comme c’était attirant. Parce que c’est attirant, les gueules de bêtes ou de machines en
tessons ; que c’est réjouissant d’être assez con pour embarquer avec des inconscients qui sans prévenir
éjectent le pilote et s’emparent des commandes ; tout simplement – restons lucide, ce n’est que de la musique,
ou autre chose qui la démonte, déboîte, déglingue, éviscère mais bref… – parce que c’est excitant, ce chaos
qui vous fond sur les cervicales depuis l’estrade. Ou depuis les enceintes, chez vous, si vous prend l’envie de
faire cailler l’air entre vos murs en même temps que d’y creuser des plaies. SIDA, disais-je, ne se sont depuis
pas calmé. Simplement ils ont appris – à contrôler leur bordel, à varier les attaques en angles, longueurs,
amplitudes. On comprend mieux désormais ce qui y était déjà : une espèce de garage – au sens du rock du
même nom, qui s’est toujours joué plutôt dans des caves que dans des garages véritables, d’ailleurs – dans les
hoquets soudainement suraigus et brefs ; la torsion et l’oubli de tout ce qui aurait pu faire base solide, qu’on
appellera no-wave si on veut – mais ce n’est pas le nom d’un genre ; c’est ce qui fait que ce n’est pas du twist
mais du spasme. De là, disais-je, ils allaient continuer. Et nous, à mesure, nous prendre au jeu de les danser,
leurs bastons, algarades, leur raids – pleine face et viande et os, pas moins déterminés, en les épousant ou en
les esquivant, leurs flexions et cassures vicieuses. J’aime ce qu’ils sont maintenant, quand ça ne vous fout
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toujours pas la paix. Je ne trouve pas affaiblie cette première dose massive, excessive, surcharge juvénile qui
sans doute ne voulait même pas entendre si elle pouvait ou non épuiser leurs propres forces.
Note : 4/6
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SOLITUDE AETURNUS : Alone
Solitude Aeturnus est un groupe texan, d'où ce latin on va dire... américain utilisé pour décrire le nom du
groupe. Vous pouvez déjà lire dans la chronique du premier album ce qui est important à retenir quant au style
pratiqué ici : ceci est un groupe de doom pré-internet ancré dans les années 80 et le lyrisme scandinave propre
à Mr. Marcolin, grosse touffe de cheveux frisés, vestes à franges sous les bras, strobo pendant la double
grosse-caisse à deux de tension - et cela n'a pas beaucoup changé en 2006 sur "Alone". Pourquoi donc
chroniquer cet album en particulier ? Parce que : c'est le dernier en date, la boucle est fourchée Obiwan, et
parce que c'est celui que j'ai le plus écouté. Moilà. Donc, si vous suivez bien, et que vous écoutez du doom au
dîner, entre deux enterrements et trois messes noires, vous saurez que des groupes comme Solitude Aeturnus
ne feront jamais dans la réforme de la tradition... c'est un peu comme si on demandait à Glen Benton de faire du
néo-metal. Non ? Hem, euh... c'est comme si on demandait à Rastignac de finir ses chroniques ? Bien, donc
une heure (remplissage de gueule du CD à FOND), de riffs lents et tristes, de chants désespérés qui partent
dans les trémolos type moine hanté par l'orient mystérieux et l'envie de se tirer une balle, tout cela arrangé au
poil : c'est carré, et beau, et lent, avec des solos sous la pluie de la déchéance. Alors, oui, le propos n'est pas
jouasse, y a qu'à regarder la pochette, mais en fait, ce fut un argument publicitaire pour moi quand je cherchais
à me déprimer à tout prix lors d'un lundi de Pâques il y a quelques années de cela : un mec qui se pend ça
rentre dans le cahier des charges d'un achat xanaxophobe ! Je pensais même, sans connaitre le groupe, qu'il
s'agissait d'un truc plus funeral à la Skepticism. Que nenni ! Vous êtes ici en terre Heavy Metal héritière des rois
Ronnie, Ozzy et Bobby, version pas gutturale du tout, très mélodieuse, et pas complètement suicidaire non plus
- tristoune, mais juste un poil, avec beaucoup, beaucoup de lyrisme, et en même temps un talent à lâcher la
bride pour laisser l'auditeur contempler le vide de l'existence entre deux headbangs au bord de la falaise. Un
gars disait ailleurs que l'écoute idéale doit se faire la nuit avec de la gnôle - évitez donc de vous mettre ça dans
les oreilles à 14H au bord de la plage au mois de juillet - à part si vous êtes un snobinard postmoderne bien sûr.
Idéal pour chanter comme un troll de Notre Dame, superbe album si vous vous sentez vraiment comme un
paria, mais de l'Opéra, ce disque, ce groupe est idéal pour vos introspections caverneuses, mais attention ! Il
parlera bien sûr plus aux goulus de heavy metal.
Note : 5/6
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Haiku D'Etat : Haiku D'Etat
Haiku d'Etat, supergroupe du rap alternatif de la fin des années 90, déborde de bonnes vibes, de sarcasmes
feutrés, d'intelligence. Leur son incrusté d'une finesse jazz-rock parlera aux plus raffinés et pinailleurs d'entre
vous, ceux qui reprochent trop souvent au hip-hop d'être une musique binaire pour bourrins. Dans l'esprit, on
est entre The Roots, les tous premiers MC Solaar, et Latyrx. Comme un Freestyle Fellowship en plus feutré... Et
rien d'étonnant, quand on voit quels sont les MC's au casting. Ces rappeurs de la côte Ouest qui sont les
ancêtres, confidentiels et occultes, de toute une frange abstract du hip-hop. Haiku d'Etat, c'est donc, sans
surprise, du boom bap intégralement organique, chaud, envoûtant et étrange, tissé d'élucubrations lugubres au
creux de l'oreille. Avec, hélas, un ou deux refrains qui sonnent un peu trop péniblement jazzy-couillons à mes
oreilles, comme sur le morceau-titre d'intro, et quelques flows pas toujours marquants, même s'ils savent se
faire complexes et avant-gardistes ("Pro-Tools Robots"). Mais vraiment rien de rédhibitoire de ce côté. Je
préfère focaliser sur le diaphragme... car progressivement, Haiku d'Etat augmentent leur énergie, réveillant le
beat qui dans leur âme est tapi. Un beat de caisse claire, des lignes de basse moelleuses, coussins sonores
douillets pour échapée hip-hop subtile, des détails finement ciselés... Un son jazz rap nocturne strié
d'abstractions sublimes ("S.O.S.", "Studio Street Stage", "Firecracker", "Kaya") et de boom bap bien dry à la
Organized Konfusion, donc de haute qualité ("Wants vs. Needs"). Haiku D'Etat sont bien capables de se vautrer
dans une ambiance sudiste-cool à la Lynyrd Skynyrd ("Still Rappin'") mais aussi, à l'occasion, de craquer des
moments flippés (le morceau avorté "West Slide Slip'n'Side" qui vire à l'altercation ordurière sur une instru
glaciale). Un album faussement tiède, pour lequel j'ai dû tourner mes tympans sept fois dans mes oreilles avant
de juger opportun de ramener ma fraise. Car son plein effet n'est pas immédiat. C'est un hip-hop qu'il faut
laisser s'ouvrir patiemment, pour qu'il embaume de ses parfums boisés, de ses vapeurs étranges. Du rap 100%
cousu main, qui a dû faire grand bien à quelques-uns en 1999. Pour l'ambiance adéquate, allumez juste une
bougie et un bâton d'encens.
Note : 5/6
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ACEYALONE : A Book of Human Language
« When they come they come, like a thief in the night...» Hip-hop trouble et nocturne ? Vous y êtes. Oui-ja ?
Oui-da... Hip-hop spectral, même, quand le flow, que certains esprits chagrins trouveront parasite, s'éclipse
pour laisser s'épanouir la musique de Mumbles dans toute sa délicate et versatile beauté, à travers ses
boucles-volutes. On savait Aceyalone rompu dans l'exercice, mais ce sophomore (je trouve dommage de ne
pas avoir de traduction en français pour ce mot que je trouve superbe, je l'utilise donc tel quel) prouve qu'il est
capable de se plonger sur un album entier dans des ambiances des plus feutrées, voire profondément
oniriques, les meilleures passages évoquant quelque cauchemar cotonneux d'opiomane. Hormis des interludes
comme "The Reason", qui rompent un peu le charme le temps d'une minute, tout dans cet album n'est que
sublime fugue jazz rap, dans une pénombre intemporelle... Le flow métaphorico-occulto-technico-intello-tiède
de Aceyalone, qui est du genre à utiliser un skit pour annoncer la tracklist dans un écho d'une solitude
pathétique, évoquer halluciné le souvenir du tic-toc de l'horloge de son grand-père, ou réciter un poème de
Lewis Caroll en voix trafiquée, se fond parfaitement dans ces instrus intimes, petit chat anonyme rampant dans
le gris de la nuit, sur des beats comme autant de toits et de gouttières, miaulant ses contes à quelque oreille
badaude... Ce hip-hop est vivant, il respire, il est à la lisière de deux mondes... C'est une nuit vaporeuse, une
cavale bavarde et fantôme... « The walls have ears, the windows have eyes, and a wise man tells no lies. The
walls have ears, the windows have eyes, and a dead man tells no lies »... Aceyalone nous prend par la main et
nous invite dans ses ruelles secrètes, loin de la violence de la banlieue, là où les chats deviennent ombres... Là
où tout n'est que menace et murmures... Là où les brèches dans le béton laissent passer le vent, les regards...
Lâchez un peu les Roots, si vous y êtes encore collés, et tempérez vos ardeurs sur les sorties les plus
envoûtantes de chez Anticon : c'est par ici que ça se passe, dans la brume, dans les bas-fonds... Hip-hop de
minuit...
Note : 5/6
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LOWBROW : Sex. Violence. Death.
Qu'est-ce qui fait la différence entre la bonne musique et la mauvaise musique ? Ben, tu vois, la bonne
musique, elle vise, elle touche, alors que la mauvaise, elle vise, elle touche mais bon, c'est pas forcément
pareil. Alors, peut-être que le critère discriminant restera l'ennui, ou l'impression que la musique vient marcher
sur les pieds. Deux exemples : il fait nuit, vous arrivez enfin à vous endormir, lorsque tout à coup une voiture
passe dans la rue avec du Booba à fond la caisse. Deuxième exemple : certains disques de metal pénibles. Ces
deux critères de pénibilité et d'ennui peuvent être liés à tout un tas de facteurs : répétabilité, mauvaise copie,
fainéantise dans la composition un peu trop évidente, fatigue générale dûe à la vieillesse prématurée des
neurones sous le coup de toxiques divers et variés... L'avis semblait unanime par ici sur le premier album de
Lowbrow. Pour remettre un peu le contexte en route, Lowbrow fut constitué par Allen West, guitariste
stupéfiant, après le split d'Obituary, puis son vidage de Six Feet Under. Monté avec des routiers de la scène
locale (mais quelle scène ! on se trouve à Tampa rimèmbeurre ?), avec entre autres des ex de Nasty Savage,
Death, Agent Steel, selon les line-up successifs, Lowbrow restera strictement confidentiel, avec une durée de
vie très courte, étant donné j'imagine le retour de West dans Obituary dès 2003 - certaines sources disent que
c'est à l'issue d'une tournée catastrophe que tout s'arrêta, mais cela ne nous regarde pas. J'ai donc entre les
mains le deuxième et dernier album du groupe... ça me titillait trop d'écouter ça, la chronique du premier album
"Victims at Play" semblait si définitive (premier album sorti le jour de la tuerie de Columbine s’enorgueillit
encore la bio du groupe qu'on peut lire sur leur site web 0.0 toujours en ligne. Ah ah.). Alors ? Toujours chiant ?
Toujours pénible ? Ben un peu, mais pas trop, on va dire dans le baromètre de l'ennui, un cran de plus vers
"tempête" par rapport à ma réception des premiers Six Feet Under par exemple. Lowbrow joue du bon death
d'ambiance, idéal pour que ça tourne en fond là, avec j'imagine peu d'illusions, le groupe restant celui d'une
bande de potes tapant le boeuf vu de loin... Quels sont donc les points négatifs ? Déjà, la voix du roadie
d'Obituary ayant monté ce groupe avec West... oui, c'est bien une espèce de clone fatigué de Barnes, trop mis
en évidence dans la production, et dont les paroles se veulent d'un glauque absolu mais tellement over the top
qu'elles font un peu sourire, genre le refrain beuglé dans "The Hatred you Create" : "your father hates you, your
mother hates you, we all hate you, why don't you just diiiiiieeee!". Mais pourquoi tant de haine ? Ben il suffit de
regarder le livret, et l'ambiance bien white trash, la bobine anti-héros du chanteur, le batteur posant avec ses
fusils automatiques, Allen West les yeux rouge bo183on sur toutes les tof, le bassiste tisant à la bouteille la
gnôle locale, sous les feuilles de bananier... arf. Ensuite oui, la production est trop plate, il faut vraiment
pousser le volume à fond, donc on entend encore plus le chanteur, donc c'est encore moins death de salon.
C'est tellement con que la guitare ne soit pas assez grosse ici, car c'est quand même le principal intérêt de
l'album : je n'arrive pas à me lasser de ces riffs tellement bloqués, patauds, gras et ces solos liant l'efficacité
avec la branlitude la plus totale... et donc voilà les points positifs, les riffs de gratte, englouti sous la voix du
gros roadie ! Dommage. Ce disque est donc bien carré, bien exécuté - à part la voix qui est parfois vraiment
rebutante -, mais vraiment mal produit, avec des morceaux qui sont parfois trop longs. Ce Sex. Violence. Death.
aurait pu être bon si de meilleurs choix avait été effectués, dans l'écriture, dans la production... on n'est pas
loin d'une possibilité, mais avec des Si ma bonne dame... Je serai donc un peu moins dur qu'el grande
Pokemonslaughter et je m'empresse d'ajouter une bouboule à la mémoire de cet album ci car il ne me casse
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pas les pieds à 100 %, ne m'ennuie pas trop, mais ne saurait être un bon exemple canon du genre death metal à
l'ancienne, simple et efficace, faute à cette production et à une envie de bien ficeler tout cela qui a dû échapper
aux séances douilles et tequila...
Note : 3/6
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Double X : Ruff, Rugged & Raw
Haha, ces poses super concernées... Touchant, vraiment ; mais les groupes de hip-hop agressifs et peu portés
sur le spitiruel - entendez hardcore - du milieu des années 90 avaient quand même une autre gueule, même
quand ils étaient de purs seconds couteaux sans la moindre originalité. Là je parle du son, bien sûr, traduction
hip-hop des couleurs et de l'esthétique de cette pochette. Le Double XX Posse, reconverti en Double X (parce
que plus de posse, et que "Double XX" = "XXXX", ce qui sonnait redondant), exactement comme ses voisins
Lords Of The Underground, était rigoureusement east-coast, jusqu'au bout des samples de cuivres. Le son de
Ruff, Rugged & Raw est totalement dans ce style organique, mi-racaille mi-jazzy, mi-nocturne mi-énervé. Il n'y a
ici aucun titre possédant un break aussi cramé que celui de leur excellent tube "Not Gonna Be Able To Do It",
mais ce deuxième disque de l'ombre, fauché mais pas cheesy, est comme le premier, avec un son peut-être
plus dark. Le côté gueulard et onomatopéo-débile des Double X me saoûle, c'est un peu le même sentiment
qu'avec le premier LOTUG, notamment sur des morceaux comme "Wreckin' It" ou "Wicked & Wild", mais pour
le reste, ce boom bap bien sec et brut de flow de Jersey fait bien le taff', je ne vois pas quoi demander de plus à
ce genre d'album, même s'il lui manque quelque chose, quelque originalité, pour être au niveau du premier
Onyx. Les deux MC's flowent en soudards, bramant comme des hooligans, et bricolent eux-mêmes leurs
instrus, pas du tout dégueu, totalement inspirées par la vague boom bap jazzy-sombre du moment, comme une
énième variante racaille et anonyme de 93 'Til Infinity ou Enta Da Stage. On oscille entre gueulantes bassement
thug ("Money Talks") et gros trips urbains bien boisés et rocailleux ("Make Some Noise", "8 Bars of Terror")
voire mobb-deepiens ("Stop That Playin'"). Ceux qui ne jurent que par M.O.P. ou Onyx savent déjà sur quoi
poser leur diamant.
Note : 3/6
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Władysław Komendarek : Deformator
Décidément, l'univers sonique de Władysław Komendarek est tissé dans l'originalité! On serait
porté à croire que le sorcier des sons Polonais, puisqu'il niche sur le label Ricochet Dream, ferait un style de
MÉ portée sur le modèle de la Berlin School. Il n'en n'est rien! “Deformator” poursuit là où Chronowizor s'était
arrêté, soit dans les terres de la musique sans frontières. Une MÉ insoumise où le très expérimental, le techno,
le Ska, le Drum'n'Bass, le Hip-Hop et l'IDM épicés de sauce psybient envahit nos oreilles et fait crier les voisins.
Certes il y a des parfums de la Berlin School, notamment pour les rythmes séquencés et les innombrables et
très bons solos de synthé. Mais pour le reste, ce dernier album de Władysław Komendarek porte
admirablement bien son nom avec des rythmes décousus, et des mélodies qui le sont tout autant, qui nichent
dans un impressionnant collages de percussions, de voix aussi agaçantes que séduisantes et de denses
orchestrations qui freinent la fureur des rythmes. C'est un album avec un Komendarek encore plus décapant,
plus mordant et incisif. Un Komendarek qui aime vêtir des habits de Frank Zappa pour déformer ses visions
satiriques de la société et de son actualité planétaire avec une musique totalement agressive et déjantée où les
structures se perdent et se déforment dans des allégories qui refusent toute forme d'esthétique.
Des percussions, des basses pulsations aussi agiles que les séquences. Le mouvement de "Consciousness
Mill" est pilonnée de manière vive et fluide. Il saute d'une oreille à l'autre avec une série de 5 pas qui trébuchent
par moments. C'est du gros up-beat, quasiment du speed-beat, avec des coups secs et feutrés où les
murmures en arrière-plan et les cliquetis des tsitt-tsitt halètent dans nos oreilles. Si le rythme bat de son
pattern minimaliste, les mélodies qui vont et viennent affichent une belle diversité et font contraste dans cette
pluie d'effets sonores et de balbutiements iconoclastes qui nourrie le côté très psybient de “Deformator”. On
aime ces structures de rythmes effrénés où le souffle nous manque après avoir danser et sauter en fou? On va
aimer le très vite et vorace "Nude Lips", qui est véritable marathon rythmique pour les oreilles. La voix agace
un peu, mais elle va parfaitement dans ce décor où la démesure est de mise. "Slaves of Mythology" est un peu
plus nuancé et son approche up-beat est noyé dans une forme de jazz-blues unique au monde de Frank Zappa.
C'est un titre que les voisins détestent! Après une intro ambiosonique teintée de nappes de voix angéliques,
certaines plus belliqueuses, "Guards of Silence" matraque nos oreilles avec des pulsations saccadées qui font
symbiose avec d'autres plus organiques. Divisé entre ses ambiances et son rythme qui devient technoïde,
"Guards of Silence" embrasse une approche qui me rappelle celle de Prodigy dans Music for the Jilted
Generation, notamment sur Break & Enter. Władysław Komendarek est comme un cheval fou et rue
dans ses structures avec une totale absence de filtre commercial. Les effets soniques sont envahissants et
perturbateurs avec des grosses torsades peintent de réverbérations et de grosses régurgitations soniques. Ici
comme partout autour des rythmes fous de “Deformator”, Komendarek utilise à escient des nappes de synthé
gorgées de prismes et d'orchestrations, donnant un sentiment éthéré à ses structures indomptables. Des
rythmes qui parfois nous paraissent un peu plus du style lounge, un peu plus tranquilles, comme dans les
charmes arabiques de "Love Daughters" et ses échantillonnages de percussions, de flûtes et de chants
claniques qui aromatisent une structure qui saute comme lorsqu'un microsillon sautant sur notre table
tournante. Ça peut être agaçant, mais ça reste attrayant. Surtout si on veut faire flipper la visite. Un beat lourd
qui martèle nos oreilles avec des accords de sitar dans une structure aussi insaisissable qu'un cochon huilé,
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"Totalitarian Engineering" amène une approche de techno (trsitt-tsitt) noyé dans d'innombrables collages de
voix déformées et de bruits hétéroclites. C'est assez indigeste, mais les amateurs de psybient défoncé à coups
de martèlements et d'effets de break-dance seront ravis. La flûte Perse, les percussions tablas apportent une
dimension tribale très éclectique à ce titre qui démontre que Władysław Komendarek n'a aucune
frontière et réussit à injecter des effets et arrangements qui captiveront votre curiosité sonique. Déjanté et
disjoncté! "World Great Slogans" est, et de loin, le titre le plus accessible dans “Deformator”. L'approche est
très Berlin School avec une belle ligne de séquences hypnotiques qui tourne en boucle dans des nuages de
radioactivité sonique. Le titre plonge dans un moment d'ambiances ectoplasmiques avant de revenir avec une
structure plus musicale. Il y a de bons solos de synthé, assez discrets. J'ai bien aimé. On accroche à la
première écoute. "Wife-Beater" fait dans du techno zombiesque avec des pulsations matraquées avec la
régularité d'un métronome, enfin pour ce qui est de sa première partie, avant que le rythme devienne un peu
plus instable en seconde moitié. Des riffs, des voix, des cris et d'autres éléments soniques sont au menu de ce
titre qui est sans doute le moins créatif dans “Deformator”. Ça vous donne une idée de quoi le reste à l'air! La
pièce-titre offre une panoplie de bruits insolites, de grésillements, de voix d'outre-tombe et d'effets soniques
psychédéliques sur un rythme mou. Sur des pulsations qui palpitent timidement afin de laisser toute la place à
ces nuées d'échantillonnages qui parfument la vision artistique très avant-gardiste, bizarroïde et déjanté de
Władysław Komendarek.
Si vous aborder “Deformator” en une seule écoute, il se pourrait que vous vous poussiez en courant et laisser
votre ombre toute perplexe en arrière. Il en faut plus afin d'apprivoiser cette toile sonique imprégnée d'audace
qu'est ce dernier album de Władysław Komendarek. Le techno-trash ou l'IDM moulé dans du
psybient de haut niveau! Nous sommes bien loin du Berlin School et même de ses dérivés. Pourtant les
séquences, les arrangements et les solos de synthé ne peuvent nier les chemins déterrés par Komendarek pour
se rendre où il est rendu. Il faut juste oser. Habituer ses oreilles à quelque chose de déjanté. Et des fois, ça fait
du bien. “Deformator” est à déguster à petites doses. Même si des fois on juge que l'on peut passer au travers
sans trop de difficultés. Un gros A pour l'originalité.
Note : 4/6
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Forrest Fang : Letters to the Farthest Star
Bien que très loin du style de musique ambiante usuelle, la musique de Forrest Fang revêt un cachet unique
avec cette fusion de Folk ambiant à des parfums d'Orient. Autant à l'aise avec une panoplie d'instruments
acoustiques orientales (sur "The Unreachable Lands" la Luth Turc, les violons chinois et les percussions
Indonésiennes dominent ambiances, rythmes et harmonies) qu'avec des instruments électroniques, le musicien
et synthésiste sino-américain aime dessiner ces brises et ces vents des synthés afin de tisser des paysages
harmoniques et soniques qui donnent encore plus de couleurs, plus de reliefs à une musique ambiante
délicatement secouée par des approches de ballade ancrées dans le Folk américain. Le résultat est toujours
assez séduisant. Scindé en deux parties, “Letters to the Farthest Star” reste un album méditatif et
mélancolique. Si "The Unreachable Lands" propose des rythmes de la musique du monde à des ambiances
tétanisantes ponctuées d'interludes harmonieuses et entraînantes, le reste de l'album nous plonge dans le
sombre univers de Forest Fang où de ténébreuses ambiances avalent des rythmes aussi évanescents que les
mélodies qui les ornent. Au final, il en résulte à un album très poétique où les deux pôles de Forrest Fang se
côtoient sans jamais vraiment se fusionner.
Ça débute tranquillement. Une onde de vents s'élève pour balayer les horizons de couleurs irisées où les
chants d'un bleu brillant se perd dans de sourdes et sombres réverbérations. La quadrilogie de "The
Unreachable Lands" détache sa première partie avec des notes d'une guitare pensive qui sort des vents de
"Unsail". Forrest Fang nous conduit dès lors vers un rythme lent. Vers la ballade d'un genre Bayou de "Song of
the Camel". On roule du cou. C'est délicatement entraînant. Les percussions moulent un délicat mouvement de
transe spirituelle alors que la ligne de basse sculpte un genre de blues très tribale et que les flûtes dégagent
des harmonies festives nappées d'un parfum d'Orient. Les sombres vents reviennent pour orner les ambiances
de "Water Village" d'un étanche voile sibyllin. Les deux premières minutes sont ténébreuses. Elles sont le
sombre prélude à une structure de rythme aussi suave et lascive que dans "Song of the Camel", la ligne de
basse et vicieusement entraînante, qu'un violon chinois recouvre d'un linceul ambiant. C'est du pur Folk
ambiant à la Loggins&Messina. C'est un point de référence qui me vient comme ça et que je trouve assez
pertinent. D'ailleurs la musique de Forrest Fang est un sublime mélange de Folk américain et de Folk oriental
que des parfums de MÉ embaument d'une reposante aura méditative. "Hermitage" conclut la saga "The
Unreachable Lands" avec une approche pensive où le violon, on dirait une harmonica, pleure dans les sanglots
d'un piano. C'est tendre et très mélancolique. C'est un petit fil qui nous conduit à l'autre versant de “Letters to
the Farthest Star”.
"Burnt Offerings" échange son introduction nouée dans des vents creux pour un rythme toujours aussi lent et
folklorique. Une ballade ambiante qui se perd dans les vents de son intro et fragmente ses accords acoustiques
dans la turbulence des vents synthétisés. "Veldt Hypnosis" nous amène dans les territoires un peu plus
électronique de Forrest Fang. Une nuée d'ondes de synthé aux lignes ondoyantes et aux chants sibyllins
forgent une étrange mélodie ambiante dont le chant spectral secoue des cordes remplies de clochettes. Le
rythme qui éclot provient de deux lignes de percussions. Une est fluide avec de coups vifs qui sculptent la
marche électronique d'un iule avec des castagnettes à la place des pieds. Et l'autre est lourde et pesante avec
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des tonnerres de tambourinements qui forgent un ciel rageur et tapageur. Les deux lignes réduisent dans un
état de quasi absence une délicate mélodie puisée dans les multiples clochettes. Une mélodie qui perce cette
orage de tam-tams, dont seuls les coups fluides et vifs ont su résister à l'usure des 8 minutes de "Veldt
Hypnosis". L'effet dans un salon est tout simplement renversant. Les ambiances sont lourdes et toujours
menaçantes, comme le très ambiant "Fossils" et ses accords de six-cordes qui cherchent ses harmonies dans
des vents hurleurs. Une discrète ligne de séquences sculpte le rythme ambiant de "Seven Coronas" qui
ascensionne des paysages soniques très méditatifs avec des larmes de violons qui coulent sur les harmonies
des carillons. C'est triste et le violon est assez poignant. "Lorenz" propose une nuit d'étoiles filantes dont les
sillons dans le noir firmament tissent des harmonies égarées dans d'obscurs et denses vents aussi noirs que
creux. Nous sommes dans de l'ambiant sombre et très enveloppant, comme le gant d'une nuit noire. Et c'est
encore plus vrai avec "Lines to Infinity" et ses accords de guitare qui grattent une mélodie qui cherche toujours
sa forme dans d'épaisses strates de synthé aux couleurs aussi obscures que ces longs passages à travers les
grottes sans lumières des déserts américains. Nous avons droit à 3 titres en bonus si on achète la version
téléchargeable de “Letters to the Farthest Star”. Et je dois dire que ce n'est pas juste du remplissage. Le remix
en version ambiante de "Water Village" est très bonne. On dirait plus que nous sommes dans des déserts
californiens du temps des cowboys avec un rythme nettement plus lascif. Nous percevons encore mieux les
très discrètes harmonies de l'harmonica ici et ça donne au titre une belle approche de western lugubre,
quasiment apocalyptique. Je préfère mieux cette version de "Burnt Offerings" où tout est nettement mieux
nuancé, notamment le jeu des percussions qui sont plus lourdes et plus détaillées. On plonge littéralement
dans les œuvres des déserts californiens de Steve Roach. Très bon! Par contre, j'aime mieux la version
originale de "Song of the Camel". Ici, dans sa version déconstruction, on peine à retrouver son essence.
J'ai bien aimé “Letters to the Farthest Star”. Forrest Fang y est résolument moins arythmique que sur U183ound,
même que parfois il fait preuve d'une bonne dose de violence sauvage qui équivaut à une horde de chevaux
piétinant des nids de fourmis. Il y a beaucoup d'ambiances et de profondeurs, tant dans les phases ambiantes
que les rythmes. Et ces petites interludes mélodieuses qui vont et viennent ajoutent encore plus de charmes à
un album qui malgré tout demande une bonne dose de curiosité à ceux qui ne connaissent ni ne s'intéressent
au genre. Pour les autres, vous allez adorer. Mais en tout temps, la découverte de Forrest Fang devrait rester à
votre agenda.
Note : 4/6
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Faber : Stories
Voici une petite découverte que j'ai faite dernièrement qui s'adresse à ceux qui n'aiment pas vraiment la MÉ
compliquée. Faber n'est pourtant pas un nouveau venu dans la sphère de la MÉ allemande. Ce projet du
musicien/synthésiste Allemand Ronald Schmidt est sur pied depuis près de 15 ans avec un premier album,
paru aussi sur MellowJet Records, intitulé Spacefish. Son histoire d'amour pour la MÉ débute au début des 70
avec la découverte d'artistes qui affectionnaient un genre plus classique, soit Wendy Carlos et Tomita. En
fouillant un peu plus sur Internet, j'ai lu que ses influences variaient de Tangerine Dream à Klaus Schulze, en
passant par Mike Oldfield et Wendy Carlos. “Stories” est son 10ième album. Il comprend une dizaine de titres
où la musique tourne autour des rythmes et des mélodies d'un genre plus accessible, comme Tangerine Dream,
mais surtout Kraftwerk pour le style synth-pop très Teutonique et Robert Schroeder pour le style groove lascif.
Ce qui étonne est la richesse du son. La profondeur des arrangements. Ronald Schmidt ne laisse rien au
hasard en multipliant des orchestrations et des lignes de synthé aux couleurs très harmoniques avec une
approche structurelle dans les mélodies qui me rappellent vaguement la musique de Vladimir Cosma. Voilà une
belle surprise et un beau rendez-vous musical où chacun des 10 titres de “Stories” vous laissera le doux
parfum sonique d'un agréable ver d'oreille.
Et c'est tout en douceur que débute ce petit recueil musical de Faber. Des lignes de synthé chatoyantes
caressent de leurs chauds rayonnements des doux arpèges dont les ombres qui se détachent tintent comme
dans ces mélodies du Dream, période Underwater Sunlight. Une ligne de basse rampe autour de ce mini
carrousel sonique, forgeant un mouvement ascensionnel minimaliste qui cherche son appui sur de sourdes
pulsations. L'enveloppe sonique est très riche. On entend un synthé siffloter un air spectral, alors que les
sobres percussions accélère à peine la cadence de "Summer Breeze" dont l'enveloppe musicale et les
ambiances portent admirablement son nom. Le rythme est doux, un peu comme une ballade ambiante. Des
arpèges déboulent comme les notes d'une harpe que l'on caresse du revers de la main, alors que d'autres se
détachent pour forger une mélodie romanesque avec de délicats tintements, comme un xylophone éthéré.
"Summer Breeze" tombe alors dans un bref passage ambiant avant de renouer avec son rythme doux où les
brises et les vents unissent leurs douceurs afin de siffloter cette mélodie spectrale que l'on retrouvera à
plusieurs endroits dans “Stories”. "Summer Breeze" donne le coup d'envoie à un album où chaque structure
génère des similitudes sans pour autant se ressembler étroitement. Je pense entre autre au très beau "L'air
Part I" et ses ambiances cosmiques sur un rythme sautillant délicatement. La mélodie sifflotée au synthé est
tout simplement envahissante. Je vous mets au défi de ne pas craquer pour cet air spectral qui nous ronge les
oreilles pour longtemps. Un phénomène que l'on observe sur les 10 titres de “Stories”."Lonely Heart" est à peu
près dans le même genre, mais avec une belle approche à la Food For Fantasy. Idem pour le slow tempo qu'est
"Bon Voyage" qui est bien arrosé d'un synthé aux parfums de saxophone. Un synthé tout de même assez
électronique qui lance aussi de bons solos.
"Happy in Berlin" est mon premier coup de cœur sur “Stories”. La structure de rythme accroche tout de go
avec des pulsations et leurs ombres résonnantes qui accueillent un superbe solo à la mélodie aussi enjôleuse,
et même plus, que dans "Summer Breeze". C'est très Teutonique. Près d'un bon synth-pop avec de beaux
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arrangements. À la limite même près de Kraftwerk, surtout avec les refrains chantés sur un vocodeur. Le
rythme est entraînant. Sec et saccadé, mais en même temps fluide et bien alimenté par cette multitude de
pulsations qui résonnent dans des percussions très robotiques, créant une oblongue forme ondulante et
saccadée. Comme un gros boa sur acide qui grimpe un mur de rocaille. Loin d`être agaçants, les refrains du
vocodeur sont aussi ensorcelants que les harmonies sifflotées par un synthé très accrocheur. "Tangerine
Lights" démarre avec des grosses pulsations organiques qui résonnent dans les échos de percussions aux
tonalités métalliques, genre Reggae. Des nuages de brume allégorique envahissent cette intro alors qu'une
mélodie très New Age en orne sa parure. Le rythme bascule vers du synth-pop alimenté par des pulsations
organiques stroboscopiques qui tournoient en symbiose avec une série d'arpèges séquencés. C'est mignon et
assez commercial. La mélodie qui en sort me rappelle les légèretés de Vladimir Cosma. "Miami Race" offre un
rythme endiablé avec un bon maillage de pulsations, de séquences, d'arpèges vifs et de percussions. La piano
est divin et suit la vitesse d'un rythme sec et bondissant. Du bon up-beat enveloppé dans des nuances qui font
contrastes avec un rythme infernal, notamment ces longs et lents solos qui sillonnent la violence. Et du rythme
et du piano. "New Elements" nous plonge littéralement dans les ambiances de Kraftwerk et de Man-Machine.
On est vite séduit par deux structures de rythmes qui se croisent dans des vélocités contraires. Et ce
Vocodeur...Que de souvenirs ici! On va craquer aussi pour le rythme ondulant de "Night Flight" alors que "Fairy
Tales" est plus vivant. Plus musical aussi avec ce synthé rempli des parfums d'une flûte de Pan et ces
séquences qui sautillent dans leurs ombres avec des tonalités mixtes.
Ça m'a pris du temps avant de vous parler de “Stories”. Je l'ai écouté sous toutes ses coutures afin de me faire
une idée plus subjective; le synth-pop ou la MÉ accessible n'étant pas vraiment ma tasse de thé. Mais je me
suis fait prendre à mon piège. À force d'écouter, mes oreilles furent inonder d'une nuée de ver d'oreille. Des airs
qui obsèdent encore. Et surtout un style que Kraftwerk avait jeté à la poubelle après The Man Machine. Et peu
importe les angles, j'ai bien aimé cette première expérience avec la musique de Faber. Assez en tout cas pour
plonger dans Ways que mon bon ami Nick me décrit comme étant très bon. L'univers de Faber est très
mélodieux. Et même si l'ensemble reste très accessible, rien n'est fait dans la facilité. Les rythmes sont aussi
riches que très diversifiés, débordant même du cadre de la synth-pop pour caresser le Groove, le Chill-out. Les
synthés exultent les couleurs de l'imagination tout en lançant ici et là de très bons solos. L'union donne un
genre de synth-pop très progressive avec de solides arrangements qui sont aussi obsédants que les mélodies
qu'ils encadrent. C'est la belle musique. Bien faite et bien écrite. Le genre que Robert Schroeder affectionne
depuis quelques années, mais avec une approche un peu plus convaincante. Bref, je vous le recommande sans
hésitations. Et ce même si nous sommes hors des terres de la Berlin School
Note : 4/6
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Sayer : Sounds of Atoms
Oh boy! “Sounds of Atoms” est une véritable bombe qui s'adresse à ceux qui aiment le genre de MÉ
intensément séquencée. Une musique qui regorge de rythmes endiablés et de mélodies accrocheuses. Sayer
est un musicien/synthésiste américain qui est dans le domaine de la MÉ depuis près de 25 ans en tant que
producteur et, à ses heures, compositeur. Sa vaste expérience l'a amené à côtoyer tous les courants musicaux
et à en saisir toutes les nuances. Ce faisant, sa musique est étonnement bien structurée pour un nouveau nom
dans le milieu. Un nouveau nom? Pas vraiment. “Sounds of Atoms” est son 3ième album après un silence de
12 ans. Soit après la sortie de Past-Present-Phuture en 2001. En tout, Sayer a produit une dizaine d'albums qui
ont effleurés toutes les sphères de la MÉ moderne. Réalisé en Janvier 2014, “Sounds of Atoms” est une
véritable mine d'or pour ceux qui aiment une MÉ énergique, lourde, sombre et énergisante qui ne délaissera en
aucun moment une approche mélodieuse brodée dans les corridors du cosmos. C'est lourd, c'est puissant! Il y
a un mélange des périodes de Tangerine Dream, notamment au niveau des séquences et des ambiances, et de
Jean Michel Jarre, pour les rythmes, les percussions, les ambiances cosmiques, les mélodies et les solos de
synthé sur cet album qui étonne à chaque titre.
La pièce-titre démarre avec une suite de séquences oscillatrices qui défilent en tournoyant. Des percussions
claquent et résonnent, redéfinissant ainsi le rythme ambiant de "Sounds of Atoms" en un doux down-tempo
morphique. Agréable et entraînant, le rythme gambade légèrement dans une averse de gazouillis organiques,
de tonalités cosmiques ainsi que d'ondoyantes nappes de synthé qui le caressent avec une tendresse
harmonique. La structure "Sounds of Atoms" suit une douce courbe évolutive initiée par une succession d'ions
sauteurs qui s'accrochent aux ombres des autres. Le rythme devient ainsi plus lourd, plus sautillant avec des
frappes de percussions plus accentuées, alors des séquences se détachent, certaines avec des tonalités d'un
Vocodeur aux effets organiques, afin de forger un mouvement contigüe qui dessine de longilignes lassos
stroboscopiques. Les oppositions des phases sont bien balancées et représentent l'un des charmes de
“Sounds of Atoms”. L'autre étant les mélodies. Comme sur "Subatomic Particles" qui attaque nos oreilles avec
des séquences lourdes, sombres et vives. Un titre tissé sur de multiples enchevêtrements des séquences et de
bonnes percussions sourdes, "Subatomic Particles" nous balance une superbe mélodie cosmique qui va
nourrir les Giga-octets de mon i Phone. Deux phases harmoniques sont présentes sur ce titre qui bouillonne de
ses séquences hyperactives. L'une provient du synthé qui est tout simplement superbe, tant dans les solos que
la mélodie, et l'autre des séquences qui isolent un segment avec des arpèges qui tintent comme des coups sur
une enclume finement cogné sur une structure de rythme très enlevant. C'est très bon! Et plus on avance et
plus on croule sous le poids des rythmes lourds et très entraînants de Sayer. "Kinetic Energies" va nous
mordre les tympans avec ce maillage de séquences, de percussions et de pulsations qui font trembler les murs
depuis que la pièce-titre s'est détaché de mes haut-parleurs. Le rythme ici est vif. Battu avec fureur, il change
aussi de peau alors que le synthé, ses solos et sa mélodie, est tout autant efficace que dans "Subatomic
Particles". Sayer y multiplie des lignes de rythmes avec des mouvements de séquences aussi lourds qu'agiles.
Les rythmes changent constamment de peau, arborant de beaux paysages soniques cosmiques.
On reste dans le domaine du lourd rock électronique, ou on embrasse un genre de musique de danse
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collective, avec "Cyclotron" et ses multiples changements de rythme qui permutent sans jamais atteindre un
seuil de musique ambiante. Le jeu des séquences est assez impressionnant. Il y en a qui volètent, d'autres qui
papillonnent, certaines qui hoquètent alors que d'autres se déguisent en sournoises pulsations, tissant une
structure de rythme qui s'éclate sous les charmes d'un synthé aux solos très accrocheurs. Certes, les rythmes
peuvent épouser des formes stationnaires par moments, comme ici, mais ils restent vifs et lapidaires.
