PHoTo. aRT. EDiTions.
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PHoTo. aRT. EDiTions.
PHOTO. ART. EDITIONS. Discover & order CONTEMPORARY ART. AFFORDABLE WORKS BY 160 RENOWnED INTERNATIONAL ARTISTS. gus heinze (Detail) Hiepler & bru nier | NEW works EDITORIAL ¬ Art collectors are creatures of secret, always on the search for something special, something unique. It should be of no surprise, therefore, that we are using this magazine to bring you the very best from the ateliers of the world. And, as every connoisseur should know, all LUMAS editions are unique, hand signed, and limited in number. Discover new, affordable editions with us: Let yourself be seduced by the expressive black & white photographs of New York in the 1940s from Bauhaus graduate Andreas Feininger. Or explore the city’s alleys in the footsteps of Berenice Abbott. Here in Europe, we bring the well-known magnum photographer Erich Lessing to your artistic hearts. In the area of contemporary art we present the works of Sandra Rauch, breathtaking stylistic journeys into the border area between photography and painting. The pop art works of Joe McDermott and the “abstract realism” of Gus Heinze should also be explored. Enjoy discovering and collecting. ¬ Sammler sind per se geheimnisvolle Wesen. Immer auf der Suche nach dem Besonderen, dem Einzigartigen. Und so verwundert es kaum, dass wir auch in diesem Magazin für Sie wieder das ganz Besondere aus den Ateliers dieser Welt vereinen. Wissenswert für jeden Connaisseur: natürlich wie jede LUMAS Edition einzigartig – in aller Regel handsigniert und selbstverständlich werthaltig streng limitiert. Neugierig? Entdecken Sie mit uns neue, erschwingliche Editionen: Lassen Sie sich vom Bauhaus-Absolventen Andreas Feininger in expressiven Schwarz-Weiß-Aufnahmen ins New York der 40er Jahre entführen oder ergründen Sie die Straßenschluchten auf den Spuren der bedeutenden Berenice Abbott. Blicken wir zurück auf Europa, legen wir Ihnen an dieser Stelle auch schon mal den bekannten Magnum-Fotografen Erich Lessing ans visuelle Herz. “Big Tank IV” NO. hbr33: LTD. ED. 100 sign. 116 x 154 cm | 46 x 61“ NO. hbr34: LTD. ED. 150 sign. 58 x 77 cm | 23 x 30“ 2 Objects by Moroso Im zeitgenössischen Fach konnten wir für Sie u. a. neue Arbeiten von Sandra Rauch gewinnen, eine atemberaubende Stilreise zwischen Fotografie und Malerei. Aber auch die Pop-Art-Werke von Joe McDermott oder der „Abstrakte Realismus“ von Gus Heinze sollten nicht unerwähnt bleiben. Viel Freude beim Entdecken und Sammeln. ¬ Les collectionneurs sont en soi des êtres mystérieux. Toujours à la recherche de l’insolite, de l’extraordinaire. Vous ne seriez donc pas surpris de voir que nous avons à nouveau réunit pour vous dans ce magazine le plus singulier des ateliers de ce monde. Bon à savoir pour chaque connaisseur : naturellement comme toutes les éditions LUMAS, elles sont particulières, en règle générale signées et évidemment strictement limitées. Découvrez avec nous des nouvelles éditions à prix abordable : laissez-vous captiver par les photos expressives en noir et blanc du New York des années 40 de l’artiste diplômé du Bauhaus Andreas Feininger ou sondez la profondeur des rues sur les traces de la remarquable Bérénice Abbott. Tournons notre regard sur l’Europe et nous vous recommandons ici d’ores et déjà le célèbre photographe de l’agence Magnum Erich Lessing. Dans le domaine du contemporain, nous avons pu, entre autre, obtenir pour vous des nouvelles œuvres de Sandra Rauch, un voyage de style à couper le souffle entre photographie et peinture. Mais aussi à ne pas manquer, les œuvres Pop Art de Joe McDermott ou le « réalisme abstrait » de Gus Heinze. Nous vous souhaitons de belles découvertes et plein de plaisir à collectionner ! Heike Dander & Gunnar Wagner Gallery Portfolio Directors DISCOVER LUMAS on Facebook & twitter 3 christophe jacrot | new WORKS ¬ Christophe Jacrot’s photography can uplift the spirit. The Frenchman is able to transform the most hostile, depressing weather into poetic moments of urban beauty and human depth. Whether a snow-covered New York alley, or the city of Lisbon drowning in a rain shower, his photographs avoid direct sunlight. Artificial light sources and visual atmosphere diffusers always play a key role in Jacrot’s creation of a metropolis aura. Shanghai at night, in the driving rain, so vivid in electric blue and red, could only ever be so. ¬ Christophe Jacrots Schlechtwetter-Fotografien sind wahre Stimmungsaufheller. Der Franzose vermag jedes noch so abweisende Schmuddelwetter in einen poetischen Augenblick urbaner Schönheit und menschlicher Tiefe zu verwandeln. Egal ob eine schneeverwehte New Yorker Straßenschlucht oder ein im Sprühregen versinkendes Lissabon, direktes Sonnenlicht täte seinen Fotografien gar nicht gut. Stets spielen künstliche Lichtquellen und optische Atmosphärediffuser eine wesentliche Rolle beim Aufscheinen der Jacrot’schen Metropolenaura. Ein im Dauerregen dampfendes, nächtliches Shanghai erstrahlt bei ihm so frisch und klar in elektrisch blauen und roten Lichtern, als könnte es nur so existieren. ¬ Les photographies de mauvais temps de Christophe Jacrot sont de vrais améliorateurs d’humeur. L’artiste transforme chaque intempérie en un moment poétique d’une beauté urbaine et d’une profondeur humaine. Que cela soit les rues de New York saisies par la neige ou Lisbonne sombrant sous une pluie torrentielle, un rayon de lumière n’améliorerait pas ses photos. Des sources de lumière artificielles et un diffuseur d’optique atmosphérique jouent ici un rôle essentiel dans la présence de l’aura des métropoles Jacrotbiennes. Shanghai, vaporeuse, plongée la nuit dans une pluie persistante, resplendit chez lui, au travers des lumières bleues et rouges électriques, de façon si fraîche et claire qu’elle ne pourrait exister que comme ça. “Times Square Snow Show” NO. CJA29: LTD. ED. 150 sign. 90 x 135 cm | 35 x 53“ NO. CJA30: LTD. ED. 150 sign. 50 x 75 cm | 20 x 30“ 4 5 akos major | NEW artist ¬ A seaside resort in the off-season. Grey skies and a row of raised pedal boats on a brace in the water. The atmosphere in Akos Major’s pictures is surreal. The image sets the boats at an unusual distance, as if something has taken them from the shore and dragged them out into the water. The composition captures the scenery in a formalaesthetic manner, whilst also capturing a moment in time. A long exposure time makes this exquisite conquest over the subject possible. Even a simple bridge captured in this way would extend to infinity, as if one might use it to visit eternity. ¬ Ein Badeort in der Nebensaison. Grauer Himmel und eine Reihe aufgebockter Tretboote auf einem Seesteg. Die Atmosphäre in Akos Majors Bildern mutet surreal an. Der bewusst gewählte Bildausschnitt versetzt die bunten Boote in eine eigenwillige Distanz. Als hätte sich von Seeseite ihrer etwas bemächtigt und sie weit hinaus auf das Wasser gezogen. Die Komposition erfasst die Szenerie nicht nur formal-ästhetisch, an den Motiven wird gleichzeitig die stillgestellte Zeit förmlich greifbar. Eine Langzeitbelichtung macht diese exquisite Sujeteroberung möglich. Sogar ein einfacher Steg führt auf diese Weise geradewegs ins Unendliche hinaus, als könnte man von ihm aus die Ewigkeit besichtigen. ¬ Un lieu de baignade en basse saison. Un ciel gris et une rangée de pédalos calés sur la passerelle d’un lac. Dans les photos d'Akos Major, l'atmosphère semble surréelle. Le choix conscient du cadrage place les bateaux colorés dans une distance volontaire. Comme s’ils avaient repris leur droit sur le lac et s’étaient retirés loin sur l’eau. La composition cerne la scène aussi bien de façon formelle et esthétique qu’elle rend littéralement palpable le temps figé des motifs. Un long temps d’exposition rend possible la conquête exquise de ce sujet. Même une simple passerelle conduit de cette manière directement vers l’infini, comme si l’on pouvait depuis celle-ci explorer l’éternité. “Pedalboats” No. AMJ01: LTD. ED. 100 sign. 110 x 165 cm | 43 x 65“ No. AMJ02: LTD. ED. 100 sign. 60 x 90 cm | 24 x 35“ 6 7 SANDRA RAUCH | NEW works x 108 cm | 24 x 43“ Objects by boconcept “Hong Kong diamond” No. SRA16: LTD. ED. 100 sign. 80 x 145 cm | 32 x 57“ | No. SRA17: LTD. ED. 100 sign. 60 8 9 sIbYlle prinzessin von preussen | new artist ¬ The artist Sibylle Prinzessin von Preussen combines painting with the delicate technique of paper cutting to produce playfully gentle ornamental pictures. Her animal figures are inspired by the decorative ceilings of the Sanssouci concert hall and the so-called Voltaire room. Lilies, flutists, and princess dresses complete the impressive series. ¬ In ihren spielerisch leichten Ornamentbildern verbindet die Künstlerin Sibylle Prinzessin