"Oscillating Fields" tempère les ambiances avec une ritournelle de séquences limpides qui dansottent et
oscillent avec une fascinante délicatesse. Certes, les percussions gazées, les effets cosmiques, les pépiements
des séquences et les réverbérations organiques restent toujours présents dans le décor sonique “Sounds of
Atoms”, conférant à chaque titre une profondeur qui hypertrophie sa conception initiale. On tombe un peu dans
le synth-pop avec "Retrospection", qui fait très Jean Michel Jarre, pas autant que le très surprenant "Particle
Beams" qui lui fait un Jarre plus près de London Kid, avec des bons solos de synthé sur un rythme bondissant
comme une nuée de ruades. Le rythme fini par assouplir sa cadence pour donner un beau galop éthéré très
harmonieux à la TD. "Cosmic Rays" est lourd et nerveux. C'est un solide titre forgé dans ce dynamisme des
séquences et percussions qui tiraillent les rythmes de “Sounds of Atoms”. "Angular Momentum" belle ballade
ambiante avec des arpèges séquencés dont le pas hésitant dessinent une ascension vers un cosmos orné de
filaments lumineux qui sont parfumés des tonalités analogues cosmiques vintage. C'est très beau, quasiment
onirique, et, évidement, la structure augmente sensiblement sa cadence mais conserve tout de son charme
innocent. Après la structure assez dance de "Particle Beams", "Atomic Age" clôture ce 3ième album de Sayer
depuis son retour en 2013 avec une structure qui se rapproche de "Angular Momentum", mais avec plus de
fébrilité dans ces demi élans rotatoires.
Lourd et puissant avec des structures de rythmes en demi teintes et des mélodies qui accrocheront un sourire
à votre banque de souvenirs, “Sounds of Atoms” est une très belle découverte. Je ne me souviens pas d'avoir
entendu une MÉ aussi vorace dans une enveloppe de 77 minutes qui ne connaît aucun répit et qui ne tape pas
sur les nerfs. Les rythmes sont puissants et ne portent pas ombrage aux très belles mélodies cosmiques qui
ornent un décor sonique très interstellaire. Jean Michel Jarre, Faber et Tangerine Dream! Des points de
références et de nuances qui expliquent un peu mieux pourquoi j'ai été autant charmé par cet album de Sayer.
J'ajouterais même du Synergy pour les rythmes noirs de la période Cords. Tout un cocktail qui explose
savoureusement dans votre salle d'écoute.
Note : 5/6
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Givens & Padilla : Life Flows Water
Un souffle creux, noir et très réverbérant assiège nos oreilles. Des cloches, genre Tibétaines, résonnent dans
ces vents sombres alors qu'une autre ligne de synthé, un peu plus translucide, fait le contrepoids à cette
introduction assez ténébreuse de “Life Flows Water”. D'autres lignes de synthé dessinent des nuages de
brumes qui volent très lentement autour de cette dense nappe opaque, alors que d'autres étendent des
filaments de prisme qu'on dirait échappé d'un lourd et lent vaisseau intergalactique paqueté d'oracles
cosmiques. Immersif et très flottant, "Opening to New Perspectives" multiplie ses couleurs sibyllines comme
on regarde médusé cette eau qui ondule tout en étant prisonnière de son rectangle. J'ai peine à croire que “Life
Flows Water” fut enregistré en direct, tant la richesse et la couleurs des sons forment une symbiose avec le
léger crescendo de rythmes ambiants qui envahissent nos enceintes acoustiques, notamment avec les
superbes "Awakened Conciousness" et "A Step Achieved". Craig Padilla n'a plus vraiment besoin de
présentation. Ceux qui connaissent ses œuvres savent à quel point il aime sculpter des paysages soniques
ambiants ornés de délicates structures de rythmes ascensionnels. Pour “Life Flows Water”, il fait équipe avec
le fondateur du label américain de musique d'ambiances Spotted Peccary Howard Givens que l'on défini aussi
comme étant un gourou créatif. Il en résulte en un album ambiant très sombre avec une multitude de lignes
réverbérantes qui s'empilent afin de dresser un genre de décor apocalyptique. Avec ces 7 titres qui
s'entrelacent en une longue saga ambiosphérique de 70 minutes, le duo Givens/Padilla vise à créer une
ambiance Zen ici, mais les ténébreuses vagues de synthés qui s'entortillent inlassablement amènent l'ouvre au
bord d'une histoire spirituelle Méphistophélique. Les ambiances sont intenses, atteignant même des sommets
par moments avec de superbes crescendos rythmiques qui déroutent à merveille cette enveloppe très obscure
de “Life Flows Water”.
Les longues vagues de synthé noires s'entremêlent comme des amants métaphysiques. Elles flottent et
décorent le nébuleux paysage sonique de "Opening to New Perspectives", sifflant des chants amorphes avec
de lentes lignes gonflées de réverbérations. À l'orée de cette noirceur, de fins arpèges hoquetant forgent une
série de tambourinements qui palpitent et pétillent dans un ciel sonique aux couleurs de Morphée. Le
crescendo ambiant se déverse dans "Awakened Conciousness". Ces séquences gambadent maintenant. Elles
voltigent maladroitement dans des vents sombres alors que d'autres séquences palpitent dans une
envahissante trame sonore qui se vêt d'un manteau dramatique. Et les percussions tombent. Elles tonnent
momentanément sur cette spirale de séquences disloquées qui ornent sa ligne de rythme ambiant de fines
ruades avant que les lourdes ambiances de “Life Flows Water” ne taisent la tumulte. De longs lassos de
réverbérations flottent comme une odeur de menace au-dessus des chants d'oiseaux qui ouvrent "A Step
Achieved". Un délicat mouvement de rythme hypnotique fait tinter des séquences, plongeant l'auditeur dans
ses souvenirs Michael Stearns dans M'Ocean. C'est un superbe morceau que nous offre le tandem
Givens/Padilla avec des arpèges limpides qui tintent sur un savoureux mouvement ascensionnel toujours
maquillé de ces longues torsades bourrées de résonances. Superbe! "Reflection and Metamorphosis" nous
amène dans le cœur des abysses de “Life Flows Water” avec des stridents chants de sirènes. C'est lourd et
sombre. Sauf qu'une éclaircie se pointe à l'horizon avec l'arrivée de "Tide of the Opposition Moon" où de fins
arpèges tintent dans un autre mouvement de séquences avec des ions qui tissent une turbulence rythmique
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intermittente. La pièce-titre est le nirvana de “Life Flows Water” avec un rythme ambiant qui serpente des
nappes d'eau suspendues comme un lac entre le cosmos et la terre. Les lentes impulsions qui poussent le
rythme ambiant, dessiné par une série de séquences qui tintent comme le squelette d'un serpent rampant sur
un lit de roche, créent de bons moments d'intensité qui séduit l'écoute. Moment le plus serein de l'album,
"Shavasana" nous amène vers cette zone Zen visée par Howard Givens et Craig Padilla. Certes, les souffles
rauques sont toujours envahissants. Mais les lignes de synthé plus radieuses en maquillent l'approche
rébarbative que ces longs boas aux amples et lents serpentins ocrés de soufre dessinent un peu partout autour
des 68 minutes de “Life Flows Water” qui boucle sa boucle avec ce dernier titre. Et même si fortement teinté de
ce voile obscur, ce dernier album de Givens et Padilla demeure une œuvre assez poétique. Une œuvre
majoritairement ambiante qui est nouée autour de belles gradations dans ses rythmes dont les tintements et les
tambourinnements sont le secret de ses charmes.
Note : 4/6
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Ultra (Kool Keith & Tim Dog) : Big Time
Le Docteur Octagon ne s'exprime pas encore explicitement, mais, croyez-en ma nausée et mon flair : il est là,
tapi dans le halo de ce g-funk asbtract entrecoupé de gémissements féminins lascifs. A moins qu'il ne s'agisse
d'un de ses patients ? Kool Keith déroule ses trips axés sexe sale, zoophilie et anti-rap mainstream. Son
sulfureux sidekick tartine encore un peu plus de sa fameuse cire à la penicilline. Kut Masta Kurt leur dessine
des corridors et des néons. Cet album a un son très aéré, pour pas dire simplement cold-minimal, qui parlera à
ceux pour qui Dr Dooom ou Octagon sont un peu trop conceptuels. Mais Big Time est un des albums les plus
flippés de Kool Keith, ne vous y trompez surtout pas. Vu de loin, c'est le parfait petit disque de gangsta rap
underground. Vu de près, plutôt le genre d'album de hip-hop qui passerait dans une station-essence vide à
deux heures du mat'. Ou dans un asile psychiatrique. Les deux rappeurs dissidents, internés pour
schizophrénie avancée, zonent dans des couloirs longs et vides, à la Shining, se tapant des délires lowrider
avec les lits à roues, piquant tout ce qu'ils trouvent dans le caddie à cachets en suivant l'ordre alphabétique
des étiquettes, entrant dans les chambres pour tripoter les mamans bipolaires pendant leur sommeil
chimique... L'infirmière de nuit est séquestrée quelque part, dans un placard, les MC's lui ont fait avaler tout le
tercian... Et puis ils se sont déguisés avec des draps, comme Michael Myers, continuant leur cavale dans on ne
sait quelle dimension mentale... Il fait un froid de canard, ici...
Note : 5/6
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Tim Dog : Penicillin On Wax
Dans l'Hexagone on a eu MC Jean Gab'1, avec "J't'emmerde", branlée en panoramique sortie de nulle part. Les
ricains, dans le même genre de coup de pute totalement cool, ont eu en 1991 Tim Dog, le MC gangsta-bourrin
du Bronx proche des Ultramagnetic MC's qui a sorti un diss-album avec comme optique principale d'insulter
copieusement N.W.A. En ce temps-là, c'était comme si un banal cureton de campagne s'attaquait au
Saint-Siège. Sauf que Tim Dog est tout sauf un banal MC, et que son premier solo rivalise sans problème avec
les deux premiers Ice Cube dans ses moments les plus brutaux. Pour cette hérésie, prouvant que la déglingue
dans le hip-hop n'était pas forcément du côté géographique qu'on croit, il a fait dans la qualité, le salaud. Car
l'efficacité de Penicillin On Wax (quel titre !) ne se résume pas à sa dimension comique ou au charisme brut de
décoffrage du très prosaïque Tim Dog. Ce skeud bourré de gouaille et de groove est doté de beats gravement
pétés dans le style boom bap funky. Et Tim Dog commet un viol microphonique là-dessus. Le molosse
provocateur est parfaitement dans son élément, et il se déchaîne, sans perdre ses gourmettes, qui ne font pas
deux kilos chacune pour rien. La branlée intégrale, ou pas loin. Faut dire qu'il est difficile de pas capter
l'attention en rappant aussi crûment sur "Across 110th Street" de Bobby Womack. "I ain't taking no shorts" a
un des sons les plus crades qui soient pour le hip-hop de l'époque. "I'll wax anybody" exhale un style brut de
fût, avec un son hypnotique ("Nautilus", encore toi !) et un emceeing de gros barracuda qui sectionne des
hameçons en titane. Tim Dog distribue les pains avec ferveur et sauvagerie sur "Dogs Gonna Getcha", un des
raps les plus violents que j'ai jamais entendu, à faire rentrer Joeystarr de trouille dans la cage de son singe... Je
pourrais en citer d'autres, comme ce final romantico-libidineux dans l'esprit pornographique de Kool Keith et
son groupe culte, mais franchement, autant compter les balles après un hold-up. Pur skeud, aussi efficace que
l'entrée du Terminator dans le bar des motards. Du gros sel pour déneiger la racaille. Un hip-hop qui pue la
méchanceté gratuite et le goudron chaud.
Note : 5/6
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Jeremiah Cymerman : Pale Horse
Jeremiah Cymerman aurait pu s'appeler Klarinetthor, et pas seulement pour son physique. Amis des Kayo Dot,
et donc de la scène consanguine New Yorkaise qui se la raconte (il a signé deux albums chez John
« MazelTov » Zorn), l'homme est l'auteur d'un très bon album de drone acoustique à base de clarinette (on salue
l'exploit), de violoncelle et de batterie, et qui porte le nom de Cheval Pâle. Si l'archet de Christopher Hoffman ne
vous est peut être pas inconnu (discographie longue comme le bras, BO de films et tout le toutim performance),
Brian Chase lui doit vous être carrément familier puisqu'il s'agit du batteur des Yeah Yeah Yeahs, comme qui
dirait à contre-emploi ici – enfin, seulement en apparence, puisqu'il est l'homme derrière « Drums and Drones »,
une diarrhée postmoderne qui a trente ans de retard. Trois tempéraments différents, donc (un branleur + un
ingénieur du son + un violoncelliste génial) pour un album que je me dois de qualifier d'homogène. Tout en
retenue, la clarinette de Cymerman n'a rien à envier au saxophone d'un Evan Parker, accompagnée bien
souvent par des nappes de cordes frottées avec finesse, tandis que Brian Chase semble jouer avec un bâillon
sur la bouche. Avec délicatesse, et même si je n'irais pas jusqu'à parler de « paysage sonore », le travail sur les
textures, le timbre, donne à l'album (improvisé ou non, ça on ne le sait pas) une drôle de couleur ambrée, celle
du soleil couchant, des portes qui se ferment, du vent qui se lève à la faveur de la nuit froide, du crépuscule de
la fin du monde, ce moment qui suit l'explosion. Je parle de ce silence un peu sourd, qui laisse place à la
panique et l'angoisse. « Pale Horse » est un très bon album, dans sa modestie (c'était pas gagné) malgré la
virtuosité, dans sa précision malgré les élans (mixé par James Plotkin donc quand je parle de précision, je ne
déconne pas), avare en mélodie sauf quand il se décide à accompagner la lecture d'un conte fantastique ; qui
plaira aux fans de Kayo Dot (mêmes ambiances qu'on peut retrouver sur Coyote par exemple, bien que le style
soit très différent) comme aux amateurs de nouvelle musique contemporaine prétentieuse et aux fumisteries
improvisées. Un disque de réconciliation, en somme.
Note : 5/6
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Esham : Tongues
Tongues commence presque comme l'album d'un rappeur pro, sur "Walkin On Da Flatline" : mélancolie très
new millenium, flow emo, style Sage Francis avant l'heure par un gangsta, beat presque propre... Puis un titre
gangsta-arabisant, et puis... oui, petit à petit, ça part en couille, un peu comme dans un épisode malsain de
South Park. Combien de titres d'Esham indispensables ? Comme toujours avec ce prolifique toxo, il faut trier
les classiques acides dans l'amas disgracieux, mais on arrive à en trouver. Ici ce sera d'abord "I'm dead", donc,
et puis le très psycho "Everyone", où Esham nous digge un style de prod oriental-malsain pas piqué des
hannetons, ou encore "So Selfish" avec son groove simili-eminem, version prolétaire imaginatif. Et des titres
electro-bizarres comme "Devilshit" (avec Kool fuckin' Keith), axés glitch, assurément pas les plus faciles
d'accès de son répertoire. Même le titre avec la Dayton Family, plus basiquement gangsta, lui inspire de sortir
une des instrus les plus logicielles-chelou de son répertoire. De là à dire que ça colle... C'est difforme. Tongues
a un côté plus labyrinthique, tendance album-patchwork, que la plupart des disques eshamiens des années 90.
La présence de Kool Keith n'y est sûrement pas étrangère, d'ailleurs vraiment dommage que ces deux là n'aient
jamais sorti d'album entier ensembles, ils sont à leur manière aussi cramés l'un que l'autre. Tout
décousu-destructuré, avec quelques passages electro-flippés, d'autres bien cheesy-muzak ("Envy The
Sunshine", ambiance exotico-sarcastique façon OSS 117 - Rio ne répond plus), ou les slows toxo-g-funk
habituels de Esham ("Pill Me"), Tongues est peut-être l'album le plus gutsien de Esham avec DMT Sessions. Et
puis en même temps... je sais plus trop... Il peut faire mal au crâne, déstabiliser, avec toutes ses saveurs, ses
morceaux chelous... C'est son album expérimental à la Mike Patton, voilà. Je le ressors assez peu, donc,
pourtant je lui trouve un charme à part, même dans la disco du Black Hitler. C'est du rap de drogué, pas du
concept-album léché, donc ça vrille et se prélasse au gré des bad trips, faut pas chercher plus loin. Impossible
à noter.
Note : 3/6
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Tech N9ne : Anghellic
Tech N9ne... Comment résumer, en quelques mots simples qui ne soient pas trop tarabiscotés comme lui, ce
que je pense de ce rappeur du Kansas, culte pour on ne sait trop quelle raison, et qui aurait dû se cantonner
aux freestyles et aux battles ?... mmmh... disons, prosaïquement, que c'est de la grosse daube over-the-top. Et
stérilisée. Il faudrait que j'écoute ça après avoir subi un clip de Dosseh au kebab du coin, pour relativiser... Mais
Tech N9ne c'est la colique de rap hardcore du pauvre, avec autant de pistes sur chacun de ses albums que
d'ablutions nécessaires après écoute. Même si accidentellement, comme Insane Clown Posse dans un style
proche (moisi), il lui arrive de chier un ou deux titres qui font illusion (le robotico-hystérico-halluciné
"Einstein"), tout ce sur quoi ce mec a rappé de catchy, a été mimé sur DMX, et tout ce qu'il a de malsain n'est
qu'une version tuning des styles hardcore ou horrorcore, simili-glauque tout au plus. Je n'oublierai jamais que
c'est ce mec qui a mis en place l'immondice Krizz Kaliko, et, si on tend un peu l'oreille, on y entend déjà les
germes chiasseux ici. Techniquement, puisque c'est visiblement à peu près tout ce qui intéresse Tech N9ne
depuis 1991 - eh oui, ça fait un bail qu'il est actif - le MC gère, hein, je dis pas, il peut même être objectivement
impressionnant j'imagine : flow rapide, voire ulta-rapide, plus un côté déjanté évident dans l'attitude, une
inspiration morbide-gothique-satanique-etc certaine dans les paroles... Mais c'est là où y a tout un gouffre,
voire un monde, entre ce blaireau et un Ol' Dirty Bastard. Tech N9ne c'est du sport, de la pure pose stérile de
gymnaste dopé, c'est fait pour les demeurés qui voient le hip-hop comme une compète de vitesse et de
technique, où toute la dimension créatrice et la folie se résument en gros à être capable de faire des
expressions faciales de ouf-malade digne des mimiques de Ruby Rhod dans le Cinquième Elément. Faut qu'ce
soit GREEN ok ?? OK??? Eh bah non, pas OK !!! Foutue engeance de sous-produits péraves de Busta
Rhymes... Et qui n'aura même pas eu la possibilité de pouvoir poser un album 90's correct à l'instar d'un
Twista, autre turbo-rappeur devenu mythique dans des cercles de fans heureusement aussi restreints que ceux
des amateurs de visual kei. Après, il faut lui reconnaître que dans le genre abomination visuelle, Tech N9ne dit
déjà tout. Ses instrus étant aussi péraves, miasmes electro/techno cheesy sans bénéficier de l'aura malsaine de
celles d'un Esham, ou simple ersatz FM, pas la peine de vous faire un plan détaillé. Pour ce genre de laideurs,
j'ai mon Mystikal, merci bien. Tech N9ne m'est juste imbuvable, et pourtant croyez-moi, j'en ai bouffé, de la série
Z... De son style, à ses pochettes, à son blase, à sa tronche : tout dans ce rappeur m'inspire un rictus de
dégoût. Je crois que je trouve Cyril Hanouna encore plus supportable, pour tout vous dire.
Note : 1/6
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MEGADETH : Countdown to extinction - live
C'est la mode en ces années 2010 de fêter des albums et de réaliser des concerts en interprétant de A à Z un
disque mythique de sa discographie. Ce concept peut être intéressant dans le cas où des nouvelles
générations de fans n'avaient pas pu participer à un concert de cette période. Ça leur permet finalement de voir
certains titres en live, même 20-25 ans plus tard alors qu'au mieux seuls les hits de ces périodes sont
généralement joués en concert par la suite. Et faut bien avouer, les années 80 et 90 commencent à dater
maintenant... Tout cela ne rajeunit pas les plus anciens. Certains détracteurs vont dire que faire des tournée de
ce type montre une chose : que le groupe n'a pas de créativité et cherche à faire fructifier un passé. Chacun
son opinion... Là, pour le coup, Megadeth n'en est pas à son coup d'essai quand il décide de sortir un live
"hommage" à son album de 1992, "Countdown to extinction". En effet, ils avaient déjà fait la même chose pour
l'album précédent, "Rust in peace" (tournée + sortie CD/DVD/Blu-Ray). Ils vont p'tet continuer avec le reste de la
discographie. En même temps, j'en connais qui préféreraient cela à de nouveaux albums. Au programme de ce
live plein à craquer (d'ailleurs, il s'agit de la première fois où je vois un CD pressé indiquant une durée
supérieure à 80 minutes), une petite intro avec 3 titres d'autres albums du groupe, avant de commencer le plat
principal et de finir avec un dessert de 3 titres issus d'autres albums. Niveau production, c'est propre, mais
vraiment ! Le son est vraiment bien clean, mais alors le mix des instruments est totalement à revoir. Un peu
comme avec le live "Rude awakening", la batterie est trop mise en avant, les toms sont affreusement forts, les
guitares, surtout la lead, manquent de consistance et de puissance et elle est trop en retrait. La basse est
comme la batterie, beaucoup trop forte. Pour le reste, sérieux, c'est du pilotage automatique du début à la fin.
Quand démarre "Skin o' my teeth", il n'y a aucun temps mort. Je suspecte la production d'avoir supprimé 90%
des temps entre chaque titre pour que tout tienne sur un disque. Ca donne vraiment une impression de best of
en concert, fade, sans passion. En fait, on n'a pas affaire à un concert du groupe. Le rythme n'est pas celui d'un
concert. L'impression générale est très spéciale et ne joue pas en faveur de ce live. Ça joue à peu près bien
mais ça ne fait pas tout. Ça me rappelle un peu la dernière fois où je les ai vu au Hellfest. C'est pro et carré,
mais alors, il n'y a aucune émotion. On a du gros son, mais c'est super mécanique. Dave Mustaine est plutôt
discret, on le sent bien fatigué. Alors, c'est sûr que "Foreclosure of a dream" ou "This was my life" font plaisir à
entendre. C'est rare d'entendre en live la plupart des morceaux de cet album et puis finir sur "Peace sells" et
"Holy wars", ça le fait toujours parce que ces morceaux sont excellents. Mais franchement, Megadeth, on sent
bien depuis quelques années que ce n'est pas la passion qui les fait continuer. Et c'est bien cela qui est
dommage... Vraiment pas le live que j'ai envie d'écouter de leur part.
Note : 3/6
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Army Of The Pharaohs : Ritual Of Battle
Dans le panthéon-guantánamo des rappeurs pour lesquels je ressens une plus ou moins vague nausée mâtinée
d'indifférence snob, Vinnie Paz se pose là, avec son gros cul de gros laid, bien avachi dans le couffin de la
médiocrité déguisée en efficacité. En dehors du premier Jedi Mind Tricks, ce MC plus pyrite - voire pyrex - que
pyramide n'a brillé qu'à de très rares occasions. Et Army of the Pharaohs est presque l'une d'elles, si j'arrivais à
vraiment différencier ce projet de tous les autres disques signés Jedi Mind Tricks ou Vinnie Paz (ou Ill Bill)
après le premier. C'est ce gros son, qui pille autant Bruno Coulais que les Goblin, mais qui est très vite éventé,
surtout quand il se complait dans la boucle piano-cliché, ce style qui a été tellement dévoyé depuis Mobb Deep.
Ce son gros cul, donc, et ces protagonistes inter-changeables comme autant de gros culs américains alignés
dans un fast-food. J'avais acheté ce second AOTP par un espoir très roulette russe, l'espoir d'avoir au moins
quelques beats bien veaux et bien connement accrocheurs qui soient pas du tout funky, plutôt dark-stéroïdés.
De ce côté-ci j'ai été plutôt exaucé, même si ça s'est oxydé dès la première écoute. Niveau rap, bof, bof bof...
boeuf ? Boeuf. Boeuf pour le style, boeuf et beauf pour l'esprit, bof pour l'effet : c'est un gros agencement de
battles entre potes à gros flows et gros culs, une armada de raps tous plus rentre-dedans les uns que les
autres, avec un final social-orienté à sample soul dont on se demande un peu ce qu'il fout là. Jus Allah se
détache un peu par une certaine sauvagerie, à la Onyx, mais c'est intégralement de la bourrinade tape-à-l'oeil.
Rien de très badass dans les cabasse, donc : on est vraiment dans le disque hardcore ambitieux mais à usage
unique. Les instrus sont parfois bien accrocheuses, dans le genre dark-puissant, série B pétée d'effets
spéciaux qui en jettent au premier regard ("Dump The Clip" avec son petit côté Wu-Tang impérieux ou l'épique
autant que facile "Frontline", la meilleure restant peut-être "Through Blood By Thunder" avec sa petite
ambiance façon traque du huitième passager dans le Nostromo), les flows-camions n'ont rien de honteux, mais
dans l'ensemble, ce disque apparaît bien comme ce qu'il est : du rap hardcore tel que pratiqué en 2007 par des
types comme Ill Bill, des gros new-yorkais à casquette gavés de big mac et de mauvais films pornos. Sombre,
mais hollywoodien. Et encore, plus La Momie ou le Retour de La Momie... Vraiment, ces gros culs du mic
tournent bien en rond. Si vous êtes encore cet adolescent attardé qui joue à Tekken ou s'éclate devant des
matchs de catch, ce skeud vous parlera sûrement.
Note : 3/6
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Esham : Maggot Brain Theory
J'ai une question, lecteur : as-tu déjà possédé un furby, et, si oui, as-tu déjà songé à parler avec lui, à lui offrir
un verre, une cigarette (il a pas besoin de spliff, il est déjà pété au taquet avec une chatouille), à zoner dans la
banlieue de nuit avec lui sous ta casquette, ou, une fois toutes ces présentations que la bienséance oblige
faites et devenues complicité et plus encore, à frotter ton sexe contre ce petit mogwaï du pauvre au doux duvet
synthétique, au petit bec jaune si mignon et aux grand yeux si...... expressifs ? Si la réponse est oui, Esham est
un rappeur qui te parlera. Si tu as joui, Esham est un rappeur qui te comblera. Esham, c'est le Jean-Pierre
Mocky du hip-hop. Un paquet de nanars et de navets, une mythomanie absolue mâtinée d'imagination
gag-esque et de capacités créatrices admirables avec trois clous et deux bouts de carton - si on est
basiquement objectif - mais quand l'artiste est bon, il est bon, et même un mélomane sourcilleux admettra que
c'est quand même autre chose que du gangsta rap consensuel. Maggot Brain Theory, simple petit E.P. coincé
entre KKKill The Fetus et Closed Casket (il servira de complément à l'un ou à l'autre selon votre accointance),
est pourtant avec Boomin Words From Hell la meilleure introduction pour le néophyte, car pour une de ses
rares occasions Esham est obligé de faire dans le succint. On est en 1994 et ce déchet cite le frais suicide du
jeune Cobain, qui, entre autres morts de rock stars et politiques, lui inspire un de ses plus crapoteux hits
("Traces of my Bloodtype"). Quasiment un chef d'oeuvre underground, dans le texte. Pour les amateurs déjà
convaincus, Maggot Brain Theory contient aussi du Esham tendance clavecin en plastique, façon Adams family
gangsta (titre sur lequel il funkadelise en bon petit crevard carnivore), et ce qui reste une de ses plus réussies
tentatives g-funk, subtilement malade. Un disque aussi riquiqui-chétif que pété, où Esham crache son
flow-vinaigre dans son petit micro avec ses petits synthétiseurs playskool ridicules, avec un de ses "tubes" les
plus rigoureusement indispensable en outro. Laid, con, minable et glauque... acide, avec cette pointe acidulée.
En un mot : Esham.
Note : 4/6
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Dr. Octagon : Dr. Octagonecologyst
Le Docteur va vous recevoir, messieurs-dames. Prenez place dans la salle d'attente, je vous prie. Pas sûr que
vous puissiez en sortir. Ce sera comme un cauchemar moite dans un manoir, quand les mouvements sont
ralentis et qu'on devient pâte à modeler humaine. Vous connaissez cette sensation onirique. Celle d'être coincé
dans un lieu où vous vous sentez confortablement loti comme une blatte pacha dans la mie, et en même temps
profondément mal à l'aise ? Le ficus et le papier peint changent de couleurs, et commencent à se mouvoir. Les
magazines sur la table basse deviennent gluants... des ondes radios et des rayons X passent à travers les
murs, qui soudain ont des oreilles... Keith qui s'passe ???!!! L'air se charge d'une odeur de grenier, genre vieux
papier journal et champignons amers. Le Docteur est comme Egon Spengler : il collectionne spores,
moisissures et amanites. Les femmes en ont peur. Elles ont raison. Il les trouve... hum... intéressantes.
D'ailleurs le voici, qui élugubre... vous l'avez déjà reconnu sous son masque hygénique entaché de liquides
douteux. Il est si cool, si hip-hop, ce bon vieux Docteur. Tout le monde lui rend hommage depuis des années
pour l'originalité de ses chirurgies et ses collections animalières dignes du docteur Moreau. Vous pourriez
trouver que sa réputation est surfaite... Vous aurez tort. Attendez un peu de passer sur le billard pour avoir les
boules, et comprendre. Car le Docteur s'est spécialisé dans les recherches
dermato-procto-gynéco-psycho-futuristes. Il mutantifie, ou il tue. Et vétérinaire à ses heures, avec ça. Un rat
dans le vagin, c'est son style. Une tumeur conservée dans le formol à qui on donne un nom comme à un bébé,
aussi. Frottis écologique et anthropomorphisme oncologique, rien de plus. Le Docteur est un sentimental
praticien. Cet amour de l'anatomie féminine, et ces encens qui laissent les muqueuses sèches dans le bloc
opératoire, ne l'empêchent pas de mettre ses doigts dans les intimités de tout un chacun, ceci dit. Et,
faussement inconscient de sa totale aliénitude, de balancer des "keep it simple" aussi glaçés que glaçants.
Sacré Docteur ! Mais le Docteur n'est pas l'architecte, moelleux bipèdes, et sachez que cet hôpital sépia-fluo a
été bâti par un certain Nakamura, peut-être inspiré par Otto Wagner. Un lieu à la fois coquet et asphyxiant, entre
vieille science-fiction, film noir, porno des années 70 et épouvante... un film hip-hop dont l'équivalent visuel
reste encore à inventer. Hitchockien ? Lynchien ? Mmmh, encore autre part... Ailleurs... Ces instrus
asphyxiantes, faussement cheaps, et incrustées de petits effets invisibles aux premières écoutes,
évoquent-elles une toile d'araignée épaisse dans laquelle l'auditeur serait englué, lentement, méthodiquement...
ou bien un hôtel abandonné rempli de machines steampunk secrètes et autres bobines de Tesla ??? Le nippon
a aussi construit quelques pièges, genre trous noirs menant à une dimension parallèle ("Real Raw"). Il y a bien
sûr "Earth People", avec cette technologie froide et rudimentaire, et ce style de flow qui évoque un Wesley
Willis doué de concept. Un des grands moments, mais pas le seul. Juste une scène parmi d'autres aussi
déstabilisantes, jusqu'à ce final purement old school, shoutouts de MC avec écho antique. Un des très rares
albums de pur hip-hop qui vous plonge dans une ambiance vraiment à part, à la fois raffinée et... malsaine, oui,
pas de doute. En tout cas cette pochette, aussi culte soit-elle, ne lui va pas du tout : j'aurais vu quelque chose
de beaucoup plus flou, de beaucoup moins graphiquement acceptable comme écrin idéal à cet album rampant
et vicieux, au grain intemporel (ça sonne volontiers comme un hip-hop anachronique, qui aurait été enregistré
dans les années 30, mis en cryogénisation, et puis retrouvé comme hibernatus dans un futur parallèle)...
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Indescriptible, même si j'aurais essayé...
Note : 5/6
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Dr. Dooom : First Come, First Served
Certains trouvent Keith cool. Pour eux, c'est le mec qui rappe sur "Diesel Power". Mais pour ceux qui se sont
frottés d'un peu plus près aux projets parallèles du MC, passé le plaisir radicalement ghetto blaster d'écouter
les Ultramagnetiques, Kool Keith c'est plutôt l'un des rappeurs les plus malsains, dans ce milieu très pauvre en
authentiques marginaux. Remarquez que c'est pas antinomique : on peut être cool et malsain, et Keith a été l'un
avant d'être l'autre, puis les deux. La pochette, amalgame brut de dégénéré américain zoophile, vous dit déjà à
qui on a affaire. On est en 1999, et Keith ne ressemble à rien dans le rap. On est en 1999, et Keith a un sérieux
grain. Même si comme mon collègue Wotzenknecht j'avais à mon palmarès mélomane toutes sortes de
musiques dark-pédophiles, j'hésiterais à lui confier des mômes. Hormis ses épanchements libidineux assez
classiques pour un MC porté sur la chose (je parle de la teneur en sexuel hein, pas des fantasmes en
eux-mêmes, ça c'est autre chose), on ne peut pas dire qu'il respire la santé mentale. Rien que sa tronche, déjà,
entre Many de Scarface et un Michael Jackson avec l'appendice nasal intact et sans la décoloration... mais avec
son immonde coiffure simili-gomina en plastique qu'on voyait dans le clip de "Plastic World" (et qu'il utilisera la
même année pour Black Elvis, le faux jumeau cosmique de ce Dr. Dooom), sans parler de sa moustache de
Clark Gable puceau... Ses a.k.a., ses tenues, ses egotrips anthropophages : tout est malsain chez ce mec. Et ce
Dr. Dooom est probablement l'album idéalement malsain de Kool Keith, comme le prolongement malade du
Octagonecologyst qui était déjà très très spécial. Les news viennent de tomber : Docteur Octagon est mort.
Tout ça est au début de l'album, c'est explicite. Octagon s'est fait buter par un de ses patients, docteur lui aussi.
Mais encore plus cintré, du genre fétichiste de la nourriture entre autres délires moins avouables qui lui font
imaginer des gens morts découpés sous son plumard. Kool Keith passe du corps défunt au corps du tueur :
transfert mental, hop ! Magie du MC aux multiples alter-egos. Cet alias reste le plus malade de son hôte, même
si ça se joue à des punchlines cryptiques et autres métaphores répétées ad libitum en fausset. Pour le reste, le
rap reste aux premières écoutes ce même babil linéaire, ce flow anti-défoulatoire, souvent off-beat, purement
MC mais, aussi, autiste, et truffé de pirouettes, d'embryons soul et funky, avec un vice et une fluidité totaux.
Kool Keith se complait dans sa gluante merde mentale, se laisse porter par une kyrielle de visions sociopathes
complexes, enchevêtrées comme ses neurones, lierres et ronces de son cerveau. A part le Kool Keith de Black
Elvis dans ses moments les plus flippés, et Esham, je vois pas trop qui peut s'approcher de Dr. Dooom... Sauf
qu'Esham n'a jamais été capable de concocter ce boom bap paranormal. Beaucoup plus minimal que Dan the
Automator à première vue, le son Diesel Truckers, hein ? Oui, eh ben non. Le plein effet n'est pas immédiat,
mais une fois le bulbe assez décontracté, ce son vous cible, vous traque et vous hante. C'est le hip-hop des
couloirs vides, des cagibis. Ce son est maniaque, hallucinogène. Et psychiatrique. Ouais... Je pourrais très bien
vous parler de comment je pensais parfois à ce disque, alors dans le lieu idoine, à griller clope sur clope sur
une terrasse grise, et enchaîner plat de purée fade sur plat de nouilles fades dans une cantine puant le
désinfectant et la vieillesse incontinente qu'on abandonne aux blouses blanches. Mais je suis un pudique, alors
je dirais juste que ce hip-hop est celui d'un mec qui est très certainement passé par là. Ou qui a juste une
imagination très puissante... Wu-Tang d'outre-espace ("I Run Rap") ou tentative de tube magnétique ("Dr.
Dooom's in the house"), quel que soit le titre, le choix que nous laisse Dr. Dooom, c'est cacheton ou sismo.
Premier arrivé, premier servi. L'album labellisé horrorcore de Kool Keith - genre qu'il élimine au passage
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intégralement sur "Mental Case" - mais aussi cet album de hip-hop unique, qui pue l'anti-matière, les néons
grésillants, la peur de l'autre. Le rap de la solitude paranoïde absolue.
Note : 5/6
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Esham : Boomin Words From Hell
Il doit y avoir à peu près autant d'albums d'Esham que d'années depuis qu'il a décidé de rater sa vie. C'était à
l'âge de 13 ans, quand il commença le hip-hop, et puis à l'âge de 16 ans quand il créa avec le présent album le
sous-genre "acid rap", terme abstrait qui se rattache dans la réalité - une dimension dans laquelle Esham n'a
jamais vraiment vécu - à un genre de gangsta rap satanique, usant de synthétiseurs low-cost, et axé sur des
paroles qui décrivent toutes les abominations possibles dont est capable l'humain... Déjà à ses débuts sur ce
Boomin Words From Hell de 1989 où il avait globalement les moyens techniques qu'avait Grandmaster Flash
au début de la décennie, tout ce qui fera sa "wicket shit" était déjà en place, dans l'ambiance pas du tout
douillette d'un hip-hop cheesy et maladif, version morbide du Radio de LL Cool J. Ces effets de mix, difformes
et aigus, ces samples extra-terrestres, ce flow pas encore mûr de puceau sans thunes qui met pourtant la
branlée à bon nombre de rappeurs nettement plus âgés et diffusés que lui : tout est déjà infiniment plus
insalubre, malsain, et inconfortable que tout ce qui se fait alors en rap, c'est indéniable. Esham est l'un des
rappeurs les plus originaux et acharnés qui aient jamais existé et, encore mineur, sa bizarrerie est déjà plus
qu'évidente, elle suinte de partout. Après, en ce qui me concerne, et même en sachant très bien qu'Esham,
comme Alan Vega, Jandek ou Wesley Willis, se situe au-delà de considérations telles que "médiocre" ou
"inconsistant", ce premier jet peut évidemment être vu comme un genre de brouillon de ses futurs albums
cultes. Son style ne s'est par encore pleinement épanoui... Et pourtant... Je ne peux mettre une note moyenne à
un disque de hip-hop qui contient des titres comme "4 all the suicidalist", "Amen another sin" et son ambiance
digne de Bad Taste (ou Met the Feebles), "Cross My Heart" avec ses dernières secondes qui sonnent comme ce
que serait le rap du chef des gremlins (celui à la mèche blanche), le final "Devil's in the soup" issu d'une
dimension parallèle, ou encore mieux "Devil's Groove", ce titre génial, desséché, psychotique, doté d'un des
beats les plus malades du hip-hop sur le meilleur sample jamais utilisé du "Halloween theme" de John
Carpenter (dix ans avant celui de Dr. Dre sur "Murder Ink", qui a d'ailleurs accéléré sa version au même rythme
qu'Esham, mais on dira que c'est une pure coïncidence !!!) mixé avec la bande-son de Vendredi 13, où le
rappeur est comme nu dans sa crasse mentale, avec son flow androgyne à cause d'une voix qui n'a pas encore
mué (à chaque fois je me fais avoir, je crois que c'est une gonzesse). Déchet-luciole magnifique... Un peu de
remplissage mou à côté de ça, sans surprise, comme ce sera de coutume, mais moins que sur pas mal de ses
futurs albums. Des embryons recroquevillés sur eux-mêmes, pathétiques avortons entrecoupés de mines
antipersonnelles en chewing-gum. Mental wicket shit... Circa 89-90, ce skeud était certainement ce qui se faisait
de plus glauque en hip-hop, rien que lyricalement parlant... S'il y a un initiateur de toute une frange
gangsta-glauque du hip-hop ? Oui, plus encore que les Geto Boys, c'est ce type seul et minable, leur cousin
quasi-clochard de Detroit... Mais contrairement aux Geto Boys, Esham sonne riquiqui, insecte. Son funk est
maigrelet, son rap se faufile sous les plinthes, telle une scutigère véloce... On tue ce genre de bestioles d'un
bon coup de balai, en général... Mais Esham survivra sur une vingtaine de disques. Les losers sont de coriaces
et fascinantes créatures.
Note : 4/6
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Esham : Judgment Day (Vol. 1 - Day)
Esham aurait pu être classé dans les rappeurs parodiques... Mais était-ce pour rire ? Non. Ou alors de la
galéjade nauséeuse. C'était pas du second degré, c'était serious as cancer comme dirait Turbo B. Le volume I
de Judgement Day, collection des plus variées pour notre très jeune gangsta satanique, se complaît aussi bien
dans le flow cartoonesque acidulé que dans le psycho-pimpin' moelleux à travers les multiples trips d'Esham.
Plusieurs approches pour un même venin, toxique et pénétrant. Ce volume I est un album très généreux en
micro-hits crapuleux et sales, l'air de pas trop y toucher. Et le saut qualitatif (mwhahaha) entre Boomin Words
From Hell est évident, même si le mix (pfffuhuhuh) est complètement aléatoire. Encore acnéique, Esham fait
déjà un peu de tout ce qui est en vogue dans le gangsta rap et le rap hardcore circa '92, à sa façon souterraine,
acide... Si titres qualifiables de merveilles il faut chercher, ce seront des merveilles lilliputiennes, variolées... Et
il y en a, quelques-unes. Pas mal de rock 70's aussi. Il fera rarement mieux dans cet esprit
patchworkesque-organique que cet album. Je pourrais vous parler de tout plein de détails sous ce son de
démo, des mini-scratches-sulfateuses, des rap-rocks pétés comme l'intro "Nine dead homies", des titres plus
laid back qui puent les bas-fonds, ou d'un "Devilish Mood"... Esham greffe ses samples claudiquants et vilains,
assimilant ses influences glorieuses (ici Ice Cube, principalement) comme un enfant qui grignote ses croûtes.
Incrustant mine de rien ou d'crayon des tas de petits effets expérimentaux-aliens dans ses morceaux (par
exemple dans "Acid" qui à première vue n'est juste une tentative de tube rap rock à la Run DMC)... Esham
déforme aussi sa voix fluette-aigrelette pour lui donner un effet babylon zoo MC bien cool ("The Boogieman").
Le groove??? Esham en est capable aussi, ça s'appelle "Mama was a junkie" et les paroles sont suffisament
explicites. Il craque aussi un petit egotrip minimal façon mid-80's ("Hit & run"), à l'ancienne mais éthylique, et,
bien sûr, la déjà traditionnelle sex track, pas très très saine mais inutile de vous le préciser ("I met this little
girlie, I met somebody's moma - I met this little girlie, only in the day in the life of me..."). Cette partie diurne du
dyptique apocalyptique se révèlera finalement la plus consistante des deux... Un jour que je l'écoutais tout
ensuqué après pas loin de trois tours de cadran sans dormir, abruti de sueur et les cils collés de pus, "Fallen
Angel" m'est apparue, dans toute sa beauté de tube eshamien puant 1992... et j'ai eu comme une révélation,
envoûté, la nuit tombait, moite, et ce titre résonnait dans ma piaule et puis m'est resté dans la tête, puis il a fallu
que je le réécoute, encore et encore, et encore, comme ce jour où j'ai bloqué comme un malade sur
moi-seul-sait-quel-titre de Tricky... Ajouté à toutes ces miniatures confites dans le jus de la misère et le suc des
fantasmes criminels, que dire... Esham aurait-il donc sorti le meilleur album de hip-hop de 1992 ??? Il y a eu du
très lourd cette année là, du bien mieux réalisé et efficace... et pourtant, je ne suis pas loin de le penser... et
pourtant, qu'est-ce qu'on s'en tamponne le coquillard de le savoir.. « I was an unplanned pregnant, brought
forth by a mistake, gone into a world, filled up with lust and hate »... Culte !
Note : 5/6
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Esham : Judgment Day (Vol. 2 - Night)
« Tu fais le gars vachement à l'aise dans ses godasses... T'es toujours super cool, hein ? Juste une fois, j'ai
envie de t'endendre hurler... de douleur » ... « Mets-moi un rap, connard ». Désolé pour la citation gratuite, mais
on a ses chefs-d'œuvre, et quand le millésime est raccord avec l'enregistrement de ce skeud... Aaaaah 1991,
1992... années de caractère. Je déconseillerais fortement ce disque au détective Halle183eck, évidemment, il
risque pas de danser une gigue dessus. Ce pet d'esprit sous-culturel lâché, il est assez évident que le
double-album Judgment Day est, de tout ce qu'à jamais sorti Esham, le disque le plus ambitieux. Ambitieux
comme vouloir transformer ses chiottes en salon, s'entend. A son niveau technique bien sûr ! C'est pas une
orgie à la Caligula dans un gobelet, mais pas loin... Prolétariat oblige, eh ! On est dans l'autoproduction, le
fait-main ! C'est la boutique du mercredi, et Esham a son gibolin, et son gibolin c'est l'acid rap, cette invention
fantastique. Quand on sait que ce double était initialement prévu pour faire comme le double Love Symbol de
Prince, versant hip-hop, et même si l'intéressé n'en a probablement jamais entendu parler (encore que, avec cet
énergumène...), on comprend un peu mieux pourquoi Esham a gavé son album de tout plein de samples
organiques, façon "moi aussi je suis un multi-instrumentiste, hop, sans les mains !" C'est vrai qu'on imagine
pas qu'Esham a bouffé du solfège comme Rakim, quand on le découvre. C'est peut-être ce qui lui permet
d'avoir cet aspect... compositeur... On constate, un peu déçu, que ce volume "Nuit" est sans différence
marquée d'ambiance comme pouvaient le laisser sous-entendre les intitulés 'jour'/'nuit' respectifs. Dans ce
volume II, un cran en dessous du premier - mais c'est évidemment bien subjectif - le côté rap-rock est
augmenté, répondant à la fois au style d'un Ice-T (samples bien crades de Black Sabbath et Led Zep') et aux
ondes sismiques encore palpables dans le hip-hop (du Public Enemy sans le budget militaire mais avec la
même volonté de fureur). Répondant aussi au premier Natas sorti deux mois plus tôt, et lorgnant par moments
vers le psychédélique... Les instrus à base principale de synthétiseur ne sont plus trop d'actualité : Esham est
ici dans le sillage d'Ice Cube, de Kool G Rap et des Geto Boys. Le style Geto Boys est d'ailleurs évident sur "13
Ways", excellent morceau. Mais il y a aussi du Divine Styler dans cet album. Si si si... Esham s'autorise de ces
bizarreries ("Linving in Incest", "Finger in the c-c-c-c-cake", "Wake the Dead") pour lesquelles j'ai toujours
voulu voire son nom inscrit dans nos archives. Et ses rap rocks à l'ancienne, versions crades du style new
school, telle la miniature "U wanna know somethin'", sont des moments aussi réjouissants que du Run DMC
qui serait joué dans le monde de Street Trash... Hélas ce Judgment Day est un des Esham que j'écoute le
moins, les titres sont succulents pris isolément mais l'album eniter m'est assez poussif, d'où ma note plus
timorée que pour le volume I... Mais il est difficile de nier qu'il est aussi l'un des disques de hip-hop les plus
atypiques de 1993, et l'un des plus rabougris-expérimentaux sortis par Esham. Avec plus de moyens, ce
double-album serait-il devenu mythique ? Il est juste culte. Le ciel est bleu, l'eau mouille, les femmes ont des
secrets, et Esham fait du rap acide.
Note : 4/6
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Dance Naked : Point of Change
1969, Woodstock, tu sors et tu t’éclates à poil ! 1986, en Angleterre, l’idée de danser en tenue d’Adam a quelque
chose de moins fun…Il fait humide et le punk est passé par là quand un ex-Stress et une ex-Garden of Delight
(pas le groupe allemand) créent ‘Danse naked’, une formation souvent décrite comme ‘synthétique’.
Effectivement, synthétiseurs et programmation figurent en bonne place parmi les instruments mais dès les
premières secondes de ‘Bronze contempt’, on réalise que la démarche est beaucoup plus menaçante que ce
qu’une telle étiquette présuppose. Les rythmiques dégagent quelque chose de conquérant et rituel, les
sonorités des claviers n’ont rien de confortable et le chant de Roger Foyster, proche de celui de Peter Murphy
(l’inquiétant ‘Mark upon the brow’), ajoute à la touche sombre. Dance Naked est une formation gothique dans la
plus pure tradition post punk britannique, avec thématiques mystiques, mélodies en béton et atmosphères
nobles; quatre ans d’existence ponctuées par la sortie de deux cassettes ici réunies sous forme d’un cd enrichi
d’inédits. Les débuts sont fracassants, ‘Bronze contempt’, ‘Jezebel’, ‘Legion’, trois compositions géniales qui
annoncent la couleur post-punk goth de la musique, une musique qui nous dévoile rapidement un éventail plus
varié de possibilités, avec le rampant et hanté ‘Mark upon the brow’, la reprise envoûtante et synthétique du
‘Venus in Furs’…Puis retour plus spécifiquement goth avec ‘Dance naked’, ‘Thrust !’, ‘Az’…La programmations
des percussions frappe par son côté puissant et roulant, secondée par une basse bien glauque; il n’en faut
parfois guère plus, pour définir la base du morceau sur lequel le se pose le chant, bien habité lui aussi. Dance
Naked privilégie des structures simples et travaille ses ambiances, urgentes, simples, mais imparables. ‘Point
of change’ n’est rien d’autre qu’une succession de tubes en puissance, rien à jeter, jusqu’à ‘Orgasmatron’ où le
combo nous dévoile tout soudain son aspect le plus expérimental avec une structure à base d’un beat répétitif,
de superpositions vocales, comme une forme d’incantation entre magie et sexualité sur plus de quatre minutes.
Quel groupe passionnant, voilà ce que l’on se dit après écoute. Les rééditions, c’est fantastique, Dance Naked
fait partie de ces groupes qu’il convient de (re)découvrir urgemment, témoin d’une époque d’intense créativité
rarement égalée depuis. A noter encore deux versions démo (dont un 'Legion' très batcave) et un titre live en
bonus.
Note : 5/6
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RUSH : Fly by Night
Suffit de tomber sur la bonne personne, et hop. Manquait juste le bon batteur pour que Rush, simili-Zeppelin
canadien avec quelques années de retard, ne devienne cette étrange créature moitié-hardos moitié-progueuse,
promise à un avenir rutillant. D'autant que Neil Peart ne frappe pas seulement avec ses baguettes à l'envers, il a
aussi la prétention d'écrire des paroles qui se veulent un peu plus intelligentes ou profondes que la moyenne.
Pour un groupe de hard s'entend. Enfin pour un groupe de rock quoi. Il a aussi des idées bien arrêtées sur la
vertu de l'individualisme voire de l'égoïsme (spéciale dédicace à Ayn Rand dans le livret du magnum opus à
venir) qu'il n'hésite pas à mettre en exergue dès le premier morceau de l'album qui résonne comme une
déclaration d'intention à la fois musicale et thématique. Le nouveau Rush frappe fort, sait où il va, guidé par les
mains de velours dans un gant d'acier de Peart, à grand coup de riffs secs et de rythmiques louvoyantes.
"Anthem", tout est dit en quatre grosses minutes, la bête est posée là dans toute sa splendeur, seule la voix
disons, égosillante, de Geddy Lee, ramène vraiment le groupe à ses origines, un très honnête tribute band au
hard-blues britannique du début des seventies. Les structures sont déjà bien ancrées dans une visée
progressive, mais sans gras ni fioriture. Avec une production qui sonne déjà largement plus froide, voire
clinique, que les concurrents hard de l'époque, préfigurant déjà ce que sera l'avenir de Rush : un power-trio
machinique prêt à se plonger sans scrupule dans la technologie de l'époque pour en tirer la substantifique
moelle du succès. Car Rush vise haut, Rush n'est pas là pour rigoler, Rush de l'ambition et n'a pas honte de
l'affirmer. Rush en met plein la gueule pour qui veut essayer de suivre les roulements de Peart et les
impossibles trajectoires de Lee, désormais la section rythmique la plus impressionnante qui soit, portant en
elle toute l'étrangeté prog de la formation, laissant à Alex Lifeson, moins guitar-hero qu'artisan soigneux, le
soin d'apporter une touche plus franc du collier, ce son de hard classique évident, avec cette capacité à sortir
des solos bien griffus quand il veut, sans jamais la note de trop. S'éloignant petit à petit de ses origines, il
subsiste bien sûr des traces du son du dirigeable, notamment sur "Beneath, Between & Behind" qui ne ferait
absolument pas honte comme un morceau chelou sur Physical Graffiti par exemple (le pont instru très Yes en
bonus), ou le très bel acoustique tolkienien "Rivendell", où l'absence d'accent anglais de Lee, au chant délicat
alors du plus bel effet, apporte une essence étrange, comme si l'américanité du groupe ressortait de façon
inopiné dans le monde des Elfes, si anglais de nature. D'Amérique il est d'ailleurs question aussi dans la
musique qui, disjonctage personnel (mais possible) à part, prend ici ou là un arrière goût de rock sudiste par
toutes petites touches (le pont de "Fly by Night" ou les riffs de "In the End", un peu skynyrdiens sur les bords).
Et déjà aussi une sorte de rudesse sous la complexité qui sent bon le gros rock qui sert à faire passer le goût
des miles sur la route. Rush, c'est un peu comme le Pygargue du drapeau américain, c'est glorieux et hautain
mais ça fait le salut à tous les prolos. Sauf qu'il sont canadiens, alors ils collent un Harfang sur la pochette,
mais l'impression demeure la même. Mais fi des considérations patriotico-ornithologiques, Rush c'est
simplement un groupe qui prend son envol vers des cimes futures. Et celles à venir sont définitivement
progressives, comme le démontre avec brio le complexe "By-Tor & The Snow Dog", passé une partie hard aux
vocaux pas toujours très heureux (Geddy Lee reste un chanteur difficilement aimable, spécialement quand il
vrille dans les aïgus), le morceau prend un détour instrumental inattendu, où Lifeson lâche enfin la bride et
vient survoler de ses riffs tempétueux ses deux compères dans leur épopée prog jusqu'à atteindre à une phase
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suspendue dans l'éther où les percussions de Peart ne sont que tintinabulements sourdement ponctués de
quelques grondements de basse, avant le relâchement de tension final. Une certaine idée du rock progressif,
ambitieux mais toujours un peu graisseux, moins dans la pompe que dans le bidon d'huile. Du prog de hardos
donc, qui donnera bien des idées à d'autres dans l'avenir, Rush passant ainsi de suiveur à inspirateur. Comme
quoi, la bonne personne, et hop.
Note : 4/6
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Ka : The Night's Gambit
Être un solitaire, parce que seul, dans les années 2010. Être un rappeur léthargique et fan de Liquid Swords des
2010's. Vouloir rivaliser avec Mobb Deep, quand on est seul dans son studio de 25m², armé d'un ordinateur et
en manque de shit. En manque de libido. En manque d'argent. Avoir compris que les années 2010 sont la
décennie où ceux qui sont considérés vainqueurs sont ceux qu'on peut voir vitrifiés dans un décor
fashion-glacial de canal+, dans un bâtiment politique hautement sécurisé, dans une salle de marchés, ou dans
une page de réseau social suivie par la population d'un pays moyen. Ce présent pue l'hosto, il est froid, et il
ment. Mentir demain, c'est dire la vérité aujourd'hui. Et cette céramique est plus coriace que toute la colère.
Beaucoup d'adolescents et autant d'adultes n'aiment pas ce présent, parce qu'ils sont nostalgiques. Ils
devraient ne pas l'aimer parce qu'être nostalgique y est tendance, et presque obligation. Nuit est jour :
l'insomnie est devenue tendance elle aussi. On vit de nuit même de jour, on se sent comme avortés. On est au
milieu du béton, avec un smartphone dans la main. Avec un salaire. Avec de l'aide qu'on nous a fabriqué, car
c'est plus simple comme ça. Les femmes prennent du lexomil, les hommes encore plus. C'est accepté. Avoir
compris que les années 2010 n'avaient rien d'un groove. Qu'elles et leur proche futur ne sont qu'une glace
impalpable, ne charriant dans son sillage que tristes moraines comme ce genre de disque, exsangue, où le beat
est démantelé voire anéanti, où toute puissance est rentrée, intériorisée, muselée, camouflée, où tout n'est que
potentiel de mort recroquevillé en boule dans son coin comme un enfant puni. Où la mélancolie d'un temps
révolu tente de renaître, fragile, semblable à ces faons nouveaux-nés tremblant sur leurs pattes fébriles.
L'organique et le synthétique se confondent. Ne plus rapper : monologuer. Saisir la matière de cette nuit-jour.
Contenir son flow dans un container mental, en rituel vaudou. Pour mieux infiltrer ce présent qu'on nous reflète
comme un harem et qui n'est qu'une chambre froide en fin de compte. Murmurer avec soi-même, vivre en
mauvaise graine apathique, tendance autistique. Qui accepte, jusqu'à l'achromatopsie mentale. Pleine lune.
Impuissance. Internet. Ka.
Note : 5/6
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Hassaan Mackey & Apollo Brown : Daily Bread
Percy Sledge n'est pas encore sous terre au moment où j'écris ses lignes, et je suis plus James Carr ou Barry
White, mais j'avais envie de rendre un petit hommage feutré à ce daron du slow sur lequel nos parents (et
grands-parents ?) se sont forcément un soir ou l'autre serrés, et dont le tube-que-vous-savez est samplé au
début de cet assez confidentiel album d'Apollo Brown, rappé par l'encore plus confidentiel Hassaan Mackey,
dont je n'avais jamais entendu parler avant 2011. Hassaan Mackey n'est pas mauvais comme MC, dans le genre
flow de regular thug, un peu à la Prodigy de Mobb Deep, en un peu plus rectiligne et un peu empoté. Ses rimes
sont parfaitement génériques, mais on s'en fout un peu. Apollo Brown fait quant à lui du Apollo Brown, c'est à
dire la même chose depuis Gas Mask : gros samples soul bien appuyés avec le gras du pouce, beats
organiques sans être mémorables. Deux-trois crépitements de vinyle (ça c'est archi-usé mais toujours
appréciable) et un passage avec voix remixées façon hélium (ça l'est moins, et je crois que je n'aime ça que
quand RZA le faisait avant que ça ne devienne une tendance assez irritante et grotesque). Le style très
soulful-musclé et accrocheur de Brown aux beats est toujours aussi basique et limité, mais agréable, très
cuivré et frontal. Bien new-yorkais dans l'esprit, comme un Pete Rock sans le génie ou la finesse (on en oublie
de quelle milieu ça vient, comme quoi les étiquettes géographiques...) Apollo est clairement surrestimé, mais
au royaume des producteurs à un doigt, celui qui en a deux est roi. On sent surtout qu'il a une belle collection
de classiques soul à transformer en gros son pour grosses hi-fi, et qu'il veut en tartiner partout, un peu comme
l'Alchemist avec ses disques de progressif. De toute façon les écoutent-ils vraiment ? Je ne vais pas répéter le
cliché tenace selon lequel les producteurs de hip-hop, les purs crate-diggers s'entend, ne s'intéressent pas aux
33 tours pour les écouter en entier, mais juste pour y trouver la bonne boucle qui va claquer... Et des boucles
qui claquent, 'Pain Quotidien' en contient quelques-unes, c'est indéniable. Dans le genre groove pour 4X4 noir
avec intérieur en bois laqué, c'est pas mal. Une affaire de logiciel et de mixage plié en quelques heures
j'imagine, mais je ne suis pas producteur, Rakim m'en préserve. Tout ce que j'entends là est juste ce qui peut se
faire de plus sympathique en boom bap moderne conçu avec des ordinateurs, et c'est toujours plus consistant
que du cloud rap : c'est du rap pour les nostalgiques de la génération golden age qui écoutent encore du
hip-hop en arrivant sur leur quarantaine, tout simplement. Ce hip-hop n'a rien de putassier, mais en même
temps rien de très élégant ; il est juste assez racé, et assez brut, avec la pointe de mélancolie soul comme une
larmiche coulant sur des pectoraux un peu douteux... et si "Mackey's Lament" évoque un bon morceau
post-millenium du Wu-Tang, cet album ne devient sombre que sur son ultime morceau, le torve "Like a
Diamond". Quant à savoir s'il y a une différence entre Daily Bread et les futures albums-collabs d'Apollo Brown
avec O.C., Guilty Simpson ou Ras Kass, eh bien... hormis la différence entre les MC's, je n'en vois
rigoureusement aucune. Mais je réécoute plus volontiers ceux-là.
Note : 3/6
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Kool Keith : Spankmaster
Blackula - Spectacula ! - Blackula ! Ahahah... Culotté ? Si vous étiez plus kools et kultivés, et si vos curseurs
visaient aussi bien que Cupidon pour dénicher les bons scuds, vous culpabiliseriez moins de culbuter les bons
boules luisants avec Kool Keith, et sauriez que sa cuvée 2001 est comme Sex Style une belle petite déculottée,
a.ku.a le très synthétique et tongue-in-cheek Spankmaster : un des points culminants de sa prolifique currière
(hum), car derrière (HUM) ses airs de pantalonnade (rohlala) ce skeud fesse (pffff...) ! Un pur son pour lécher
des cuisses, intro r'n'b... mais... bizarre, bizarre... trèèès bizarre... Quels sont ces cui-cuis en fond ? Qu'est-ce
que ces samples incurvés... ? C'est du Keith ! Vile ordure de MC, dis-nous tout, quel est ce son recourbé-chelou
comme des culebras, et chimique à en faire mouiller Marie Curie dans son cercueil ? Qu'est-ce que cette
cuisine cunnilingusico-cubique ??? Curry ? Curare ? WTF ??? Un son au goût de cuivre, pour culturisme sans
musculation ! Minimal horizontal, petit et mesquin... même si le cigare cubain, le cubitus entrejambal, rôde sous
la cuette (comme le dirait Smet). R'n'b en intro ? Quel culot ! "Mack Trucks" encule tous les tubes tuning avec
un gros bruit de culasse cuite, mais passera mieux dans un cuistax que dans une cumionette. "Jewelry Shine",
"Dark Vadar", le glitchesque "Drugs" : succulents hits ! Par-dessus ça, les élucubrations habituelles de Keith,
axées Q ... et Jacky Jasper, son sidekick kéké. Et deux apparitions magiques d'Esham dans le néant atomique,
le cure-dent au coin du bec, dans une veste trois-quarts cuir de gestapo. Le skeud ne culmine jamais, cumulant
les cumulus, les flows cucullaires, incubant dans le cortex, hypnose monotone de pervers sexuel dégustant de
la biatch' à la petite cuiller. Assez de culs, assez de beats ? Pfff, ne soyez pas si bêtement cucurbitacés, tas de
curés culpabilisateurs : ce Kool Keith est culte ! Alors hop, glouglou au cubi !
Note : 4/6
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Kool Keith : Black Elvis/Lost In Space
Keith a souvent été axé trip d'anticipation paranoïaque, mais Black Elvis/Lost in Space, avec son faux jumeau
gore Dr. Dooom, est assurément son meilleur album dans le genre. Une ambiance digne des scènes nocturnes
de la Soupe aux choux, avec des gangstas drogués dans une grosse berline à la place du Bombé et du Glaude.
EH L'GLAUDE ! Y A UNE SOUCOUPE DANS TON CHAMP !!! C'est pas une soucoupe, con d'Bombé ! C'est une
Pontiac GTO super équipée ! Alors détends-toi, bois frais, et écoute plutôt cette introduction, où Keith, entre
sarcasme, menace et paranoïa, sabre tous les MC's se la jouant urbain dans leurs clips à cent patates. Elle est
déjà à elle seule un grand moment, imposant Kool Keith comme le patron du secteur, dans la reverb de sa
dimension dans laquelle aucun de ces rappeurs en heavy rotation n'a une chance de venir le chatouiller. La
denrée de Kool Keith était foutrement bonne entre 1996 et 2001. Foutrement bonne. Quand je pense qu'on se
pignolait tous ici sur Anticon et Dälek au milieu des années 2000, alors qu'on aurait aussi très bien pu faire le
bilan de la meilleure période de Kool Keith, la période radioactive... Mais Progmonster n'avait pas six bras
(encore que, avec ce fou furieux stakhanoviste). Rien à jeter dans cette phase millenium de Keith, tous les
albums de cette période se ressemblent pas mal, mais en posséder un, c'est finir par les posséder tous, avec
leurs spécificités délicieusement ovniesques. On sera d'accord pour dire que le meilleur son sur lequel il a
jamais rappé, d'un point de vue historico-scientifique, reste cette prod' indéfinissable du Octagon-Ecolo-Gyst.
Mais le son de Kool Keith en solo à l'époque où il était épaulé par Kut Masta Kurt n'a pas du tout à verdir de la
comparaison avec Nakamura, en termes de sombre et expérimental. Oh que non. C'est juste plus synthétique,
rectiligne... Peut-être un peu plus toxique aussi... Et j'avoue tripper méchamment sur cette saloperie. 'Black
Elvis' n'a rien de Presley, hormis la coiffure : on retiendra surtout du double-titre 'Lost in Space'. Et c'est ce
qu'on comprend dès que Kool Keith spitte ses versets, égal à lui même. Keith voit des robots, voit des robots,
passer, tous les jours... Et ça lui inspire des fantasmes de hip-hop abstrait, tendance malsain, à la lisière du Dr.
Dooom. Des morceaux comme "Lost in space", "Rockets on the battlefield", "I'm seeing robots", "Keith Turbo",
"Fine Girls", "Clifton" ou "I don't play" sont juste géniaux. Mattez le clip de "Livin' Astro" plus haut : ce flip
improbable que c'était quand ça passait sur MTV... c'est exactement l'ambiance et la matière de cet album. Ces
instrus minimales avec ces sons de synthétiseurs d'origine inconnue, ce flow se foutant du beat tellement il
exulte la maîtrise désinvolte, ces effets electro-glitch à la Venetian Snares au ralenti, qu'on hésite indéfiniment à
qualifier de cheesy ou de raffinés... C'est génial, ça pourrait sortir aujourd'hui que ça serait tout aussi atypique.
Même son featuring r'n'b à biatches "All the time" est tout sauf salubre, ressemblant aux moments sombres du
premier Outkast, en psycho et en solo. Et "Supergalactic Lover", en dehors des arrangements, n'a rien à envier
aux ballades crémeuses de ces derniers. Le hip-hop de ce mec n'est pas quelque chose de glorieux, de
galvanisant. C'est un rap de laboratoire, un rap halluciné, moqueur, totalement marginal, avec des paroles qui
semblent parfois lui sortir de la bouche avant qu'il les pense, fantasmes sexo-futuristes, fétichisme
technologique et egotrips pseudo-scientifiques aux multiples ramifications mentales. Kool Keith m'a toujours
semblé être issu d'une dimension parallèle, un monde qui ressemblerait au futur comme il est par exemple
présenté dans Retour vers le futur II, avec des tenues complètement improbables et des bars "retro" où deux
présentateurs parlant en même temps dans un poste télé servant de barman te proposent du pepsi. Kool Keith
n'est pas vraiment de ce monde, c'est certain... Et Black Elvis développe une des ambiances les plus originales
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jamais entendues dans le rap depuis Divine Styler, entre residus de boom bap urbain et écho de silo nucléaire...
En fait (brrr, ça caille)... c'est pas la Soupe aux choux, ni Back to the future II, nan... C'est le hip-hop dans le
monde du premier Half-Life. Prenez tous vos pieds de biche les enfants, et restez attentifs au MC qui vous
guide dans les corridors du complexe de Black Elvis Mesa... Les headcrabs sont cachés dans les coins
sombres des beats, les bullsquids prêts à vous cracher leur merdasse fluo à la gueule. Esquivez ! Bieeeen...
Vous sentez ce frisson ? Suivez le flow.
Note : 6/6
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Geometric Vision : Virtual analog tears
Cette fois, ce n’est pas une citation de Baudelaire mais un bruit de vent qui amorce le premier titre du second
album de Geometric Vision, un titre qui laisse à croire que nos Italiens sont passés du côté obscur de la force.
‘Black heaven’, s’il ne surprend pas par rapport aux impressions laissées par ‘Dream’, se montre plus
ouvertement sombre notamment dans le chant très désespéré. Fausse piste ? Pas vraiment, si ‘Think’ revient à
quelque chose de plus froid, ce n’est que pour prouver une chose, Geometric Vision savent gérer un disque sur
sa durée. On ne s’ennuie jamais, les chansons se complètent, se renforcent, s’unissent dans la diversité. On
note cependant sur l'ensemble une tonalité légèrement plus dure, un peu à l’image de l’artwork jouant sur les
flous et un aspect torturé. Ceux qui avaient aimé le premier opus retrouveront ce qui satisfera leurs goûts mais
avec une patte, à mon sens, plus assurée encore (et pourtant ‘Dream’ témoignait d’une belle maturité).
Nocturne plus qu’hivernal, ‘Virtual analog tears’ navigue entre cold wave pure et des touches gothic rock
notamment au niveau du grain de certaines parties de guitare. L’aspect électrique l’ayant emporté, l’impression
organique s’en trouve renforcée, avec toujours ce sens inné de la mélodie qui s’impose immédiatement mais
sans facilité malvenue. On pourrait tracer des parallèles avec le Clan of Xymox des débuts mais ce serait
négliger le côté plus obscur et passionné, tant du chant que des harmonies. La musique de Geometric Vision
n’étouffe pas, elle dégage beaucoup d’espace entre ses lignes mais elle demeure étonnamment terre à terre et
proche du coeur. Pas une faiblesse, le trio signe une belle collection de morceaux soigneusement écrits à la
fois directs mais dont la saveur amère et jouissive demeure longtemps après écoute. Quelques choeurs
féminins supplémentaires achèvent de conférer du corps sur quelques compositions (‘Hills’, Stupid songs for
dreamers’) confirmant la volonté de se diversifier dans la continuité. Du rêve, nous passons aux larmes,
lesquelles, contrairement à ce que pourrait suggérer le titre, n’ont rien de virtuel; la dark wave a de beaux jours
devant elle.
Note : 5/6
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Kool Keith : Sex Style
Se matter le clip de "Pop that Pussy" pour la centième fois ça va bien un temps, mais on a des priorités
gutsiennes... Là pour me mettre dans l'esprit je bouffe du poulpe. C'est du poulpe en gros morceaux, mélangés
à des mini-poulpes, un peu moins goûtus mais qui te donnent cette impression d'être dans une scène
d'eXistenZ, tu vois... C'est reuch mais ça a plus de gueule que les seiches. En même temps pour ce Kool Keith
j'aurais aussi bien pu bouffer des moules, seulement y en avait pas bézef aux étals. Et comme je suis
puceaaaaauuuuuu (reverb old school) et que j'ai jamais vu de ma vie la mer, ben je ne sais pas tout ça, alors je
suis obligé de demander à Kool Keith eheh... Et il m'en donne une vision plutôt charmante, pas du tout macho,
des femmes. Si si... Vous me croyez pas ? Bon ok, j'arrête les conneries, et puis en même temps, sur ce premier
album solo, il est surtout dans un esprit de pure diss, et pour le cas qui nous intéresse faire passer l'intégralité
des gangsta-rappeurs du moment pour ce qu'ils sont en vérité : des blaireaux. Le Sex Style ne sera donc pas
juste l'occasion de mettre en avant ses exploits lubriques, mais surtout de tartiner toute la scène mainstream
de son foutre flowistique unique, parce que Kool Keith en a marre de toute la merde molle qui squatte les
charts, lui c'est un rappeur de la seconde génération 80's, un vrai de vrai, il veut que le hip-hop ça bounce, que
ça roxe, que ça cause cru et que ça sente fort. Et que ça déconne à pleins tubes, aussi, parce qu'y en a marre
du social-sérieux. La pochette style miami bass décomplexé est donc un foutage de gueule assez explicite, ça
me semble évident, pourtant je ne serais pas étonné que beaucoup soient tombés direct dans le panneau. Mais
si on s'attache juste à l'aspect technique, Kool Keith aborde le rap de façon très sérieuse : son flow directement
sorti de l'alambic massif des années 80 distribue les fessées, de la côte est à la côte ouest, à tous les nouveaux
venus, et en toute désinvolture. La façon acharnée qu'il a de décrire les autres rappeurs en transsexuels
inoffensifs, ou de dédier un morceau plus laid-back à la défense de ses glaouis («Don't crush it when you sit up
on it»), est souvent digne des envolées scabreuses du Professeur Choron. Cet enfoiré a le style et la cruauté, et
il soigne la concurrence. Et pour le son, on est pas dans le r'n'b contrairement à ce qu'on pourrait croire
naïvement - et c'est là que Keith est un finaud : il administre grâce à Kut Masta Kurt un bon skeud de boom bap
organique "à l'ancienne" en 1997, dans le plus pur style new-yorkais (DITC et consort) en vogue trois-quatre
ans plus tôt mais tombé en désuétude avec les gros produits estampillés Puff Daddy. "Sly we fly" fait même
penser à du Lifestyle of da Poor & Dangerous... avec la touche paranormale qui est déjà sa marque de fabrique,
et qui est très palpable sur d'autres titres (la funky-détraquée "Make up your mind" parodiant le style west
coast, ou la très moche "Get off my elevator", egotrip génial). "Keep it real...Represent" (« Represent what ? My
nuts ! » hahahahaha!) est à la fois une parodie et une mise à l'amende sans appel, les skills du MC lui
permettent de conduire son flow à une main tout en se branlant. "In your face" est un boom bap aussi féroce
que basique : un beat brut, quelques voix flippées en arrière-plan et c'est tout. Quant à "Plastic World" on ne la
présente plus... « Is the wooorld made of plaaastic ? 'cause that's the way it seeems... » Génial ce morceau, et
un disque pas loin de l'être, un Kool Keith efficace et l'album estampillé Keith le plus 'roots' en dehors des
Ultramagnetic MC's... Et puis cette pochette, quoi, merde...
Note : 5/6
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Swollen Members : Bad Dreams
Putain de merde... alors là, sans hésiter : CHEF D'OEUVRE ABSOLU DU RAP GOTHIQUE GLAUQUE A EN
CREVER... flows possédés, beats suintant l'odeur malsaine des catacombes, parfum de profanation occulte à
coups de bombes de graffiti sur les squelettes par des rappeurs dégageant un charisme incroyable et et...
mmmh attendez... non, j'ai rien dit. Même si Swollen Members ont ce cachet goth-rap à piano sinistre, ils ne
sont pas du tout armés pour inquiéter Hell on Earth. Petit récapitulatif historico-chiant : Le hip-hop dans années
2000, et principalement pendant leur première moitié, a subi tous les outrages. On avait déjà transformé le gros
son 808 funky et froid en son jazzy-funky circa 1990-91, puis en urbain-sérieux aux alentours de 1993-94... Ces
trois périodes ont donné lieu à une pléiade d'albums excellents voire monstrueux. Et puis dans la seconde
moitié des années 1990 on a lentement mais sûrement transformé le style urbain-sérieux, qui était déjà un
dévoiement pour les purs et durs, en style hollywoodien et bling bling, avec des beats informatiques et des
productions aussi léchées que des films de Ron Howard. Du synthétique electro-funk génial à l'organique puis
pour finir un retour au synthétique, mais sans saveur... Je pose mes lunettes et ma craie, mais c'est bien
comme ça que je vois cette évolution, même si je bouffe sans problème du DMX et qu'un de mes premiers trips
a été le second Eminem. Le rap a perdu tout son vice et sa brutalité pendant la transition du nouveau millénaire,
pour devenir cette musique sans aucun danger, et il a fallu se rabattre sur l'underground hormis rares
exceptions. Et tournant 2001, un groupe comme Swollen Members était un peu ce qui pouvait se faire de mieux
avec les armes du moment, capables de dégainer des titres bien catchy comme "Ventilate", "Anthrax Island" et
"Dark Riders", du nocturne comme ce titre épo assez crémeux produit par The Alchemist, de la darkwave
hip-hop ("Deep End") ou de sonner comme des Mobb Deep de seconde main très corrects ("High Road") ou
des Onyx sans le côté cartoon, alors que les originaux étaient au point mort. Mais le seul titre qualifiable de
grand moment reste le rampant et minimal "Camouflage". Leurs beats sur Bad Dreams sont mi-envoûtants
mi-inoffensifs, leurs flows n'ont rien de honteux ni de très mémorable, mais ils tartinent bien leur son de
scratches et exultent d'une volonté de puissance appréciable dans le genre wannabe badass, avec un feeling
horrorcore sinistre-mélancolique bien sympathique (les claviers aident)... à condition d'être resté cet
adolescent laid dans sa tête qui aime regarder des slashers et qui peut prendre son pied devant Saw ou The
Sixth Sense sans tousser devant des effets honteux. Sinon, vous verrez ce disque tel qu'il est, objectivement et
techniquement : une succession d'instrus moyennes-bonnes au mieux, un son aseptisé et du rap hardcore
générique, ne se gênant pas pour lâcher de la tentative de tube bien moisie ("Fuel Injected") au niveau de ce
que faisait Cypress Hill a la même époque. Ah oui j'oubliais, Swollen Members sont de Vancouver. Le Roi
Heenok c'est rigolo, mais on oublie rarement que le Canada a un climat rude, et que leur scène pourrait plus
souvent en retirer un rap froid et puissant. Note généreuse, j'aime bien ce petit teint d'érable.
Note : 4/6
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Saints Of Ruin : Elevatis Velum
Plein l'intestin grêle de ces prétendus foutus goths qui ressortent habillés Lip Service des pieds à la tête,
chaussent leurs New Rock et téléchargent de l’electro ou du metal à fond, arborent leurs piercings et leurs
théories à deux balles sur la spiritualité… Je sais, j’ai l’air d’un vieux con réactionnaire et c'est pas la première
fois ; après tout un mouvement qui ne se renouvelle pas meurt, non ? Disons que comme ça doit gonfler un
skinhead originel de voir des boneheads avec leurs idéologies nauséabondes, je suis toujours scotché de
croiser des ‘goths' incapables de me citer une seule formation à la base du mouvement. Je ne demande pas
Mighty Sphincter (continuation de l’intestin grêle) mais au moins Sisters of Mercy, The Cure, Siouxsie… Surtout
pas Indochine, Rammstein, Marilyn Manson ou Eisbrecher, sans parler de toute forme d’agrotekk (ah ah ah)…
J’ai souvent pris les membres de Saints of Ruin pour ce genre de guignols, un peu à tort visiblement. On
m’avait vendu le truc ‘gothic rock avec chanteuse à voix de Siouxsie’, gna gna gna. Mon souci est surtout venu
de ce que je trouvais leur musique un peu trop rock lambda, avec d’indéniables qualités, notamment un chant
très correct même si Siouxsie n’a rien à craindre pour son trône. Toujours est-il qu’un de leurs albums a fini par
suffisamment capter mon attention pour que je risque l’achat. ‘Elevatis velum’ est tout sauf excellent mais il
n’est pas mauvais. Oui, c’est très rock, pas si gothique que ça au final, légèrement pompier parfois mais pas au
delà des limites du mauvais goût. Trop banal comme je le disais, plus proche de The Gathering que des
Banshees, mais avec quelques pièces bien senties, notamment ‘The thirst’, à mon sens la meilleur écrite par le
groupe et également la plus clairement goth. Harmonies pesantes, carillons, refrain prenant…Pas
complètement à l’image de l’entier du disque qui renoue vite avec ses tics rock lambda, par exemple le début
calme au piano de ‘Boundless’ ou la partie vocale ouvrant ‘Never’ et je ne parle pas du jeu de guitare, très (trop
?) ancré dans son époque. Restons beau joueur, Rubby Ruin détient un timbre dépourvu d’originalité mais
assure derrière son micro; certaines chansons de ce disque restent plaisantes : ‘Riding on the sun’, ‘The thirst’
(celle-là, waow), ‘Your ruin’… Les plus réellement toxiques et sombres finalement. Et puis, ils reprennent (mal)
Morrissey, The Cult ou Concrete Blonde, c’est preuve de goût pour un mec aussi objectif que moi. Trop de
formations revendiquent cette étiquette gothique à une époque où le genre ayant perdu un certain éclairage
public se replie sur sa sincérité et ses convictions, c’est dire si les faux disciples ne trompent pas l’oreille
avertie (hélas pas toujours majoritaire dans ce même milieu). Saints of ruin évitent l’écueil avec suffisamment
d’ambiguïté pour leur laisser le bénéfice de l’honnêteté. Le reste, c'est du domaine de la subjectivité, il manque
selon moi quelques mélodies fortes de plus pour assurer un statut solide au groupe. Honnête de bout en bout,
voilà ce qu’est ce disque et c’est déjà ça ; certains monteront la note à 4. 3,5/6
Note : 3/6
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Danger Doom : The Mouse and The Mask
Tout ça me remue plus que ça ne me secoue... mais ce swag un peu mystérieux me parle sur ses 40 petites
minutes, et vu le genre il faut dire que la durée compte pour les macarons en fin de chro, quand elle est si
raisonnable. Finalement, à y regarder avec le recul d'une décennie - ce qui est plus aisé pour ceux qui comme
votre serviteur n'en ont jamais fait tout un culte du Metal Face - ce petit album de collab' rigolo avec le tout
aussi indie-acceptable Danger Mouse, tient très bien la distance, comme un bon Tarantino. Je n'aurais pas
parié grand chose sur la longévité de The Mouse & The Mask à l'époque de sa sortie, et il me semblait juste un
album-gadget du rap alternatif, mais il a bel et bien tous les airs de ce que les collectionneurs sans poésie
appellent un classic, l'air de pas y toucher. Pas comme Madvillainy quoi, qui s'impose massivement en
surlignant bien sa haute noblesse. Plutôt comme un MM Food invité à manger dans un palace et à sociabiliser
un peu, m'voyez... même s'il pourra pas s'empêcher de jouer avec la nourriture et de lire ses bandes dessinées
sous la nappe, insensible aux courbes des serveuses. Il y a ici forcément cette étrangeté geek-autiste-fétichiste
typique du stoïque Metal Face, et cette sensation "poussiéreux-velu-anachronique on wax", façon RZA en mode
espion. C'est très ludique (les skits aussi cons que du Infectious Grooves) et surtout c'est aidé par la mise en
scène et le décor pimpants-fringuants de Danger Mouse. Et puis aussi par quelques invités, hein, parce que
moi j'aime bien Talib Kwah-li, et je kiffe le titre g-funk avec le gros de Goodie Mob, mais il faut aussi dire que le
père Starks fume royalement Doom dès son apparition sur "The Mask" (un de ses meilleurs titres) en polarisant
l'attention sur son habituel et si délicieusement unique semi-ouin-ouin de pimp hanté, auquel se marie on ne
peut mieux la boucle funky-royale concoctée par la Souris... du pur Jackie Brown dans l'esprit. Non,
décidément, il est vraiment top moumoute ce petit Danger Doom, il lui manque quelque chose pour être plus
que destiné à des écoutes récréatives mais...hey, c'est son but, aussi ! Un bon petit album de hip-hop malin
pour le farniente en peignoir voilà c'que c'est, avec cette touche retro et luxueuse des prods de Danger Mouse
qui lui donne une saveur muchacha exquisita, très tongue-in-cheek, entre blaxploitation, vieux cartoon, film
d'espionnage des années 60 ou manigances de canailles audiaresques. Tout à fait moelleux. Outre le
crypticisme habituel des lyrics de MF et son flow aussi opaque que l'ébène qui me sont assez accessoires
(comme un antihéros singulier mais peu attachant), je retiens surtout ce parfum de parodie classieuse, un peu
comme du OSS 117 si vous voyez où je veux en venir, a.k.a. le truc totalement blague-entre-potesque dans le
texte, mais cousu fin et gominé et super bien réalisé, comme dans les vrais bons films à papa... Derrière la
désinvolture et la smartitude de la chose, on tient un album récréatif mais très racé. Et les élucubrations
non-sensesques habituelles du MF, on s'en tamponne un peu comme un gros chicanos gavé de tacos dans son
hamac, tellement on est juste ravi par ce clinquant soigneusement confectionné, dans lequel il n'a même pas le
bon goût de se vautrer en pacha comme le ferait un bon membre du Wu (suivez mon regard) alors que la souris
l'y invite sans cesse en lui pomponnant son masque avec amour. Mais ça tient évidemment à sa
personnalité-carcan, sa prison mentale qu'il décore de stickers et de coupures de comics comme un casier de
vestiaire. "Sofa King" et le sublime "Basket Case" me pousseraient presque à lui metre une note
déraisonnable... Mais je suis si raisonnable... Garçon ! Vodka-martini je vous prie.