von Preussen die filigrane Technik des Scherenschnitts mit der Malerei. Ihre Tierfiguren sind inspiriert von den Deckenornamenten “Royal flute player” No. S P P11: LTD. ED. 100 sign. 100 x 80 cm | 39 X 32“ No. S P P12: LTD. ED. 100 sign. 64 x 44 cm | 25 x 17“ 10 Torkil Gu dnason | NEW ARTIST des Konzertzimmers von Sanssouci und dem sogenannten Voltairezimmer. Lilien, Flötenknabe und Prinzessinnenkleider runden die feine Serie ab. ¬ Dans ses images d’ornement ludiques, Sibylle Prinzessin von Preussen relie la technique filigrane de l’ombre chinoise avec la peinture. Ses figures d’animaux sont inspirées des ornementations de plafond de la salle de concert de Sanssouci et de la dite chambre de Voltaire. Lys, enfants à la flûte et habits de princesse parachèvent la délicate série. “Flowers 2” No. S P P13: LTD. ED. 100 sign. 100 x 80 cm | 39 X 32“ No. S P P14: LTD. ED. 100 sign. 64 x 44 cm | 25 x 17“ “Bernadette” No. TGU01: LTD. ED. 100 sign. 120 x 94 cm | 47 x 37“ No. TGU02: LTD. ED. 100 sign. 60 x 47 cm | 24 x 19“ “Yael II” No. TGU05: LTD. ED. 100 sign. 120 x 94 cm | 47 x 37“ No. TGU06: LTD. ED. 100 sign. 60 x 47 cm | 24 x 19“ ¬ Allusions to modernity and the genre of cubist portraits are at play in the wonderfully eccentric works of the Danish fashion photographer Torkil Gudnason. Through a skilful eye, a digital cutter, and a sharp sense of asymmetrical tensions and harmonies, he dismantles traditional perspectives and composes portraits of women that are both stirringly beautiful and playfully elegant. Rarely is a copy or pastiche more beautiful or exciting than the original. rische Spannungen und Perspektiven auf und mitreißender Schönheit wirkt ein Zitat oder ein als das Original. ¬ Die Anspielung auf die Moderne und das Genre des kubistischen Porträts liegen in den wunderbar exzentrischen Arbeiten des dänischen Modefotografen Torkil Gudnason offen zutage. Mit gekonntem Auge, digitalem Cutter und einem feinen Gespür für asymmet- Harmonien löst er herkömmliche komponiert Frauenporträts voll und spielerischer Eleganz. Selten Pastiche schöner und aufregender ¬ L’allusion à l’époque moderne et au genre du portrait cubiste apparaît ouvertement dans le formidable travail excentrique du photographe de mode danois Torkil Gudnason. Avec un œil habile, un cutter digital et un sens affiné pour les tensions et les harmonies asymétriques, il dissout les perspectives habituelles et compose des portraits de femmes d’une beauté éclatante et d’une élégance joueuse. Rare est une citation ou un pastiche qui soit plus beau et plus excitant que l’original. 11 Erich lessing | NEW master ¬ The wonder of photography is to continually fill the past with a new presence. Each moment is a part of our history and identity. Few are able to translate the importance of historic moments into visual images as Erich Lessing was. This can be seen in his picture from 1951, showing Konrad Adenauer with François-Poncet in front of the Eiffel Tower. Together, they are leaving the past behind and striding towards the future. Lessing considered himself to be a documentarian, not a story-teller. It is therefore of little surprise that, from the 1960s onwards, he focused on images that were culturally inspired and of world historical importance, such as the Hagia Sophia in Istanbul and the Roman Forum in Rome. Even as a colour photographer he remained true to his vibrant artistic style. de 1951 avec Konrad Adenauer et François-Poncet devant la tour Eiffel. Ensemble, ils laissent le passé derrière eux et confluent vers le futur. Lessing s’est toujours compris comme documentariste et non comme raconteur d’histoires. Dans cette mesure, ce n’est pas un hasard s’il s’est laissé inspirer à partir des années 60 par des motifs de plus en plus culturels et de signification historique comme la Hagia Sophia à Istanbul et le Forum Romanum à Rome. En tant que photographe, il est resté fidèle à son style animé. ¬ Es ist das Wunder der Fotografie, Vergangenheit stets mit neuer Präsenz zu füllen. Ihre Augenblicksmomente sind Teil unserer Geschichte und unserer Identität. Wie kaum ein anderer seiner Zeit verstand es der Fotoreporter Erich Lessing, bedeutsame historische Augenblicke in visuelle Botschaften zu übersetzen. Seine schonungslos direkten Bilder des Ungarn-Aufstandes von 1956 machten ihn als Fotoreporter weltberühmt. Auch als politischer Porträtist verschaffte er sich einen Namen. So auch in dem Bild von 1951, das den deutschen Bundeskanzler Konrad Adenauer mit François-Poncet vor dem Eiffelturm zeigt. Man sieht beide bewusst von hinten. Sie streben gemeinsam auf das Wahrzeichen der Moderne zu und lassen die durch den Krieg belastete Vergangenheit hinter sich. Lessing verstand sich stets als Dokumentarist, nicht als Geschichtenerzähler. Insofern verwundert es nicht, dass er sich ab den 60er-Jahren zunehmend kulturell inspirierten und welthistorisch bedeutenden Motiven zuwandte wie der Hagia Sophia in Istanbul und dem Forum Romanum in Rom. Seinem lebendigen Bildstil blieb er auch als Farbfotograf treu. “Hagia Sophia, Istanbul” NO. ELS03: Ltd. Ed. 100 sign. 140 x 111 cm | 55 X 44“ | No. ELS04: Ltd. Ed. 100 sign. 70 x 55 cm | 28 x 22“ 12 ¬ C’est le miracle de la photographie : remplir le passé d’une nouvelle présence. Ses moments fugitifs font partie de notre histoire et de notre identité. Comme peu d’autres de son temps, le reporter photo Erich Lessing a compris comment traduire des moments historiques importants en messages visuels. Ainsi le montre la photo “Konrad Adenauer und André François-Poncet, Paris” No. ELS09: LTD. ED. 100 sign. 64 x 44 cm | 25 x 17“ No. ELS10: open EDition 24 x 17 cm | 9 x 7“ 13 Limited Editions | Hand Signed Originals The appeal of originals ¬ At what point does one begin to talk of originals in art? In the art market, only the handwritten signature of the artist is relevant to creating an original. In photography, a medium in which the final technical stage allows for any number of “originals,” limited printing takes on an important meaning. According to expert-opinion, editions should not exceed 100 prints for large works or 200 for smaller formats. This insignia of quality can be found in limited LUMAS Editions: dated, numbered, and personally signed by the artist – or, in the case of deceased artists, by an authorized stamp of the estate. The story of LUMAS is also the story of valueretaining originals, which, as auctions have shown, can experience a significant increase in value once sold-out. You are also purchasing art of the best provenance: from the greatest editor of affordable originals. ¬ Ab wann spricht man in der Kunst eigentlich von einem Original? Erst die handschriftliche Signatur des Künstlers erhebt das Werk im Kunstmarkt zum relevanten Original. In der Fotografie, einem Medium, das technisch die Anfertigung einer beliebigen Anzahl von „Originalen“ zulässt, ist zudem eine Limitierung der Auflage von großer Bedeutung. Die Auflage sollte nach gängiger Expertenmeinung 100 Exemplare bei großen Werken und 200 bei kleineren Formaten keinesfalls übersteigen. Diese Qualitätsinsignien finden Sie bei limitierten LUMAS Editionen: datiert, nummeriert und vom Künstler persönlich handsigniert – bei verstorbenen Künstlern zumeist versehen mit einem autorisierten Nachlassstempel. Die Geschichte von LUMAS ist eben auch die Geschichte von besonders werthaltigen Originalen, die – wie Auktionsergebnisse zeigen – einmal ausverkauft, eine signifikante Wertsteigerung erfahren können. Zudem kaufen Sie Kunst von bester Provenienz: vom größten Editeur erschwinglicher und signierter Originale. ¬ A partir de quel moment parle-t-on d’original dans l’art ? Seule la signature manuscrite de l’artiste élève l’œuvre au rang d’original sur le marché de l’art. Dans la photographie, un média qui autorise techniquement un nombre aléatoire « d’originaux », la limitation des tirages est d’une grande importance. Les grandes œuvres, selon les experts, ne devraient en aucun cas dépasser les 100 exemplaires, 200 pour les formats plus petits. Dans les éditions limitées de LUMAS, vous retrouverez ces critères de qualité : datées, numérotées et signées personnellement par les artistes – les œuvres d’artistes défunts sont, elles, certifiées par un tampon officiel d’héritage. L’histoire de LUMAS est également l’histoire d’originaux de grandes valeurs qui, comme les ventes aux enchères le prouvent, peuvent voir leur valeur augmenter considérablement une fois tous les exemplaires vendus. De surcroît, vous achetez de l’art de meilleure provenance: des originaux abordables et signés de chez le meilleur éditeur. + 884% Current auction results: 147% Smallest increase in value 331% Average value 884% At the peak Check the “About Us” section of our website for