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Note : 4/6
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Fun Boy Three : Waiting
Encore une carrière météorique… Un an seulement après leur premier essai, les Fun Boy Three signent déjà
leur ultime album. Aussi insaisissable même si moins sombre que son prédécesseur, il se présente comme une
boîte de Pandore, un kaléidoscope où pop des années folles, new wave, ska, côtoient des textes sociaux
déclinés avec un humour pince-sans-rire typiquement british. Avec David Byrne aux commandes de la
production, on pouvait s’attendre à un résultat déjanté. Les cuivres d’abord, en folie mais aussi plus tristes de
temps à autre (‘Going home’), couplés avec des rythmiques plus groovy que sur le premier LP (privilégiant
quelque chose de plus tribal et moite) et toujours cette dualité splendide entre le chant de Terry Hall et les
interventions plus graves de ses deux collègues, Neville Staple et Lynval Golding. Inutile de mentir, ‘Waiting’
est lumineux. Lumineux mais tordu. Outre ses orchestrations exigeantes, originales, variées, faussement
primesautières, ce qui le place dans les pages de Guts, c’est une forme de détachement dandy niveau vocal.
Écoutez ‘Tunnel of love’, Kurt Weil composant de la pop, ‘Our lips are sealed’ nettement plus new wave
(dommage, la version en houdou sur le best of est plus jouissive), l’ironique ‘Farmyrad connection’ dont les
paroles contrastent avec l’aspect faussement enjoué de la musique… Mais Fun Boy Three, comme l'indique
leur nom, c’est aussi le fun, l’hédonisme sur fond de crise sociale comme sur ‘The pressure of life’ où l’on
trouve cette ironie présente chez The Jam époque ‘A town called Malice’. À l’image de ces derniers, Fun Boy
Three puise dans l’héritage mod pour se positionner dans un contexte nettement moins coloré. Ce que rappelle
fort à propos ‘Things we do’, plus sérieux dans ses tonalités et ses harmonies jazz hispanique jamais
totalement entraînantes ou la valse cabaret de ‘Well fancy that !’ que goûteront les fans de Marc Almond. Si je
dois bien confesser une préférence pour le premier opus, ce second jet ne démérite pas et confirme la qualité
et l’originalité d’une pop offrant plusieurs niveaux de lecture sous une apparente et trompeuse frivolité, un peu
à l’image du regard pensif de Terry sur la pochette.
Note : 4/6
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CHROMATICS : Running from the Sun
These streets will never look the same. Indeed. Parfois, la topographie de la ville change d'orientation, les rues
vous tirent alors vers l'Est, de ce côté où vous n'alliez jamais par plaisir, et qui maintenant vous fait battre le
coeur. Et puis d'un coup les rues se vident de ce sens neuf qu'elles avaient prise, démagnétisées par une
nouvelle absence. Et puis les nouveaux souvenirs, devenus tendres, se teintent d'une tristesse inédite, plus
profonde. Des rues partout dans le monde qui ne ressembleront plus à ce qu'elles étaient, parcourues en tenant
une main évaporée, les signes partout sur les façades, les parcs et les terrasses plus lourds de sens en
attendant de les recouvrir à nouveau, qui sait. Chromatics est vraiment un groupe déprimant. Comme l'est cette
version de cette longue dérive solitaire post-amour, peu importe comment et pourquoi tout s'est arrêté
brusquement, déshabillée de ses beats pour la rendre encore plus flottante, dans cet état second où le
renoncement abasourdi se mêle aux larmes qui montent d'un coup. Et ce stupide vocoder trop sentimental,
qu'on entend aussi ailleurs, sans trop savoir si il est magnifiquement brisé comme un coeur, ou simplement
laid comme un artifice, comme une expression futile. Shallow on dit en anglais, pour ce sentiment de rester à la
surface des choses. Chromatics pourrait paraître l'être, dans toute sa splendeur rétromaniaque post-moderne
tournée vers des années quatre-vingt médusées d'une mélancolie souvent facile, voire factice. Mais non,
décidément non, Chromatics est vraiment un truc à vous faire gober des calmants chaque soir, mélange
lexo/whisky, cette fois à peine effleuré par la présence érotique et spectrale de Ruth Radeleth, n'intervenant
vraiment (mise à part une version "beatless", elle aussi, du morceau éponyme de l'album précédent) qu'à la
toute fin dans une interprétation noctambule du standard "Blue Moon" agissant presque comme une dernière
caresse avant d'embarquer dans une nuit peuplée de rêves incertains. Mais avec l'assurance que la divine
créature, telle la blonde hitchcockienne de Lost Highway, vous susurrera finalement "You'll never have me.",
alors que vous touchiez le bonheur du doigt. Ca ne pouvait pas se terminer autrement, tellement Chromatics
avait déjà mis les points sur les i, comme dans trIste, l'intro "Dreaming in Color" ressemble déjà à une musique
de fin, la voix de Ruth n'exprime rien sinon un souffle sinistre au dessus de ces guitares à se foutre par la
fenêtre. C'est plié d'avance, la menace flotte dans chaque beat de l'oppressant "Red Car", son ivresse
synthétique maladive un peu grotesque, dans chaque nappe synthétique du quasi-ambient "Last Wish", parfait
pour arpenter après fermeture légale des bars les trottoirs de rues désertées par toute tendresse, toute
empathie. T'es tout seul garçon, vraiment tout seul cette fois. Oublie un peu ces vocodeurs à la mélancolie un
peu cheap, un peu racoleuse, écoute simplement le chant de ton cerveau qui doucement, tout doucement se
désintègre, c'est presque serein, c'est un abandon à la nuit, à la solitude, au vide. C'est presque grandiose et
c'est quand même quasiment rien, à peine trois notes de piano en fin de parcours pour donner une forme à ta
pauvre détresse. Et juste le temps de se dire qu'en effet, ces rues ne ressembleront plus jamais à ce qu'elles
étaient avant. Juste un conseil : tu ne devrais pas prendre tout ça trop au sérieux.
Note : 4/6
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Warcloud : Nightmares That Surface From Shallow Sleep
Voilà un album que j'avais eu un peu de mal à m'acheter, purement à l'aveugle, dans ma phase d'empilage
névrotique fétichiste de tout ce qui était lié au Wu-Tang de près ou de loin... Il faut dire que les retours étaient
très très confidentiels sur cette abeille tueuse atypique de Los Angeles, alors qu'au final je l'ai paradoxalement
autant écouté d'un bout à l'autre que mes Killarmy, bien qu'ils soient beaucoup mieux foutus. J'avais
longtemps fantasmé un disque obscur et maudit de la galaxie Wu-Tang, un genre de L.A. The Darkman, pour
vous situer... Ma déception fut sèche, je dois l'avouer, même si je découvrais du même coup Holocaust, ce
rappeur qui avait été l'occasion pour RZA de poser ce fascinant ver à soie sur son premier solo. Ce Warcloud uniquement dispo en CD-R - est une bûchette au son tout pérave de démo, hélas, même si on est dans le genre
des créatures un peu maladives et étranges laissées dans le sillage de la monstrueuse suprématie Wu-Tang, le
long des caniveaux... Rap abstrait-hardcore à la wannabe Wu-Tang certes, ou à la wannabe Eminem
("Something Is Going to Make Me Smack This Bitch") mais avec un petit cachet manoir et bricolé main que la
pochette de la réédition décrit très bien, et un fétichisme des spiritueux assez coquet. Les productions entendez comme d'habitude : les instrus - sont tout à fait rudimentaires et gauches, boucles amatrices un peu
occultes mais ennuyeuses à en mourir quand elles ne sont pas les plus péraves que vous aurez l'occasion
d'entendre ("Channel Warcloud") : ça veut jouer dans la cour des Shaolin, mais ça reste au niveau du dojo
réservé aux ceintures blanches. Manque de thunes évident. Avec l'oeil mauvais, hein, car Warcloud/Holocaust a
un flow bien rentre-dedans, qui mérite qu'on s'y arrête. Il y a tout de même un ou deux titres sympathiques dans
cet album qui m'empêchent de m'en séparer, entre les refrains ridicules et les tentatives piteuses ("Strawberry
Cream Champaign", du MF Doom lubrique dans le texte mais l'instru ne suit) on peut par exemple déguster un
petit "The Beer Song", techniquement pourri mais louche comme du Kool Keith, ou le hip-hop puant le caveau
de "The Renaissance". Et puis, plus anecdotiquement, Warcloud pose un rap en intro à base de sample de la
musique des Visiteurs (pas Era, non), faut quand même oser... et ça lui va bien, à ce gros jacqouille wu-tangien,
pas encore nommé au grade de tueur chez Blue Sky Black Death. Objet réservé aux purs
fétichistes-collectionneurs exhaustifs des Wu-affiliés, donc, pour qui ce sera une curiosité vite abandonnée à la
poussière.
Note : 2/6
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The Holocaust : Blue Sky Black Death Presents : The Holocaust
Gros, gros album de capuchard. Du hip-hop de trafiquant d'armes, avec une ambiance limite russkoff, zéro feat,
zéro groove. Vu l'origine abstract-hip-hop du MC chauve et antipathique qui opère ici, on aurait pas trop pu se
douter que ça allait virer négociations au fusil à pompe filmé en Imax et aux belles instrus Michael Mann qui
beurrent la raie ; et ça en jette pas mal, avouons. Qui se souvient du Bobby Digital de RZA ? Ce skeud sublime
qui fût l'occasion de découvrir dans ses featurings The Holocaust, rappeur brutal et frontal originaire de la west
coast, portant son blase comme une balafre outrancière en travers de la gueule, et qui donnait pour l'occasion
son nom à l'un des titres les plus magnétiques et soyeux jamais apparus dans l'univers du Wu-Tang. A la fois
lié au monde du Wu, donc, au style froidement contrôlé d'un GZA par exemple, mais aussi au style full coup de
boule microphonique, ruant dru dans un style bourrin bas du onfr à la Necro ou Ill Bill, sans le suif ingrat. Si
RiZzA est le parrain pété de cash et hautement respecté des bas-fonds jusqu'au show-biz, se vautrant dans ces
gaudrioles et ses fantasmes de septième art avec le magot, The Holocaust est clairement l'homme de main à
qui on laisse porter les fagots. Et pourtant il a rappé sur un des skeuds les plus "septième art" du genre, en MC
rude et terre-à-ter-ter, à la hardcore pas pécore, même assez lunatique pour tout dire, tendance ourson, mais en
bien plus ursin (et qui appelle pas les flics quand on kidnappe la mifa). Monochrome comme un corbak dans la
nuit, The Holocaust rappe camion. Mais camion du genre gros mack au pare-choc défoncé, roulant phares
éteints au milieu des docks. On le suit dans sa nuit. Dans son gros bahut noir, avec les corps transhabutés à
l'arrière qu'il faudra mettre en sac sans broncher. Et on a pas envie de le lâcher, parce qu'il nous raconte ses
anecdotes de porte-flingue qui a jamais pu passé le cap du fantasme de grandeur, resté au grade du nettoyeur.
En gueulant non-stop qu'il faut pas le faire chier... mais rien n'empêche de baisser la fenêtre pour respirer, tant
cette nuit est belle, aussi. Ciel bleu-noir... hip-hop luxueux dans le style symphonique-mélancolique, ou
simplement froid et sinistre. Cette production façon "grand thriller tragique" par les très attentionnés Blue Sky
Black Death a de la gueule, c'est indéniable. Ma découverte deux ans après la sortie fût un moment assez
mémorable, et j'avais même brièvement pensé dégainer cette chro dans la foulée de celles de Mobb Deep avec
une note maximale, dites-vous... Avec le recul je tempère, car il manquera toujours quelque chose à cet album
pour être le grand disque de hip-hop tragique et mortifère qu'il aurait pu être. De la crasse, du bitume, des effets
moins Jedi Mind Tricks et plus Havoc, j'en sais rien... Le son est inattaquable, pourtant, malgré son effet
hollywoodien... Les beats de Blue Sky Black Death sont nickel-chrome, avec leurs vastes samples
symphoniques se déployant majestueusement, passée cette introduction très Wu-Tang. Aucun moment, à part
ce final plus serré et intime, ne viendra nous sortir de cette ténébreuse armada de violons et de pianos. C'est un
peu comme la première fois où j'ai vu Collateral si vous voulez : des défauts évidents, mais quelle putain
d'ambiance, cette nuit. "No Image", une des instrus les plus douces et subtiles de l'album, est pourtant celle où
Holocaust attaque le plus en gros forcené, comme un Method Man qui se ferait cramer les burnes au
chalumeau par des albanais dans un cachot. Gros couteau de combat dans un écrin duveteux. Et un rappeur
pas trop du genre à fumer la marijuana... Disque réservé aux brutes sensibles, qui versent leur larmiche devant
la dernière scène de Rambo quand tous les autres se fendent la gueule.
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Note : 5/6
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Hecq : Mare Nostrum
Chronique réalisée par Ntnmrn
Il n’est pas anodin que Hecq ait sorti, l’année dernière, un album de remixes intitulé "Conversions". On pensera
ce qu’on veut de ce disque — peu importe : c’est la conversion qui nous intéresse, et si elle n’était alors qu’un
simple jeu de mot pour désigner le remaniement des titres originaux, elle prend au contraire sur "Mare
Nostrum" toute la charge symbolique du mot au singulier. À vrai dire, il y avait eu déjà eu des changements,
des métamorphoses, Ben Lukas Boysen s’étant permis de voguer de l'IDM alambiquée de ses débuts vers une
dubstep originale, en passant par toutes sortes d’expérimentations tirant tantôt vers l’ambiant hors-sol, tantôt
vers l'electro superrythymique ("0000" !). Mais rien qui laissât augurer une conversion si radicale. Ici, foin de
l’attirail percussif qui battait les mesures parfois éreintantes des plus tortueux disques de Boysen. Foin du
glitch à tout bout de champ, foin du rafistolage électronique de chaque parcelle sonore, qui venaient ajouter
leurs détails et leurs inflexions à cette rythmique labyrinthique. Soudain, la musique se fait d’un abord plus
accueillant, et se montre d’autant plus chaleureuse qu’elle enveloppe dans un cocon de froid, comme ces
terriers de neige où rêvent les chiens de traîneaux, à l’abri du blizzard. "Mare nostrum" est comme un voyage
en mer : sans horizon visible, traversé par les grands vents, filant de bonaces en orages, de ressacs en
courants — et sa musique est terriblement familière. Ce n’est pas pour rien qu’elle est issue de la rencontre de
Boysen et d’un énorme supercomputer, éponyme du disque : en vérité, elle est l’illustration même de cette ère
de communion de plus en plus étroite entre homme et machine, pour laquelle l’un prête son lyrisme, sa quête
de sens, son inventivité, et l’autre sa puissance de calcul froide, son immensité industrielle, ses vibrations et
bourdonnements. Et devinez où est situé cet ordinateur gigantesque ? À Barcelone : dans une ancienne église.
Cette conversion, Dieu y a mis sa patte, c’est certain. Sous perfusion divine et informatique, Boysen nous
rappelle qu’il n’est pas seulement compositeur de musique électronique, mais aussi "sound-designer", et qu'il
sait accorder ses créations musicales aux visuels de ses clients — toutefois, ici, il réalise la prouesse d’un
sound-design qui génère en toute autonomie ses impressions visuelles. Les nappes éthérées s'éraillent au filtre
de la saturation et se résolvent en des accalmies salutaires. Les soubresauts de météores électroniques
dessinent des formes dans un espace sonore infini. Les machines incessamment grognent, moulinent, grincent
leurs rouages, vrillent leurs bras mécaniques ; l’homme les imprègne de sa tristesse, immense, et de son
inquiétude, mystique.
Note : 6/6
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Orations : Orations
Buffalo Bill, Buffalo Grill…Pas terrible…Ah, Buffalo City aux USA…Je ne sais pas trop comment se porte la
scène rock là-bas mais toujours est-il que selon Jason Draper de Orations, ‘nous sommes pas beaucoup à
jouer du post punk sombre par là-bas’, ce qui aura valu, pour notre plus grand plaisir, au groupe d’être signé
sous nos latitudes, chez Swiss Dark Nights. Le morceau ouvrant, ‘Anhedonic moan’, laissera à penser que le
deathrock made in L.A. est une influence: batterie combattante, guitares torturées, basses de plomb et vocaux
féminins post-Siouxsie…Voilà qui présage du meilleur pour l’écoute. Effectivement mais Orations prouvent
assez rapidement qu’ils ont plusieurs cordes à leur arc car les chansons suivantes dégagent des atmosphères
dont les fans de la scène goth britannique des débuts vont raffoler. Les musiciens flirtent même ouvertement
avec le post punk (‘Early spring’), toujours avec le même talent et une semblable cohérence. Jess Collins
chante bien et son timbre lui permet aisément de glisser du plus hanté au plus charmeur (‘Deviation’), avec
toujours en fond cette rythmique qui assure et ses guitares efficaces. Un bon truc deathrock en final pour
enfoncer le clou et c’est avec effroi que le clic final, pour celles et ceux qui n’ont pas une platine remettant
automatiquement le cd au début, retentit. Courage, les gars ! Je ne sais pas trop à Buffalo mais ici, il y a des
gens qui vous aiment et qui attendent un album.
Note : 5/6
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Thomas Ankersmit : Live in Utrecht
La réalité est-elle si pourrie qu'il faille la contempler à travers la lucarne d'un fil d'actualité Facebook ou
Twitter ? La réalité est-elle si triste qu'il faille s'en échapper dans les promesses de la virtualité ? La réalité
est-elle si pauvre qu'il faille s'en éloigner comme on éloigne notre prochain, le regard fixé sur son portable, les
écouteurs au fond des cavités, en étant sourd aux appels qu'il lance à travers son profil Facebook ou Twitter ?
Virtualité interposée. Si la musique est politique (elle l'est), Ankersmit est activiste. Un activiste de la réalité
forcée. Armé d'un saxophone et d'un vieux synthétiseur modulaire analogique (ce bon vieux cherge), épaulé
par le truand Valerio Tricoli (ils seront l'auteur d'une salve chroniquée par VL), Thomas déroule un souffle
continu samplé sur lui-même, bouclé, répété, aliéné à lui-même, secondé, doublé sur lui-même par les
manipulations d'un Serge qui n'avait rien demandé. Ou comment créer l'illusion numérique par le foisonnement
d'idées et de diverses traitements analogiques d'une source acoustique. Dans une vidéo d'Ankersmit, sur
Youtube bien entendu, un commentateur (comme toujours sur ce site, une trace de pneu dans la nuit noire de
l'ignorance) invectivait le musicien en lui demandant pourquoi, mais bon sang pourquoi est-ce qu'il se faisait
autant chier à inventer des sons qu'il lui faudrait 5 min à produire sur un logiciel (de merde) comme
AudioMulch. Et oui : pourquoi y'a-t-il encore des connards pour s'abonner à la version papier du Monde
Diplomatique plutôt que de suivre le fil Twitter de BFM TV ? La réponse est dans la question : c'est politique.
Ankersmit, qui a en plus l'excellente idée de ne pas vouloir nous offrir des œuvres qui dépassent (à peine) la
demi-heure, refuse la facilité de l'absence de pensée. Très accessible (il a tout pour lui ce garçon), son
approche pourtant très technique de la musique se situe à l'ombre des courants, dans des lieux oubliés,
chauds malgré l'austérité, confortables malgré la rudesse. Je ne crois pas que ce soit ça qu'on appelle le
« sound design » (ça c'est autrement plus ambitieux/prétentieux) ; Ankersmit navigue dans les plis solide des
choses concrètes qui nous sont impalpables – ça en sonnerait presque Lovecraftien, dis comme ça. Au vu de
l'altération du temps qui frappe l'auditeur, ce n'est pas volé ; tout comme la note, déjà annoncée par VL dans sa
chronique de Forma II : 6/6, sans concession, sans discussion.
Note : 6/6
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Jus Allah : All Fates Have Changed
Jus Allah, le MC qui a intégré et quitté Jedi Mind Tricks au moment où ils devenaient obsolètes (Violent by
Design) avant d'y revenir, est un bon dans le genre bourrin, même si on est plus sur du flow au douk-douk que
du rap à épée. Rien que l'intro couchée sur ce gros sample de synthés-deltoïdes à la Rocky donne le ton : "To
all my enemies, I know you hear this : fuck you ! I hope your son's retarded and your daughter is buck-toothed,
hope your Mom's hit by a truck too - But I don't have to hope, 'cause Allah guarantees you your just due". On l'a
vite grillé même si la sentence est du vu et revu (il faut plutôt entendre la conviction avec laquelle il la beugle),
Jus Allah n'est pas 50 Cent - ou alors encore plus bas dans l'esprit - mais plutôt un petit salaud masqué du
genre qui pète des mako-moulages à la massue et renverse du coca-cola sur les hadiths, et ses punchlines
mégalomanes tendance débiles confinent souvent au rôle du méchant surjoué dans un nanar, type Commando.
Les beats sont pas du genre tout puissant et miséricordieux, car il faut bien dire qu'ils suivent pas toujours et
piquent parfois les oreilles (sombre mais souvent cheesy, comme ce featuring avec GZA, qui aurait pu être bien
meilleur - ils l'ont sous-mixé comme des gorets - bien que rien ne soit vraiment honteux en dehors du très
moisi "Tomorrow" et des synthés ridicules de "Can't Sleep") Mais on peut apprécier le feeling bien brutasse et
basique de Jus Allah, dans le genre lavage de cerveau streetwear, nettement plus efficace que Vinnie Paz
auquel je n'ai jamais accroché (plus qu'au jeu d'acteur de Ben Affleck, s'entend). Jus Allah c'est un peu l'un des
rares rappeurs hardcore des années 2000 qui pouvait inspirer un sentiment de puissance authentique, de
sauvagerie, cette odeur qui avait bien déserté le rap depuis la chute d'Onyx et Mash Out Posse. All Fates Have
Changed est très inégal, enchaînement rollercoaster de titres pourris tels que ceux cités plus haut et de purs
bangers brutasses-putasses ("Hell Razors", "Porno Flick Bitches", le Black God's Remix de "Supreme" ou le
single "White Nightmare" dans les bonus, meilleur titre du pépère haut la main). Mais je regrette pas d'avoir
acheté cette correcte semi-claquasse, réservée aux amateurs de rappeurs musulmans avec un feeling plus
wahhabite à cagoule que Tariq Ramadan.
Note : 3/6
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SAGE FRANCIS : Li(f)e
Alors comme ça Francis, maintenant tu fumes le cigarillo, et tu nous proposes ton album acoustique, mh, petit
brigand ?... OK Francis, pas de problème, mais tu vas un peu boom-baper, dis ? Même pas, oh... ? Tu vas la
jouer façon MC Will Oldham ou quoi ? Moins de rage mélo, plus de ballades au spleen, du vague-à-l'âme de
garçon vacher... Ah, OK. Si si, je suis pas contre, j'adore les albums de rap sans samples, c'est comme le vin
rouge bio si c'est bien fait, ça sent le sous-bois et la moisissure noble... Moi jveux bien mais... tes trips pur
country tu sais Francis, en dehors de la fin de ton chef d'oeuvre en hommage au man in black... Que dire ? Mais
oui je sens bien que t'as fait ça avec amour, avec sincérité et passion, c'est pas c'que je dis Francis, sois pas si
susceptible à prendre des trémolos dans la voix comme ça gros, tu sais que je te respecte comme on respecte
son ami bipolaire au physique ingrat... C'est joliment composé, les arrangements ohlala, superbe, c'est quand
même d'une autre classe que la daube antiraciste de LL Cool J avec son redneck country ! C'est pas du
mensonge ce disque, c'est ta vie, t'avais pas besoin des parenthèses esthétiques. Tu vois ?... Il y a des choses
étonnantes, sur "Polterzeitgeist" par exemple quand tu transformes subtilement une ritournelle un peu nase en
morceau flippé de ton cru, sur "I Was Zero" ou "Slow Man" quand tu me fais penser que hors l'or moelleux j'en
ai jamais rien eu à cirer de Beck et que c'est peut-être un tort mais que dans le fond j'ai des priorités, ou
"Diamonds And Pearls" et "16 Years" qui sont facilement deux de tes plus beaux morceaux sans hésiter...
Belles guitares aussi, Francis, si si, très belles... c'est du bois de quoi ? Très cajou ce cajun, god'dèèème
gouwde, mais cette folk des cageots me parle moins que ton hip-hop Francis, inutile de te braquer, je suis très
client des solitaires dans les cordes pourtant... Serais-tu devenu sage, Francis ? Je comprends que c'est ta
récréation, (tu aurais pu garder "London Bridge" dans tes démos à ce sujet et "Love the Lie" aussi, ça servait à
rien d'appeler un suicidaire pour si peu), ton instant détente au coin de la cheminée, et que c'est le moment
idéal pour raconter des histoires pour les enfants, et oui, bien sûr que tu arrives à nous captiver, scout
toujours, avec ta mystique de cérébral émotif... Et, oui, Francis, c'est très cool d'avoir l'impression d'entendre
un album de rap enregistré dans les années 70 pour des vieux campagnards mélancoliques dans leurs
chemises à carreaux... Et ton intro et ta finale sont comme d'habitude très belles, bien sûr, oui à tout ça et oui à
tes crescendos de gros emo... Cette intro pur storytelling américain tragique c'est loin d'être au niveau de
puissance de "La Cosca" au début de Métèque et Mat même si dans un esprit proche, mais tu y mets du tiens et
j'apprécie ; et cette fin, si gauche et si sincère, oh oui c'est du Francis tout craché ça, quelle sincérité de
songwriter, tu devrais contacter Arnaud Michniak tu sais... Mais tout de même, tu me fais un peu chier sur ce
coup-là, mon Francis... Moui... Tu vois nous sommes un peu pareils Francis, je peux pas m'empêcher de vouloir
être honnête avec moi-même. Mais tu peux faire le fier avec ton stetson relevé : tu as réussi le seul disque de
rap que je pourrais réalistement conseiller à mon paternel, et ça c'est quand même assez fort, je l'admets. (Par
contre rêve pas trop pour la note, gros, ça ne vaut de loin pas tes trois albums précédents, et tu le sais.
Choupinou.)
Note : 3/6
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Primitive Man : Home Is Where The Hatred Is
Chronique réalisée par Ntnmrn
Je ne vous le cache pas, ces mecs me l’avaient souvent laissée mi-molle. Que ça soit chez Clinging to the Trees
of a Forest Fire, ex-groupe du guitariste, et son "funeral grind" qui peinait un peu sur le split avec Nesseria ; ou
encore le premier skeud des primitifs à proprement parler, "Scorn", nettement meilleur, mais qui avait
beaucoup de gueule pour trop peu de couilles réelles — je veux dire, d’originalité, compte tenu que la
subversion morale, le tempo d'éléphant et l’agression à la dissonance c’est à peu près la norme dans l’ultra
sick blackened doom qu’ils revendiquent —, et surtout des longueurs, des longueurs. Le format EP, par contre,
leur va comme un gant — et y a de quoi grailler, rassurez-vous, car on caresse les 10 minutes de moyenne pour
chaque morceau, sauf le dernier. Cloisonné dans ce semi-format, Primitive Man va à l’essentiel et taille le
surgras du gras pour ne laisser qu’un coeur de graisse solidifié, gélifié, un coeur substantiel de dégoulinance.
Depuis que Celeste s’était mis à tourner en rond dans sa propre lie, que Black Sheep Wall avait trahi pour le
camp des émos, que Admiral Angry était mort né avec un album glorieux, et même si Lord Mantis avait tant
bien que mal maintenu le level, il manquait un bon gros cochon à la scène, un cochon vorace, dévastateur, et
d'une couleur originale. Si c’est sur ce 3ème point que pèche Primitive Man, il n’empêche qu’ils envoient la
patate primitive avec une certaine classe. Cette classe tient à la production, alourdie par un son de batterie plus
lointain et plus organique, et un couple guitare-basse comme deux grosses fesses cellulitées, dont la superficie
assise étouffe la totalité du spectre sonore. Et en parlant de Celeste, si leur tournée avec Primitive Man
succédant la sortie du skeud peut mettre a posteriori sur la voie d’un rapprochement, on dirait que ce "Home Is
Where The Hatred Is" les a phagocytés. Symphonie de dissonances sur fond abyssal de powerchords, intenses
séances d’écrasage à la double pédale ("Bag Man"), riffs constricteurs qui s’embobinent malicieusement autour
des aires émotives du cerveau, déluges glaiseux et cascades de boue dans les accélérations ("Downfall"),
arpèges blutausnord-ien répétés ad libitum (sur la très belle fin de "Loathe"), accalmies parasitées par des
larsens porcins qui ne font qu’ajouter en lourdeur et en tension… Bref, rien de nouveau sous le soleil
goudronneux du plus vilain sludge, mais ce skeud a l’avantage jouissif de faire grimper tous les poncifs du
genre à la puissance 10. Le son, il faut le dire, est absolument écrasant, et rarement une prod a été si réussie,
maximisée et hypertrophiée, un peu comme les gros pleins de soupe qui en sont à l’origine ou les BBW à
effigie américaine qui trônent sur une table symbolique de manigances peu morales. Pour enfoncer le clou de
cette évidence, ne reste qu’à citer "A Marriage with Nothingness" : "interlude" conclusif quasi classique dans le
genre, qui voit s’affronter un crescendo de guitares bruitistes et un sample de scène SM, de viol, de femme
démente, de ce que vous voulez tant que ça vous rappelle "(S)" de Celeste, et son sympathique sample
d’Irréversible. Et dire que "Primitive Man", c’est aussi un sympathique album de synthpop d’Icehouse. "Home Is
Where The Hatred Is", à son opposé, est une réussite : de la musique à faire trembler saïmone. 4,5/6
Note : 5/6
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Sarah Davachi : Barons Court
Sarah Davachi est une jolie fille. Une jolie fille qui aime les Serge ou les Bulcha, ça court pas les rues. Une jolie
fille qui aime utiliser des instruments relativement peu usuels (hautbois, flûte, quelqu'un?) dans cette saloperie
fourre tout qu'on appelle le drone (mais quel nom lui donner, quand tout s'oriente vers cette espèce de
singularité atone de la note ?), qui entretien une certaine forme d'amitié avec James Plotkin (ici à la production),
avouez que ça fait rêver. J'ignore si tout cela joue à influencer ma perception des choses, mais je considère
« Barons Court » comme un disque hautement romantique. Ce fleuve de cordes, gentiment caressé par le doux
susurrement des synthétiseurs modulaires de la dame ; cette fragilité acoustique qui semble pouvoir se briser
n'importe quand sur un assaut de la réalité (et qui n'arrive jamais) ; la langueur interminable des harmonies
changeantes qui se superposent avec doigté et respect ; je ne vous le cache pas je suis sous le charme. Je lui
trouve des défauts, à ce disque. Il est un peu précieux, un peu facile, un peu convenu, gnian gnian, sympa, ce
qui est à peu près tout ce que je ne cherche pas dans cette musique. Pourtant ça fonctionne sur moi, comme
fonctionne Jeremiah Cymerman dont je vous ai parlé l'autre jour : il y a une saveur porcelaine à ces fausses
expérimentations (proche de ce que peut donner un Szczepanik quand il s'y met), un truc un peu chiant comme
un thé chez mamie, mais qui a « aussi » le goût des gâteaux sablés, la peur de voir mourir sa grand mère quand
il faut la laisser seule alors que le soleil se couche – un truc hyper cliché mais imparable, qui ferait une super
BO d'un film mumblecore. Le genre de disque parfait pour faire l'amour bizarrement, même si on aurait aimé
que Sarah se laisse aller du côté d'une Scarlett dans Under The Skin (= Mica Levi), plutôt qu'une Kirsten Dunst
chez Coppola. Note généreuse, pour l'envie.
Note : 5/6
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Weekend Nachos : WN
Sorties anecdotiques, ce ne serait pas l'anagramme de "Record store day" ? Hmmm, allez, presque. Après le
regain d'intérêt pour la cause vinylesque pour une raison qui m'échappe encore, en réaction au streaming
finissant de bouffer leurs restes laissés par piratebay, les disquaires dits indépendants se retrouvent chaque
troisième samedi d'avril à vendre des rééditions Nuniversal valant un quart du premier EP des Beastie Boys ou
des singles pas très intéressants sur éditions "limitées" 7 pouces tous moches - cf. cette année Slayer et son
single tout moche. Comme un 1J du disque ce jour du disquaire, avec toujours des petits trucs pour
collectionneurs, petits machins qu'on peut souvent retrouver quelques temps plus tard dans les bacs des
mêmes disquaires malchanceux... L'opération commerciale, étant pensée à la base comme une opération "à la
rescousse des indés" a bien sûr été partiellement récupérée par les grosses machines du zic bizness, yakavoir
ces coffrets de singles du Marc Bolan, ou ces rééditions chéros des Byrds ou du Purple. Vu de ma lorgnette,
cette grande opération mondiale montre, comme toutes les autres soldes et opérations spéciales un besoin
d'attirer le nez des foules dans les rayons sous n'importe quel prétexte (supporter X ou Y cause socio-culturelle
par exemple). Alors, quoi ? Y a bien quelque chose qui pourrait être rigolo non dans cet océan de euh...
marketing ? Ben oui, mais rigolo c'est pas dark, c'est pas guts. Alors, quand j'ai vu que Weekend Nachos avait
sorti son record day disque, je me suis dis : "TIENS". En plus, c'est un single qui reprend du Weezer. Avec un
cadavre (?) sur la pochette, en noir et blanc, avec du grain comme une vieille photocopie ! Alors, du Guts ? De
la Dark ? Ben je dirais plutôt une blague expérimentale, comme si le groupe de grindcore / sludge / metallo-fou
poinçonnait un poisson dans le dos des cachalots de discogs (ou de gutsofdarkness, hem...). Oui, deux
reprises de mégatubes de Weezer, mais dupliqués consciencieusement, le genre d'approche qui fait bailler sur
les tributes ! Même les intonations de voix sont mimées... je m'attendais à quelque chose de plus bizarre, mais
non, pas de piste à la "You Suffer...", pas de ralentissements grotesques, pas de changements de paroles, pas
de growls ni de gruiks, pas d'accélérations non plus ! Juste un copié / collé avec un peu plus de distorsion,
surtout sur la basse. Rigoureusement inutile, destiné aux collectionneurs, ce WN est une espèce de pied de nez
sans fin quand on voit ce groupe américain voulant dégager beaucoup de violence et un point de vue cool sur
le néant nous sortir un single avec une pochette bien glauque et "indé", et des chansons ado-déprimes toutes
sucrées dans les sillons du même disque, lunettes carrées suspendues au-dessus de la guitare, en dessous du
poster de Kiss. J'espère en tout cas que vous avez trouvé votre bonheur chez les disquaires, moi, maintenant,
je suis embêté, j'ai "in the garage" dans la tête, en boucle... et l'illustration de ce disque de Poison Idea, je vous
laisse retrouver le titre !
Note : 3/6
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Corrupted : Loss
Alors, comment ça va depuis la dernière fois chez Corrupted ? Ben ça va mal, ne vous inquiétez pas. Quelques
membres du groupe ont quitté le rafiot, et c'est aujourd'hui une autre vocaliste, alias Mother Sii, venue elle
aussi du monde crusty du Japon qui va hurler et grogner sur ce single... que dire de plus depuis le dernier
album de 2011 ? Et bien vous ne vivrez pas l'hallucination d'une heure de déprime à deux heures du matin,
parce que c'est un single, tant pis. Par contre, les deux faces peuvent vraiment s'écouter de manière
indépendante. Sur la face A, les rythmes sont enlevés, pour dire qu'on est un peu plus proche du post-hardcore
que du doom cosmique... on a quand même une intro dark ambient, avec une nana enfermée dans la cave de
l'enfer, posée là à bailler version "esprit affamé". Le son de cette entame sur la face A introduisant une
bourrinade très énergique sera à peu près le même sur la face B, sauf que là ben... y a pas de bourrinade
derrière. Entièrement plongés dans de la dark ambient with ze hurlements d'la fille, nous verrons sur la
conclusion du single (merci la synesthésie) encore plus de pétarades au loin, comme dans un paysage
campagnard en lointaine banlieue d'Hambourg, vous savez quand... Très claustrophobe, cette face reste ma
préférée, très goûtue pour ma conscience avide d'illusions dantesques... L'illustration du single elle fait la part
belle aux poils et au giron, et au trou au milieu des poils, et au milieu du giron, tout cela sans tête... ah, les
femmes. Ah, le doom. Ah, et puis quoi ? Ce disque parle de quoi en fait ? De mythologie grecque. Et ouais, la
vie, la mort de Méduse, dans une version s'attardant sur son désir d'être la plus belle, désir qui lui fera pousser
des serpents sur la tête, laquelle sera coupée par un homme après que notre Gorgone en ait pétrifié un paquet
par le simple pouvoir de son regard, notre pov'fille finissant comme simple accessoire de la Maman toute
puissante dont elle avait osé dire que sa beauté était moindre que la sienne... Au final, nous avons ici quelques
minutes d'anxiété bien alléchantes, mais le format aidant, trop courtes : je préfère le groupe sur longue
distance, plutôt que dans le jukebox en fait, parce que ça laisse le temps de trop réfléchir... mais bon, c'est
quand même un challenge de sortir des 45 tours quand on joue du funeral doom... donc, oui, je suis un peu
frustré, parce que maintenant j'attends qu'ils nous sortent une nouvelle monstruosité d'une heure, qui, s'ils
restent sur l'esprit de cette envolée, sera d'une humeur étouffante, d'une mystique portée sur des
problématiques puisées dans les traditions les plus lointaines, avec une approche esthétique plus proche des
sensations d'enfermement que celles plus explosives de la dépression nerveuse, le doigt sur la gâchette à
chialer devant la tombe de pépé, fourmillements pleins de suie dans les tripes que l'on pouvait tantôt écouter
sur leur précédent "Garten Der U183ewusstheit".
Note : 4/6
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EL-P : Cancer 4 Cure
Rien que pour sa marionnette à la Meet The Feebles qu'il a sortie pour le clip de "The Full Retard", je ne peux
pas penser du mal de ce rouquin. El-P est un nerd du rap pour lequel j'éprouve encore de la sympathie, teintée
d'irritation quand je réalise que je me suis enflammé sur son nouveau disque, pour au final ne plus avoir envie
de le ressortir. Cancer 4 Cure, ultime précipitation chimique post-Can' Ox à l'inspiration
electro-éthylico-morbide, m'a gentiment tabassé à sa sortie, bien plus abordable que l'amas ingrat Fantastic
Damage, et plus stéroïdé que les futurs Run the Jewels... Et... Cancer 4 Cure me plait encore ! Gadget ? Gadget
efficace alors. Je me prends de vigoureux coups de rotules droïdesques dans ma carapace de corbo-robot,
mes boulons sont déshuilés et re-huilés. Ce genre de disque n'est appréciable qu'en étant écouté FORT. Très
electro ouais, voire big beat quand il gonfle les pecs. C'est un skeud que je vois bien plus comme un délire des
années 90, dans l'esprit, qu'un produit clinquant des années 2010 qui se veut avant-gardiste alors qu'il est juste
vide (nota bene : ça aura toujours plus de gueule que Death Grips dans le genre hip-hop expé in-your-face ; je
préfère un nerd surarmé à des drogués sans épaisseur, word). El-P est certes toujours cette quiche froide au
micro, technique, rapide, avec quinze ans de culture rap derrière et sa période wannabe Nas du temps de
Funcrusher Plus, ce qu'on veut, mais il ne m'inspire toujours rien de plus que de la froide maîtrise de nerd à
timbre fade. Un producteur qui rappe quoi. Mais c'est pas comme si son blase était El-R... L'humour et le
référentiel, comme un Cage ou un Sage Francis sans le charisme et la flamboyance, ou un TTC buvable, juste
avec ce contrôle de new-yorkais cynique proto et post-Anticon, et cette capacité de faire passer des titres
graves pour des chansons débiles de fin de soirée ("For my upstairs neighbor"). Voilà mon petit El-P à moi.
Pourtant, ce style de flow fusionne parfaitement avec ce contrôle d'armada technologique expé-DJ, c'est
indéniable, et ses invités s'ils épicent un peu n'étaient pas indispensables, même si, foutre de xénomorphe, "Oh
Hail No", est un hit aussi pétant d'efficacité qu'un "Dusted" ou un "Diesel Power"... même si El-P peut toujours
pas s'empêcher de faire dans le bancal ("The Jig Is Up", le final en eau de boulon), c'est sa nature... Cancer 4
Cure est un des rares albums de hip-hop expé réellement cool et pas prise de tête que les années 2010 nous
ont pour le moment refourgué. Son intérêt est peut-être plus techno ou rock que hip-hop, même si El-P a la
subtilité de greffer du Boards of Canada dans la matière technologique vulgos-nerd et des passages plus
intimes à la I'll Sleep When You're Dead, mais on s'en fout au final : il y a de purs moments - qui auraient dû être
encore plus nombreux - où ça tabasse la calebasse et les cabasses, un peu comme Stephen Hawking qui serait
greffé sur un ED-209 suréquipé. Un album qui en jette comme une grosse console next gen, ou une hayabusa.
A vous de voir s'il sera jetable après une poignée d'écoutes, ou s'il tiendra le coup, révélant les nuances qu'El-P
a comme d'habitude incrustées entre les grosses armatures... Ostentatoirement abstract, mais pas du tout prise
de tête.
Note : 4/6
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La Caution : Asphalte Hurlante
La Caution, L'Armée des 12, Klub des Loosers, L'Atelier des 7... Toutes mes années d'études
éthylico-branlatoires, bordel... Et, hem, je croyais pas dire ça un jour avec mon dégoût radical du canal pute
post-Gildas, mais... merci pour le coup de main donné à ces petits gars, Mouloud. Allez, file va, brave motte,
avant que je ne vomisse... La Caution c'était plus le versant urbain, street-cred et en même temps ce duo
capable d'être aussi original que de l'abstract américain... Eh ouais. Les flows sont certes plus ceux de deux
potes qui s'amusent, et surtout bien plus du Sage Poètes de la Rue, que du Latyrx ou du Freestyle Fellowship,
les paroles sont approximatives et mal dégrossies, sortant comme elles viennent de ces deux têtes grillées qui
n'ont pas de chrome à faire briller. Mais Asphale Hurlante dégage un charisme bien personnel. Urbain et
unique. Les ricains ont eu Anticon et Def Jux, et nous avec notre maigre scène alternative et son
porte-étendard involontaire La Caution, on avait pas à rougir. Au moins ce groupe-là ne rendait pas une version
copier-coller de la musique U.S., ils tentaient leur mixture, parfois indigeste, parfois maladroite, parfois
grisante... Toujours singulière. Les beats d'Asphalte Hurlante fonctionnent comme l'électricité statique et le
bragadoccio de smicards arrimés à la sous-culture prolétaire à son petit charme. Deux arabes gavés aux jeux
vidéos Atari, à Fight Club ("je suis la colère de Jack"), et en même temps à la culture hip-hop la plus farouche
("Culimant"). Je n'ai jamais été vraiment emballé par les flows de Nikkfurie et Hi-Tekk - je préfère toujours le
second au premier soit dit en passant - et l'intro d'Asphalte Hurlante est l'un des trucs les plus
approximativement adolescents qui peuvent être écrits en hip-hop... Mais comme le premier Stupeflip, même si
moins férocement différent, cet album, malgré une tentative piteuse de rap'n'b pour radios ("Changer d'air"), ne
ressemblait à rien en rap français. Et peut-être même en rap tout court, sans trop exagérer. Une fusion du
hip-hop de rue, à l'ancienne, avec la culture geek et les sons electro. Beats SF de fin des années 90, feeling rue
nocturne dans un futur parallèle où Paname est vu comme un bac à sable de survival. La Caution opérait en
marge de la génération Booba naissante, tout en adpotant le vocabulaire racaille ils rôdaient dans le hip-hop du
pays du saucisson en maigres capuchards armés de gadgets cyberpunks. Même si certains passages sont un
peu limite ("Entre l'index et l'annulaire", même si j'aime toujours celle-ci avec son côté Rocky c'est assez
cheesy)... Beaucoup de sympathie pour ces gusses, plus que pour TTC, mais album caduque depuis que la
réédition double l'a enterré, car c'est celle-ci qu'il faut posséder. "Asphalte hurlante - Asphalte hurlante - mon
mic est androïde - hexagonale est notre orbite."
Note : 3/6
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La Caution : Asphalte Hurlante Ultime Edition
Science Fiction à la Fallout dans le décor de la Seine Saint Denis + descendants de marocains zonant entre les
épaves de métal et de béton... Et une pochette de réédition qui colle plus à l'ambiance de cet album que celle de
la version originale, très cool ceci dit, avec ses couleurs très Hot Wheels. Cas complexe, fusion disgracieuse ?
En hip-hop français, je vois NTM comme le squat dédié aux battles, IAM comme le dojo adjacent à bibliothèque
municipale, Assassin comme la MJC tenue par un fils à papa ayant raté sa carrière politique... et La Caution
comme la casse automobile. Surveillée par deux bronzés bouffeurs de kebabs végétariens qui balancent leurs
vannes cryptico-sociales le cure-dent au bec. Big macs et boulons. Des carcasses d'intrus mutantes axées sur
les multiples torsions de beats electroniques, assez spécial pour un produit hip-hop du terroir, pour le moins.
Album à la fois atypique et totalement accessible (presque pop) Asphalte Hurlante a été réédité dans un double
digipack en 2002 avec des titres inédits souvent excellents, et l'intégralité des instrumentaux sur le deuxième
disque. L'édition originale devient obsolète : celle-ci, gavée ras-le-capot, nous permet de savourer quelques
inédites que les possesseurs du simple album auraient tort de louper car elles surpassent souvent en qualité
les pistes d'origine : les excellentes "20000 Lieues sous la merde" et "Almanach", la ténébreuse "Metropolis",
et j'en oublie sûrement. Pas loin d'être aussi recommandable que le premier Cannibal Ox, en ce qui me
concerne... Mais c'est de chez nous, alors faut pas le dire.
Note : 4/6
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La Caution : Peines de Maures / Arc-en-Ciel pour Daltoniens
Minimal-marginal. Culte mais surchargé. 31 titres quand même... Donc quelques débris inévitables, comme
dans tous les double-albums de hip-hop (Judgment Day, Ombre est Lumière, Wu-Tang Forever, Life After
Death...) mais Peine de Maures/Arc-en-Ciel contient tellement de petites perles enfilées avec la méticulosité
d'un rouleur rompu à l'art du blunt confectionné avec amour, qu'il serait criminel de le snober. En 2005 Nikk
Furie et Hi-Tekk étaient probablement dans un esprit très proche de celui d'Outkast pour Speakerboxxx/The
Love Below, même s'ils ne partagent pas aussi radicalement leurs deux disques comme un terrain de jeu à
deux facettes, et si l'album de La Caution est incontestablement le plus sombre et expérimental des deux. Cette
pochette sublime avec ces faux vairons, dans un esprit totalement hip-hop, à la Illmatic, désigne subtilement la
différence entre La Caution et le commun du rap français. Les beats sont encore plus electro que ceux
d'Asphalte Hurlante qui avait encore une odeur d'années 90 assez évidente. Les flows plus percutants.
L'inspiration plus politique, tendance musulman réprimé qui réplique par l'algèbre (al-jabr) verbale et les
visions synthétiques. Ici le son claque souvent comme du Neptunes cousu hexagonal, on pense en effet à
Clipse pour cette grosse hypnose de racaille ("Boîte de Macs") mais aussi pêle-mêle à Dead Prez, à Dr. Dre
circa 2001, à El-P, à Swizz Beatz, à Cuizinier, à DJ Premier, à Mantronix... et à La Caution surtout, avec leur
mystique de petits joueurs tentant la grande oeuvre, en semi-extra-terrestres du ter-ter. Futur prisonnier du
présent, "Monde libre"... Difficile de départager les deux disques, ils sonnent aussi bons à mes oreilles, même
si on pourrait croire un peu vite que Peines de Maures est le plus pop des deux à cause de morceaux
basiquement putasses-claquasses comme "Ligne de mire". Peines de Maures, c'est simplement ce que les
radios auraient dû diffuser à la place de nos kékés post-NTM et post-IAM, si ce monde tournait rond. Mais La
Caution étaient trop marginaux. Il y a même de l'autotune, qui ne sonne pas du tout déplacée, dans un des titres
les plus troubles, salve anti-américaine froide et rampante. Approximatif, comme souvent avec La Caution, avec
des lyrics entre pure pose d'esthète limité et sincérité brute et voyoue... Mais trouble, oui... "Glamour Sur Le
Globe" est doté d'une boucle génialement atypique axée sur un écho paranormal que Kool Keith aurait
volontiers baisé, et "Thé à la menthe" eheh : ce tube qui est lié à toute la bande du fils Cassel (qui a d'ailleurs,
reconnaissons-le, eu le petit mérite de faire passer La Caution en plein milieu d'un film médiocre avec Brad Pitt
et Georges fuckin' Clooney) et qui en même temps m'est aussi singulièrement imparable qu'on peut l'être,
demandez plutôt à mon collègue Saïmone vu que c'est cette petite ordure qui m'a sans le savoir ramené à ce
skeud via une de ses compilations de hip-hop, alors que j'avais relégué La Caution au souvenir de mes soirées
estudiantines passées. Truc de bâtards insensibles ! Très difficile de chroniquer ça, finalement, au moins
autant que du Anticon au pinacle, sans se saccader et claudiquer soi-même comme ce son à glitches et à
pitches : essayez plutôt d'écouter si vous n'êtes pas rebuté par le flow, je me contente d'en saisir le feeling
minimal-trafiqué, clopin-clopant. Et achève cette chronique sur un deuxième disque en miroir synth-pop
expérimental et difforme, gavé de hits purement récréatifs comme de beautés : "Livre de Vie", ce morceau-titre
fabuleux avec son sample stroboscopique de Joe Hisaichi... ou la boucherie pour club radicalement et
froidement hip-hop "Code Barre". Le final "Poltergheist", un de leurs plus étranges morceaux, me laisse sur
cette sensation : et si La Caution étaient aussi les Hubert-Félix Thiéfaine du hip-hop ? On s'arrêtera sur cette
évocation imprévue autant qu'approximative, qui ne parlera pas à tout le monde mais qu'importe, La Caution ne
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parle qu'à un cercle très restreint d'amateurs, comme la cuisine macrobiotique.
Note : 4/6
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Killah Priest : Heavy Mental
Pardonnez-moi, mon père, car j’ai péché. "Que le Seigneur vous inspire les paroles justes et les senti-ments
vrais pour confesser vos péchés, mon fils". Mon père, il m'est arrivé de douter de l'utilité des chroniques de
hip-hop dans les pages de Guts Of Darkness. Il y a de cela quelques mois, en proie au doute, perdant la foi que Progmonster me pardonne - je me suis même demandé si ce choix était le bon. Je dois vous avouer que
ma propre existence elle-même me semblait caduque, et que j'ai été hanté par les pensées les plus noires ;
alors la musique... Ce n'était plus qu'un détail sans aucune saveur ni importance. Et puis savez-vous ce qui
s'est passé, mon père ? Dans un de ces moments de silence total, éloigné du chemin de la vie, un sifflement a
commencé à résonner dans ma tête, comme une lumière me guidant dans la nuit... J'ai siffloté, comme l'homme
à l'harmonica, et... qu'est-ce que je sifflotais ? Oui, ça m'est revenu lentement... "From then till now"... l'obscure
Marion... ce morceau qui résonnait dans la plus belle scène de Ghost Dog et qui n'a pourtant pas fini sur la
bande originale compilée... Un signe, mon père ! Une lanterne dans le brouillard, guidant les bretteurs égarés,
et le plus mystérieux passage d'un disque au moins à sa hauteur, signé Killah Priest, ce rappeur israélite des
Sunz Of Man dont on a pu constater la lente ascension au fil de ses apparitions sur des albums qui... eh bien
des albums qui sont pas trop de la merde quand même - pardonnez mon langage mon père mais c'est ainsi notez donc : Six Feet Deep de Gravediggaz, Return to the 36th Chamber de Ol' Dirty Bastard, et puis enfin
Liquid Swords de GZA, et son titre final, l'étrange "B.I.B.L.E.", qui n'était pas bien à sa place dans ce disque
froid et sec comme un cou de trique, tellement il embaumait d'une toute autre mystique... Et qui est nettement
plus dans son élément sur Heavy Mental. Car tout le monde sait que GZA ne pose strictement aucun vers
dessus, même les pauvres agneaux perdus dans les religions orientales et les pugilismes de bridés ! Pur
placement de prophète du mic, mon père, magique et magnétique, comme "One Step" et ce chorus r'n'b qui ne
minaude pourtant pas des bagatelles : "tes bras sont trops courts pour boxer avec Dieu". Basic Instructions
Before Leaving Earth est bien un des titres auxquels je pense en premier quand je pense aux années 90, mon
père. Ce rire d'enfant, quelle glu mentale, Dieu m'en soit témoin : ça m'a collé au cortex comme le refrain alien
de ce tube de Babyloon Zoo... mais le rap qui opère dessus est d'un autre musc évidemment. Killah Priest n'est
pas un MC très commun, il ne cite pas les capuchards du quartier, ni Rakim, mais Le Seigneur lui-même, et ça
sera ma façon la plus évocatrice de résumer la mentalité de ce rappeur, mon père. Esotérique-théologique et
totalement dévoué aux saintes écritures qu'il confronte à l'univers immoral du gangsta rap. Mais s'il est sombre
et austère à souhait, Heavy Mental est un album d'une incroyable fraîcheur enrobée d'une étrangeté certaine.
Ce boom bap parle à mon âme, mon cœur et mes cervicales, comme la ligne de basse onctueuse de "Atoms to
Adam". Frais, et mystique, autant que crépusculaire, noir même, et d'une densité rare qui en fait un album se
redécouvrant au fil des années. Placé à la suite des prestigieux premiers solos du Wu-Tang auxquels il n'a rien
à envier, tout en déployant un son tout à fait singulier : 4th Disciple et Y-Kim étirent des boucles différentes du
style sec et revêche de RZA mais savent aussi être de parfaits substituts à son style - à la fois radicalement
boom bap, et amples, parfois évanescentes... Rampantes ou en lévitation. Killah Priest même s'il ne rechigne
pas à se laisser aller à la violence la plus primaire en duo avec le crasseux drogué ODB, est très axé
spiritualisme hébreu ; assez cocasse mon père, mais c'était très atypique chez les rappeurs, comme une frange
parallèle aux MC's musulmans en supériorité numérique logique. Heavy Mental embaume de cette aura
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religieuse, l'ambiance est nettement plus Pentateuque que Shaolin ou Black Power malgré les beats art-martial
souvent en combat rapproché et des invités massifs dont on ne présente plus les faits d'armes : le son
envoûtant d'une puissance compactée en statue d'ébène au sommet d'un temple érigé sous les étoiles, le flow
d'un dixième membre du Wu-Tang qui aurait pu y avoir toute sa place au lieu de Cappadona... Heavy Mental
égale au moins Liquid Swords, même s'il se situe à un autre niveau que le dojo et que son but est différent,
malgré son dernier tiers plus générique (excepté le ténébreux "Science Project"), malgré sa longueur... Et
certains de ces titres le transcendent même, sans hésitation, et en toute subjectivité bien sûr... Heavy Mental
est, comme Soul On Ice de Ras Kass, un de ces album cultes dont on se chuchote le nom à l'oreille entre
initiés. Comme un goût de prophécie murmurée dans les coussinets des gros casques audio... Alors mon père,
pardonnez-moi : car j'ai péché d'attendre si longtemps pour archiver dûment Heavy Mental dans les pages
sombres et expérimentales de mes maîtres, alors que le titre éponyme placé en son milieu est un des trucs les
plus gutsiens jamais enregistrés dans le sillage du Wu. Et pardonnez-moi, enfin, car je sous-note cet album, le
châtiant de son embonpoint de roi repu, qui rend son écoute intégrale un peu laborieuse... Je ne suis que
disciple, je m'agenouille respectueusement à l'écoute de "Tai Chi", comme un guerrier en recueillement... et
j'implore le pardon de notre Seigneur. "Mon fils, que Dieu notre Père vous montre sa miséricorde, et qu’il vous
accorde la paix. Au nom du Père et du Fils et du Saint-Esprit, je vous pardonne."
Note : 5/6
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Killah Priest : Priesthood
L'intro acoustique / chopped & screwed de ce troisième Killah Priest est l'un des débuts d'album les plus laids
que j'ai eu l'occasion d'entendre dans ma vie. Signe évident de l'apparition imminente d'une jolie bouse, comme
un fumet bovin prévenant les narines que les pieds doivent faire attention. Je ne vous ai point parlé de son
second album, chute vertigineuse depuis l'autel cosmique de Heavy Mental, mais finalement j'aurais pu...
Priesthood est une douce et crémeuse daube, dans le genre g-funk à la new-yorkaise, mais sans le funk, juste
la matière synthétique pondue par des thugs amateurs. Et pourtant... j'ai un petit faible pour cette daube, un
titre comme "Horsemen Talk" m'empêche de lui mettre la note minimale, le son est à chier mais j'aime ce
feeling bassement catchy et un peu nauséeux, et il y a quelques samples louches que j'affectionne ("The One")
et du rap'n'b avec des effets John Carpenter ("Thug Revelations")... Un tout petit faible, donc. Dans le fond,
c'est juste un View from Masada en un peu plus moelleux... On sent pas mal que Killah Priest a voulu surfer sur
la vague du rap contemplatif, l'album a des airs de ballade dans les quartiers, où le MC se pose des questions
existentielles. Mais ce son mélo-synth de contrefaçon est décidément trop naze, ça sent le pécu rose neuf. Et
franchement ce titre bonus concoure au titre la sex track la plus pourrie de tous les temps. Killah Priest a
réellement tout fait foirer en très peu de temps, et la soupe un peu sombre qu'on a ici est à des lieues de Heavy
Mental... Ne restent que des invités prestigieux pour certains, comme George Clinton, dont il ne subsiste qu'un
maigre mais assez malade refrain murmuré sur "Come with me". Purge !
Note : 2/6
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Killah Priest : The Offering
L'introduction nous inquète avec son beat fatigué, mais c'est un leurre car le titre se déploie enfin et nos
craintes s'évanouissent, pour un moment du moins : Killah Priest est linéaire, mais compact. Déterminé car
prêcheur, malgré des productions qui ne suivent pas toujours. Il a le flow appuyé du vétéran, sévère et
discipliné, avec cette pointe d'âpreté si particulière, et ces textes assez limpides à l'oreille rompue qui se
permettent quelques rappels sur la motivation prophético-surjouée du lascar. Cette instru
mystico-wu-tangienne nous laisse espérer un album possiblement grand. Mais The Offering, sous sa pochette à
l'artwork involontairement parodique et parfaitement grotesque, sera juste du Killah Priest de croisière, un peu
bling-bling, pour amateurs confirmés : un album bancal mais assez solide, dans le plus pur style
mystico-Wu-Tang du nouveau millénaire, parfois assez comparable en qualité aux titres moyens que le collectif
de la 36ème chambre sortait dans les années 2000, avec un Killah Priest qui s'essaie à plusieurs approches,
saturé de producteurs (du n'importe quoi à ce niveau, presque un par titre), toujours axés mélodiques et
souvent catchy. Même s'il ne retrouvera certainement jamais la subtilité et la singularité de Heavy Mental, on
s'en contente, blasé. Rien ne dépasse dans ce gros rap austère et politiquement orienté, avec ce qu'il faut de
puissance, même si je regrette cette touche stéroïdée à la Jedi Mind Tricks (qui a influencé beaucoup de
rappeurs vieillissants), ce côté rap camion et symphonique qui bourrine ici et là, comme un embonpoint ingrat.
Mais Killah Priest n'est pas Vinnie Paz, il a un charisme un peu plus épais. Le titre produit par 4th Disciple avec
entre autre invité Ras Kass est sans surprise assez costaud. Sur le succint mais puissant "Truth B Told", Killah
Priest rappelle qui il est et quelles sont ces vues sur l'industrie du disque, en indépendant féroce. Comme
Professor Griff en marge des autres membres de Public Enemy, le Prêtre Tueur est un MC parfaitement lucide,
et son austérité un peu lâchement taxable d'intégrisme lui permet d'aligner des sentences telles que suit : "I
read Judas' scriptures, only warned me to be true to my niggas, and getting corrupt, like Catholic church, and
child nudity pictures. That's like the Virgin Mary performing Kama Sutra with Hitler." Killah Priest est plus que
jamais ce rappeur qui nous rappelle davantage l'archevêque Richard Williamson que Malcolm X. MC à
l'austérité religieuse toujours atypique. Et puis il y a Nas sur ce disque, accessoirement... Le featuring n'est pas
très mémorable, mais Nas est en forme, ce qui suffit amplement à contenter son homme. L'album s'essoufle un
peu sur la durée et les deux titres laid back "The PJ’s"/"Happy" sont parfaitement superflus et aussi banals et
plats que possible (désolé pour la dédicade à ta grand-mère Killah, que ses confitures soient bénites sur la
terre comme au ciel), mais rien de honteux tout de même. Il n'y a rien de très intéressant à raconter sur The
Offering finalement, et cette chronique laborieusement journalistique reflète le manque d'excentricité purement
artisane de la chose : c'est un disque de rap hardcore/conscient plutôt respectable des années 2000, ce qui fût
somme toute assez rare... A conserver sans en attendre plus que quelques frissons épars.
Note : 3/6
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Killah Priest : Behind The Stained Glass
J'avais pas mal accroché à ce Killah Priest à sa sortie, acheté à l'aveugle sur la foi de quelques extraits
rapidement entendus (tel le magnétique "God's Time" ou le final prophético-dark "The End Is Coming"), alors
qu'il n'était sur le papier qu'une compilation de chutes studio de The Offering un peu augmentée. Depuis,
j'avoue ne l'avoir pratiquement jamais ressorti... Alors qu'il est plutôt bon. Amateur, mais valide, et peut-être
même un chouia meilleur que The Offering malgré - ou grâce à - ses productions moins clinquantes et surtout
plus homogènes (un seul producteur plus deux-trois guests). La pochette arrive pourtant à être encore plus
moche que celle de The Offering, ce qui est un exploit, dans le genre collage d'apprenti vitrailliste bourré. Et le
son y est en effet nettement plus underground, parfois bien dégueulasse, voire pathétique (les beats souvent
indigents comme sur "Profits of Man" ou "Jeshurun"), quand il ne propose pas simplement des beats
synthétiques qui semblent dater de l'underground west coast circa 1994 ("Looking Glass"). Les samples un peu
triomphaux le font pas toujours (cuivres, cuivres !), car il faut dire que DJ Woool est tout sauf un producteur
marquant, juste un de ces innombrables RZA de poche, mais Behind the Stained Glass a un feeling bien plus
mélancolique qu'avant ("4 Tomorrow"), moins bourrin, même franchement triste par moments, qui, combiné au
flow pas du tout plaintif du Killah, donne un petit charme à cet album et me le rend attachant malgré ses airs
d'épave. Serait-ce finalement son meilleur album depuis Heavy Mental ? Tout ça ne veut pas dire grand chose
tant les attentes ont été orphelines. Mais le MC porte toujours ses couilles, rappant avec force même quand la
prod est à la ramasse, ne relâchant jamais la pression mentale qu'il s'inflige depuis des années, même pour une
berceuse étrange ayant des airs de Esham sur violons ("Hood Nursery") et quelques refrains chantés limite
mielleux. Killah Priest est un excellent MC et je regretterai toujours qu'il n'aie pas été mieux entouré... Après
celui-ci, Killah Priest va encore plus galérer et ne sortir que des albums de plus en plus confidentiels et inégaux
(jusqu'à un certain point d'explosion), oublié comme le dernier des curés déblatérant ses sermons dans une
église coincée entre un stade olympique et un centre commercial gigantesques. Behind the Stained Glass est
cet album de survivant, usé, sans appui de poids, mais toujours sur le qui-vive, accroché à ses
saintes-écritures dans un monde technologiquement à son climax et moralement en ruines. Déprimant.
Note : 3/6
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Hell Razah : Renaissance Child
Protégé de Killah Priest et intronisé sur son monolithique Heavy Mental en 1998, Hell Razah (futur Heaven
Razah, après avoir frôlé la rupture d'anévrisme) opère comme lui : du gros hip-hop de mystique noir en colère
contre ce monde immoral, pas avare de contradictions - comme tout rappeur - mais exalhant une austérité et
une puissance de flow dont je me délecte. Ce troisième Hell Razah est probablement meilleur que tout ce qu'à
sorti Killah Priest lui-même dans les années 2000. Quelques beats pas terribles, un peu trop
symphonico-foireux si je puis me permettre cette laide combinaison, mais une puissance frontale de boom bap
mystique qui m'a fait beaucoup de bien en 2008. C'est un album auquel j'ai adhéré directement à sa sortie et
auquel j'accroche toujours, dans la foulée d'un 8 Diagrams par exemple même si le niveau est un cran en
dessous... Oui, je ne suis pas difficile. Mais il y a des bons bangers ici, comme diraient les chroniqueurs de
hip-hop professionnels. J'aurais pu le surnoter, mais je me contenterai de le conseiller aux purs amateurs de
rap east coast pas frileux avec les gros flows austères, du genre qui veulent t'apprendre la vie en te mettant des
coups de latte dans la tronche. Un bon, ce Hell Razah, un bon... et des invités pas trop dégueux non plus,
constatez par vous même... Le "Musical Murdah" en duo avec le féroce Ras Kass, par exemple, a un beat fait
avec une batterie de cuisine, mais il claque le museau en beauté. Album mineur, mais solide.
Note : 4/6
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Thomas Ankersmit : Figueroa Terrace
Bien entendu, la première chose qui chagrine à la lecture du petit carton, c'est l'abandon total (temporaire ?) de
ce qui faisait la singularité d'Ankersmit, à savoir l'utilisation conjointe d'un instrument acoustique et d'un
synthétiseur modulaire en symbiose avec les boucles-temps-réels du premier. Figueroa Terrace est un album
cent pour cent pur Serge, avec tout ce que ça signifie. À savoir un disque de pur électronique, et donc de
quelque chose d'un peu moins personnel que par le passé (en témoigne certains patterns un peu trop attendu,
le coup du bip extraterrestre fondu dans la masse grouillante des interférences, ou ce que j'appelle les scratchs
intempestifs de noise dont mon idole Otomo Yoshihide est certainement celui qui en a le plus abusé dans sa
carrière). Mais Ankersmit n'est pas né de la dernière pluie, et les moments de grâce de ce court album (la
trentaine, comme toujours) se trouvent encore et toujours dans ces drones démultipliés, tendus comme un
pylône du Japon, bourré d'émissions parasites lourdes et circulaires, d'ondes téléphoniques percutant les bugs
de l'opérateur débordé ; quelque chose qui rejoint, assez bizarrement à l'heure où j'écris ces lignes,
l'hallucinant dernier album de Hecq (Mare Nostrum chroniqué il y a quelques jours par Ntnmrn) et son fields
recording d'un mega-ordinateur. C'est là, encore, toute la force d'Ankersmit : faire passer pour un fields urbain
un travail minutieux d'horloger-orfèvre-mécanique au chevet de son ami Serge, riche de potentialités infinies.
Un accompagnement parfait pour un livre de SF à la Greg Egan : grosse artillerie minimaliste pour un vertige
quantique maximal ; il rejoint ici la démarche d'un premier Tsukamoto : faire fusionner l'homme et la machine
(analogique !) en utilisant l'image par image. J'ignore si c'est le but de Figueroa Terrace, de vouloir construire
un vaisseau spatial supraluminique dans son garage (avec le côté sculpture sonore, c'est pas si con) ; la
préparation au voyage est en tout cas déjà suffisamment passionnante pour qu'on se laisse rêver à un futur
déclenchement de puits de gravité (ça c'est plutôt pour le Hecq, d'ailleurs).
Note : 5/6
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Becuzzi/Lyke Wake/Noisedelik/Sshe Retina Stimulants/ Uncodified : A poisonous black &
white iridescence across dangerously amorphous urban landscapes
Il n’est jamais aisé de parler d’un disque de dark ambiant; on en revient à tenter de résumer un film avec
plusieurs synopsis. Le musicien/scénariste met en musique sa trame visuelle en espérant que
l’auditeur/spectateur le suivra, prêt à admettre pourtant que ce dernier pourrait fort bien réécrire le scénario
selon son ressenti. En l’occurrence, la pochette évoque assez bien mon sentiment quant à ce projet qui a tout
du ‘super groupe’ dans le genre. Voyez plutôt: Gianluca Becuzzi, Sshe Retina Stimulants, Noisedelik…Le ton
est assurément sombre et nocturne, pas forcément angoissant mais déstabilisant, comme de déambuler de nuit
dans les couloirs et les chambres d’un vieil hôtel abandonné. Du moment qu’on ne croit guère aux fantômes,
nulle raison d’avoir peur et pourtant…L’obscurité joue souvent un rôle de miroir pour nos réflexions, nos
doutes, nos craintes. Nappes tristes, presque trop artificielles pour y croire dans un premier temps, sauf
qu’elles sont vite complétées puis remplacées par des bruits, crissements, sons de cordes pincées, quelque
chose de plus organique plus à même d’installer un malaise. Belle entrée en matière. Davantage rampant et
sournois, la seconde pièce se dilue rapidement dans des nappes synthétiques plus cheap (nous sommes loin
de la profondeur abyssale de Raison d’être) mais une fois encore, c’est pour mieux tromper. Des frottements,
larsens retenus en arrière-fond, tremblements de vagues et autres, instaurent un climat plus terre à terre et
nettement plus dérangeant, avec un final d’ondes saturées. Il faut bien reconnaître qu’en termes de
composition et de méthode, les musiciens ne sont pas des débutants, idem pour les sources sonores et leur
agencement. Bien que ‘A dream without light’ soit plaisant, évoquant à mes sens un trou dans la toiture en
ruines par lequel perce un bout de ciel étoilé, une pointe d'incertitude montre le bout de son nez. Pourtant, les
artistes ont vite fait de déstabiliser cette brève impression de quiétude par des sonorités légèrement plus
grinçantes au relents de cuivres spectraux, cliquetis métalliques, montées lointaines inquiétantes mais jamais
en premier plan, en sachant doser les silences pour laisser l’angoisse s’installer seule dans l’esprit de
l’auditeur. C’est toute l’efficacité climatique de l’album de Noisedelik que l’on retrouve ici. Impression
confirmée dès le début de ‘Black dawn rising’ avec ses cordes désaccordées pincées sur fond de nappes
basses et nocturnes; la peur supplante le malaise, à écouter fort dans l’obscurité de son foyer pour en
apprécier la saveur âcre. L’ultime morceau, qu’évoque-t-il ? Hé bien, le sous-sol de l’hôtel abrite en fait une
clinique où des scientifiques nazis testaient leurs théories psychiatriques sur des ‘patients’ juifs. Les murs
mangés par l’humidité bruissent encore des cris des malheureux, des bruits sinistres des diverses machines,
réseaux électriques, et l’esprit s’emballant, on croirait bien entendre des pas s’approcher…Est-ce d’ailleurs
réellement une illusion ? Le noir devient dense, patibulaire, comme une entité qui se mettrait elle-même en
mouvement. La saturation n’est jamais totale, toujours retenue mais elle vrille efficacement le cerveau malgré
tout. Voici arrivé le moment de tourner les talons et de s’enfuir à toutes jambes, l’explorateur paralysé par les
fréquences se répandant dans les sous-terrains risque de le payer très cher; à ne jamais utiliser comme fond
sonore durant une expédition d'UrbEx !
Note : 4/6
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Benümb : Soul of the Martyr
Comment bien faire rentrer une trentaine de morceaux différents sur le même support sans que tout cela ait l'air
décousu ? Je ne sais pas. Benümb non plus sur ce premier album, j'en ai bien peur, d'autant plus que là, on a
un album, plus deux splits, un live et un EP collés bout à bout donc même le son va changer au long de cet
album ! En fait, j'ai l'impression qu'ils n'ont pas chopé le mojo qu'ils purent faire mousser sur "Withering
Strands of Hope" pour constituer un tout, avec ses silences, ses larsens, ses moments fastcore / grindcore,
hardcore, noisecore, et ses moments sludge, ses samples, et les déluges de mots de Pete Ponitkoff au micro.
Sur Soul of the Martyr ça fait plouf : les morceaux n'ont pas le même tempo et recèlent des thèmes et mesures
vraiment pas équilibrés entre les morceaux. Les coupures sont donc abruptes entre les pistes, mais tout cela
est ici scotché avec du ruban adhésif de mauvaise qualité, ça baille, contrairement à ce qu'ils sauront faire par
la suite. Résultat : on entend bien les moments où le batteur lève la fesse gauche pour choper une binouze, on
pense que ça va repartir, mais non, ça ralentit, puis ça larsen, puis ça s'arrête, puis rien, puis ah oui kekchose...
y a bien de la colère, mais comme étouffée par toutes ces intros qu'ils auraient pu couper faites à base de
coups de baguettes sur les cymbales et de distortion larsenée, voire même des morceaux entiers, comme cet
étirement sludge à base de deux riffs et de texte lu vraiment trop long ("Stood Up and Sold Out" ou
"Deprivation") ! Très hoquetant cet album, et en plus pas très inspiré au niveau guitare, la simplicité du jeu de
Paul Ponitkoff (lou frangin ?) ressemblant bien plus à des approches basica noisecore à la Anal Cunt qu'à du
Napalm Death ambidextre - le changement de personnel sur le deuxième album faisant bien le point là-dessus
dans le jeu des sept différences. Un disque donc un peu moyen, pas très original, qui pourrait devenir un joujou
pour les collectionneurs, peut-être. (Encore ?)
Note : 3/6
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Benümb : By Means of Upheaval
2003. Las, je traînais comme un vieux lamantin quand je tombai sur un DVD Relapse s'intitulant "Recollection" :
une compilation de clips des groupes de leur "roster". Au milieu de joyeusetés Neurosis ou Alabama
Thunderpussy (tonnerre ! quelle chatte !), un clip tourné sur scène, le plus cru possible, avec un gus au milieu
pestant comme jamais, au milieu de gros chevelus, dans une salle ressemblant à un squat. Benümb, c'est ça ?
Ah, cette voix ! On dirait moi, quand je reprenais du Suicidal Tendencies à 17 ans, je ne savais pas beugler, je
forçais mal, et ma voix restait au même ton... Ben voilà, le Benümb dernière cuvée... la dernière, parce que Pete
le chanteur, réserviste dans l'armée de terre embarquera plus tard pour l'Irak afin de démocratiser les méchants
détenteurs d'armes de destruction massive et donc contribuer au bordel que nous vivons aujourd'hui grâce au
leadership lumineux de son beau pays étoilé... Du monde s'est retrouvé la mâchoire pendante en lisant cette
niouze à l'époque : on s'imagine mal un chanteur de grindcore pestant contre toute l'oppression possible avec
des galons de sergent ! Alors, ce disque ? Et bien, départ de Rob Koperski et retour de l'aut' Ponitkoff, on
retrouve donc les agencements de guitares simplistes du premier album, mais sans cet aspect décousu qui
m'avait un peu rebuté, tout est bien empaqueté ici, mon désir de Kohërenz est satisfait. Par contre, par contre...
la voix du Pete, faut vraiment se la taper pendant tout le disque, et elle est d'une linéarité, ses espèces de scats
deviennent très nombreux... ce qui passait bien sur le split avec Pig Destroyer devient ici usant sur la longueur,
vraiment. Regardez donc le clip là, et multipliez cette ligne de chant par 22. Voilà. L'histoire dira que Pete
Benümb, revenu vivant de la baston dans le sable formera Agenda of Swine, et retrouvera son style premier
bien plus hardcore, et plus efficace aussi. Par contre, sur ce dernier album on restera sur une moyenne
moyennée, l'excentricité du bouzin n'étant pas forcément très bien dosée en mettant tout le paquet sur cette
voix vraiment crispante.
Note : 3/6
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Faith No More : Songs to make love to
Faith No More sort un album en cette année 2015, vous le savez hein ? Et Faith No More va jouer plusieurs
concerts avec le line-up Mike Patton - Bill Gould - Roddy Bottum - Mike Bordin - et Jon Hudson, le guitariste sur
"Album of the Year". Alors j'lui dis : "ben je vais écrire sur Faith No More". Et là y m'répond : "Mais tout est déjà
chroniqué sur guts, même le truc à monter soi même là!". Donc là j'lui dis : "Pff, t'y connais rien à FNM. Moi
j'écoutais ça tout p'tit, je comprenais à moitié les paroles mais j'avais l'affiche dans ma chambre avec Jim
Martin et ses trois paires de lunettes, et puis le t-shirt avé l’œil dans l'hexagramme baveux, donc, hein, regarde
c'que j'ai là, c'est pas chroniqué!". "Mais si" qui m'souffle, "regarde, c'est le machin à monter tout seul !" Eeeet
non, c'est bien la même image de Yann Arthus-Bertrand (brrr...), mais ce n'est pas le même titre ! C'est un
disque à jouer pour faire l'amour ! Les connoisseurs des membres du groupe doivent déjà connaitre leur esprit
taquin, j'imagine donc qu'ils n'ont pas commis l'erreur de faire jouer cet EP lors de leur coïts hivernaux au bord
de l'âtre sur la peau de tigre. OK, on entend la célébrissime reprise de "Easy" en première piste, qui peut faire
l'affaire si la votre d'affaire ne dure pas plus de trois minutes car ensuite on aura droit à une pattonnerie
vraiment, vraiment conne, une espèce de polka à boire chantée dans un yahourt allemand incompréhensible où
il est question apparemment de queues, et de clébards (re-brrr...). On redescend ensuite avec l'autre sublime
reprise concluant Angel Dust, celle du thème du non moins sublime film Midnight Cowboy, triste à souhait,
avec un des meilleurs combos synthés / guitare de cette période angeldustienne des "jamais plus d'espoir".
Mais, las, on retombe dans le nawak avec la reprise des Dead Kennedys "Let's Lynch the Landlord" que vous
pouvez écouter sur l'autre indispensable tribute d'Alternative Tentacles : complètement débile, celle-ci
consistant en de l'accordéon rural soutenu à la voix par un Patton qui fait le crooner rockabilly. Alors, oui, si
vous voulez vraiment rater votre coup, allumez les bougies et jouez ce disque. Si par contre, tout roule quand
vous faites crac-crac en écoutant cela avec votre partenaire : mariez-vous sur le champ ! Pour ma part, les
morceaux intéressants existent déjà ailleurs, et la polka est vraiment, vraiment débile, je ne vais donc pas trop
en faire niveau bouboule, hein.