details on all results. object by BOCONCEPT 14 15 werner pawlok | NEW artist ¬ Werner Pawlok’s colourful series Cuba Expired is by no means a glorification of the downfall of the former sugar aristocracy. Rather than being a hymn to the good old days, his shots are a respectful acknowledgement of the morbid charm of the present. These old buildings, with their deteriorating facades and worn interiors have long since taken fate into their own hands. The artist pays tribute to them, and other street scenes, with a powerful, almost intoxicating palette of colours, seemingly mixed together with Caribbean magic. ¬ Die farbintensive Cuba Expired Serie von Werner Pawlok beschönigt keineswegs den Untergang der einstigen Zuckeraristokratie. Seine Aufnahmen sind keine Hymne auf die gute alte Zeit, sondern eine respektvolle fotografische Verbeugung vor dem morbiden Charme der Gegenwart. Diese alten Villendiven mit ihrem blättrig dahinwelkenden Wandschmuck und über die Zeit gebrachten Innendekoren haben ihr Schicksal längst in die eigene Hand genommen. Der Künstler huldigt ihnen und einigen weiteren Straßenszenen mit einer kräftigen und beinahe schon betörenden Farbpalette, der ein karibisches Wundermittel beigemengt zu sein scheint. ¬ La série aux couleurs intensives Cuba Expired de Werner Pawlok n'embellie pas le déclin de l'ancienne aristocratie du sucre. Ses photographies ne sont en aucun cas un hymne au bon vieux temps mais plutôt une révérence photographique respectueuse au charme morbide du présent. Ces vieilles villas de diva avec leurs décorations murales écaillées et leurs décors intérieurs démodés ont depuis longtemps pris leur destiné en main. L'artiste leurs rend hommage comme aussi à certaines scènes de rue dont la palette de couleurs intesives, presque ensorcelantes, semble avoir été incorporée comme un remède miracle des caraïbes. “House of Luisa Faxas – HavaNa” No. WPA03: LTD. ED. 150 sign. 110 x 154 CM | 43 x 61“ No. WPA04: LTD. ED. 150 sign. 54 x 74 CM | 21 x 29“ 16 17 matthias heidErich | NEW ARTIST Danae Falliers | NEW artist ¬ Danae Falliers’ landscapes are sensual journeys to the edges of objective cognition. Our subjective perception reveals what is hidden to the eye; qualities such as duration, mood, and intensity. These landscapes are not to be measured geographically, but to be appreciated for their hidden nuances and fleeting forms of transition. ¬ Danae Falliers’ Landschaften sind sinnliche Expeditionen ins Grenzgebiet der objektiven Wahrnehmung. Erst unser subjektives Empfinden offenbart, was dem Auge verborgen ist: Dauer, Stimmung, Intensität. Es kommt dabei nicht so sehr darauf an, diese amerika- nischen Landschaften geografisch zu vermessen, als vielmehr darauf ihre verborgenen Nuancen und flüchtigen Formen des Übergangs zu erkennen. ¬ Les paysages de Danae Falliers offrent une expédition sensuelle dans la zone frontalière de la perception objective. C’est le ressenti subjectif qui dévoile aux yeux ce qui leurs est d’abord caché : temps, atmosphère, intensité. Et ceci ne dépend pas vraiment de la mesure géographique de ce paysage américain, mais plutôt du discernement de ses nuances cachées et de ses formes passagères de transition. “untitled I” No. mhd01: LTD. ED. 100 sign. (4x) 55 x 55 cm | (4x) 22 x 22“ Objects by BOCONCEPT 18 “Wildflower I” No. dfa11: LTD. ED. 100 sign. 120 x 160 cm | 47 x 63“ | No. dfa12: LTD. ED. 100 sign. 60 x 80 cm | 24 x 32“ 19 edward steichen | master andreas feininger | master ¬ Edward Steichen’s œuvre is one of the most remarkable achievements in black and white artistic photography in the early 20th century. During the ‘20s and ‘30s he was among the most important studio photographers in New York, setting the benchmark for celebrity and fashion photography. He revolutionised the language of photography in magazines such as Vogue and Vanity Fair. Gloria Swanson was transformed by Steichen into a dazzling dream of Hollywood’s silver silk. He portrayed himself, by contrast, in relaxed poses with his box camera. fotografie Maßstäbe. Er revolutionierte die Bildsprache in Magazinen wie Vogue und Vanity Fair. Filmdiva Gloria Swanson verwandelte er in einen betörenden Traum aus seidenem Hollywood-Silber. Sich selbst porträtierte er in lässiger Pose zusammen mit seiner Plattenkamera. “Self Portrait” No. EST22: LTD. ED. 100 + 32 A.p. sign. 32.9 x 26.8 cm | 13 x 11“ “Gloria Swanson” No. EST52: LTD. ED. 100 + 32 A.p. sign. 33.2 x 26.3 cm | 13 x 10“ ©Andreas Feininger Archive, c/o Zeppelin Museum Friedrichshafen ¬ Edward Steichens Œuvre zählt zu den herausragenden Momenten der künstlerischen Schwarz-WeißFotografie des frühen 20. Jahrhunderts. In den 20er- und 30er-Jahren zählte er zu den bedeutendsten Studiofotografen in New York und setzte in der Celebrity- und Mode- ¬ L’œuvre d’Edward Steichen compte parmi les incroyables réalisations de la photographie noir et blanc du début du XXème siècle. Dans les années 20 et 30, il fut l’un des photographes studio les plus significatifs de New York et imposa dans la photographie de mode de nouveaux critères. Il révolutionna le langage visuel des magazines comme Vogue et Vanity Fair. Il métamorphosa la diva Gloria Swanson dans un rêve envoûtant argenté hollywoodien. Lui-même s’est photographié en pose nonchalante avec son appareil photo. “Hudson River waterfront, New York” No. afi07: LTD. ED. 100 archive stamp 64 x 52 cm | 25 x 20“ | No. afi08: open edition archive stamp 34 x 28 cm | 13 x 11“ 20 21 STEPHEN HALEY | NEW WORKS ¬ The Australian artist Stephen Haley describes his urban image compositions as virtual photography. They comprise sketch renderings that demonstrate the principles of perspective we have applied since the Renaissance. What particularly impresses in the careful arrangement of these symmetrical building compositions is the overwhelming global intimacy that emerges from the depths of each structure. Each of these visionary architectural works is also a sensual mental image. The artist has constructed a visual bridge from the Renaissance to the digital future, via the present. Reflections play a key role in Haley’s work. Glass is used as a central metaphor for human relationships. What connects us? What separates us? Haley’s images 22 explore these question in an aesthetic, exciting way. ¬ Der australische Künstler Stephen Haley bezeichnet seine urbanen Bildkompositionen als virtuelle Fotografien. Sie entstehen als Renderings, deren Perspektivprinzipien seit der Renaissance gelten. Was an den wohldurchdachten Raumwelten dieser verspiegelten Gebäudekompositionen besonders erstaunt, ist der Rausch der globalen Intimität, der aus dem Tiefenraum jeder künstlichen Wohnwabe hervorgeht. Jede dieser Visionsarchitekturen ist zugleich ein sinnliches Denkbild. Der Künstler schlägt eine visuelle Brücke von der Renaissance über die Gegenwart in die digitale Zukunft. Spiegelungen spielen eine große Rolle in Haleys Gedankenkosmos. Glas wird zur Zentralmetapher des menschlichen Zusammenhangs. Was verbindet uns? Was unterscheidet uns? Fragen, die von Haleys Bildern ästhetisch und spannungsreich diskutiert werden. ¬ L’artiste australien Stephen Haley qualifie ses compositions urbaines de photographies virtuelles. Elles sont créées comme des rendus 3D dont les principes de perspective valent depuis la Renaissance. Ce qui surprend dans les espaces de ces compositions miroitantes d’immeubles est le murmure d’intimité globale qui résulte de la profondeur d’espace de ces habitations artificielles. Chacune de ces visions d’architecture est aussi une représen- tation sensuelle. L’artiste tend un pont visuel depuis la Renaissance en passant par le présent jusqu’à un futur digital. Les reflets jouent un rôle important dans son univers. Le verre apparaît comme une métaphore des rapports humains. Qu’est-ce qui nous lie ? Qu’est-ce qui nous différencie ? Ces questions sont celles émises par le travail esthétique et plein de tension de Haley. “Intra-space I” No. SHA10: LTD. ED. 100 sign. 64 x 180 cm | 25 x 71“ No. SHA11: LTD. ED. 100 sign. 35 x 100 cm | 14 x 39“ No. SHA12: LTD. ED. 50 sign. 92 x 260 cm | 36 x 102“ 23 larry yust | NEW works “Boardwalk” NO. LYU183: lTD. ed. 100 sign. 33 x 180 cm | 13 x 71“ No. LYU184: lTD. ed. 150 sign. 18 x 100 cm | 7 x 39“ “MacDougal St” No. LYU193: ltd. ed. 100 sign. 23 x 180 cm | 9 x 71“ No. LYU194: lTD. ed. 150 sign. 13 x 100 cm | 5 x 39“ 24 Objects by MOROSO 25 gus heinze | NEW artist pep ventosa | portfolio ¬ The Parc de La Ciutadella is an oasis of calm in the centre of bustling Barcelona. It is also home to the magnificent tree that is the subject of Pep Ventosa’s photograph. He created the image using his distinctive photographic style: As if beating a drum, Ventosa circled around and combined multiple