Note : 3/6
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Septic Tank : The Slaughter
Voici Septic Tank ! Fondé en 1994, ceci est un faux supergroupe, car, apparemment, ce side-project vieux crust
vieux metal Cathedralo-Repulsionnesque n'a existé que pour s'amuser deux minutes, les protagonistes
officiant ici n'ayant donné qu'un concert il y a deux ans, et ne donnant point trop de nouvelles suite à la
publication de cet EP. Enregistré en une après-midi, dégageant une sonorité bien crue dûe à cet enregistrement
à l'arrache (bien voulu je pense), l'objet chroniqué oscillera entre parties lentes et moments rapides un peu
grind à la Repulsion (fracas et son qui grésille), avec un clin d’œil appuyé à Discharge sur ce "Grotesque
Cavalry of Mankind", morceau rappelant très fort "The Nightmare Continues" si vous voyez c'que j'veux dire. Le
tout est superbement soutenu par notre Lee Dorrian du-vortex-violet-de-la-sorcière-de-la-montagne-de-minuit
qui abusera de ses célèbres onomatopées rock and roll demon. Le disque se termine sur un morceau
mini-doom avec encore de beaux "BWWOUUU" exprimés par Dorrian : ce "The Slaughter" sera le morceau le
plus fond du caniveau de la doomitude punkoïde le nez dans les déchets, un peu comme le "Graveyard Slut"
l'était pour ces autres vieux de la vieille de Darkthrone. Conclusion : cet EP est jouissif malgré sa petite durée
et donne à revoir aujourd'hui le côté grind / crust de Lee Dorrian dont la voix me semble joliment poncée par le
temps et la belle vie. Ce petit disque donne aussi envie de boire et de se coudre des patches. Et ça, c'est
important.
Note : 4/6
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L'Effondras (☉) : L'Effondras
Qu’on la prenne comme science, hérésie, égarement de l’esprit ; comme on voudra ; je veux dire : l’Alchimie.
Je l'entends, ici, comme une trame. Ses termes comme des bouts d’indices, surtout pas faits pour être résolus.
L’image – ce Lion Vert, dit aussi VITRIOL, qui pour le groupe, sur cette pochette, se découpe en blanc sur bleu
– non pas décorum, enseigne de billevesée new-age, l’escroquerie fût-elle prise par son revers ténèbres. Elle
est une porte. Passons le porche. Retenons que dans le Grand Œuvre elle marque, paraît-il, "l’union du haut et
du bas"… Cette musique, disais-je, ne se déchiffre pas comme un froid tableau de chiffres. Elle connaît,
pourtant, les masses des particules du son ; elle sait le poids et l’envol ; ces trois types-là, en effet, ont trouvé
leur voix propres pour les transmutations. De matières simples, ils font des étendues. D’arpèges, ils font des
principes moteurs, cycles qui semblent générer leurs dimensions. Des fûts, caisses, bords de caisses,
cymbales, frappes aux baguettes ou aux mailloches – cela se vérifie en concert, quand c’est joué à pleine
puissance – ils font d’autres chants sans mots, d’autres voix en plus de celles des deux guitares, qui sonnent
dans ces déserts, ces vastitudes qui en même temps semblent naître, couler, rouler directement depuis la
musique. Désert, vastitude, mais rien n’est mort, ici – il y a toujours quelque chose qui habite, se déplace, fouis,
survole, nomadise, sème, pollinise. J’aime ces espaces qui flottent – où ça flotte ; j’aime ces plénitudes
poussées, grandies, soufflées depuis des presque-riens : quelques accords, un motif, les balais qui tournent et
enflent une densité. J’aime cette tension qui s’instille, s’infiltre lentement, exhale en vagues des cercles du
Grand Calme, où il semblait le plus immobile. J’aime que cette absence de toute explication ne soit pas un
Mystère qui se donnerait comme raison à quoi souscrire, règle à saisir, secte à quoi adhérer ; qu’elle soit plutôt
l’aura d’un être musical, d’êtres, de leur alliance. Ça pourrait sembler presque trop simple : trois hommes
jouent ensemble, cordes, mécaniques, micros, machine de bois, de métal, de peaux ; doigts, muscles, idées,
charpentes, touchers, intention ou intuitions, qui sait, savoirs, gestes. Ils se trouvent. Ils nous trouvent et
prennent un nom. Pour l’unicode, ce point dans un cercle désigne paraît-il le soleil ou bien, plus
spécifiquement – on y revient – sa masse. Pour tout le monde, ce sera L’Effondras. Qui pour les cartes, les
plans, semble un lieu-dit, quelque part dans l’Ain. Il appert que s’y lient Têtes de Corbeaux, Aures Célestes en
fulgurances… Je vous l’ai dit : je ne sais rien, ou si peu de l’Alchimie. Je me fous pour cette fois qu’ils en
maîtrisent, ces trois, plus ou moins que moi les chartes, codes, tenants. Me revoilà dans les places, les lieux
d’égarement, sous les cieux et dans les terres qu’ils en font. Voilà qu’il y grince, crie, murmure, tinte. Voici
qu’on y rencontre un Astre dans une Gueule.
Note : 5/6
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Rendez-Vous : Rendez-Vous EP
A ma gauche, Partenaires Particuliers, à ma droite, Rendez-Vous. Quel rapport ? Partir de bases en apparence
similaires soit des beats synthétiques, des claviers cristallins, un goût pour la new wave et fournir le pire pour
les premiers et le meilleur pour les seconds. Car si certains esquissent un sourire condescendent quand on
mentionne le mot ‘new wave’, ils risquent de déchanter à l’écoute de ce premier EP car franchement,
Rendez-Vous, c’est d’la balle comme on dit…Rythmée, tonique, limite martiale, leur new wave est surtout très
cold et bien ficelée. Les synthés et les beats sont en effet complétés par une basse puissante et des parties de
guitares hivernales à souhait, sans compter les vocaux convaincus, denses, dont les tonalités parfois
colériques nous poussent bien plus vers Joy Division qu’Indochine (inutile d’aborder les textes pas
franchement joyeux). Les Parisiens évitent la tendance minimale très en vogue actuellement optant pour une
écriture riche et fouillée (on comprend mieux pourquoi quand on voit le matériel qu’ils amènent sur scène), pop
à l’accroche mais menaçante dans le feeling. Les départs sont souvent trompeurs, ainsi ‘Donna’ dont les
premiers instants évoqueront Indochine à une oreille peu attentive, laquelle oreille risque de frémir au fur et à
mesure de l’évolution de la chanson, de plus en plus appuyée, voire légèrement expérimentale dans les
traitement des claviers. Ma favorite demeure ‘The others’, un vrai tube en puissance avec sa rythmique
dansante, ses vocaux graves mais aucune faiblesse n’est à relever dans ces cinq morceaux aux mélodies plus
excitantes les unes que les autres. Ca va faire mal sur le dancefloor !
Note : 5/6
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AT THE GATES : With Fear I Kiss the Burning Darkness
Deuxième album d'At the Gates. Je les vois comme des corbeaux les yeux cernés de noir ces mecs, plutôt
qu'habillés avec vestes à patches et jeans moulants / baskets montantes tellement ce disque regorge de
noirceur et de tristesse... Oui, les étiquettes sont traditionnellement posées de manière définitive, ici, on dirait
que c'est du death technique, du death "mélodique" (tag pompon, aussi parlant que si je disais que la corneille
était un oiseau de l'école des "plumés") - et même encore plus, les gusses nous reprenant "The Nightmare
Continues" de Discharge en fin d'album sur une piste à peine cachée. Dès les premières secondes de l'album,
j'ai quand même l'impression d'écouter quelque chose de gothique, d'un romantisme incroyablement triste,
même si les paroles ne nous parlent pas de la fiancée morte dans la rivière mais plutôt d'une espèce de voyage
luciférien plein de détresse, chant sioux inclus ("Primal Breath"), même si, bien sûr, on retrouve des plans bien
dans les clous du death ("The Architects" entre autres...), tout cela tenu par des poutres gigantesques faites de
guitare sachant nous mener dans le chemin tortueux de l'esprit des guitaristes. L'album est évidement aussi
porté haut par un chant plaintif, aigu mais râlé en même temps, comme un mélange entre le style hardcore
punk dans la phrasé et celui black metal dans le raclage de corde vocale... sans oublier les plans de batterie
d'une complexité qui ne fait pas vomir, tout cela peut-être desservi par une production qui bizarrement depuis
mes oreilles semble faire des acrobaties au niveau de la mise en relief des guitares et de la batterie, un peu
comme si de temps en temps je mettais la tête sous l'eau, avec ce disque qui tourne dans la salle de bains.
Quoi qu'il en soit, ayant découvert un peu tard ce qu'était At the Gates, je me rends compte peu à peu, achats
après écoutes après trucs qui grattent dans le ventre en écoutant les riffs de "Non-Divine" ou les hoquets
d'agonie de "Stardrowned", qu'il y a vraiment peu à jeter dans la discographie de ce groupe. 5 étoiles donc pour
cet album, dont l'esprit peut concorder avec n'importe quelle sensibilité chagrine et fatiguée - j'en suis,
faites-moi confiance, c'est votre came chers lecteurs.
Note : 5/6
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Zoroaster : Zoroaster
Zoroaster est un groupe de stoner doom originaire de Géorgie d'Amérique, et non le nom du fondateur du
zoroastrisme dans sa forme anglaise ! Enfin ! Le doute dissipé, écoutons donc ce premier album, démo
autoproduite puis rééditée, j'imagine grâce au mini-succès du groupe à venir. Nous sommes en terre stoner
doom sludge, c'est à dire nous sommes dans des lieux créés par Saint Vitus ou Sleep, et on va bien l'entendre
ici, mais en moins bien... Pourquoi ? parce qu'il n'y a pas Matt Pike à la guitare, et qu'il n'y a pas Wino au micro.
Mais aussi parce que ce n'est pas parce qu'on fait un morceau avec trois accords très graves très lentement
qu'on dégage du danger, de la morbidité, de l'envie de vomir : il faut créer une espèce de magie grise qui tape
l'auditeur, qui lui montre un miroir mal poli lui renvoyant en pleine face sa vie de merde, ou au contraire
l'assomme pour pouvoir mieux le transporter au doux pays de la Nazareth cannabistique... et là, et bien, les
petits solis dopesmokeriens qu'on entend sur le premier morceau, copiés/collés, mais pas trop longtemps
parce que ça fatigue, enchainé par un autre copié collé d'accélération vitusienne commencent à m'agacer. Cela
sera sans compter la suite, et le très pénible Bullwhip, interminable, dont l'ultra linéarité confine vraiment à la
défonce bien trop épaisse pour jouer bien et beau (ou assez mal pour que ça soit beau, voyez ?). Mais, allez,
encore un effort pour s'envoyer Honey and Salt et Defile : sur ces titres, la simplicité du groupe s'étale au grand
jour, on est fatigué, on va plus maintenant se forcer pour jouer plus de trois notes. On finit sur un petit live très
bruyant, morceau "caché" et anonyme... Mais alors, quoi ? Ben alors, je me suis dit qu'y avait problème en
pensant tout cela, en écrivant cela. Parce que à la deuxième écoute j'ai commencé à me laisser bercer. A la
troisième, j'ai voulu l'écouter une quatrième fois ! Ben oui Mr. Rastignac, c'est linéaire, c'est bateau, mais c'est
NORMAL. Et ça fait du BIEN. Bon, Monsieur le directeur de la DDCDPCEOSWPPTT (Direction Déconcentrée
pour la Centralisation des Données Personnelles des Citoyens Effrayés d'Ouvrir un Site Web Parce qu'on
Pourrait les Taxer de Terroriste), et bien, Madame la Secrétaire d'Etat, ne faites pas la même erreur que moi.
Relisez ce bouquin de Neil Young là, écoutez ses interviews à ce propos. Oui, Michel, prenez un stylo, et notez
bien, et tâchez enfin d'appliquer les procédures bon sang ! Alors, avant toute écoute, "achetez la weed la plus
bon marché possible, pire que celle que vous trouvez dans la rue. Broyez bien et répartissez tout cela sur une
poêle. Faites chauffer à feu doux jusqu'à ce que l'herbe commence juste à fumer, et là, avant que ça brule,
prenez un demi-verre de miel. Chauffez le miel jusqu'à qu'il devienne plus coulant, et mélangez l'herbe avec.
Puis bouffez moi ça." Et bon appétit bien sûr.
Note : 4/6
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Grief : Torso
Grief. Des disques faits pour serrer les dents, produits sur une petite vingtaine d'années, le groupe ayant splitté
deux fois, dont une lors d'une tournée européenne qui passa par la banlieue de Lyon (ou plutôt la banlieue de
l'aéroport de Lyon...), se reformant encore une fois il y a peu sous le nom "Come to Grief". Quoi que soit la
chronologie, de toute façon Grief fait partie des groupes qui, il y a un moment, me faisait peur. J'avais peur de
m'enquiller tant de haine et de dépression... Je préférais rester sur Eyehategod dans le genre, plus "FM" (ahah),
enfin, plus accessible quoi... Grief fait aussi partie des groupes qui faut se tuer pour les acheter leurs disques.
Plus de rééditions, à part petites exceptions, donc bonjour, mais, hein, la vie moderne, le internet, le police de
le internet, les lolcats, soulseek, Hadopi, fusillades parisiennes, surveillance policière, Grief dans les oreilles, la
colère monte dans le nez, "c'est quoi le problème hein ?" grogna André, marchant péniblement sous ce mois
d'avril mi figue mi ta gueule, le pauvre est tellement fatigué que tout le monde lui klaxonne dessus quand il veut
traverser, il se fait traiter de toutes sortes de mots homophobes, il serre les poings, enfin, comme il peut, et il a
en tête un torse qui tombe au fond de n'importe quoi, n'importe où ! Avoir Grief dans les oreilles, c'est accepter
que l'expression de la misère doit être longue, la plus longue et étirée possible - enfin, plus de sept minutes
quoi ! Chant étiré, résonnances des accords étirés presque systématiquement jusqu'au larsen, cymbales
étirées, roulements étirés, peine étirée, vie étriquée, saloperie. Ce qui est triste quand j'écoute ce groupe au
line-up fluctuat formé par d'ex-crustillants de Disrupt (tiens, y a même Tim Morse d'AxCx qui s'est retrouvé
dans le groupe quand je lis le listing), c'est que ça marche trop bien, tout le temps, notamment sur ce Torso qui
sait varier assez suffisamment lentement et surtout sans pain et faute de rythme ses riffs pour raconter ces
histoires d'abandon, de dégoût des gens, ces histoires de maman crackhead torturant sa fille parce qu'elle
croyait que c'était une poupée de chiffon... merde. Et si j'écoute Grief, et si ça me plait maintenant, est-ce que
Je Suis Grief ? Est-ce que je suis aussi un peu ce corps sans jambes, sans bras, sans plus rien d'autre qu'un
réservoir de haine qui brûle pour toujours ? Vraiment ?
Note : 5/6
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Grief : ...And Man Will Become the Hunted
"Vous m'entendez ? Un jour je reviendrai sur Terre sous la forme d'un minotaure géant et vous, les humains,
vous deviendrez mes proies. J'engagerai mes amis les bestiaux et on vous fera la peau, bande de raclures".
Manifeste vegan et misanthrope - rappelons encore que plusieurs protagonistes du groupe viennent d'une
scène qui ne rigole pas avec les mocassins en daim - ce dernier album de Grief est une apothéose presque
positive, au tempo légèrement plus rapide, et des paroles plus offensives. Fini de rigoler ! [kwweuf, kgghreuf,
raaaahggr, 'scusez moi, c'est quand je crie trop fort, je tousse]. Oui! Fini de rigoler ! Maintenant, nos amis les
bêtes elles boufferont vos restes dans des big-man, comme des big mac mais avec du man dedans.
Formellement, l'album est bien plus groovy que d'habitude (mis à part le dernier "When Rotten Ideas Break
Free" très, ben... "griefien"), comme l'impression que le compositeur parolier s'est levé un jour en se disant
"merde, ça suffit". Cet album est donc beaucoup moins plaintif que Torso, mais très attrapant ("catchy" en
espagnol), sans ce côté abîme sans fond qui enlèverait presque une bouboule, tout cela se terminant avec une
petite surprise acoustique en fin de course (bâton de pluie et piano et percubabas, tranquille au bord de la
mare). On reste quand même dans le haut du panier de la scène "hurlements + riffs lents et méchants + breaks
hardcore + répétitivité sabbathienne + vive Iron Monkey", qui va tellement bien avec la lutte individuelle.
Quelque part, le sludge, le doom, c'est une musique révolutionnaire, un peu comme les chants de guerre, les
rengaines ouvrières mais à un niveau individualisé à l'extrême, quand il faut se battre chaque seconde contre la
nausée, les poignets qui démangent, l'envie de foutre des coups de genoux à tout le monde, l'envie de se
lacérer la gueule. La révolution par les synapses oui, de celles qui jouent des trompettes triomphantes quand
tous ces démons humains se réveillent autour de moi pour me ruiner la vie, j'en ai des cornes qui poussent, et
un appétit grandissant pour les foies de ces petits mecs. Mweeeeeeuuuuuuuuh !
Note : 5/6
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Matthew Stringer : The Second Sun
Le moins que l'on puisse dire est que Matthew Stringer est à Perge ce que Johannes Schmoelling était à
Tangerine Dream. Et la corrélation ne s'arrête pas là! Véritable fenêtre sonique sur une œuvre entreprise en
2009 avec Your World is but One, “The Second Sun” est un superbe album où la MÉ se défait de son étiquette
afin de nous intoxiquer avec de mélodieux parfums de mélancolie. Un album où les synthés cisaillent des solos
très harmonieux, où les séquences tissent des rythmes toujours puisés dans les influences du Dream et où le
piano de Stringer flirte avec celui de Schmoelling avec une fascinante complicité pour créer deux univers
parallèles qui finissent toujours par se rejoindre.
Une longiligne ligne de synthé, parfumée par les radiances obscures de drone, flotte au-dessus de
l'introduction de "Riposte". Des voix, des murmures et des clapotis ornent les ambiances de cette fresque
sonique où Matthew Stringer nous ramène au Meadow de Your World is but One. D'ailleurs, toute l'histoire de
“The Second Sun” tourne autour de ce premier essai musical de Stringer. Si les dialogues éparpillés ici et là
tout autour de “The Second Sun” aident notre navigation, l'auteur prend bien soin de souligner, et à juste titre,
que ce voyage correspond tout aussi bien à une odyssée introspective. Déjà nous sentons dès les premières
secondes de "Riposte" un niveau d'intensité qui meublera les ambiances de ce fascinant album où Matthew
Stringer chamboulera nos émotions à mesure qu'il étendra son combat afin de nous guider dans son Meadow.
Les lignes de synthé flottent comme les murmures des ténèbres, par moment on jurerait entendre du Rick
Wright (Pink Floyd) tellement c'est intense, et comme des caresses nous guidant vers un suave down-tempo.
Le lent rythme arqué sur de bonnes percussions sobres et nourri de fins arpèges cristallins dont les tintements
forgent une mélodie quasiment abstraite tellement elle est fragile. Les murmures sont toujours présents. Ils
instaurent ce délicieux mélange de séduction et de paranoïa qui imbrique les 7 chapitres de “The Second Sun”
tout en nourrissant sa profondeur. Ces voix, on peut même dire des dialogues, résonnent à travers un
microphone en ouverture de "Dreique" qui peu à peu étend un ruisselet d'arpèges et de séquences teintés de
prisme. Ces carillons ruissèlent comme une eau tranquille dans les souffles d'un séduisant synthé bourré de
torsades hyper mélodieuses et parfois stridentes. Un ruisseau qui peu à peu se déverse en torrent, donnant à la
deuxième partie de "Dreique" un rythme plus entraînant orné d'une belle approche harmonique dessiné à
l'ombre d'un clavier dont les accords s'évaporent dans des solos de synthé toujours très harmonieux.
"Fortress" est plus sombre. Les souffles noirs de son intro se fondent dans une superbe structure de rythme
qui rappelleront à certains les essences de Tangram ou encore Firestarter. Inattendu et surtout très bon!
"Glimpse" est aussi lugubre et qu'intense. Ça me fait penser aux sombres ambiances, tout de même assez
mélodieuses, de Walter Christian Rothe dans son Let the Night Last Forever. Le rythme coule avec de belles
séquences qui sautillent et alternent les ombres de la cadence des autres avant d'exploser avec plus de
vélocité. Les arrangements sont très bons et on peut même entendre quelques accords de guitare errer alors
que le rythme disperse ses séquences dans une longue finale ambiosphérique.
"Conduit" enchaîne avec les mêmes ambiances, mais encore plus profond et plus intense. Les vents hurlent
comme ces sirènes apocalyptiques que l'on entendait dans Silent Hill. Les cliquetis et les halètements
nourrissent un lourd climat de terreur. Un climat qui s'estompe graduellement alors qu'aussi invraisemblable
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qu'inespéré une douce ballade s'extirpe de ces cliquetis. Une belle ballade ambiante, quasiment spectrale, où le
cliquetis du temps danse avec les délicats arpèges de la sérénité. "Window" est un beau petit titre très
romantique et mélancolique avec un beau piano qui colle sa mélodie dans le fond de notre âme. Des sifflements
de synthé et des larmes de voix accordent leurs ombres avec l'intensité des émotions sculptées par le piano,
donnant une approche spectrale à un titre qui rappellera à quelques uns d'entre vous le jeu de Schmoelling
dans ses œuvres en solo. "Air" présente une très belle intro sombre et mélancolique où un piano intensément
nostalgique étend sa peine sur les trottoirs de la vie lavés par une pluie qui endort toujours les bruits d'une ville
tout près. Point de référence oblige afin de mieux définir la très grande versatilité de Stringer: Vangelis et ses
ambiances et son piano tellement sombre dans Blade Runner. "Air" est un superbe titre qui exploite à merveille
ses 19 minutes afin de nous amener aux frontières du Dream avec un rythme sautillant et des harmonies
sculptées dans des arpèges qui sonneront vaguement comme un Stratosfear acoustique. Renversant! Le
rythme accentue sa force en même temps que le synthé souffle de ces solos plus harmoniques qu'aléatoires
qui jalonnent les sombres et cabalistiques facettes de “The Second Sun”. Un titre vient en prime si vous vous
procurez la version téléchargeable de “The Second Sun”. Il s'agit de "Retrospect" qui parvient à nos oreilles
avec une autre belle mélodie pianotée et dont les airs se perdent dans les filaments des souffles d'une nature
où tout semble briller comme par un beau dimanche à la campagne. L'approche ne détonne pas tant que ça des
ambiances de “The Second Sun”, car le miroir de "Retrospect" laisse filtrer des reflets noirâtres avec des
accords sombres qui s'accrochent au bonheur de cette mélodie qui tournoie avec cette agilité des doigts sur un
piano que l'on dompte par une ambiance ensoleillée. Encore là, les influences de Schmoelling transpirent
lorsque les doigts nerveux de Stringer amènent le piano vers une ballade plus entraînante où percussions et
arrangements transportent "Retrospect" là où “The Second Sun” n'était pas encore aller. J'ai déjà entendu des
titres en prime qui n'avaient pas la moitié des charmes de "Retrospect"!
Autant il est impossible de taire les similitudes entre Perge et Tangerine Dream, autant il est difficile d'ignorer
les parallèles entre la musique de Matthew Stringer et de Johannes Schmoelling. Et là je ne dis pas que l'un
copie l'autre! Si Perge est littéralement fondu dans le Dream, Stringer possède une identité qui lui est propre où
les influences de Schmoelling, comme de celles Vangelis de Pink Floyd et même de Tony Banks (Genesis),
servent de base à des approches mélodieuses qui se fondent dans des décors soniques absolument enivrants.
La force de “The Second Sun” est ses mélodies, autant dans les claviers et les synthés, propulsées par des
rythmes vivants mais aussi nappées d'une lourde enveloppe ambiosphérique qui tisse des ambiances qui
peuvent devenir aussi intimistes que les visions de son auteur. C'est très bon et ça sera sans doute un des
incontournables en 2015.
Note : 5/6
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Xan Alexander : Elektro-Technology
Avec ses titres courts et son approche très rock électronique, “Elektro-Technology” possède tous les
ingrédients pour plaire aux amateurs d'une MÉ vivante, lourde et surtout très Anglaise. Alors que l'aventure de
Tangerine Dream s'essoufflait dans les campagnes de Seattle, un mouvement Anglais de MÉ émergeait avec
des pionniers, reconnus aujourd'hui comme tel, en les personnes de Mark Shreeve, Ian Boddy Andy Pickford et
John Dyson. La musique était lourde, surtout celle de Shreeve et Pickford, et très énergique avec une utilisation
massive de séquences et de percussions, donnant ainsi un son très rock, moins rock cosmique, à une MÉ
toujours inspirée par les belles années de Tangerine Dream. C'est exactement le menu que nous sert Xan
Alexander avec ce percutant “Elektro-Technology” qui vous fera bondir de votre chaise plus d'une fois. Xan
Alexander est un personnage très connu dans le milieu underground de la MÉ Anglaise. Il est la moitié du très
prisé duo de Yorkshire, The Omega Syndicate, en plus d'œuvrer avec son bon ami, et éternel fan de la musique
de OS, Steven Humphries dans le projet Magnetron. Parallèlement, cette vrai bibitte de studio a produit une
dizaine albums en solo qu'il a mis sur Bandcamp en Juillet 2013. “Elektro-Technology” est son dernier album
solo, son 10ième en fait, et comprend une collection de titres composés entre 2010 et 2015. C'est une MÉ
vivante, claquée sur les modèles de Mark Shreeve et Andy Pickford, avec des solos de synthé, des effets
électroniques et des rythmes qui nous font regretter ces années d'or de la MÉ Anglaise.
Et ça débute avec une étrange onde nasillarde qui s'étire en une sirène apocalyptique en manque de souffle.
Une lamentation de 30 secondes avant qu'un mouvement de basse séquences s'échappent entre les pales
d'une hélice pour faire bondir ses ions qui s'agglutinent dans leurs ombres. Des effets électroniques pimentent
le rythme de "Perelandra" où les séquences bondissent et alternent dans un parfait désordre synchronisé. Le
mouvement est vif, noir et lourd! Les élytres des cymbales pépient alors qu'un synthé étend un voile de voix
brumeuse qui flotte comme un chant errant sur une structure qui s'anoblit avec des nappes flottantes et de
sobre percussions électroniques. Des nappes de synthé plus lumineuses injectent ces doux parfums de
nostalgie qui éveilleront des souvenirs de Mark Shreeve dans son album Assassin. Un synthé qui se fait plus
musical avec des nappes qui échangent leurs teintes pour des solos tissés avec harmonie, alors que le
mouvement des percussions et séquences empruntent les voies rythmiques de Chris Franke. Et là, les riffs de
claviers et les nappes de synthé qui tombent éveillent les souvenirs du Dream, périodes de White Eagle à
Hyperborea. IL est impossible de dépeindre la musique de Xan Alexander, à tout le moins celle sur
“Elektro-Technology”, sans faire de liens avec celle des artistes précités plus haut. La majorité des titres, sauf
pour le très ambiant "Total Eclipse of the Sun (200315)" sont calquées sur le modèle "Perelandra". Certes il y a
des approches d'un genre très synth-pop Anglais avec les arômes parallèles de "Vectorsonic (Theme)" et sa
sœur "Vectorscope". Mais pour le reste, Xan Alexander dévisse nos bouchons de cérumen et délie nos doigts,
parfois nos orteils, avec des rythmes énergiques arqués sur de bonnes séquences basses ainsi que de
juteuses percussions électroniques. Les rythmes sont ornés de synthé aux solos charmeurs, de mélodies
accrochantes et d'effets électroniques qui lient toutes les frontières. J'accroche tout de suite à "Escape
Sequence" qui nous plonge dans les années Flashpoint avec une nuée de séquences qui gambadent et
scintillent dans de noirs ronflements. Entre le synth-pop et la MÉ de style England School, "Dr. Brain Freeze"
offre un rythme plus souple, plus harmonique avec de superbes solos de synthé. C'est le genre de truc qui
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accroche dès la première écoute. Après cela, on tombe dans du complexe! "Dark is Rising (Sequence)"
propose une intro très lugubre, très genre film de peur, avant de tomber sur une structure de mutation
rythmique. Il y a des séquences vives, avec leurs ombres métalliques qui papillonnent dans le vide, et d'autres
plus sournoises qui ondulent dans les réverbérations des lourds riffs de guitare et de clavier. Les percussions
qui viennent chamboulent une structure de rythme qui devient hachuré, stroboscopique alors que les nappes
de synthé et les solos de guitare étendent une aura de folie gargantuesque qui fait déraper la raison. C'est du
grand Shreeve au sommet de son Legion. Et ce n'est pas terminé! "Terradyne" poursuit dans la même veine en
offrant du rythme complexe, inspirant et inspiré. Le synthé et le clavier dessinent des harmonies diaboliques
qui tombent avec autant de fracas que les caresses morbides des voix feutrées par un voile sibyllin. C'est du
bon rock électronique. Juste assez complexe pour éviter l'ennui, avec des bonnes séquences, des bonnes
percussions et des bons synthés. Idem pour la pièce-titre qui borde un peu les territoires technoïdes dans un
univers cinématographique. C'est assez musical et ça me fait penser à du Paul Lawler, tout comme "Hail to the
Kings" qui est le titre le moins sombre de “Elektro-Technology”. C'est très orchestral avec des nappes de
synthé aux saveurs de violons qui mélangent le miel des flûtes dans de suaves mélodies éthérés sur un rythme
nourri de séquences nerveuses, de pulsations laconiques et de tsitt-tsitt métalliques.
Xan Alexander amène l'auditeur à un autre niveau avec une MÉ lourde, très vivante et tout de même assez
mélodieuse. L'univers de “Elektro-Technology” est nourri de rythmes énergiques qui sont truffés de nuances,
de séquences aux tonalités hybrides et aux bonds aussi aléatoires que symétriques ainsi que de superbe solos
de synthé avec des incursions de guitare qui donnent un aspect très rock à une musique déjà enflammée. J'ai
adoré cette sensation de me replonger dans les années 90 où la scène Anglaise ajoutait une approche de rock
sans compromis à du rock cosmique qui s'écartait un peu de sa Voie Lactée. Très bon!
Note : 5/6
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Accept : Death Row
Accept continue comme s'il ne s'était jamais arrêté ! Suite au succès d'"Objection overruled" et de la tournée
qui a suivi, les teutons enchaînent ! Moins de deux ans plus tard déboule déjà le successeur, "Death row".
L'équipe ne change presque pas. Le batteur Stefan Kaufmann souffre du dos et alors qu'il lui reste deux
morceaux à enregistrer, il doit laisser sa place à un autre Stefan, Schwarzmann, pour terminer le travail.
Kaufmann ne reviendra hélas plus derrière un kit de batterie. Il deviendra par la suite guitariste... pour la
carrière solo d'Udo !! Au programme de ce "Death row", un album long, plus de 70 minutes, dans un style une
nouvelle fois bien différent de ce que le groupe nous avait habitués jusque là !! Et oui, encore des changements
! Pas de glam rock ce coup-ci, mais du heavy metal sombre, lourd, agressif, très moderne. Accept rentre de
pleins pieds dans les années 90 avec même quelques touches alternatives. L'ambiance générale est noire,
vraiment pesante avec des guitares plus graves. Exit les envolées lyriques et mélodiques (à part une petite
réinterprétation de la "Danse du sabre" de Katchatourian), l'ensemble sonne bien plus militaire et carré,
vraiment inquiétant. Il faut bien se remettre dans le contexte. Là, Accept jouait en 1994 un heavy metal méchant,
très loin de ses succès. Udo a un chant bien plus agressif qu'à l'accoutumée, Wolff enchaîne les riffs lourds
avec des solos bien moins traditionnels. On ne retrouve finalement plus grand chose du style qui a fait les
grandes heures de la formation, et le contraste avec "Objection overruled" est fort. Je dois vous avouer être
très déçu par ce disque. L'album est long, sans grand génie, les morceaux tirent souvent en longueur avec de
fortes redondances et c'en devient long, mais long... ultra-poussif, sans morceau véritablement bon. Je veux
bien comprendre que le groupe ait voulu, une nouvelle fois, évoluer, qu'ils veulent défricher de nouveaux
horizons musicaux, mais là, je trouve que c'est plutôt loupé. La production n'est pas adapté, trop plate et
sombre, pour un résultat poussif. Franchement, l'album traîne en longueur, à la fin, on n'a qu'une envie, c'est
que ça s'arrête tant il n'y a que trop peu de variations avec une qualité trop basse. En plus, ils ont regroupés à
la fin la ballade et les titres instrumentaux ! S'ils les avaient disséminés dans l'album, cela aurait permis de
donner un minimum de rythme et de variation au disque ! Pour moi, il s'agit de la plus mauvaise période de la
formation.
Note : 2/6
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Frore & Shane Morris : Blood Moon
Un peu comme les reflets d'une lune qui enveloppent une trop tranquille soirée dans une jungle jurassique,
l'introduction de "Lichen Patterns" s'élève entre nos oreilles avec une lamentation ocrée qui est sur le point de
dévoiler les intenses activités nocturnes de “Blood Moon”. Un mélange d'ondes de synthé opalescentes et
charbonnées, où s'insèrent de rauques râles shamaniques, l'ouverture de "Lichen Patterns" propose un linceul
sonique très sibyllin avant de se faire délicatement secouée par un maillage de percussions manuelles. Et on
plonge dans les charmes de cette première collaboration entre le designer par excellence des suffocantes
ambiances préhistoriques, Shane Morris, et Frore; un musicien que je ne connais pas vraiment et qui se
nomme en réalité Paul Casper. Les tam-tams aborigènes et les coups de percussions basses très
métronomiques sculptent un genre de lente danse transique alors que la multiplicité des lignes de synthé, et
leurs tonalités autant pleine de particules de prismes que de parfums de graphites, exhalent des ambiances où
les spectres fredonnent dans une faune sonique aux milles délices ambiosphériques. Partagé entre des
rythmes de transe spirituelle, sculptés par un large éventail de percussions ancestrales, et de riches ambiances
méditatives, nourries par une impressionnante palette de sons, “Blood Moon” offre un intéressant voyage
sonique où les comparaisons entre certains pèlerinages de Steve Roach en terres aborigènes ne peuvent être
évitées. Si les percussions séduisent, les décors soniques des synthés ne sont pas en reste avec une multitude
lignes aux couleurs du pavoisement auditif et des effets qui plongent ce même auditeur dans des territoires aux
apparences virginales. Organiques ou psychiques, électroniques ou acoustiques, ésotériques ou exotériques;
ces effets donnent plus de rayonnements aux percussions qui picorent nerveusement les 5 paysages soniques
de “Blood Moon”.
Si "Lichen Patterns" offre une structure assez relaxe, "Ritual Sequence" hausse le niveau d'intensité avec des
percussions plus agitées. Des percussions qui labourent des ambiances païennes nourries par les râles de
Didge, les chants sourds des spectres et ceux des flûtes de type sarbacane. La structure me fait penser
énormément à du Steve Roach, surtout avec les lignes de synthé flottant comme de longs lassos sans proies à
coffrer, dans sa quête des déserts Australiens avec des tonalités et des pulsations organiques qui sont
étouffées par de denses nappes de synthé aux arômes très ancestraux. "Orison" se démarque du style de
Morris avec une approche nettement plus tribale. On dirait une danse rituelle du Moyen Orient avec des
percussions vives et des airs de flûtes arméniennes; les Duduks. Si les percussions jouent un rôle
prépondérant dans “Blood Moon”, les rythmes auxquelles elles donnent naissance n'en sont pas moins très
pacifiques. "Unfolding" est encore plus près de l'univers de Steve Roach que "Ritual Sequence". En fait les
deux titres sont intimement liés par les mêmes ambiances, flûtes aborigènes en moins. Si les percussions sont
aussi nourries, elles sont moins vigoureuses et laissent miroiter des tintements de carillons qui jettent un aura
de mysticisme incantatoire sur le titre le plus ambiant, le plus serein de “Blood Moon”. J'aime bien! Et
l'enveloppe sonique est rempli de petits plaisirs auditifs qui vont ravir les amateurs de sons. "Night Rapture"
est le summum de “Blood Moon”! L'intro part lentement avec des percussions qui tracent une pénible
ascension. Peu à peu la cadence accentue sa mesure sous les sourds grognements, qui s'étirent en
réverbérations, et des ondes de synthés dont certaines s'échappent comme des ombres qui flotteront comme
des chants éthérés. C'est noir, lourd et insistant, comme du trance ambiant. Le subtil crescendo est très
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enveloppant. Entre l'inconfortable noirceur des nuits d'agitation et l'hypnose des continuelles percussions
ascensionnelles, "Night Rapture" infiltre nos sens avec une implacable volonté d'envoûtement. L'ambiant
rythme entêté escalade toujours ces escaliers intemporelles alors que de riches lignes de synthé déferlent
maintenant comme de lentes vagues sur les harmonies toujours un peu embrouillées qui injectent des
ambiances autant éthérées que sibyllines. C'est incroyablement envoûtant, nos tympans tremblent sous les
percussions. La sauvage approche de "Night Rapture" s'évapore un peu après la 12ième minute dans des
tremblements et des stridulations, concluant ainsi un voyage au bout des intrigantes et fascinantes ambiances
de “Blood Moon”; un album dans la même lignée que Proof Positive et Spiral Meditation par Steve Roach. Un
très bel album qui ouvre de nouvelles perspectives au genre tribal ambiant, de par la richesse de ses rythmes
et de ses paysages soniques aux évolutions aussi audacieuses que l'ingéniosité derrière la multiplicité des
patterns de percussions manuelles.
Note : 5/6
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Sequentia Legenda : Blue Dream
Finalement! Près de deux mois après la parution du E.P. "Fly Over Me", Sequentia Legenda présente son tout
premier album intitulé “Blue Dream”. Une attente qui en valait la peine, amis et amateurs de MÉ ornée de ces
boucles de rythmes répétitives, car Sequentia Legenda surf sur les prémices de son superbe E.P. qui m'a
redonné ce goût de replonger dans les charmes inconditionnels de la New Berlin School minimaliste, tel que
proposé par Klaus DSchulze avec son intemporel Mirage. Et si on a aimé "Fly Over Me", on va dévorer ses
miettes! Quand à moi, je suis en conflit de passion. J'avais tout simplement craqué pour ce très bel E.P., et je
suis de go tombé sous les immenses charmes de “Blue Dream”.
Un long woosh métallique balaie les horizons, libérant des particules prismiques qui scintillent dans une
montée de whoosh et de whiish dont les lignes et ondes entrecroisent leurs parfums sibyllin. Les premières
pulsations basses frétillent en arrière-plan, se chamaillant avec des cliquetis métallique qui tintent dans cette
envoûtante fusion des multiples lignes aromatiques de "The Approach". Sequentia Legenda étend
graduellement sa structure minimaliste. Le rythme sautille et palpite avec un léger écart entre ses lignes les
parallèles, créant une fascinante horde d'ions sauteurs qui harmonisent leurs cabrioles sous des lignes de
synthé aux subtiles gradations, et dans les couleurs et les tons. Très familière avec les essences de "Fly Over
Me", la structure de "The Approach" est cependant plus vive et plus fluide. C'est l'art minimaliste dans ce qu'il y
a de plus musical. Les percussions électroniques, qui restent toujours très présentes, redirigent la vélocité et la
forme du rythme un peu après la 9ième minute, élaborant les plans d'une subtil crescendo. Leurs frappes et
leurs roulements mettent en second plan ce rythme brodé autour de saccades des séquences, mais mettent
aussi en relief ces nappes de voix qui, unifiées avec d'autres nappes aux rayonnements irisés et d'autres
nappes nappées de brume cosmique, étendent une délicieux parfum d'hypnose. C'est aussi beau que "Fly Over
Me", même si en quelque part c'est assez similaire. Avec une nette propension pour l'approche des
mouvements de séquences limpides et minimalistes de Klaus Schulze dans Mirage, il est évident que Sequentia
Legenda finirait par empiéter avec plus d'exactitude dans les souliers du grand maître. On se souvient de ces
délicats arpèges qui tintaient en ouverture de Crystal Lake? On se souvient de cette deuxième mouture de
Mirage sur Big in Japan? L'introduction de "Vibrations" nous plonge en plein cœur de ces deux univers. On
pourrait carrément parler de plagiat si le titre ne se faufilait pas entre les deux variations de "Fly Over Me" et de
"The Approach". L'exécution est la même, seul les ambiances diffèrent. Ici les nappes de synthé caressent
toujours aussi chaleureusement ce fin staccato électronique qui amplifie sa mesure avec autant de subtilité que
de délicatesse, alors que des pépiements électroniques des belles années analogues de Schulze viennent
picorer nos oreilles et éveiller des doux souvenirs d'une époque qui restera toujours dans le firmament des
charmes inconditionnels de la MÉ. La preuve? Cette merveilleuse obsession qui entoure le phénomène de
Sequentia Legenda qui, avec une approche si candide, réussit à mettre entre nos oreilles un truc que l'on aurait
jamais espéré.