shots into a single, vibrating image. This rhythmic composition transforms the tree into a vibrant tribute to the artist’s hometown. ¬ Inmitten von Barcelona liegt ein Ort der Ruhe: der Parc de La Ciutadella. Dort findet sich dieser prächtige Baum, den Pep Ventosa in seiner unnachahmlichen Art des “Show Cadillac” No. GHE01: LTD. ED. 100 sign. 90 x 100 cm | 35 x 39“ No. GHE02: LTD. ED. 100 sign. 50 x 55 cm | 20 x 22“ “875” No. GHE07: LTD. ED. 100 sign. 90 x 100 cm | 35 x 39“ No. GHE08: LTD. ED. 100 sign. 50 x 55 cm | 20 x 22“ ¬ At the beginning of the 1970s the New Yorker Gus Heinze developed a photographic style that stood apart from pure photo-realistic techniques. Whilst his images appeared almost imprisoned by the American way of life, he deliberately broke away from traditional photographic formulae by manipulating the colour and perspective of image components. He termed this reworking of reality “abstract realism”. Shop windows and facades became figurative compositions of reflective glass, colourful reflections, and amorphous, twisted steel girders. The sober details of everyday life were loaded with expressive mood. lationen manipulierte. Für diese abstrakte Überzeichnung des Realen schuf er den Begriff des „Abstrakten Realismus“. So verwandeln sich seine Schaufenster- und Fassadenbilder in freie gegenständliche Kompositionen aus spiegelndem Glas, farbigen Lichtreflexen und amorph verzerrten Stahlträgern. Er wählt den Bildausschnitt so, dass jedes noch so nüchterne Detail der Gegenstandswelt mit expressiver Stimmung aufgeladen wird. ¬ Anfang der 70er-Jahre entwickelte der in Bremen geborene und in New York lebende Gus Heinze einen signifikanten Bildstil, der von Pop- und Minimal Art inspiriert war und auf den der Begriff der fotorealistischen Malweise schon nicht mehr zutrifft. Auf der einen Seite waren seine Motive durchaus dem amerikanischen Way of Life verhaftet. Auf der anderen Seite durchbrach er jedoch das fotografische Vorbild bewusst, indem er Bildpartien mit ausgesuchten Farb- oder Perspektivmodu26 ¬ Au début des années 70, l’artiste new yorkais Gus Heinze dévelopa un style qui alla bien au-delà d’une pure peinture photo réaliste. D’un côté, ses motifs s’inséraient dans la tradition du Way of Life américain. De l’autre côté, il rompit avec la référence photographique en manipulant l’image avec une sélection différente de couleur et de perspective. Pour ce surpassement abstrait du réel, il créa le concept de « Réalisme abstrait ». Ainsi ses images de devantures et de façades se transforment en composition figurative et libre de verre miroitant, de reflets colorés et de supports métalliques déformés. Chaque détail inchangé du monde des objets est ici chargé d’une expression intense. fotografischen Trommelschlags mehrfach umrundet und unzählige Male ins Fotopapier tremoliert hat. Rhythmisch komponiert, verwandelt er sich in eine vibrierende Reverenz an Ventosas Heimatstadt. ¬ Au milieu de Barcelone repose un lieu de calme: le parc de la Ciutadella. Là se trouve cet arbre somptueux que Pep Ventosa a contourné plusieurs fois dans sa manière inimitable de coups de tambour photographiques et a reproduit sur papier photo un nombre de fois incalculables. Composé de façon rythmique, il se transforme en une référence vibrante à la ville natale de Ventosa. “Parc de la Ciutadella Four” No. PVE67: LTD. ED. 100 sign. 105 x 140 cm | 41 X 55“ | No. PVE68: LTD. ED. 100 sign. 52.5 x 70 cm | 21 x 28“ 27 sabine wild | NEW WORKS ¬ Under the title Flower Head, the viewer encounters a beguiling Black Antoinette in Olaf Hajek’s new images. For good reason, the naorm of Baroque allegory is clea ¬ Under the title Flower Head, the viewer encounters a beguiling Black Antoinette in Olaf Hajek’s new images. For good reason, the name recalls the French queen known for her pompous lifestyle. Little stories are interwoven in the ornamental bloom, which appear as a playful subtext to the subject of the portrait through their rich details. The reference to the form of Baroque allegory is c as a playful subtext to the subject of the portrait through their rich details. The reference to the form of Baroque allegory is clea ¬ Under the title Flower Head, the viewer encounters a beguiling Black Antoinette in Olaf Hajek’s new images. For good reason, the name recalls the French queen known for her pompous lifestyle. Little stories are interwoven in the ornamental bloom, which appear as a playful subtext to the subject of the portrait thk Antoinette in Olaf Hajek’s new images. For good reason, the name recalls the French queen known for her pom1pous lifestyle. Little stories are interwoven in the ornamental bloom, which appear as a playful subtext to the subject of the portrait thk Antoinette in Olaf Hajek’s new images. For good reason, the name recalls the French queen known for her pompous lifestyle. Little stories are interwoven in the ornamental bloom, which appear as a playful subtext to the subject of the portrait thpous lifestyle. Little stories are interwoven in the ornamental bloom, which appear as a playful subtext to the subject of the portrait thk Antoinette in Olaf Hajek’s new images. For good reason, the name recalls the French queen known for her pompous lifestyle. Little stories are interwoven in the ornamental bloom, which appear as a playful subtext to the subject of the portrait th ¬ Unlike the proverbial forest, Sabine Wild never rests, continually developing her style. That doesn’t mean a return to her roots is impossible, however. Her new forest pictures are freshly coiled and developed using solarisation. 28 ¬ Anders als der sprichwörtliche Wald ruht Sabine Wild nie, sie entwickelt ihren Stil permanent fort. Das schließt eine Rückkehr zu den Ursprüngen nicht aus. Ihre neuen Waldbilder sind frisch aufgeschossen und in Solarisation veredelt. ¬ A la différence de la proverbiale forêt, Sabine Wild ne se repose jamais et développe son style de façon permanente. Cela n’exclut pas un retour aux sources. Ses nouvelles images de forêt sont fraîchement jaillissantes et épurées en solarisation. “wood_0925” No. swi137: LTD. ED. 100 sign. 90 x 180 cm | 35 x 71“ No. swi138: LTD. ED. 100 sign. 45 x 90 cm | 18 x 39“ 29 su n you ng byu n | new workS peter mathis | NEW workS ¬ The Voralberger Peter Mathis is known for his breathtaking pictures of powder snow scarred by rolling snowboard tracks. Though he has now changed his motif, he remains true to his photographic style. Mathis’s Icelandic mountain shots feel almost like water-colour landscapes. Their unusual colour, careful composition, and extreme depth leave the viewer with little doubt that they are looking at flawless landscape photography. ¬ Von dem Voralberger Peter Mathis kennen wir fulminante Tiefschneebilder, verziert von geschwungenen Snowboardspuren. Nun hat er das Motiv gewechselt, ohne seinem Stil untreu zu werden. Seine isländischen Berglandschaften mu- ten wie Aquarell-Landschaften an. Doch die ungewöhnliche Farbgebung und der sorgsam gewählte Bildausschnitt und vor allem die extreme Tiefenschärfe lassen keinen Zweifel zu, diese Bilder sind lupenreine Landschaftsfotografie. ¬ On connaît, du Voralberger Peter Mathis, des photos fulminantes de neige immaculée ornée de méandres tracés par un snowboard. Désormais il a changé de motif sans vraiment être infidèle à la photographie. Ses paysages de montagne islandais suggèrent des paysages d’aquarelle. Pourtant la coloration inhabituelle, le cadrage précis et surtout l’extrême profondeur de champ ne laissent pas de doute : ces images sont de pures photographies de paysage. “Lost Identity of value II” No. SYB03: LTD. ED. 100 sign. 84 x 84 cm | 33 x 33“ No. SYB07: LTD. ED. 100 sign. 44 x 44 cm | 17 x 17“ 30 “Iceland III” No. PMA27: LTD. ED. 100 sign. 120 x 160 cm | 47 x 63“ | No. PMA28: LTD. ED. 100 sign. 90 x 120 cm | 35 x 47“ 31 KAI STUHT & miles cockfield NEW work ¬ Kai Stuht is a master of the sublime. While the fashion photographer exalts baroque opulence and viscose elegance, he juxtaposes this with the charm of the ailing to prevent any impression of pompousness solemnity. Luxurious cotton curtains are draped symmetrically in front of bare, industrial walls. Amongst them, razor thin models pose like antique goddesses and dreamy princesses. The set concept was created with the assistance of Miles Cockfield, who has previously worked with the likes of Michel Comte and Sarah Moon. It offers the perfect backdrop for a new production, rich in allusion, of mythical and art-historical figures. ¬ Kai Stuht ist ein Meister des Sublimen. Auf der einen Seite verzückt der Modefotograf mit barocker Fülle und viskoser Eleganz, auf der anderen kontert er jeden Anflug von gespreizter Feierlichkeit mit dem Charme des Maroden. Edle