Trois monuments de MÉ avec des variations sur un même thème, “Blue Dream” est aux années 2010 ce que
Mirage était aux années 80. Si plusieurs vont parler de plagiat, moi j'y vois une audacieuse extension de l'œuvre
de Schulze, au même titre que ce que font Redshift, Node, Arc et tant d'autres artistes pour la musique de
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Tangerine Dream. Il est évident que ces séquences limpides qui pétillent, sautillent et s'entrecroisent pour
dérouler un ambitieux pattern minimaliste est un objet de passion pour tous ceux qui vénèrent ce genre
musical. Mais au-delà de cette similitude avec l'œuvre de Klaus Schulze, Sequentia Legenda se dresse en un
très bon architecte de ses structures en les ornant de milles subtilités qui envahissent les oreilles avec un
implacable goût de recommencer chaque écoute. C'est envahissant et subjugant. Et, il faut bien le dire, il n'y a
pas de mal à se faire plaisir. Alors, lâchez-vous lousse car ce “Blue Dream” vous obsédera sans relâche. Très
bon . Je suis certains que d'ores et déjà, il sera en tête de liste des meilleurs albums de 2015. 5 boules et demi!
Note : 5/6
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MOONBOOTER : Still Alive
On évolue! Je ne sais pas si c'est le coup de foudre que j'ai eu pour les productions du label Lyonnais Ultimae
Records, mais j'ai paisiblement migré vers le psybient et vers un genre de MÉ peu trance. Le IDM diront
certains, le trash électronique diront d'autres ou tout simplement de l'Électronica. Je ne suis pas un grand
connaisseur dans le domaine. Je taguerais le style dans le New Berlin School IDM. Mais peu importe, je sais
juste que c'est aussi énergisant que beau! Le lien avec Moo183ooter? Eh bien, l'alias de Bernd Scholl fait dans
un genre musical qui délie les frontières en unifiant tous les styles en une mosaïque de rythmes délicieusement
reposée par de beaux moments d'ambiances. Dédié à la mémoire de sa mère, “Still Alive” est un album concept
sur le douloureux passage vers l'au-delà. Si il y a des moments assez éthérés, voire attendrissant, la musique
nous amène là où Moo183ooter est aussi à l'aise qu'un poisson dans l'eau avec ce mélange de up-beat, de
danse, de psybient et même de synth-pop nouée dans les nébulosités du Berlin School et/ou de ses dérivés. Et
j'y ai entendu de superbes petits bijoux...
"Until Eternity" débute cette aventure sonique au pays des rythmes variés avec une approche aussi nébuleuse
qu'ambiante. Des lignes de synthé entrecroisent leurs passives énergies en un paysage cosmique teinté de
couleurs métalliques où tintent des étoiles. Les lignes de synthé s'agglutinent en une immense mosaïque
ambiante. Un mouvement de rythme en ressort. Il fait scintiller ses ions sauteurs en un oblong filament
stroboscopique qui se faufile parmi les lentes caresses d'une ligne de basse. Des nappes plus sombres
dessinent une approche morose alors que l'on sent des pulsations muettes tenter de réveiller les ambiances. Il
y a une bonne dose d'intensité dans ce titre qui s'éveille avec des échantillonnages de percussions manuelles
et des gémissements électroniques que l'on pourrait confondre avec une guitare qui crache de longs riffs assez
éthérés. Bien que taloché par ces percussions, la structure de rythme de "Until Eternity" fragmente son
approche entre des soubresauts évanescents et des ambiances méditatives, juste avant d'étreindre ses 3
dernières minutes avec ce maillage de percussions et de pulsations nuancées qui se font fouetter par des
claquements métalliques et accueillent une douce mélodie fredonnée par un piano rêveur. Ce qui frappe dans la
musique de Moo183ooter, et notamment dans “Still Alive”, est ce souci du détail. La sonorité est riche et ornée
de milles tonalités qui accrochent le plaisir de l'ouïe. Le passage entre les rythmes endiablés et les ambiances
morphiques apaisent l'anxiété provoqué par ces battements frénétiques et redonnent le goût de les entendre.
Comme un bon chef, Bernd Scholl sait doser ses recettes. Et ce même si parfois nous plongeons carrément
dans l'Électronica, comme dans le rythme pulsatoire de "Dont Move" et de ses lignes stroboscopiques qui
ceinturent un tempo sec et vif où rôde une mélodie frappée sur une enclume de verre. C'est très genre Orbital
dans In Sides, sauf que les lignes de synthé et les filaments de séquences qui tourbillonnent tout autour
rappellent constamment les sources de la Berlin School. Berlin School qui est fortement présente sur le
superbe "Eternized in Crystal" et son magnétisant mouvement minimaliste qui envahit les sens. L'introduction
offre deux lignes de séquences, l'une qui serpente de ses touches limpides et l'autre qui gazouille de ses
tonalités électriques, qui s'entrecroisent en un ballet cosmique qui est chatouillé par une suave voix spectrale.
La ligne de séquences limpides se détache pour dessiner une lente spirale hypnotique dont on sent
continuellement la menace d'un crescendo exploser à tout moment. Les arrangements et les orchestrations
accrocheront une larme à votre âme. Et, après un délicat moment onirique, les séquences papillonnent avec
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force, entraînant le superbe "Eternized in Crystal" dans un solide up-tempo où les pulsations se répercutent sur
de sobres percussions technoïdes, et d'autres qui rendraient jaloux un serpent à sonnettes, alors que les
nappes de synthé flottent comme des caresses éthérées et dont la tendresse et les arrangements accentuent la
profondeur d'une finale que l'on ne souhaite plus. Un très beau morceau qui a trouvé la route de mon Ipod;
catégorie pièces de musique de l'année! Moo183ooter exploite aussi les approches purement ambiantes.
Comme dans l'introduction très ambiosphérique de "Number 43" où un violoncelle et un piano échangent des
parcelles de mélodies qui flânent dans des parois soniques ruisselant de gouttelettes. Si le rythme s'installe
peu à peu, il en est tout autrement avec le très sombre mais serein "Transition" et son chœur ectoplasmique.
Cette ambiance se retrouve aussi dans l'intro de "Impact of Mind". Un titre à plus ou moins statique avec sa
nuée de séquences argentées qui sautillent ardemment tout en raillant d'une tonalité très métallique. Ces ions
montent et descendent dans de gros effets soniques qui placent le titre dans une intense enveloppe d'émotivité
alors que le tempo, teinté de nuances, tente de percer une approche rythmique qui s'emmitoufle, tout comme la
mélodie pianotée, dans de denses nappes de voix brumeuses. La pièce-titre est de la dynamite concassée. Si
"Dont Move" faisait preuve de retenue, "Still Alive" est plus du genre à faire éclater un plancher de danse dans
un party Rave. Mes oreilles saignent toujours! Sautant d'un genre à un autre sans trop de difficulté, Bernd
Scholl maîtrise à merveille les destinées de “Still Alive”. Après la puissante et explosive pièce-titre, qui est
remplie d'effets sonores à faire trembler les planchers de danse, "Automode" apaise un peu les ambiances
avec un beau down-tempo, quoiqu'assez enlevant, teinté par une sonorité très TD des années Miramar. Le
rythme est délicieusement cahoteux et offre à nos oreilles ces percussions dérobées dans la queue d'un crotale
ainsi qu'une douce mélodie cosmique sifflotée par un synthé rêveur. Disons que ça fait du bien après le rythme
acharné de "Still Alive". Sauf que "Born" remet cela avec un rythme tout autant endiablé. "Tranquility" porte
assez bien son nom en offrant une belle structure paisible où les séquences chevauchent comme des riffs dans
un désert inondé d'ambiances de Far Ouest où le ciel étouffe de chaleur et les crotales attendent les repas. Et
finalement "Adieu!"! Quel beau titre. Jamais la musique de danse n'aura été aussi attirante à mes oreilles. Les
percussions sont splendides. Les crotales resplendissent dans un rythme cahoteux imbibé d'une approche
cosmique où les séquences finissent par forger une mélodie, mais pas aussi accrocheuse que ces violons qui
mouleront un superbe vers d'oreille dans vos tympans. La gradation est savoureuse et les arrangements sont
enivrant. Ça pulse, ça bouge et on y sent une tendre mélancolie y flotter. Ça aussi c'est déjà dans mon Ipod! Et
je ne sais pas si c'est parce que mes oreilles sont encore imbibées des cendres de "Adieu!", mais j'ai adoré ce
dernier album de Moo183ooter où tous les genres se fondent avec une étonnante symbiose pour toutes ces
antipodes. Très bon!
Note : 5/6
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John Williams : Jaws Soundtrack
Soyons honnêtes, qui d'ente nous n'a jamais frémi lors du visionnage du film "Les dents de la mer" ? Et qui ne
reconnaît pas instantanément la BO de ce film dès que retentissent les deux notes graves jouées
successivement et de plus en plus fort ? Rarement une musique de film n'aura été autant marquante. On peut à
la rigueur citer la scène de la douche dans "Psychose" pour le même effet. Mais pour le coup, la composition
de John Williams pour le troisième film de Steven Spielberg (son premier véritable succès) fait mouche ! "Les
dents de la mer" ("Jaws" en version originale) a connu un succès retentissant dès sa sortie et le film a même eu
des conséquences sur les fréquentations de stations balnéaires aux États-Unis au milieu des années 70 ! Et la
musique n'y est pas pour rien. Les compositions retranscrivent totalement l'univers marin, subaquatique,
cotonneux, ainsi que les angoisses qu'il peut engendrer notamment ses menaces, représentées ici par le
requin, dont l'arrivée, lointaine puis se rapprochant dangereusement, inexorablement, est annoncée à la fois
par ce cor inquiétant et ce tuba totalement angoissant, soutenus par des violons et violoncelles stridents.
Mettez cette musique à un enfant ayant vu le film et le résultat est saisissant ! Et au-delà même de ce thème
principal, le reste de la BO est très réussi. Toutes les étapes du film sont admirablement bien secondées par
ces compositions, aussi bien sur terre que dans le bateau lors de la chasse au requin. Comme souvent dans les
musiques de film d'horreur, le contraste entre les parties de furie et les parties plus calmes est très important.
John Williams a réalisé une prouesse de ce plan-là avec une musique la plupart du temps en retrait, douce,
mais qui sait se faire prenante, forte et imposante lors de l'arrivée menaçante du squale. On a ici une BO de film
absolument magistrale, qui sait à la fois servir totalement le film et s'écouter parfaitement bien seule. L'effet a
été plus que réussit en étant devenu un véritable classique des musiques de film. Rarement on aura réussi à
personnifier une menace qu'avec ce thème, devenu universel.
Note : 6/6
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Paris : The Devil Made Me Do It
Public Enemy dans le corps de Rakim... ou pas loin. Un seul rappeur de San Fransisco, seul aux lyrics,
quasiment seul aux prods, absolument seul au micro, pour incarner la panthère noire pendant que d'autres la
jouent plus native tongue ou étalage de funk au bling-bling. La pochette est assez explicite : le contenu sera un
hybride de rap conscient à la KRS-One mais bien plus tendu du mic, et d'egotrip traditionnel de MC musulman.
Revenir à Paris quand on est amateur de rap politique c'est presque l'évidence, et ça permet aussi une voie
parallèle par rapport au plus écrasant et encyclopédique groupe de Chuck D et Terminator X, pour aller dans le
versant plus solitaire et intime, avec à la place du chaos funk des beats certes bien plus modestes, mais
électrisants et atypiques. Paris aurait eu grand besoin du Bomb Squad pour l'appuyer, il n'aura au final que des
beats maison. Consolation underground, car les samples sont souvent difformes, funky-âpres, parfois presque
abstract avant l'heure. Il y a aussi du smooth plus enveloppant, comme "Ebony", ou la superbe "Mellow
Madness" avec son saxophone de film de boules sur lequel Paris développe son egotrip de félin aux pattes
glacées. Une odeur de nuit très late 80's, avec un grain magnétique... Et le flow reste tendu tout du long,
juvénile mais accroché au micro avec sa colère froide incompressible. Le skit instrumental où une sirène de
l'intro de It Takes A Nation mélangée avec un rugissement de gros félin (qu'on entend déjà sur "Panther
Power"), est un des grands moments cachés dans cet album faussement minimal. Paris n'a de toute façon pas
besoin de s'étaler, comme le prouve la minute de "The Hate That Hade Made" dans laquelle il aligne un constat
froid sans autre forme de procès ni refrain. Le titre épo avec son sample reverse-twisté chelou et son
ricanement flippé à la cartoon psychopathe n'est qu'une preuve parmi d'autres, comme la reverb du sinistre
"This Is a Test", ou "Escape From Babylon" avec ses nappes de synthé insalubres et ses verses adressés à ses
frères. Tout est compact. Monotone comme un speech politique, au premier contact... Puis on saisit que le
skeud date de 1989 et que le MC n'hésite déjà pas à envoyer chier les rappeurs faisant le taf pour les
hit-parades... Akhenaton fera plus fort quelques années plus tard avec "J'ai pas de face", mais c'est dans le
même esprit. Sans parler de la muzz-attitude : les deux prennent ça très au sérieux, bien que Paris soit
beaucoup plus dans la menace glaciale que dans la finesse poétique. Renvoyer l'amateur juvénile de gangsta
rap actuel qui y voit souvent abusivement un "messâge", vers MC Paris, c'est presque comme refourguer du
Bakounine à un néo-anar revendiquant sur son sac-à-dos et greffé à sa cannette de 8.6. Y a 86% de chances
pour que ça ne serve à rien, mais il faut avoir foi en l'homme. Même si les ambitions de Paris sont aussi naïves
que celles de Zack de la Rocha et qu'en dehors de la musique le rap politique est toujours une voie de garage...
la colère est crue, dans les deux sens du terme. Paris n'a que des influences attendues pour un rappeur de son
secteur : Islam, Black Panther Party, Malcolm X... Mais on est dans les années où les rappeurs sont encore
assez peu nombreux, et il est un des rares à les avoir insufflées dans un album aussi compact et solide. Dead
Prez ne seront guère plus qu'un accessoire après ça, et It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back et Fear of
a Black Planet seront comme deux buildings captant les regards, et gardant dans leur ombre monolithique
cette petite pépite. Rappeur austère, seul dans la nuit...
Note : 5/6
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Paris : Sleeping With The Enemy
Oh, les saligauds ! Un veilleur de nuit noir ! Si c'est pas un coup dans le dos... Hélas le noir dans la nuit n'est
pas mort, Rémy, alors planquez tous vos culs de craie, car il a une arme : son micro, à travers lequel passe un
flow aussi austère que Malcolm X, jusqu'à nos enceintes, pour finir dans les oreilles, et enfin retranscrit en
mots de geek... Des beats plus organiques, évolution plus qu'étrange en cette époque, même si quelques sons
ont curieusement moins bien vieilli que sur le premier album, sonnant un peu désuets (le titre à saxophone,
"Assasta's Song", est sympathique, si j'ose dire, mais nettement moins trippant que "Mellow Madness"). Si
internet n'avait pas existé, il y avait fort peu de chances pour que je découvre Paris. L'intérieur du livret original,
avec cette photo du MC posté en tireur assassin derrière un platane à quelques pas de George Bush père,
résume assez bien l'état d'esprit de Paris sur cet album. Le petit frère west coast de Public Enemy, le MC de
l'ombre, opérant en solo, et qui pour la sortie de ce second n'aura pas eu l'aval de Tommy Boy. Refusé par la
major Warner à la suite de pressions des lobbies alors que la campagne présidentielle battait son plein,
Sleeping With The Enemy aura un impact beaucoup plus limité que Death Certificate ou The Chronic mais n'a
aucun mal à leur taquiner la crosse. Malgré deux-trois incartades ensoleillées, il est encore plus énervé que The
Devil Made Me Do It, et armé de sons plus travaillés (le tout jeunôt DJ Shadow opère dans l'ombre avec ses
samples façon 'frankenstein d'enregistrements médiatiques' déjà reconnaissable) et de sonorités plus
ouvertement west coast, qui, même dans le plus pur style californien ("Think 'bout it", ou la très veloutée "The
Days of Old") ne lui font pas vraiment donner dans la légèreté textuelle. "Coffee, Donuts & Death" est à la fois
un titre purement funky-cool si on en reste au son, et une pure narration urbaine, belliqueuse au possible.
"Make way for a panther" avec son sample nauséeux et son funk écartelé à la Bomb Squad, donne le la :
Sleeping With The Enemy est un album tendu, comme le précédent, mais ici Paris rajoute des samples, flowe
plus vite, plus à la Ice Cube qu'à la Ice-T même si les deux sont des influences combinées (avec Chuck D et
Rakim). "Bush Killa" est l'une des balles qui atteignent leur cible, d'autres seront perdues... Ce sera son attaque
sur l'Amérique, moins impressionante qu'un Fear of a Black Planet ou un Death Certificate, mais inspirée par le
même venin libérateur de colère. J'avoue avoir un faible pour The Devil Made Me Do It, plus compact, mais ce
second album varie davantage les approches pour faire passer la pilule au cyanure, et il serait parfaitement
stupide de le zapper... Premier implosif, second explosif. Et expérimental... Comme rajouter une lunette de
visée, s'entend.
Note : 4/6
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Widowmaker : Stand By for the Pain
Vous devez bien vous souvenir de Dee Snider, non ? Même les plus jeunes de l'audience hein ? Bon, pour les
autres, un petit résumé : Dee Snider fut le chanteur peinturluré d'un des groupes de glam metal le plus
outrancier ayant sévi dans ces malheureuses années 80, à savoir Twisted Sister, qui ont quand même bien fait
marcher la bombe à laque et pété les scores de ventes de spandex rose et noir - et de disques. Alors
évidemment, vous vous dites, mais Dee Snider, c'est pas gutsien. Alors, oui, en effet, c'est quand même bien
putassier et plein d'humour les Twisted Sister, mais il fut un (court) temps où le Dee voulut se la jouer torturé
après le split de son groupe à millions de dollars, à un moment où les plaintes de Cobain, Vedder et Cornell
retentissaient dans les radios à toute blinde avec des grosses guitares derrière. La presse à l'époque n'avait
pas forcément accueilli avec beaucoup de bienveillance cette tentative de noircissement du propos de notre
blondinet, mais elle est bien là : le gusse garde un registre très hard blues mais plus du tout humoristique au
niveau de l'intention, des paroles, des mélodies, on parle ici de douleur, de solitude, on parle de perte de foi
dans les forces de l'ordre (bleeeeuarrrghgg!!!), avec des grosses guitares unisson avec la basse, enregistrée
bien ronde à la Pantera ou Rollins Band (on est en 1994 les dudes !), avec une grosse batterie texane pour tenir
ça comme un gros catcheur, le tout nous donnant un résultat hybride et étrange, comme une espèce de Pearl
Jam ultra burné et bourrin - et un peu bourratif, faut le dire. Étrangement, ce disque vient donc se caler dans
votre collection de vieilleries ultra rayées, juste à côté d'une des multiples grungeries de l'époque, dans le
lecteur multi-CD de votre Golf GTI. Bien englué dans son espace-temps c'est sûr, ce disque rentre-dedans
s'écoute aujourd'hui comme une curiosité, pas très finaude mais baignant dans une ambiance grincheuse... en
somme, le seul rayon de lune dans la carrière toute orange et paillettes de cet animal heavy metal. Dee Snider
reviendra ensuite à ses amours lyriques, à savoir la fiesta, les nanas et le rock and roll dans un groupe cette
fois à son nom, tout en faisant de la téloche, notamment dans une série de télé-réalité où la femme de notre
peroxydé préféré devait prendre la place de la nana de Flavor Flav (!) et vice versa. On imagine que ce fut un
grand moment de n'importe quoi, mais, hein, c'est ça aussi le rock !
Note : 3/6
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Saturnalia Temple : Aion of Drakon
Saturnalia Temple c'est d'abord, pour moi, un art gracieux du crescendo, et de l'envoutement. Attendez la nuit,
un moment où vous êtes détendu et ouvert à toute influence externe. Ecoutez l'entame de l'album : on ne fait
pas attention comme ça, mais cette mélodie répétée, tous ces échos, et cette voix au bout du bout du moment
qui, après avoir introduit son propos de groupe de metal magique invoque en fondu son "Aion of Drakon" en
vingt minutes, me ficelle à chaque fois comme un agneau sur le bûcher... de la musique douce pour attendrir la
viande ! C'est à peu près à ce moment là que je commence à avoir les paupières qui se baissent doucement...
ce n'est pas de l'endormissement, c'est autre chose, une espèce de possession tranquille, de toute façon si ce
disque était semblable au cube des enfers de Clive Barker, je ne serais plus là pour vous en parler (ou alors
juste dans votre tête, ou derrière vous dans le miroir, furtivement...) (à moins que je ne sois déjà mort, et que je
ne m'en rende pas compte) (euh...). L’enchaînement avec les deux prochains morceaux est magnifique, on
comprend que le disque se suffit à lui-même, doit s'écouter d'une traite, sinon, non, mais si, mais si ces deux
riffs tous bêtes, ils me font pencher la tête, ils ne me font pas headbanguer, nuance... comme une envie de
donner mon âme contre rien, faut dire que le triangle avec l’œil de serpent rouge qui flotte à la place de
l'ampoule de ma lampe de bureau est persuasif... Vous voyez le topo ? Bon, donc, ce disque est pour vous si
vous aimez les effets type écho et le doom et si vous aimez les rituels à base de divinités inconnues : le
chanteur est occultiste pour de vrai, il écrit là-dessus, il est aussi membre d'un ordre qui a comme objectif
officiel de devenir un dieu... Par contre, ceci n'est pas pour vous si vous avez trop peur de vous-même : je vous
le dis, on n'est jamais trop prudent, et on est surtout capable de faire tout ce qu'on veut, n'est-ce pas ? Le pire,
comme le meilleur... Saturnalia Temple n'a pas choisi le meilleur, désolé ; Saturnalia Temple ne m'a pas l'air non
plus d'être un Grand Menteur comme Anton Lavey ou Boyd Rice, Saturnalia Temple est trop radical pour faire
des canulars, trop metal... Le rituel finira donc son enchantement sur moi parce que je le veux bien,
définitivement à partir des effets de voix sur la paire Sitra Ahra Ruled Solitary Before the Creation / Fall... il ne
reste plus qu'à faire autre chose ensuite, mais avec un bout étranger qui palpite sous la peau... Très peu
headbanguant, comme une sorte d'Electric Wizard qui aurait un peu plus potassé son Grand Albert, ce disque
de musique psychédélique ne donne pas comme indication un besoin de libérer qui que soit de quoi que soit,
mais plutôt de vous enchaîner à elle. Pour ma part, ce drame s'est passé il y a déjà quelques années, et j'en
suis même arrivé au point de ne pas vouloir écouter autre chose de ce groupe pour rester dans mes petits
clous. [Lucifeeeeeer]. Gnark !
Note : 5/6
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KRS-One : I Got Next
Que tous les trous de balle qui la ramènent hip-hop aux feux rouges avec leurs sons techno-moisis doublés de
flows générés par logiciel foutent ce disque dans la sono de leur bagnole, par pitié ! On peut rêver... N'importe
qui a croisé KRS-One en live, ou l'a simplement écouté ou vu sur enregistrement, sait que ce MC est aussi
authentique qu'on peut l'être en faisant du rap. Qu'il EST le boom bap, avec un mental d'acier. Il prêche, il
réunit, et il élimine tous les miasmes extra-musicaux que peut charrier le hip-hop, dans un mouvement
magnétique. Efficace comme un artisan au sommet de sa technique. Même quand il se branle sur son style,
c'est comme s'il fabriquait du bon pain. La mie est moelleuse (le flow), la croûte croustille (les prods - post
scriptum : on achète pas son pain mal cuit, ça m'a toujours révolté). On traite souvent les rappeurs d'escrocs,
mais le plus grand défenseur du hip-hop, le professeur, le gardien, le puriste, a toujours fait le maximum pour
rester irréprochable. KRS-One n'a pas d'équivalent en rap : il est le dominateur commun. Le sommet de la
chaîne alimentaire, avec un grand sourire d'amour pour tous ses enfants même quand il les sermonne ou leur
met une fessée honteuse. Et le début de I Got Next, avec cet extrait de concert explicite mutant sans prévenir
en morceau, est une incarnation comme une autre de ce qu'est ce mec, de son feeling hautement communicatif.
KRS-One n'a plus depuis longtemps l'originalité du son, qu'importe : il sera KRS-One dans l'écrin très mid-90's.
Ambiance urbaine prégnante, rappeur sérieux, qui en rajoute toujours un peu ("I'm the first and last MC"), mais
quand on le compare avec ce que propose Rakim au même moment, y a pas photo une seconde : KRS n'a pas
flétri en vieillissant. Même si les beats de ce troisième solo sont un peu plus inégaux que ceux des deux
précédents (et encore pas si sûr, malgré l'absence de DJ Premier !), l'objectivité est balayée par l'aura et la
manière : KRS-One ne lâche pas le mic, même quand il est gluant. Il rappe dru et dégage un charisme de grand
frère de cent kilos qu'on écoute, même quand il sourit de toutes ces dents pour nous coller une grande claque
dans le dos. I Got Next est un pur concentré de hip-hop organique, les vocalises féminines ici et là ne sont pas
du tout r'n'b pour vendre : elles sont angéliques ! La soupe, c'est pas par ici, désolé. Mélange surprenant et pas
du tout ridicule, qui donne l'effet d'un religieuse estime portée au flow du MC. Si le hip-hop était un seul
morceau, ce serait "H.I.P.H.O.P." C'est pratique. Un titre comme "Step Into a World (Rapture's Delight)" me fait
réaliser que ce I Got Next n'a vraiment pas grand chose à envier au Black on Both Sides de Mos Def. Et que je le
ressors plus souvent que ce dernier. "Blowe", bordel de boom et putain de bap ! KRS est quand même le seul
rappeur qui puisse faire appel à Redman juste pour lui demander de gueuler un mot sur le refrain. Et l'appeler
"fiston", sans que ça sonne ridicule... KRS-One, c'est aussi le mec qui arrive à faire un duo avec Puff Daddy sur
un final, et sonner classe malgré tout : respectez, bande de médiocres, respectez le MC ! Hahahahahaha!
De-de-de-da-de-de-de-da-di-day! Et son rap-rock (alternatif) sur "Just to Prove a Point" a quand même une autre
gueule que les multiples daubes que nous proposeront Cypress Hill. Le gros KRS rappe sur la guitare qui a
servi pour les vieux Helmet, hein, on parle tout de suite d'autre chose que Limp Bizkit là... 1997 fût l'année
boom-bap de l'Ecole du Micro d'Argent et de I Got Next, point. Un album souvent injustement considéré comme
le début de son déclin, succès à sa sortie puis tombé dans l'oubli, mais en réalité : excellent. Extrêmement
fluide, et sans aucun accroc. Pur boom bap de compète. WHO AM I ? THE M.C.
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Note : 5/6
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Voïvod / At the Gates : We are Connected / Language of the Dead
Comment cet objet a-t-il pu voir le jour ? Par déduction un peu facile, j'imagine que Century Media a demandé à
(ahah) At the Gates : "hé, les punks à l'époque, quand ils n'avaient pas une thune, ils sortaient des splits sur
cassette ou vinyle, c'était moins cher, mais aujourd'hui ça se vend bien ! Allez, faites un split. Alleeeez ! Bleuaarrgh, mais on n'a pas de nouveaux morceaux ! - C'est pas grave, on va mettre une chute de sessions d'At
War With Reality. - Ah bon. OK, on fait comme ça, mais juste avec Voïvod ! On adore Voïvod !!". Non ? Allez,
peut-être que ça s'est passé comme ceci. Alors, au menu, du Voïvod avec un morceau galactique, croustillant,
moelleux, psychédélique, entraînant, avec une mélodie en sucre nucléaire, le hit de l'espace, dansant, groovy et
mystérieux, tu claques des doigts à califourchon sur ton bolide intergalactique, et on va loin, et on va haut,
allez tous avec moi ! LOIN ! HAUT ! De l'autre côté, un morceau donc issu des enregistrements derniers d'At the
Gates, morceau que l'on peut retrouver comme bonus sur certaines éditions du dernier album, dont la
composition ressemble beaucoup à "At War with Reality", sauf que ce "Language of the Dead" se termine avec
de la guitare acoustique choupinette. Pourquoi pas ? J'aurais bien voulu entendre quelque chose de neuf
quand même... On a donc d'un côté un morceau megalactix de haute facture, qui annonce du miam pour la
suite de la carrière déjà bien riche des Voïvod, et de l'autre quelque chose de pas très surprenant, et que l'on
peut déjà écouter ailleurs... Cela fait du 5 d'un côté, du 3 de l'autre, allez, quatre, on va être gentil, c'est Noël.
(Non ? ah bon.).
Note : 4/6
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BOOGIE DOWN PRODUCTIONS : Criminal Minded
L'obsolescence, quelle plaie. On me taxera si on le souhaite de petit i-con-oclaste, mais cet album mythique
issu du Bronx a mal vieilli. Pourtant ce n'est pas ce que je ressens à ce point en écoutant Paid In Full. Ou même
le premier Run-DMC... Mais il faut dire, aussi, que KRS-1 n'a rien à voir avec Rakim, qui est dans le contrôle
total et glacial de la rime, alors que KRS est un pur enjoué qui donne dans l'onomatopée façon scat et les effets
ragga dancehall. Deux marques de fabrique parmi d'autres. Un feeling cool, qui cache des choses moins cool.
Pourtant, malgré l'attention avec laquelle j'ai suivi l'évolution du KRS au fil des albums, et le respect qu'il
m'inspire, quand je ressors Criminal Minded, j'ai à chaque fois cette même sensation que quand je réécoute
certains disques mythiques de funk à moumoute, classés avec des surnotations évidentes et des chroniques
qui s'attachent aux textes et au background plus qu'à l'efficacité de la musique (qui devrait toujours être
l'essentiel) : une sensation de déception et d'incompréhension. Il faudrait être d'une mauvaise foi assez
évidente pour ne pas reconnaître que c'est désuet. Ou fonctionner par pur mimétisme, comme ces listeurs de
classics aux arguments et notations robotiques qui pululent sur le net, aussi communicatifs de passion que
des comptables. Quand le son ne me soumet ou ne me fascine pas, je laisse l'histoire aux historiens. Le titre et
la pochette sont donc sensés être la fondation du style gangsta rap, mais on voit bien aux têtes de KRS et Scott
La Rock qu'on est plus dans la provoc' ambivalente : jeu de grand gamin, humour subtil, ou simple esthétique
vendeuse du noir menaçant qui a tant servi à remplir les poches de gros entrepreneurs cyniques ? Pourquoi
pas les trois, dans le fond. Désuet, même si ce genre de combines ont encore la santé. "Dope Beat" est cool,
mais me donne surtout envie de tèj l'album et de réécouter Back in Black. Le sample de riff hard rock pour faire
un beat n'a jamais été de mon point de vue l'idée du siècle, surtout si le titre original claque. C'est le risque de
sonner timide... Réentendre "9mm Goes Bang" c'est comme revoir un vieil épisode de Magnum : après tout,
pourquoi pas ? Il n'y a pas dans Criminal Minded la froideur des deux premiers Eric B. & Rakim ou du premier
LL Cool J, il n'y a pas la densité de Public Enemy. Donc je décroche... pour ne me sentir pleinement repu que
sur le titre final, incontestable climax, seul titre réellement indispensable de Criminal Minded, et matrice
évidente de bien des titres de Esham... et de cent autres rappeurs underground. Mais la poussière s'est bien
incrustée dans la wax, à part ça. En même temps c'est pas comme si on avait affaire à une ambulance : Boogie
Down Productions, tout le monde ou presque sait que c'est la base, comme Paid In Full justement, ou Yo! Bum
Rush the Show. Ou Straight Outta Compton, sorti la même année mais qui fait passer Criminal Minded pour un
album de timorés... Ce qui est quand même cool dans cet album, plus que le flow du jeune KRS avec son bagou
déjà bien baloo qui s'épanouiera pleinement en solo, c'est ce style de beats qui appuient sur les basses, et ces
samples sèchement découpés qui fusent dans la stéréo, l'effet Scott La Rock. Il faut l'écouter fort, comme la
plupart des gros albums de hip-hop, et saisir la puissance crétine de "Elementary", ma préférée avec l'épo, un
titre dont les scratches jaillissent comme des glapissements d'alien, où les paroles de KRS semblent même
s'amuser de mon relatif emmerdement à l'écoute de son album : "Please don't sleep I hope you are awoken"...
Ahah, sacré KRS ! Minimal, réverbé, et volontiers funky-bizarroïde, c'est aussi ça Criminal Minded.
Expérimental ? Un peu, mon n'veu, malgré sa quasi-obsolescence évidente. "Curieuse musique quand même,
ce son syncopé et ce jeune parasite social qui parle par-dessus... comment ça s'appelle déjà ? Du hip-hop ?
Ah..." (scène sûrement vécue des centaines de fois au milieu des années 80). Boogie Down Productions, c'est
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Run DMC avec une conscience plus affirmée, un flow plus consistant, des visées nettement moins pop, mais
aussi un funk nettement moins cold. Cet album me broute, j'y peux rien : malgré ses qualités évidentes, il est
mineur. La street-cred est pliée, mais la subjectivité est sauve. Ah et il paraît qu'il est de bon ton de parler du
meurtre de Scott La Rock qui surviendra juste après cet album, aussi... mais aucun rapport avec la musique, du
moins pour le moment, car il y aura riposte consciente du côté de KRS-One. Ce sera cet évenement brutal qui
déclenchera la maturation de KRS, sa transformation en maître des MC's. Pour l'instant, la jeunesse est bancale
et insouciante, elle tente d'émerger des codes établis pour créer les siens. Et Criminal Minded est la photo
jaunie et délavée de cette période, encore regardée avec beaucoup trop de fantasme.
Note : 3/6
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BOOGIE DOWN PRODUCTIONS : By All Means Necessary
Scott La Rock ayant quitté le duo contre son gré après Criminal Minded, je dois avouer qu'il n'y a guère de
différence qui saute à l'oreille sur By All Means Necessary... sinon qu'il est incontestablement meilleur ! Le
corps de son ex-accolyte à peine froid, KRS-One ré-enclenche la machine BDP, et par tous les moyens
nécessaires il va s'ingénier à surpasser, seul aux manettes, tout ce qu'ils ont pu faire auparavant. KRS est
devenu adulte en quelques mois à peine, et il a radicalement durci son style. Les mutations aussi rapides sont
rarissimes, mais c'est pourtant ce qui est arrivé. KRS-One fait plus ciselé et expérimente des sons différents. Il
parle différemment. Rappe avec plus de dureté, de clarté, d'intelligence. Même si, comme Criminal Minded, ce
second skeud a pris un coup de vieux, déjà c'est bien moins dépréciatif, ensuite, celui-ci est un grower : il est
plus dense qu'il ne le laisse croire aux premières écoutes. Et blindé de scratches et de samples divers. Pas si
minimal que ça, le hip-hop de 1988, si vous comparez avec beaucoup de skeuds des années 90. Le côté linéaire
cache des greffes malsaines, c'est net. Et on se prend dans le gras des baffles un flow qui a passé l'étape
supérieure, et décidé de causer sérieux : KRS est choqué, mais il ne répond ni par le spleen ni par la
surenchère de violence. Les rappeurs de cette époque étaient pas des mielleux, ils faisaient pas de la
pleurniche sur leur vécu de déclassés : ils étaient juste froidement efficaces. Il n'y a aucune résurrection non
plus : KRS débarque quelques mois après l'homicide, gonflé à bloc d'idées compactes et d'ambitions sans
précédent pour sa musique. Si son album est solide, c'est aussi grâce à sa voix - et ça c'est pas moi qui le dit,
c'est lui. Mais je suis d'accord. La pochette a une dimension supplémentaire qui résume ce changement
d'attitude : la dimension politique. Ça, c'est KRS-One qui commence à devenir KRS-One : il aime bien montrer
qu'il n'est pas là pour zouker, ou amuser la galerie en faisant du moonwalk. Il va aussi nous montrer qu'il est là
pour appeler à la paix, mais ça c'est moins évident vu de l'extérieur... La paix, ça lui travaillera le cervelet
pendant des années... Défensive pure, pourtant, et inquiétude vissée au corps. On sait jamais, une balle
pourrait facilement fuser d'en bas, ou des côtés, après tout il n'y croyait pas un an plus tôt. Vigileance,
conscience. KRS-One, c'est aussi ce MC saoûlant qui pose des intros comme celles de "Stop the Violence"...
avant de dégainer des samples flippés et des couplets sans ambigüité. Ses paroles post-homicide sont
incontestablement plus dures, plus limpides, mais aussi un appel positif à élever le rap à un autre niveau... En
un mot : politiques. KRS est un pur pacifiste, et même un végétarien, ce qui ne l'empêche pas de mordre dans
la couenne de l'ennemi avec férocité. "T'Cha - T'Cha" est un de ses morceaux les plus durs et charismatiques :
une pure leçon. Criminal Minded avait "Dope Beat", By All Means Necessary a "Ya Slippin'" : on passe d'AC/DC
à Deep Purple, mais surtout d'un sample très basiquement Run-DMC à une instru ici nettement plus difforme,
dans laquelle KRS s'amuse à défigurer le riff, le triturer et le transformer en miettes ingrates. Le titre aurait pu
être direct et catchy, il devient saccadé et fait du sur-place... En ce temps là on ne dissociait pas le hip-hop des
charts du hip-hop expérimental : il était les deux en un seul. Un album sérieux comme cancer, l'un des premiers
du hip-hop, à des lieues de la déglingue des Beastie Boys. Et pourtant : "Nervous" est un des titres les plus
jouissifs des années 80, sans hésitation. KRS-One n'y est quasiment plus dans le flow, mais dans le speech,
avec une intonation et un esprit très Ice-T. Le rythme et l'instru mutent sans cesse, désamorçés par ce refrain
imparaaaaaaaaaaaaaa-BLE, avant de ré-enclencher le stress du beat... Génial ! Un album pas loin de l'être
aussi, qui se bonifie clairement avec les écoutes, bien plus varié qu'il en a l'air au premier contact. Et, comme je
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le disais en entame de cette chronique : incontestablement supérieur à Criminal Minded, brouillon de jeunesse
honorable mais obsolète. N'est-il pas évident, rien qu'à l'écoute de ce speech final sinistre - dont chacun d'entre
nous doit écouter (ou lire) attentivement les paroles sans appel prononcées par KRS-One - qu'on est face à un
album d'un tout autre niveau ? "Whether peace by war, or peace by peace, the reality of peace is scary".
Note : 5/6
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Run-D.M.C. : Run-D.M.C.
Je perds la boule ? J'y peux rien : ce son me fait la tête au carré. ☐ C'est différent. ☐ <- le carré là.
Juste là -> ☐ Tu le vois pas le carré ? Tiens, prends-en trois en + pour la peine : ☐☐☐
"Est-ce que ça a vieilli ?" Je sais pas... est-ce que le carré a vieilli ? Essaie pas de clasher Mondrian, homie. En
général ceux qui parlent des vieux Run-DMC nous font tout un cinéma sur l'influence historique et tout le
tintouin, je n'éviterai du reste pas totalement cet écueil, mais je me concentre surtout sur le son, dont cette
pochette résume assez bien la matière brute (on sera accessoirement libre de relever le signe de la main fait par
D.M.C.) Ceux qui risquent de tiquer sur la présence dans nos pages des célèbres noirs à chapeaux de même
couleur sont probablement restés sur leur médiocre tube MTV avec les glamouzes éphébophiles hystériques,
ou leur promo totalitaire pour la marque à trois bandes. Foin de tout ça ici : on cause musique pure, tas de
pixels. Les trois bandes c'est deux MC's plus un DJ, OK? Et elles te transforment en chaussure humaine. En
brique tetris d'homme. On va à la source brute pour comprendre l'évolution du moteur à explosion, et je peux
t'aider si tu le souhaites : [D] pour Définition, [M] pour Mécanique, [C] pour Contrôle. Do you Me Comprends ?
Run, maintenant : le beat est ton bitume. Inutile de parler des albums qui viendront après, pures variations FM
de ce primordial et minimal assaut : tout est là. L'electro-funk, qui était cool au sens de sympa, devient le
hip-hop, cool au sens de froid. Ecoutez ou réécoutez le premier Run DMC, et, si vous n'êtes pas de mauvaise foi
avec le pixel qui gronde en vous, vous admettrez que ce hip-hop ultra-basique et froidement rythmique du
premier album purement hip-hop jamais créé (1984 !) est autant à sa place dans nos pages que n'importe quel
album de vieille EBM. En tout cas plus qu'un paquet de disques bien chaleureux de jazz ou de funk qui sont
passés sans hoquet ! Run-D.M.C. ça n'est pas du tout chaleureux : c'est la machine hybride qui a plongé le funk
dans un bain d'azote, l'a figé en micro-bloc. Run-D.M.C. c'était un son FROID, jamais compacté de la sorte avant
dans le funk, ni même dans l'electro-funk. Rythmiques solides, reverb de cave en hiver, scratches radicaux,
samples de respirateur artificiel, couplets croisés qui sont pure matrice des Beastie Boys... et de tout ce qui
suivra. La datation par carbone 14 révèle une date qui tourne plus ou moins autour de Tchernobyl.