Stoffvorhänge legen sich symmetrisch geschwungen vor schmucklose Industriewände. Dazwischen werfen sich hauchdünne Models wie antike Göttinnen und verträumte Prinzesinnen in Pose. Das Set-Konzept, an dem Creative Direktor Miles Cockfield mitgewirkt hat, der schon mit Michel Comte und Sarah Moon zusammen gearbeitet hat, bietet dabei eine perfekte Kulisse für eine anspielungsreiche Neuinszenierung mythischer und kunstgeschichtlicher Vorbilder. ¬ Kai Stuht est un maître du sublime. D’un côté, le photographe de mode émerveille avec une abondance baroque et une élégance visqueuse, de l’autre il contre chaque soupçon de festivité exagérée avec un charme du délabrement. Des rideaux de tissu raffinés pendent dans leurs volutes symétriques devant un mur industriel dépouillé. Entre les deux se bousculent de minces mannequins comme des déesses antiques et des princesses rêveuses prenant la pose. Le concept du décor auquel le directeur artistique Miles Cockfield, qui a déjà travaillé avec Michel Comte et Sarah Moon, a collaboré, offre une toile de fond parfaite pour une nouvelle mise en scène remplie d’allusions à des références mythologiques et de l’histoire de l’art. “AnaÏs” No. KSO01: LTD. ED. 100 sign. 120 x 180 cm | 47 x 71“ No. KSO02: LTD. ED. 100 sign. 80 x 120 cm | 32 x 47“ 32 33 douglas busch | new workS anna halm schu del | new workS ¬ To view the works of Anna Halm Schudel is to lose oneself in the vastness of the internet. Each of her icon mosaics has been created using hundreds of smaller pictures from the World Wide Web. Together, they form an image that seems familiar to us. If we come close to Marilyn Monroe, however, she dissolves in front of our eyes. And yet, she is still there: in our memory, in our mind, in our never-ending, insatiable search for intimacy and reality. wir Marilyn Monroe kommen, desto mehr löst sie sich vor uns auf. Und doch existiert sie: in unserer Erinnerung, in unserer Vorstellung, in unserer nie zu Ende gehenden, unstillbaren Sehnsucht nach Nähe und Wirklichkeit. ¬ Anna Halm Schudels Werke zu betrachten bedeutet, sich in der Weite des Internets zu verlieren. Jedes ihrer Ikonenmosaike besteht aus unzähligen kleinen Bildern des World Wide Web. Zusammen ergeben sie ein Bild, das uns Betrachtern allzu bekannt erscheint. Je näher ¬ Regarder le travail d’Anna Halm Schudel signifie se perdre dans l’étendue d’internet. Chacune de ses mosaïques d’icône est constituée d’un nombre incalculable de petites images provenant du World Wide Web. Ensemble, elles composent une image qui nous semble, à nous spectateur, être connue. Plus on se rapproche de Marilyn Monroe, plus elle semble se dissoudre devant nous. Et pourtant elle existe : dans notre mémoire, dans notre imagination, dans notre désir insatiable de proximité et de réalité. “Dreaming Beauty” No. AHS59: LTD. ED. 100 sign. 150 x 113 cm | 59 x 44“ No. AHS60: LTD. ED. 200 sign. 90 x 68 cm | 35 x 27“ “Marilyn Monroe” No. AHS61: LTD. ED. 100 sign. 150 x 113 cm | 59 x 44“ No. AHS62: LTD. ED. 200 sign. 90 x 68 cm | 35 x 27“ “Wave 1248” | “Wave 0821” | “Wave 300575” No. DBS36 | DBS38 | DBS42: LTD. ED. 75 sign. 120 x 120 cm | 47 X 47“ No. dbs37 | DBS39 | DBS43: LTD. ED. 100 sign. 60 x 60 cm | 24 x 24“ Objects by More 34 35 marc brandenbu rg | master olivier föllmi | NEW workS ¬ Olivier Föllmi’s travel and nature photography captures the tenderness of life in moments of calm. Free from manipulation of any form, his images seem to echo the rhythm of nature, swaying gently with the blow of the wind and the flow of the current. His new picture is called Keiko. The cherry blossom plays an important role in Japanese tradition. Its fleeting beauty is much admired, representing both hope and renewal. ¬ Olivier Föllmis humanistische Reise- und Naturaufnahmen erfassen die Zartheit des Lebens in einem Augenblick der Beiläufigkeit. Sie sind frei von jeglicher Effekthascherei. Es ist, als passten sie sich dem Rhythmus der Natur an und wiegen sanft mit im freien Spiel der “o.T. I” | “o.T. II” No. mba01: LTD. ED. 250 sign. Ø 33 cm | Ø 13“ No. mba02: LTD. ED. 250 sign. Ø 33 cm | Ø 13“ 36 Objects by Boconcept Winde und Ströme. Keiko heißt sein neues Bild. Die Kirschblüte in Japan spielt eine große Rolle in der Tradition. Ihre flüchtige Schönheit wird sehr verehrt. Sie steht für Erneuerung und Zuversicht. ¬ Les photos humanistes de voyage et de nature d’Olivier Föllmis saisissent la délicatesse de la vie dans l’éphémère du moment. Elles sont libres de tout effet. C’est comme si elles s’adaptaient au rythme de la nature, suivant doucement le mouvement du vent et des courants. Son nouveau travail s’intitule Keiko. La fleuraison des cerisiers au Japon joue un grand rôle dans la tradition. Sa beauté passagère est très admirée. Elle symbolise la nouveauté et l’optimisme. “Keiko” No. OFO37: LTD. ED. 100 sign. 110 x 165 cm | 43 X 65“ | No. OFO38: LTD. ED. 100 sign. 60 x 90 cm | 24 x 35“ 37 BMW Edition NEW collection ¬ Classic cars with the aura and presence of works of art: The unique BMW Mille Miglia Coupé, the playful BMW Isetta, the dynamic BMW M1, and a jet-black BMW 326. LUMAS has teamed up with BMW Group for a one-off project rolling out the fascinating history of some of the Bavarian Motor Works’ most impressive and exciting models; an exclusive series of ten cars, each a landmark in the history of contemporary automobile design. The models have been lovingly preserved in halls and exhibition rooms and all are in full working order. They have been brilliantly shot by Erik Chmil, an accomplished connoisseur and dynamic visionary in the field of automobile photography. He has captured their shape, beauty, and character from two distinctive perspectives, and three works providing specific details and completing the portraits. Each model is a reflection of its time. Passion, temperament, and the spirit of the moment have been translated into form, colour, and technical attributes. Experience how the distinctive design elements associated with this world famous car manufacturer change over the years. Though each model can stand alone, distinctive from the rest, they are all a part of the same family. Witness dreams becoming reality as the past accelerates towards the future. ¬ Klassiker mit einer Aura und Präsenz wie Kunstwerke: das einzigartige BMW 328 Mille Miglia Coupé, die sympathische BMW Isetta, der besonders dynamische BMW M1, ein tiefschwarzer BMW 326. In einer einmaligen Kooperation mit der BMW Group rollen wir die faszinierende Geschichte einiger der schönsten und aufregendsten Modelle der Bayerischen Motoren Werke auf und präsentieren eine exklusive Serie von zehn Sternstunden des zeitgenössischen Automobildesigns. Jedes dieser fahrbereiten und in wohltemperierten Hallen und Ausstellungsräumen gepflegten Modelle erscheint in einem kunstvollen Licht, glanzvoll erfasst von Erik Chmil, einem versierten Connaisseur und dynamischen Visionär der Automobilfotografie. Form, Schönheit und Wesen der Wagen kommen Objects by BOCONCEPT 38 “BMW 507 DETAIL II” | “BMW 507 DETAIL III” | “BMW 507 DETAIL I” No. BMW43 | 45 | 41: LTD. ED. 500 STAMPED & SIGN. 80 x 80 cm | 32 x 32“ No. BMW44 | 46 | 42: OPEN EDITION STAMPED 50 x 50 cm | 20 x 20“ 39 in zwei prägnanten Ansichten zur Geltung. Je drei Werke mit spezifischen Details runden die Porträts ab. Jedes Modell ist ein Spiegel seiner Zeit. Leidenschaft, Temperament und Zeitgeist drücken sich in Form, Farbe und technischen Attributen aus. Aufregend darüber hinaus, die Metamorphose der signifikanten Erkennungsmerkmale des weltberühmten Automobilherstellers durch die Zeit mitzuverfolgen. Jedes Modell steht für sich, keines gleicht dem anderen und ist doch Teil der Familie. Eine Serie, die den Traum mobilisiert und die Vergangenheit beschleunigt. ¬ Un classique avec l’aura et la présence d’une œuvre d’art : l’extraordinaire BMW 328 Mille Miglia Coupé, la sympathique BMW Isetta, la très dynamique BMW M1, ou une BMW 326 noire foncée. Dans cette coopération exceptionnelle avec le groupe BMW, nous déroulons l’histoire fascinante de quelques uns des plus beaux et des plus excitants modèles du constructeur automobile de Bavière et présentons une série exclusive de dix momentsclés du design d’automobile contemporain. Chacun de ces modèles étincelants et prêts à être conduit, placés dans des halles et des espaces d’exposition bien tempérés, apparait dans une lumière précisément ajustée, brillamment saisi par Erik Chmil, un connaisseur avisé et un visionnaire actif de la photographie d’automobile. La forme, la beauté et l’essence de chaque voiture sont mises en valeur de façon remarquable. Chaque modèle est un miroir de son temps. Passion, tempérament et esprit du temps s’exprime dans la forme, la couleur et les attributs techniques. Ce qui est excitant au delà de ça est de pouvoir suivre à travers le temps la métamorphose des caractéristiques de reconnaissance du constructeur automobile mondialement connu. Chaque modèle a sa propre identité, aucun ne ressemble à l’autre et pourtant il appartient à cette famille. Une série qui active le rêve et accélère le présent. h. g. esch | portfolio “Hong Kong 24” No. hes52: LTD. ED. 100 sign. 120 x 150 cm | 47 X 59“ | No. hes53: LTD. ED. 100 sign. 80 x 100 cm | 32 x 39“ ¬ Hong Kong by night: Lights, towers, the river, and vastness. If it wants, the eye can always find a way down to the river. Our attention either races off into the distance, or comes to rest on light walls in the foreground. H. G. Esch’s photographs of global cities create fascinating ensembles that interweave architecture and human spaces. “BMW 507 SIDE” No. BMW03: LTD. ED. 500 STAMPED & SIGN. 80 x 120 cm | 32 X 47“ | No. BMW04: OPEN EDITION STAMPED 50 x 75 cm | 20 x 30“ 40 ¬ Hongkong bei Nacht: Lichter, Türme, Fluss und Weite. Wenn es das Auge will, findet es einen Weg hinunter zum Fluss. Der Blick zoomt in die Ferne oder verharrt auf den Lichtwänden des Vordergrunds. In H. G. Eschs Metropolenfotografien bilden Architektur und menschlich durchwirkter Raum stets ein faszinierendes Ensemble. ¬ Hong Kong la nuit : lumières, tours, fleuve et étendue. Si l’œil le veut, il trouve un chemin jusqu’au fleuve. Le regard zoom dans le lointain ou reste accroché aux murs de lumière du premier plan. Dans les photographies de métropole de H. G. Esch, l’architecture et les espaces entrelacés d’hommes forment toujours un ensemble fascinant. 41 JOE MCDERMOTT | new artist ¬ Among the many influences of Joe McDermott is pop artist Roy Lichtenstein, whose comic-style screen prints are quoted by the talented illustrator from Philadelphia. Unlike in the time of the old master, however, McDermott no longer generates his images on a computer using digital colours and binary brushes. Instead, he places two individual pictures from a mini-strip together in a large format. This produces strong body shapes and signs, which create multiple layers of meaning. ¬ Zu den großen Vorbildern von Joe McDermott gehört der Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein, dessen Comic-Rasterdruck-Look der begabte Illustrator aus Philadelphia zitiert. Doch anders als seinerzeit der Altmeister generiert McDermott Annika FEUSS | NEW ARTIST seine Bilder nunmehr am Computer mit digitaler Farbe und binärem Pinsel. Er setzt zwei Einzelbilder zu einem Ministrip im großen Format zusammen. Starke Körpergesten und -zeichen generieren dabei ein Maximum an Bedeutungsvielfalt. ¬ Parmi les modèles de Joe McDermott apparaît l’artiste du Pop Art Roy Lichtenstein dont la trame d’impression à point est citée par le talentueux illustrateur de Philadelphie. Pourtant à la différence de l’ancien maître, McDermott conçoit ses images à l’ordinateur avec des couleurs digitales et un pinceau binaire. Il assemble deux images par image en un mini-strip sous la forme d’un grand format. De grands gestes et signaux corporels conduisent à une grande diversité de signification. “Deutsche Oper” No. afu01: LTD. ED. 100 sign. 90 x 135 cm | 35 X 53“ | No. afu02: LTD. ED. 100 sign. 50 x 75 cm | 20 x 30“ ¬ The French modernist Amédée Ozenfant would have been enthralled by Annika Feuss’ impressive photo series Unter Berlin, a graphically and aesthetically perfect depiction of old Berlin underground stations. The daily commuter, his eyes unable to focus for any length of time or look past the wear and tear, sees only abstract station decoration and fleeting transparency. The young Dusseldorf artist reveals what is really there in a powerful, moving way. “Untitled I” No. JMD01: LTD. ED. 100 sign. 120 x 57 cm, 120 X 120 CM | 47 X 22“, 47 X 47“ No. JMD02: LTD. ED. 100 sign. 60 x 28 cm, 60 X 60 CM | 24 X 11“, 24 X 24“ 42 ¬ Der französische Modernist Amédée Ozenfant wäre begeistert gewesen von Annika Feuss’ beeindruckender Fotoserie Unter Berlin, einer grafisch und ästhetisch perfekten Inszenierung von alten Berliner U-Bahn-Stationen. Was dem Berufstätigen tagtäglich an abstraktem Stations- dekor und flüchtigen Transparenzen verloren geht, weil sein Auge über keine Langzeitbelichtung und Retuschefunktion verfügt, das zeigt die junge Düsseldorfer Fotografin auf sehr eindringliche Weise. ¬ Le moderniste français Amédée Ozenfant aurait été enthousiasmé par l’impressionnante série photo Unter Berlin d’Annika Feuss, par cette mise en scène graphique et esthétique parfaite des vieilles stations de métro berlinoises. Ce qui reste imperceptible pour le passager régulier, car ses yeux ne disposent pasde long temps d’exposition et de fonction de retouche, la jeune photographe de Düsseldorf nous le montre, avec ces décors de station abstraits et leur transparence fugitive, d’une façon étonnante. 43 reinhard stangl | NEW artist ¬ Every bar is a stage, and every picture of a bar reveals a utopia. Can you imagine your favourite bar closed? It’s almost impossible. A bar is always open, and always ready to play host to the hopes and dreams of its patrons. The painter Reinhard Stangl chose Berlin’s legendary Paris Bar as his favourite. Its walls are adorned with valuable paintings whose contemporary creators – including Stangl himself, Julian Schnabel, Daniel Richter, and Markus Lüpertz – are not afraid to use colour. Paintings within an image are usually deliberate quotations. Stangl’s images, however, transcend reality. Flooding the senses with fiery reds and suggestive greens, they are more than mere expressive snapshots of everyday life. The viewer is left with the impression that Stangl has woven multiple time frames and dreams into a single picture. The images show a cross-section of the typology of a city, but also echo the 44 fragile heart of anyone who has searched for love, or simply a fleeing moment of happiness, inside a bar. ¬ Jede Bar ist eine Bühne des Lebens und jedes Bild von einer Bar beschreibt eine Utopie. Man versuche einmal, sich seine Lieblingsbar geschlossen vorzustellen! Es gelingt nicht. Eine Bar ist immer geöffnet und jederzeit empfangsbereit für Träume und Sehnsüchte. Der Maler Reinhard Stangl favorisiert eine bestimmte Bar – die legendäre Berliner Paris-Bar. An ihren Wänden hängen kostbare Malereien, deren zeitgenössische Urheber – wie Stangl selbst – keine Farbverächter sind: Julian Schnabel, Daniel Richter, Markus Lüpertz. Bilder im Bild sind meist absichtsvolle Zitate. Doch Stangls Bilder weisen über die Realität hinaus. Was immer das Auge in feurigroten und wermutgrünen Farbtönen überflutet, es ist mehr als eine expressive Momentaufnahme eines alltäglichen Geschehens. Man wird das Gefühl nicht los, Stangl habe gleich mehrere Zeiten und Augenblicksträume in einem Bild gebannt. Die Bilder zeigen stets einen Querschnitt durch die Typologie des Großstädters, aber insbesondere bilden sie den unruhigen Zustand jener Herzen ab, die in einer Bar das Leben oder ganz einfach etwas Lebensglück suchen. ¬ A chaque bar correspond une scène et à chaque représentation de bar une utopie. Essayez seulement de vous représenter votre bar préféré fermé ! Cela ne fonctionne pas. Un bar est toujours ouvert et à chaque instant prêt à recevoir rêves et désirs. Le peintre Reinhard Stangl favorise un bar en particulier : le légendaire Paris-Bar de Berlin. Sur ses murs sont accrochées des peintures de choix, dont les auteurs contemporains – comme Stangl lui-même – ne méprisent pas la couleur : Julian Schnabel, Daniel Richter, Markus Lüpertz. Les toiles dans ses toiles sont le plus souvent des citations. Pourtant le travail de Stangl dépasse la réalité. Ce qui remplit les yeux de tons rouge canin et de vert vermout est plus que la prise d’un moment expressif d’une action banale. On ne peut pas se défaire de l’impression que Stangl ait réuni dans une seule toile plusieurs époques et rêves éphémères. Les toiles montrent toujours une coupe transversale à travers la typologie d’habitants de grande ville. Plus particulièrement, elles représentent l’état agité de cœurs qui cherchent dans un bar la vie ou tout simplement un peu de bonheur. “City Splash” No. RST01: LTD. ED. 100 sign. 70 x 224 cm | 28 x 88“ No. RST02: LTD. ED. 100 sign. 47 x 150 cm | 19 x 59“ 45 michael poliza | NEW works ¬ Africa’s wild animals, the vastness of the arctic, and, above all, the earth’s inexhaustible reservoir of forms and colours: These are the phenomena that led Michael Poliza to begin taking photos of nature and animals from a helicopter. Now he has chosen to present eight striking portraits of individual animals from his Classic Africa series. These black and white shots of predatory cats, giraffes, and elephants vary in their composition, but