Grandmaster Flash ? Bambaataa ? Hybrides brouillons. Run DMC = la cold wave du funk. Qu'on se le tienne
pour brique. La machine glaciale à beats frigidaires de Jam-Master Jay faisait toute la différence. Les flows des
deux MC's, évidemment très rudimentaires avec le recul, n'avaient qu'un intérêt purement secondaire, comme
un insert humain dans la machine. L'intérêt venait des beats du DJ Master Jay : descentes de toms et frappes
de droïde forgeron, final purement turntablism qui reprend des bouts de l'album, greffés-déformés. Le sampling
hard rock ne servira plus à rien après "Rock Box" où la guitare n'est pas samplée d'un tube de chevelus mais
jouée live : tout est là. Même si c'est cheap. Une puissance binaire-cheap, voilà, et souvent magnétique, m'en
soit témoin le flippé "Wake Up" et son arrière-goût de tube pour abri nucléaire. Le hip-hop en 1984, avec ce son
nouveau, était une des musiques les plus expérimentales qu'il soit possible d'entendre sur les ondes. Un genre
de disco qui fait pas danser. On est à l'opposé du hard FM ou de la new wave qui n'a alors plus rien à voir avec
ce qu'elle désignait à l'origine : ce premier Run DMC, c'est un son de container portable, a.k.a. ghettoblaster, le
gros appareil à musique que les déclassés portaient sur leurs épaules comme des bûcherons leur tronc. Un
feeling Casio. Ultra-minimal. C'est comme ça, et c'est comme ça. Zéro couleur : le hip-hop en noir et blanc.
Binaire. Terminatoresque. "Sarah Connor ?" BEAT ! Hors "Rock Box", Run DMC n'étaient pas pop lors de leur
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entrée sur wax : juste le hip-hop de manufacture vide des années 80, le hip-hop qui pue le vieil ordinateur Atari,
la disquette de jeu, le Minitel carré. Le hip-hop nouvelle école, enterrant les résidus retro-futuristes du funk à
gonzesses des beaux gosses afros dans le son du Futur devenu Présent. Aussi rudimentairement cold en
matière de rap que ce skeud, à part peut-être Radio de LL Cool J, je vois pas... Le jeu vidéo a Tétris, le rap a le
premier Run DMC. Et le premier qui vient me dire que Tetris c'est pas sombre et expérimental, je le marave avec
une brique !!! (note : ■■■■■☐)
Note : 5/6
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Rakim : The 18th Letter
Album hautement surrestimé, et amère déception personnelle. On voit souvent Rakim comme un genre
d'équivalent des Beatles pour le flow. C'est plus subtil que ça... évidemment historique, monolithiquement
objectif, mais surtout : religieux. Je ferais bien une analogie avec le Coran, si j'étais taquin. Rakim c'est le saint
bouquin, le reste c'est du hadîth. La botanique primordiale surpasse l'aneth. Tout les egotrips apparus dans le
hip-hop après 1987 ne sont que des variations de ses versets. On a le droit d'être athée, évidemment. Tout
comme on a le droit de cracher sur les infidèles pervers et traîtres qui ont plus de considération pour ce solo
décevant d'un Rakim revenant dans le sillage de Nas et Biggie Smalls en mode mystique, que pour le massif
triptyque avec Eric B... Parce que ça existe, hein, des blasphémateurs de cet acabit... Si son flow est ici
effectivement une démonstration aussi évidente que le jeu d'acteur de Pacino dans L'Impasse, Rakim a trouvé
la sienne : il semble fondu dans la masse du style new-yorkais alors en vogue. Smooth-banal. Comparé aux
deux grands Mobb Deep ou n'importe lequel des premiers solos du Wu, ce disque est nain. Mille fois copié,
Rakim copie a son tour, et, s'il ne sonnera jamais anonyme, son écrin l'est. Pourtant il y a Premier là-dessus.
Mais ses prods ne sont pas les plus mémorables de sa carrière : même s'il est Primo, s'est-il senti intimidé par
le MC qu'il devait habiller, comme un tailleur présidentiel tremblant des ciseaux ? Peut-être, vu comment Rakim
honore le mic sur "It's been a long time" ou "New York (Ya Out There)"... la prod de la première est bien
penaude, celle de la seconde, menaçante-style, vaut surtout pour les samples greffés dessus avec maestria.
Pete Rock est le seul a dégoupiller de l'instru de très haut niveau, au nombre de ses apparitions : "The Saga
Begins" et "When I'm Flowin'". Qui restent, avec le catchy "Guess who's Back" signé d'un des DJ's attitrés de
Biggie, les seuls morceaux pleinement efficaces dans cette pantalonnade. Mais difficile de prendre Pete Rock
en défaut, voire impossible dans cette période. Les autres instrus, qui seraient un costume sonore tout à fait
convenable pour un MC fraîchement débarqué en 1997, sonnent souvent bien trop génériques pour faire
honneur à Rakim. Comme cette pochette très moche où sa tête est retouchée au logiciel photo pour un rendu
pathétique (bel artwork en fond, par contre). Ces prods c'est du maquillage sur une idole, de la modernité pour
une statue brute. En plus c'est souvent jazzy-mou-FM-générique... Non, ça ne lui va pas des masses, en plus
son titre mystique ("The Mystery"), fait grise mine comparé au premier Killah Priest qui sortir un an après. Il est
tout de même très rassurant qu'une fatwa parallèle menée par les intégristes du hip-hop 80's, même si peu
fournie, se soit chargée de remettre un peu de lucidité au milieu des louanges sans arguments de poids : cet
album est écoutable, voire agréable, oui ! Mais il est comme non-avenu. Et pourtant, malgré tous ces défauts,
Rakim parvient à incarner 90% de l'intérêt de cet album, m'obligeant à une note centriste. Grâce à quoi ? Euh...
au flow ? Moui ce doit être ça. Le maître du mic revient dans le club pour rappeler qui est le papa, et chopper de
la chagasse en mode prêche au passage. Et on ne pourrait nier qu'il en impose, même sur ce pur aimant à
biatches aussi facile que surchargé de basses qu'est "Stay a While". Mais est-ce utile de le préciser ? Rakimou
akbar !
Note : 3/6
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The Roots : Do You Want More?!!!??!
Si vous êtes de ceux qui considèrent le son avant l'ambiance, commencez par ce Roots, la version Haute
Définition du jazz rap. Vous en voulez encore?!!!??! Aucun problème : les philadelphiens vous rajoutent une
bonne louche de leur hip-hop aristocrate, 100% biologique. Ce son qui chaloupe, taboule de moelleux, cette
vibe positive, créative avec les moyens du bord, organique, yin... Du hip-hop tricoté à fleur de baffle avec
l'amour d'une aïeule attentionnée. Bip bop ch'pop! Cliquetis cliquetis basse... Cette pochette, également, oui !
Qui résisterait à ce bleu profond digne de Speak No Evil ? J'ai d'ailleurs acheté ces deux albums uniquement
parce que leurs pochettes m'aguichaient, pure thalassothérapie visuelle n'est-ce pas ? The Roots, nous
l'aurons compris derrière nos lunettes en écaille de croco, ne sont sur Guts of Darkness que parce que leur
approche du rap est fondamentalement expé et originale. Et sur cet album classieux, elle s'épanouit comme un
jardin de sons sans lissage de studio comme ça sera souvent le cas dans les suivants. Ultra-naturel. Même si
dans un genre proche Freestyle Fellowship me semblent plus jouissifs, The Roots avaient sur Do You Want
More une profondeur et une précision incroyable. Leur présence y est telle qu'elle efface souvent les enceintes
entre eux et nous. Si vous ne vous maintenez pas proche de la hi-fi, The Roots vont vous glisser dessus. Il faut
saisir leur grain, leur point de croix subtil, qui ne charme l'oreille que dans un secteur restreint. Chambre,
salon... Il y a également sur ce second album pas mal de ce que je désigne comme leurs tics quand ils sont au
pinacle de leur jazzitude jazzeuse : cette façon à la fois géniale et irritante d'utiliser les voix comme éléments
rythmiques, ces intonations volontiers joviales-décérébrées pas toujours heureuses. Finesse et doigté absolus
avec la pointe débiloïde et une singularité manifeste, qui en font en quelque sorte les Fugazi du hip-hop
(puisque je ne suis jamais à court d'équivalences tape-à-l'oeil). Certaines instrus sont de pures pépites, telle
"Lazy Afternoon" et sa multitude de petites sonorités insectes, à la microcosmos hip-hop. Ou "? vs. Rahzel",
pur boeuf rythmique, qui, passé à volume noble, vous donnera la sensation exquise, en fermant les yeux, d'être
au milieu du groupe. Une sensation typique des Roots, seul groupe de rap capable de créer cet effet "on joue
dans ton salon, bouge pas de ton canapé". Une mystique palpable sur un titre aérien et relaxant comme "Silent
Treatment". Toute la délicatesse des Roots est là : leurs variations sont innombrables, leurs vibrations relief de
parchemin, leur son tissu végétal, leur bienveillance naturelle épousant un son de crépuscule panoramique.
"What Goes On Pt. 7" est l'un des boom baps les plus finement ciselés qu'il soit possible de créer. Si une telle
idée saugrenue que de créer un rap pour jazzmen audiophiles devait alors germer, ces types l'ont eue. "The
Lesson Pt.1" en est effectivement bien une, dans le domaine du boom bap 100% créé avec le corps humain :
beatbox sans positillon superflu, flow efficacement hardcore de Black Thought et Dice Raw, hululements en
arrière-plan : impeccable. Excellentissime, d'un strict point de vue instrumental. Plus d'une fois magique,
même. Pourtant cet album, aussi subtil, raffiné et organique soit-il, m'a toujours un peu irrité, vocalement
parlant, la faute à certains refrains ou intonations des MC's, surtout quand ils virent dans des effets
rhythm'n'blues ou scat, ces passages sont un peu leurs fèces... Et puis est-ce que je suis plus ?uestlove que
Black Thought, dans le fond ?... toujours pas sûr... Il n'empêche qu'un morceau comme "Datskat" m'agace
proprement (mais "Proceed" n'est pas loin). Heureusement l'album, passés ces premiers titres pas toujours
amènes, s'ouvre lentement, comme un bon malt. Pas leur meilleur, contrairement à ce que vous pourrez lire ici
et là, mais assurément l'un des plus beaux instrumentalement parlant, et sans nul doute le plus organique. Les
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jeunes Racines me font un effet bien plus jazz que hip-hop, c'est ainsi - et ça ne s'explique guère plus que ma
relative circonspection devant une jolie boîte de speculoos et un thé darjeeling préparé avec amour... Et
pourtant, mh, *croque shronk*, ça se déguste, *fff-slrp* c'est même bigrement bon - mmmh... Subtilement
charmeur...
Note : 4/6
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KILL THE VULTURES : Kill The Vultures
Tue les Vautours avec un son de charogne jazz rap empoisonnée. Le prélude au cauchemar moite et sexuel de
fumées opiacées et chop suey que sera The Careless Flame est déjà une foutue fanfare flinguée à flow fugueur,
collant au cortex, un album de prime abord profondément antipathique, qui devient obsessionnel par contact
répété. Car autant vous le dire : depuis ma découverte de Kill the Vultures imposée en 2007 par la plume
phallique du collègue Saïmone, j'en ai bavé, avant d'aimer ce disque, et ce malgré sa durée ridicule pour un
album de hip-hop. Il a pris la poussière comme un Tom Waits excessif. La faute aux deux-trois premiers titres,
qui sont rigoureusement laids et insupportables autant qu'authentiquement déglingos : j'ai par exemple dû m'y
reprendre à plusieurs fois pour passer ce refrain du titre épo qui me fait penser au plus gros tube des Troggs.
Horrible. Pourtant, la suite, plus nuancée, nous démoule un KTV tel qu'il sera sur les deux suivants : créature
organique, ronflante, unique. Et un rappeur qui n'a rien à voir avec les petits blancs malingres de chez Anticon,
non : Crescent Moon est un vrai MC, école Freestyle Fellowship / Mos Def ou KRS-One, en plus âpre, genre
halluciné. Un MC avec le rythme dans le gosier, qui fusionne avec cette cocotante défecation jazz. L'évidence
s'impose plus dans ses interprétations en concert que sur album, mais ce gusse a un feu en lui. Il gave autant
qu'il agave, son flow too much brut de fût à la soul rugueuse épouse la matière hautement boisée-cuivrée du
difforme bousin. Hip-hop organique tendance havane, crari purin de la tête au pied. A chaque fois que j'écoute
Kill The Vultures je ne peux pas croire que tout ça ce sont des samples... Ce ne sont que des samples, mais
l'odeur de la console est impossible à capter, tout effet logiciel est étouffé. Car le premier Kill The Vultures est
étouffant, malgré ces quelques pauses ambiance film noir très sofa-bloody-mary. Comme des Roots en plus
organique et surtout en plus crade, sans vrai instrument qui joue pour de vrai. Et aussi pesant que Dälek, sans
apocalypse en seize-neuvième ni chaos industriel. Juste dans un salon moite saturé de volutes. Un son comme
une peau de loutre rêche et collante. Ne serait-ce que pour l'énorme "Beasts of Burden", ce sera cinq sur six
(pas de chiffres mais des lettres, ça fait plus organique).
Note : 5/6
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Chino XL : Here To Save You All
"I spread new rap styles like prostitutes spread chlamydia [...] The term Chino goes synonymous with corpses
flipped / but never celebrated, like Hanukkah in Auschwitz" (#3 "No Complex"). Son blase est craignos, mais le
portoricain Chino XL, qui est souvent décrit comme un proto-Eminem de l'underground, est descriptible comme
tel sans exagération, en tout cas bien plus qu'Esham. L'avant-garde du flow de Slim Shady ou un pur hasard ?
Je pense que ça tient surtout aux timbres assez similaires des deux intéressés en réalité, car Chino est
beaucoup moins pop, et sa personnalité moins extravaguante (et droguée) est plus axée egotrip pur. Mais de
l'egotrip de salaud, attention. Son flow est, comme celui du blondin, le signe de longues années de battles,
d'entraînement maniaque et d'hectolitres de sueur versés sur le mic. Un peu comme les golgoths sur pattes de
coq qui font du street-workout et se suspendent aux réverbères à l'horizontale à la seule force de leur bras, ce
genre de résultat quasiment inhumain me divertit plus qu'il ne me fascine, mais tout de même : Chino XL exhale
une technique et un charisme assez extraordinaires dans le rap pour figurer dans la sélection haute de Guts of
Darkness. Si vous êtes intrigués par ce que pourrait donner un hybride dont l'ADN se situe entre Kool Keith,
Ras Kass et Eminem, ce premier album sombre et torturé du MC latino halluciné me semble un mets de choix
incontestable. D'ailleurs deux de ces trois références de poids sont logiquement en featuring, et un titre est
produit par Kut Masta Kurt ("Deliver", excellent), ce qui me confirme que je ne divaguais pas quand mes
premières sensations m'ont direct renvoyé au tarin l'odeur paranormale de Soul on Ice, ou du Big Time d'Ultra.
Les instrus sont assez cheesy - underground, plutôt - mais souvent très magnétiques ("It's All Bad", tuerie, ou
le beat évolutif chelou de "Ghetto Vampire"), des rythmiques organiques souterraines et des samples
hypnotico-téné183reux, un peu ce que Eminem aurait dû avoir sous son flow à la place du boom bap jazzy
générique quand il a démarré sur la démo officieuse Infinite. Chino XL déroule son rap de mercure à l'état
liquide sans aucun entracte : un charisme rare dans le rap à voix claire, des rimes à la fluidité métaphysique qui
se lovent à la perfection dans les beats dark-étranges de B-Wiz. Here To Save You All (ce titre, tout de même...)
a vraiment toute sa place sur fond sombre et orange, et sa pochette acupunctrice-SF à la Hellraiser reflète très
bien le contenu et le feeling du Chino. Comme pour le premier Big L, j'aurais presque quelques scrupules à ne
pas faire claquer la note maximale, mais je décroche toujours un peu sur la longueur, et on est plus sur
l'excellence homogène que devant un coup de maître intégral. On mettra aussi ça sur le compte de mes
passions ambivalentes pour les records sportifs des insulaires, ou pour le rhum d'appelation ron.
Note : 5/6
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Sensational meets Kouhei : Sensational meets Kouhei
Un rappeur-autiste + un artiste electro/noise japonais en lieu et place de beatmaker. Je prends. Voici peut-être,
pour l'anecdote, et présence d'Autechre à l'appui, le premier disque de hip-hop que mon collègue
Wotzenknecht aurait dû chroniquer. Mais comme ce finlandais sans finnois préfère se griller les arbouses dans
les saunas avec des valkyrires ingénues, je m'y colle. Sauf que - c'est pratique - ce skeud m'a déjà collé à lui.
Nattō-style. Wakarimasu ka ? Kouhei, proche de Merzbow, m'était inconnu avant que j'achète ce disque,
contrairement à l'inénarrable Sensational - a.k.a.
"MC-Je-rappe-depuis-un-coin-de-mur-de-mes-chiottes-et-je-suis-mon-seul-public" - mais je me suis fié à sa
nipponitude, autant qu'au conseil avisé du lascar qui m'a fait découvrir Octavius. Malgré tous les artistes
escrocs-prolifiques charriant des hectotonnes de déchets dans leur sillage, le japonais a cette fiabilité
technique, supérieure à presque toute autre culture. Ma moto et ma chaîne hi-fi m'en soient témoins. Clichés ?
La grande majorité des clichés ont une base solide dans le réel, ce qui est aussi un cliché, mais la majorité
des... Voilà, vous avez compris. Et Sensational Meets Kouhei s'imprime dans le réel, façon feng shui de loft
brisé en morceaux de cristal, de métal et de plastique. Et Kouhei a ben travaillé : ses dossiers glitch ont été
rangés avec attention. Pas de karō-jisatsu à la clé: aucune saturation traître, juste le contrôle audio
chirurgical et la tempérance vicieuse. Ecouté à volume ceinture noire, son album avec Sensational fait l'effet
des bons disques de noise : les sons sont physiques, miettes et insectes stéréophoniques, brèves mais
tranchantes hallucinations acidulées. Kouhei n'opte à aucun moment pour l'attaque brutale, préférant la finesse
de l'aiguillon et du scalpel. Un truc de jap', ça aussi. Pensez à Audition de Miike. Ce qui ne l'empêche pas de
poser des trames plus electro, rythmiquement accrocheuses. Des beats rectilignes et quelques nodules de
samples, ce sera tout pour le côté purement hip-hop des instrus. Du point de vue d'un amateur de noise pure, je
me demande tout de même comment ça doit sonner, et si le rappeur n'est pas parasite... De mon point de vue
quasi-profane, le mélange me paraît fonctionner aussi bien qu'avec l'album en recommandation ci-dessous :
car Sensational est tout sauf un rappeur chaleureux et tout public. Il est même plus expérimental que Kouhei, à
sa manière. Le flow, me demanderez-vous donc...
主題からずれて. Sensational est égal à lui même : MC juste un
peu plus abordable musicalement que Wesley Willis, autiste absolu, Kool Keith SDF, il magnétise par
indigence, capte par asthmatisme. Ecoutez "The Purple People for Future Earth" ou "What It Be?"... Qu'est-ce
que ce mec a dans la tête ? Je ne veux pas le savoir, et vous non plus. Son costume soft-noise-electro lui va
comme un masque anti-pollution à Fukushima. Conseil de mélomane pour finir : mettez-vous devant des clips
de hip-hop FM lambda bien bling-bling, coupez le son, et écoutez cet album devant. Effet gutsien garanti. C'est
là qu'on réalise le gouffre artistique dans lequel se situe Sensational... Seul, absolument seul. Même avec un
japonais.
Note : 5/6
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Death Grips : Exmilitary
Je dois l'avouer, je n'ai jamais compris où voulait vraiment en venir la manie du haro sur le hipster, d'autant
plus quand on est soi-même porté sur les écoutes multiples et névrotiques de sorties récentes... Le bashing du
hipster serait donc aussi hipster que le hipster lui-même??? "Paradoxe", comme dirait le Gordon qui lévite
dans Inception. In fine, on devrait s'en foutre comme de savoir qu'il existe des gens qui votent EELV, mais je
crois que le jour où j'ai découvert Death Grips via cette mixtape (officieusement présentée comme leur premier
album), après moult conseils glanés ici et là, j'ai compris à quoi ce terme se référait. J'ai compris, comme ce
jour où j'ai été obligé de quitter une soirée où s'étaient imposés des fans de Buckethead et de John Zorn, du
temps où je rôdais encore dans des repères estudiantins hautement saturés de ce genre de bestioles. Anecdote
d'autant plus croustillante qu'à cette même époque j'avais sans le vouloir collé du Hella aux mêmes en leur
passant une des radios mp3 de notre inénarrable Progmonster, et qu'un des coreligionnaires, batteur, avait
bien sûr jeté son dévolu sur le poulpe des fûts Zach Hill... dont on aurait davantage dû ressentir la patte sur ce
skeud, m'est avis. En découvrant Death Grips sur disque - et non en concert comme il semblerait que ça se
fasse pour aimer - j'ai regretté intensément cette période où Anticon et Def Jux étaient les labels les plus en vue
pour l'amateur de hip-hop expérimental, des labels dont les albums ne tablaient pas uniquement sur un mix
saturé pour impressionner les geeks, des albums qui ne faisaient pas parler le chroniqueur comme un
producteur. Death Grips, comment dire... c'est des fous. Leur intro est un speech de Charles Manson. Ils sont
de Sacramento comme Brotha Lynch Hung, mais ils veulent sonner beaucoup plus freak, les gars, attention.
Des fous furieux, punks et noisy et syncopés, un truc de dingue ! C'est déjanté, c'est abrupt, c'est glacialement
logiciel, c'est éthylique, mix de hip-hop et d'effets techno/glitch/rock saturés qu'on entend pas habituellement
dans le hip-hop (quand on cherche pas), avec des spits pleins d'écho dignes d'Alan Vega. Mais... c'est aussi
vain et vilain que du Lars Von Trier en roue libre. Ou du cloud rap générique. Cool sur deux-trois minutes,
chiant sur dix. Dans le genre disque de rap indé dédié à la partie purement vendeuse de Noise Magazine, et ce
genre de gadgets ne durent qu'un temps. Facile avec le recul, je sais... Pourtant beaucoup l'ont senti comme ça
dès la sortie, et n'auraient pas troqué un seul titre de Dälek contre tout Ex-Military. A part "Klink" et le tube "I
want it I need it" (et à la rigueur "5D", car une minute de Pet Shop Boys vaut mieux que trois quarts d'heure de
Death Grips), je ne retiens rien qui aie un quelconque poids ici. C'est timide : on sent que les gars ne poussent
pas l'effet au maximum, ou plutôt qu'ils poussent au max dans leur carcan récréatif, leur gabarit créatif étant
similaire à celui de Kanye West : gnomesque... Pour l'originalité c'est objectivement valide, j'imagine, mais
subjectivement, ça fascine autant que du Merzbow générique. Chacun prendra ça pour du snobisme si ça lui
chante, hein, mais tympan qui ne bande pas a toute sa conscience. Messieurs, vous n'êtes pas trippants, vous
n'êtes pas cools, vous n'êtes certainement pas hypnotiques, vous êtes aussi crades et empruntés qu'un banal
groupe de hardcore punk formé par des étudiants en arts graphiques, votre musique n'a aucune profondeur,
aucune longueur en oreille, aucune empreinte mentale, et vous n'avez strictement rien à raconter... Alors vous
nous sortez cette mixtape pour quoi ? Et est-ce que ça valait vraiment la peine de l'enregistrer, ce petit délire
éthylique entre potes ? On vous a déjà parlé du mouton mystique qui boit du thé électrique, mmmh ?...
Rhabillez-vous et rangez vos bières, bande d'onanistes safe-sex dégénérés. Et allez vous raser, vous n'êtes pas
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dignes du poil.
Note : 2/6
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Death Grips : The Money Store
Death Grips, le groupe idéal pour révéler les étudiants en marketing qui s'ignorent. 2012 : année de l'élection de
Hollande, wack-MC le plus incontestable de l'Elysée. Et année où Death Grips en ont profité pour franchir une
étape supplémentaire sur ce premier (vrai) album, logiquement plus travaillé qu'Ex-Military. "Get Got" et
"Hacker" bien EBM-rave avec son armature cool (plus à la "Testarossa remix" de Kavinsky qu'à la The Hacker
ceci dit) sont deux titres très sympas, comme "No Love" pour le suivant quoi, me poussant presque à passer
d'une note négative à une moyenne qui serait bien trop coupablement généreuse... La preuve, soi dit en
passant, que si on se fiait à la sacro-sainte objectivité des pujadas du webzinat, c'est album objectivement
parfait dans nos archives sombres et expérimentales se prendrait 5 sur 6, alors que son potentiel de réécoute
parle autant de lui-même qu'un essai d'Eve Angeli. Le son est puissant - enfin... puissant de la même façon que
l'est la série Spartacus, avec ses effets gores ralentis informatiques et ses gonzesses qui se font baiser par des
gladiateurs ensanglantés de CGI. Et puis certains samples et certains effets aussi dangereux que du
Gesaffelstein ont de la gueule, oui. Cela passerait presque pour un délire cyberpunk de qualité par moments...
Enfin ça, c'est avant qu'on grille qu'on est dans un logiciel dédié, ce qui prend pas longtemps. Je me sens aussi
galvanisé par cet album que devant une télé diffusant la dernière pole-dance sous stroboscopes des Ch'tis à
Ibiza, ou dans un studio avec des jeunes zicos tout excités de leurs trouvailles devant leurs trois écrans
pro-tools. Ô tempura, ô morilles, comme dirait mon pépé goth. Disque qui te fait sentir vieux con à même pas
trente ans, voilà. Faut dire que moi, quand je veux une musique freaky qui tabasse, je veux juste que ça
tabasse. J'ai pas besoin d'avoir cette impression désagréable que les musiciens me tapotent sans arrêt sur
l'épaule en me hurlant dans l'oreille "PUTAIN ÇA TABASSE HEIN ? HEIN ? TROP FORT HEIN ?!!!". Autant
directement écouter de l'egotrip! J'm'en bats les reins que tu sois un ouf malade sûrement fan de boulards
gonzos et de teen facefucking : tu tables juste sur ton hypothétique effet lobotomisant pour exister dans un
casque audio, "MC", t'es le Eugene Robinson des youtubers, aussi magnétique qu'un pierre-antoine garni de
coke aux Bains Douches ; alors te la joue pas badass, et pense à la femme de ménage sous-payée qui nettoie
tes gros postillons de kébab sur l'anti-pop. La coke c'est fait pour les Tony Montana - mais comme beaucoup
faut que t'en prenne juste pour faire ton intéressant... Alors tu fais des moulinets dans l'air, vas-y amuse-toi.
T'es le mec le plus ouf de la soirée, comment les filles te regardent toutes rolalah... roooh, t'as bu toute la
vodka-redbull de la bouteille putain, t'es juste un malade tu le sais ça ??? Oui : Mac Ride prouve toujours que
l'effet David Yow dans le hip-hop, c'est très loin d'être à la portée du premier venu... En tout cas moi ça m'invite
nettement plus à réécouter du ODB ou un "Tricky Kid" des familles (le but est pas le même ? je m'en bats la
rate, homie), voire si j'ai rien d'autre à portée un des amas testuo-esques d'El-P... ou juste du crunk bien
putassier et sans aucun foutu esprit pseudo-punk derrière. Plutôt qu'à m'extasier comme une lycéenne
hymenifère devant la dernière coque à smartphone ornée d'une tête de mort... Mais bon, si ça passe pour plus
que ce que c'est, je voudrais surtout pas en dégoûter quiconque hein, même si à mon avis les suiveurs sont
certainement passés à autre chose depuis un moment. Casser du sucre sur le dos d'une capture instagram n'a
rien de glorieux, j'en conviens, mais on archive pas à la légère ici. Peace.
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Note : 2/6
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Dälek : Deadverse Massive Vol. 1 : Dälek Rarities 1999-2006
Les barbus qui rêvent de baleines de chez Hydrahead ont eu le nez creux en sortant cette compilation de titres
introuvables sur album. Faut dire que Dälek, c'est un mégaptère du hip-hop. Même si je le vois plus comme
épaulard que jubarte. Pensez donc : aucun groupe de hip-hop actuel ne peut espérer atteindre ce gabarit et
cette dentition prédatrice. Dälek a pris la place que Mobb Deep ont laissée vacante après Hell on Earth. Et
puisqu'elle n'intéressait plus les rappeurs de la surface, c'est des abysses qu'a surgi le neo imperator. Cette
compilation, inutile à ceux qui ont déjà grapillé les inédits en question ici et là, est un condensé du style
Oktopus. Quasiment pas de voix, la plupart des titres sont des instrumentaux. Les seuls titres parlés sont du
niveau de From Fithy Tongue ou Absence, donc massifs. Un gros son granuleux pour un gros Dälek pataud
dictant la fin des temps. Quasiment pas de scratches de Still de mémoire (hélas). Des miasmes jetables, aussi,
presque logiquement, mais assez peu : "Angst" d'abord, instrumental sympathique (justement) et un peu
générique pour du Oktopus, et le remix fadasse d'Enon, et un ou deux autres passages qui sentent la chute de
studio passable. Ce qui coûte deux boules. Pour mettre en valeur les quatre survivantes tout de même : le
Deadverse remix de "Megaton" en introduction est juste un des titres les plus lourds qu'aie jamais sorti Dälek,
avec la pointe d'angoisse mélancolique palpable qui affleure à la surface. Beauté vénéneuse. La première partie
du morceau, somme toute presque classique (pour un amateur de hip-hop alternatif), se déploie petit à petit et
se compacte dans un gros beat de batterie digne d'un Rage Against The Machine, puis se résorbe enfin pour
laisser coi. Coït pur avec les baffles. Le reste de cette compilation est un fourre-tout aux saveurs entremêlées
d'années 90 et 2000 : pas mal d'ambient, du grain shoegaze, des pics d'adrénaline, et du trip-hop cicatriciel
digne du Tricky des grandes nuits (le remix de Velma par Oktopus)... et toujours cette odeur de mort latente qui
serre comme un étau. Je ressors toujours de cette compilation avec des souvenirs très flous, mais surtout
l'envie de réécouter Abandoned Language.
Note : 4/6
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Informations
Vous pouvez retrouvez nos chroniques et nos articles sur www.gutsofdarkness.com.
© 2000 - 2015
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Table des matières
Les chroniques ........................................................................................................................................................................... 3
Thunder Way : The Order Executors ................................................................................................................................. 4
Geto Boys : Till Death Do Us Part..................................................................................................................................... 6
Geto Boys : We Can't Be Stopped ..................................................................................................................................... 7
Kool G Rap & DJ Polo : Road To The Riches................................................................................................................... 8
Kool G Rap & DJ Polo : Wanted Dead Or Alive............................................................................................................. 10
Kool G Rap & DJ Polo : Live And Let Die ..................................................................................................................... 11
Kool G Rap : 4,5,6............................................................................................................................................................ 13
Goodie Mob : Soul Food .................................................................................................................................................. 14
Vas Deferens Organization : Drug Bubbles ..................................................................................................................... 15
Shit And Giggles : Trick Or Treat.................................................................................................................................... 16
Ariel Pink's Haunted Graffiti : Before Today .................................................................................................................. 17
Stolearm : Glasslight Schwarzfaçade ............................................................................................................................... 19
OutKast : Southernplayalisticadillacmuzik ...................................................................................................................... 21
OutKast : ATLiens ........................................................................................................................................................... 22
Besieged : Victims Beyond All Help ............................................................................................................................... 23
Batterie:Acid : Complete Works 1993-1996.................................................................................................................... 24
Otzir Godot : In- ............................................................................................................................................................... 25
Ars Nova : Biogenesis Project.......................................................................................................................................... 26
Benümb : Withering Strands of Hope .............................................................................................................................. 28
France Sauvage : Couper Les Tchou Tchou .................................................................................................................... 29
Benümb / Pig Destroyer : Benümb / Pig Destroyer ......................................................................................................... 31
KRISIUN : AssassiNation................................................................................................................................................ 32
Alio Die & Lorenzo Montanà : Holographic Codex........................................................................................................ 33
Thought Guild : Third Voyage......................................................................................................................................... 35
Gert Blokzijl : Interaction................................................................................................................................................. 37
Klaus Hoffmann-Hoock & Bernhard Wostheinrich : Conundrum .................................................................................. 39
Blahzay Blahzay : Blah Blah Blah ................................................................................................................................... 41
The Notorious B.I.G. : Ready To Die .............................................................................................................................. 42
Esham : Suspended Animation......................................................................................................................................... 44
Accept : Objection overruled ........................................................................................................................................... 45
OFERMOD : Serpents dance ........................................................................................................................................... 46
Der Weg Einer Freiheit : Unstille..................................................................................................................................... 47
Page 180/183
COMPILATIONS - LABELS : Crusade from the North................................................................................................. 48
Ballistic Kisses : Total Access ......................................................................................................................................... 49
Vermapyre / Vehrmöedr : Vermapyre / Vehrmöedr ........................................................................................................ 50
The Godfathers (Kool G Rap x Necro) : Once Upon A Crime........................................................................................ 51
The Shallow Graves : Smoke screen for your broken dream........................................................................................... 52
France Sauvage : Live Series Vol. 6 ................................................................................................................................ 53
France Sauvage : On S'Regarde, On S'Écoute ................................................................................................................. 55
Virgin in Veil : Virgin in Veil .......................................................................................................................................... 56
RUSH : 2112 .................................................................................................................................................................... 57
SIDA : SIDA (K7)............................................................................................................................................................ 59
SOLITUDE AETURNUS : Alone ................................................................................................................................... 61
Haiku D'Etat : Haiku D'Etat ............................................................................................................................................. 62
ACEYALONE : A Book of Human Language ................................................................................................................ 63
LOWBROW : Sex. Violence. Death................................................................................................................................ 64
Double X : Ruff, Rugged & Raw ..................................................................................................................................... 66
Władysław Komendarek : Deformator ...................................................................................................... 67
Forrest Fang : Letters to the Farthest Star ........................................................................................................................ 69
Faber : Stories................................................................................................................................................................... 71
Sayer : Sounds of Atoms .................................................................................................................................................. 73
Givens & Padilla : Life Flows Water ............................................................................................................................... 75
Ultra (Kool Keith & Tim Dog) : Big Time ...................................................................................................................... 77
Tim Dog : Penicillin On Wax........................................................................................................................................... 78
Jeremiah Cymerman : Pale Horse .................................................................................................................................... 79
Esham : Tongues .............................................................................................................................................................. 80
Tech N9ne : Anghellic ..................................................................................................................................................... 81
MEGADETH : Countdown to extinction - live ............................................................................................................... 82
Army Of The Pharaohs : Ritual Of Battle........................................................................................................................ 83
Esham : Maggot Brain Theory ......................................................................................................................................... 84
Dr. Octagon : Dr. Octagonecologyst ................................................................................................................................ 85
Dr. Dooom : First Come, First Served ............................................................................................................................. 87
Esham : Boomin Words From Hell.................................................................................................................................. 89
Esham : Judgment Day (Vol. 1 - Day) ............................................................................................................................. 90
Esham : Judgment Day (Vol. 2 - Night)........................................................................................................................... 91
Dance Naked : Point of Change ....................................................................................................................................... 92
RUSH : Fly by Night........................................................................................................................................................ 93
Page 181/183
Ka : The Night's Gambit................................................................................................................................................... 95
Hassaan Mackey & Apollo Brown : Daily Bread ............................................................................................................ 96
Kool Keith : Spankmaster ................................................................................................................................................ 97
Kool Keith : Black Elvis/Lost In Space ........................................................................................................................... 98
Geometric Vision : Virtual analog tears......................................................................................................................... 100
Kool Keith : Sex Style.................................................................................................................................................... 101
Swollen Members : Bad Dreams.................................................................................................................................... 102
Saints Of Ruin : Elevatis Velum .................................................................................................................................... 103
Danger Doom : The Mouse and The Mask .................................................................................................................... 104
Fun Boy Three : Waiting................................................................................................................................................ 106
CHROMATICS : Running from the Sun ....................................................................................................................... 107
Warcloud : Nightmares That Surface From Shallow Sleep ........................................................................................... 108
The Holocaust : Blue Sky Black Death Presents : The Holocaust................................................................................. 109
Hecq : Mare Nostrum ..................................................................................................................................................... 111
Orations : Orations ......................................................................................................................................................... 112
Thomas Ankersmit : Live in Utrecht.............................................................................................................................. 113
Jus Allah : All Fates Have Changed............................................................................................................................... 114
SAGE FRANCIS : Li(f)e ............................................................................................................................................... 115
Primitive Man : Home Is Where The Hatred Is ............................................................................................................. 116
Sarah Davachi : Barons Court ........................................................................................................................................ 117
Weekend Nachos : WN .................................................................................................................................................. 118
Corrupted : Loss ............................................................................................................................................................. 119
EL-P : Cancer 4 Cure ..................................................................................................................................................... 120
La Caution : Asphalte Hurlante...................................................................................................................................... 121
La Caution : Asphalte Hurlante Ultime Edition............................................................................................................. 122
La Caution : Peines de Maures / Arc-en-Ciel pour Daltoniens...................................................................................... 123
Killah Priest : Heavy Mental .......................................................................................................................................... 125
Killah Priest : Priesthood................................................................................................................................................ 127
Killah Priest : The Offering............................................................................................................................................ 128
Killah Priest : Behind The Stained Glass ....................................................................................................................... 129
Hell Razah : Renaissance Child ..................................................................................................................................... 130
Thomas Ankersmit : Figueroa Terrace........................................................................................................................... 131
Becuzzi/Lyke Wake/Noisedelik/Sshe Retina Stimulants/ Uncodified : A poisonous black & white iridescence across 132
dangerously
Benümb : Soul of the Martyr.......................................................................................................................................... 133
Benümb : By Means of Upheaval .................................................................................................................................. 134
Page 182/183
Faith No More : Songs to make love to.......................................................................................................................... 135
Septic Tank : The Slaughter ........................................................................................................................................... 136
L'Effondras (☉) : L'Effondras ............................................................................................................................. 137
Rendez-Vous : Rendez-Vous EP.................................................................................................................................... 138
AT THE GATES : With Fear I Kiss the Burning Darkness .......................................................................................... 139
Zoroaster : Zoroaster ...................................................................................................................................................... 140
Grief : Torso ................................................................................................................................................................... 141
Grief : ...And Man Will Become the Hunted ................................................................................................................. 142
Matthew Stringer : The Second Sun............................................................................................................................... 143
Xan Alexander : Elektro-Technology ............................................................................................................................ 145
Accept : Death Row ....................................................................................................................................................... 147
Frore & Shane Morris : Blood Moon ............................................................................................................................. 148
Sequentia Legenda : Blue Dream................................................................................................................................... 150
MOONBOOTER : Still Alive ........................................................................................................................................ 152
John Williams : Jaws Soundtrack................................................................................................................................... 154
Paris : The Devil Made Me Do It ................................................................................................................................... 155
Paris : Sleeping With The Enemy .................................................................................................................................. 156
Widowmaker : Stand By for the Pain............................................................................................................................. 157
Saturnalia Temple : Aion of Drakon .............................................................................................................................. 158
KRS-One : I Got Next .................................................................................................................................................... 159
Voïvod / At the Gates : We are Connected / Language of the Dead.............................................................................. 161
BOOGIE DOWN PRODUCTIONS : Criminal Minded................................................................................................ 162
BOOGIE DOWN PRODUCTIONS : By All Means Necessary ................................................................................... 164
Run-D.M.C. : Run-D.M.C.............................................................................................................................................. 166
Rakim : The 18th Letter ................................................................................................................................................. 168
The Roots : Do You Want More?!!!??!.......................................................................................................................... 169
KILL THE VULTURES : Kill The Vultures................................................................................................................. 171
Chino XL : Here To Save You All................................................................................................................................. 172
Sensational meets Kouhei : Sensational meets Kouhei.................................................................................................. 173
Death Grips : Exmilitary ................................................................................................................................................ 174
Death Grips : The Money Store ..................................................................................................................................... 176
Dälek : Deadverse Massive Vol. 1 : Dälek Rarities 1999-2006..................................................................................... 178
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avril 2015 - Guts Of Darkness

Transcription

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