share a gentle, almost vintage quality: The lion’s mane appears shaggier, the eyes of the leopard glossier. It is as if a trace of wild photography is lurking behind the portrayal of these wild animals. ¬ Die Welt der Tiere in Afrika, der Arktis und überhaupt das Erlebnis der Erde mit ihren unerschöpflichen Reservoiren an Farben und Formen animierten den gebürtigen Hamburger Michael Poliza vor einigen Jahren zu legendären Natur- und Tierbildern aus dem Hubschrauber: Aufnahmen, die einen völlig ungewohnten und expressiven Blick auf die Landschaften des schwarzen Kontinents entwarfen und ihre tierischen Bewohner vielgestaltig zeigten. Die Verwegenheit seiner Motive stand dabei seinem eigenen Wesen in nichts nach. Michael Poliza war schon vieles: früher Pionier der IT-Branche, Multiplex-Kinobesitzer, schließlich Bootsbesitzer, Weltumsegler und seit zehn Jahren leidenschaft- YSABEL LeMAY | NEW ARTIST licher Naturfotograf. Eine Auswahl von acht Motiven aus der Classic Africa Serie zeigt ihn nun auch als ausdrucksstarken Porträtisten von Einzeltieren. Die Schwarz-Weißen Aufnahmen von Raubkatzen, Giraffen und Elefanten variieren im Ausschnitt. Gemeinsam ist ihnen ein ganz leichter und fein ausgewaschener Vintage-Look, der die Struppigkeit einer Löwenmähne oder den Glanz eines Leoparden-Augenpaares umso deutlicher hervorhebt. Es ist, als mischte sich eine Spur fotografischer Wildheit unter die ausdrucksstarke Wildheit der Tiere selbst. ¬ Le monde des animaux en Afrique, en Arctique et en général l’expérience de la terre avec son réservoir inépuisable de couleurs et de formes entrainèrent le Hambourgeois Michael Poliza à faire, il y a quelques années, des photos légendaires de nature et d’animaux depuis un hélicoptère. Un choix de huit motifs de la série Classic Africa le montre maintenant comme un portraitiste talentueux d’animaux. Les photos en noir et blanc de félins, de girafes et d’éléphants varient dans le détail. Elles ont commun un léger look vintage délavé et raffiné, qui fait particulièrement ressortir le poile ébouriffé de la crinière du lion ou l’éclat du regard d’un léopard. C’est comme si une trace de sauvagerie photographique se mélangeait à la sauvagerie expressive des animaux elle-même. “Rise” No. YLE05: LTD. ED. 100 sign. Ø 120 cm | Ø 47“ No. YLE06: LTD. ED. 150 sign. 54 x 54 cm | 21 x 21“ “Mother´s Pride” No. MPO95: LTD. ED. 100 sign. 64 x 84 cm | 25 x 33“ 46 “Threesome” No. MPO98: LTD. ED. 100 sign. 64 x 84 cm | 25 x 33“ 47 Berenice Abbott | NEW master ¬ When Berenice Abbott returned from Paris to New York at the end of the 1920s she was amazed at the remarkable changes taking place in the city, and began to photograph immediately. Her project “Changing New York” was to last a number of years. The photographic style Abbott developed was characterised as much by intuitive vision as by photographic precision. It vividly depicts the intensity of the city, almost growing beyond itself, whilst also displaying her great passion for photography. New York’s harbour with its many tugboats is as much a part of the project as the new luxury skyscrapers that emerge from behind the Henry Street district in Manhattan. Abbott translated the town’s new energy into a series of imposing images, and in doing so became a part of the movement herself. dokumentierte mit großer fotografischer Leidenschaft. Der New Yorker Hafen mit seinen vielen kleinen Schleppern gehörte genauso zum Projekt wie die neuen Luxustürme Manhattans, die sich hinter dem alten Viertel der Henry Street erhoben. Abbott übersetzte die neue Energie der Stadt in eindringliche Bilder und war selbst Teil dieser neuen Energie. ¬ Als Berenice Abbott Ende der 20er aus Paris in das boomende New York zurückkehrte, staunte sie über den enormen Wandel in der Stadt und begann sofort zu fotografieren. „Changing New York“ nannte sie das mehrjährige Mammutprojekt. Sie entwickelte einen gleichermaßen von intuitiver Sichtweise und fotografischer Präzision geprägten Bildstil. Die Intensität des schier über sich hinauswachsenden New Yorks war den Bildern unmittelbar abzulesen. Abbott ¬ Lorsqu’à la fin des années 20, Berenice Abbott quitta Paris pour retourner dans le New York florissant, elle fut surprise de l’énorme mutation de la ville et commença aussitôt à photographier. Poursuit pendant plusieurs années, elle nomma son grand projet « Changing New York ». Elle développa un style marqué par une vision intuitive et une précision photographique. L’intensité du bouillonnement presque débordant de New York était directement visible dans ses photos. Abbott documenta avec une grande passion photographique. Le port newyorkais avec ses milliers de petits remorqueurs appartient aussi bien à on projet que les nouvelles tours de luxe de Manhattan qui s’élèvent derrière le vieux quartier de la Henry-Street. Abbott traduisit la nouvelle énergie de la ville en images pénétrantes et fut elle-même une part de cette énergie. “Pike and Henry Street, Manhattan” No. BAO01: LTD. ED. 150 archive stamp 49 x 61 cm | 19 x 24“ No. BAO02: OPEN EDITION 24 x 30 cm | 9 x 12“ “Watuppa, from water front, Brooklyn, Manhattan” No. BAO05: LTD. ED. 150 archive stamp 49 x 61 cm | 19 x 24“ No. BAO06: OPEN EDITION 24 x 30 cm | 9 x 12“ 48 “Gasoline station, Bronx” No. BAO07: LTD. ED. 150 archive stamp 64 x 52 cm | 25 x 20“ No. BAO08: OPEN EDITION 34 x 28 cm | 13 x 11“ 49 annette herdemann | NEW artist ¬ Annette Herdemann creates city portraits with multiple layers of perspective, blending into a single image architectural landscapes, famous views, and elements of daily life loaded with meaning. A white, cloudy, vertical hatch lends the pictures added intensity. The scenes appear almost faded, as if they are emerging from the depths of the city, unseen and with no respect to scale. The viewer can identify dreamy memories of a distant visit, following an order that is both intuitive and surprising. ¬ Die junge Bilddesignerin Annette Herdemann entwirft polyperspektivische Stadtporträts, in denen architektonische Wahrzeichen, signifikante Stadtansichten und mit Bedeutung aufgeladene Alltagselemente zu einem dynamisch ausgewogenen Gesamtbild zusammengesetzt sind. Eine weißlich eingetrübte Vertikalschraffur verleiht den Bildern zusätzlich Intensität. Die Stadtszenen wirken wie eingeblendet, als tauchten sie unversehens und bar jeder Maßstabstreue aus der Bild- beziehungsweise Stadttiefe auf. Man kann in ihnen durchaus traumhafte Erinnerungsspuren eines intensiven Städtebesuchs sehen, die einer intuitiven und überraschenden Anordnungslogik folgen. ¬ La jeune designer d’image Annette Herdemann conçoit des portraits de ville aux différentes perspectives dans lesquels des emblèmes architectoniques, des vues de ville et des éléments de la vie de tous les jours sont agencés dans une image dynamique et équilibrée. Une hachure verticale blanchâtre et troublante ajoute aux images une intensité supplémentaire. Les scènes de ville, dénuées de toute fidélité aux proportions, paraissent en incrustation comme si elles sortaient à l’improviste de l’image ou, en d’autres termes, de la profondeur de la ville. On peut facilement voir en elles les traces de souvenir d’une visite de villes intensive qui suivent une logique d’agencement intuitive et surprenante. “NY01” No. AHR01: LTD. ED. 100 sign. 100 x 150 cm | 39 x 59“ No. aHR02: LTD. ED. 200 sign. 50 x 75 cm | 20 x 30“ 50 51 andreas kock | new workS ¬ Andreas Kock is an iconoclast in the mould of Helmut Newton. The Swedish fashion photographer, known for his extraordinary fashion shoots, looks to the ideas and images of art and film history for his inspiration. His new photo series is called Little Miss Newton. It is hard to picture a more fitting tribute to the founder of the fashion-nude genre ¬ Wie Helmut Newton ist auch Andreas Kock ein Bilderstürmer, allerdings im Sinne einer zweiten oder nachfolgenden Generation. Der schwedische FashionFotograf ist bekannt für seine inszenatorischen und ungewöhnlichen Modestrecken, in denen er bewusst auf filmische und kunstgeschichtliche Vorbilder zurück- peter derganc | new artist greift. Little Miss Newton lautet der Titel seiner neuen Bilderserie. Offener und zugleich respektvoller kann man dem Erfinder des Fashion-Nudes seine Reverenz kaum erweisen. ¬ Comme Helmut Newton, Andreas Kock est un iconoclaste, à comprendre ici dans le sens d’une deuxième génération. Le photographe de mode est connu pour ses shooting photo mis en scène et inhabituels, dans lesquels il utilise consciemment des modèles de filme et de l’histoire de l’art. Little Miss Newton est le titre de sa nouvelle série. Il ne pourrait pas montrer sa référence de façon plus ouverte et en même temps plein de respect envers le créateur des Fashion-Nudes. “Little miss Newton” No. ako15: LTD. ED. 100 sign. 80 x 120 cm | 32 X 47“ | No. ako16: LTD. ED. 150 sign. 40 x 60 cm | 16 x 24“ 52 “Kirchberg” No. P D E07: LTD. ED. 100 sign. Ø 120 cm | Ø 47“ No. P D E08: LTD. ED. 150 sign. Ø 60 cm | Ø 24“ “Stuhlfelden” No. P D E09: LTD. ED. 100 sign. Ø 120 cm | Ø 47“ No. P D E10: LTD. ED. 150 sign. Ø 60 cm | Ø 24“ ¬ It was the famous French photographer Félix Nadar who first climbed into a hot air balloon to photograph the earth from above. Over 150 years later, the Austrian Peter Derganc is following in his artistic footsteps. Advanced technology allows him to take a panoramic ball of pictures from the basket of a balloon as it flies through the air. What we see is Austria as a small planet, surrounded by a light blue strip of atmosphere. Whether Zell am See, Kaprun, or the Glemmat, Derganc’s photographs give us glimpses of a balloon’s perspective of the universe. Zell am See, Kaprun oder das Glemmtal, bei jedem dieser virtuellen Planeten steht weniger zur Debatte, was auf der sonnenabgewandten Seite liegt, als der Traum von einem gemeinsamen und dennoch für sich stehenden Ballonuniversum. ¬ Es war Nadar, der berühmte französische Fotograf, der vor über 150 Jahren als Erster einen Heißluftballon bestieg, um die Erde aus der Luft zu fotografieren. Der Österreicher Peter Derganc tut es ihm kunstvoll nach. Fortgeschrittene technische Mittel erlauben es ihm, den Blick aus dem Lüfte befahrenden Bastkorb in ein fotografisches Kugelpanorama zu verwandeln. Mit einem Mal erblicken wir österreichische Kleinstplaneten, die von einer hellblauen Atmosphärenkorona umgeben sind. Ob ¬ Ce fut Nadar, le célèbre photographe français, qui, il y a plus de 150 ans, monta le premier dans une montgolfière pour photographier la terre depuis les airs. L’autrichien Peter Derganc en a fait autant avec beaucoup de raffinement. Les nouveaux progrès techniques lui permettent de transformer le regard, depuis son panier transporté dans les airs, en un panorama sphérique photographique. Au premier regard, on peut voir des petites planètes autrichiennes entourées d’une couronne atmosphérique bleue claire. Qu’il s’agisse de Zell sur Mer, Kaprun ou de Glemmtal parmi ces planètes virtuelles ou de savoir ce qui repose à côté de ces soleils, n’est pas aussi important que le rêve d’un univers circulaire qui, quoique commun, tient debout seul sur lui-même. 53 hu man footprint NEW collection ¬ Human Footprint are over-sized traces of human existence that can be identified from high up above. They are more than simply clumsy footprints in the sand of the Earth, however: They may be entire cities, artificial islands, enormous airports, the perfect form of motorways, or the starry structure of a street network. From 500km up in the air, Los Angeles becomes a box of chocolates in a ribbon of motorways. Weston in South Florida becomes a hedge sculpture from a Renaissance garden. Paris becomes a printing plate for finely chiselled snow crystals. They are landscapes of another type, one that can cause both surprise and reflection. ¬ Human Footprint nennt man jene überdimensionalen, besonders gut aus der Höhe zu erkennenden menschlichen Spuren, die mehr als nur tapsige Fußabdrücke im Sand der Erde sind: ganze Städte und künstliche Inseln, riesige Flughäfen sowie formschöne Autobahnmäander oder sternförmige Straßennetze. Aus 500 km Höhe aufgenommen, verwandelt sich Los Angeles in eine Pralinenschachtel mit Zierband aus Autobahnen. Weston im Süden Floridas wird zu einem Heckenornament im Renaissancegarten. Paris zu einer Druckplatte fein ziselierter Schneekristallbilder. Es ist eine andere Art von Landart, die nicht selten überrascht und zugleich nachdenklich stimmt. © eoVision - Original Data: © DigitalGlobe, distributed by e-GEOS ¬ On nomme Human Footprint chaque trace humaine surdimensionnée, particulièrement reconnaissable en hauteur qui soit plus qu’une simple empreinte de pied maladroite dans le sable : des villes entières et des îles artificielles, des aéroports énormes aussi bien que des méandres d’autoroute ou des réseaux de rues étoilés. Prise à 500 km de hauteur, Los Angeles se transforme en une boîte de chocolat avec un ruban d’autoroutes. Weston, dans le sud de la Floride, se métamorphose en une haie ornementale dans un jardin de la Renaissance, et Paris en plaque d’impression aux cristaux de neige finement ciselés. C’est une autre forme de Landart qui surprend le plus souvent et en même temps laisse songeur. “Weston” (detail) No. HFO31: LTD. ED. 100 stamped 100 x 168 cm | 39 x 66“ No. HFO32: LTD. ED. 150 stamped 50 x 85 cm | 20 x 33“ 54 55 Marvel Classics | NEW collection TM & © 2012 MARVEL & SUBS horst & daniel zielske | NEW works “Brooklyn Bridge I” No. hdz59: LTD. ED. 100 sign. 120 x 186 cm | 47 X 73“ No. hdz60: LTD. ED. 150 sign. 60 x 93 cm | 24 x 37“ “Death without warning!” No. MC L10: OPEN EDITION STAMPED 135 x 95 cm | 53 X 37“ No. MC L11: OPEN EDITION STAMPED 90 x 63 cm | 35 x 25“ No. MC L12: OPEN EDITION STAMPED 39 x 28 cm | 15 x 11“ Objects by moroso 56 57 rafael neff | NEW workS ¬ You do not have to be a wine connoisseur to appreciate the care and quality that goes into tending the vines of Lafite-Rothschild. Similarly, anyone can appreciate the beauty of Rafael Neff’s latest images. Symmetrical and light, his pictures are more than just easy on the eye. The more the gaze of the viewer penetrates the vaulted cellar of the Chateau Pichon Longueville Comtesse de Lalande, the more graceful and overwhelming the oak barrels in the hallowed halls of vintage maturation appear. Viewing these wines is pleasure indeed. As our attention lingers, the barrels come into the picture more and more, gaining in both colour and shape. ¬ Man muss kein Weinkenner sein, um die Sorgfalt und Güte, die ein berühmtes Weingut wie das von Lafite-Rothschild seinen Reben angedeihen lässt, in Rafael Neffs neuen Bildern wieder zu erkennen. Der Genuss für die Augen besteht in mehr als einer Portion Symmetrie und einem feinen Hauch Licht. Je weiter der Blick in den Gewölbekeller des Weinguts Chateau Pichon Longueville Comtesse de Lalande in Bordeaux in Frankreich vordringt, desto anmutiger und überwältigender erscheinen die gefärbten Eichenfässer in den heiligen Hallen der kunstvollen Jahrgangsreifung. Einem genussvollen Betrachten stehen diese Weine in nichts nach. Mehr und mehr entfalten sie sich im Bild und legen an Farbe und Körper zu. ¬ On n’a pas besoin d’être un connaisseur de vin pour reconnaître dans les nouvelles photos de Rafael Neff le soin et l’amour qu’apporte le domaine mondialement connu qu’est celui du Lafite-Rothschild à leur vigne. Le plaisir pour les yeux repose dans plus d’une portion de symétrie et un léger souffle de lumière. Plus le regard s’enfonce dans la cave voûtée du domaine Pichon Longueville Comtesse de Lalande, plus les fûts de chêne colorés semblent légers et hallucinants dans ces halles sacrées de la savante maturation des cuvées. Ces vins n’en jouent pas moins dans le plaisir de la contemplation. Peu à peu, ils murissent dans l’image et redoublent de couleurs et de corps. “Chateau Pichon Longueville Comtesse de Lalande, Bordeaux, France” No. RNE208: LTD. ED. 100 sign. 120 x 173 cm | 47 x 68“ No. RNE209: LTD. ED. 100 sign. 80 x 115 cm | 32 x 45“ No. RNE210: LTD. ED. 150 sign. 50 x 72 cm | 20 x 28“ 58 59 HENgKI KOentjoro | NEW ARTIST Yasu nari Ikenaga | NEW ARTIST ¬ Sometimes beauty is even more profound when the possessor is unaware they are being observed. This moment of beauty is so fragile, however, that the slightest movement can destroy it. This is true of the traditional Nihonga painting technique (“Japanese-style paintings” in English). In his works, which draw from this traditional form of art, the Japanese artist Yasunari Ikenaga combines beauty and dreams, tradition and modernity. His wonderful subjects lie oblivious on flowing silk scarves adorned with flower patterns. Unlike with the traditional technique, Ikenaga does not paint on paper or silk, but on canvas. Like the old masters, however, he uses classic mineral pigments, giving his images a uniquely warm tone. “Dawning Borobudur” No. h kn01: LTD. ED. 100 sign. 64 x 64 cm | 25 X 25“ No. h kn02: LTD. ED. 100 sign. 34 x 34 cm | 13 X 13“ Objects by CLASSICON 60 ¬ Manchmal tritt Schönheit umso deutlicher hervor, wenn sich ihre Träger unbeobachtet fühlen. Der Augenblick dieser Schönheit ist dabei so fragil, dass die kleinste Bewegung alles zerstören kann. Dies gilt auch für die Maltechnik der traditionellen Nihonga-Malerei – zu Deutsch: japanisches Bild. In seinen an diese traditionelle Kunstform angelehnten Werken verbindet der japanische Künstler Yasunari Ikenaga Schönheit und Traum, Tradition und Moderne. Seine wunderschönen Motive liegen gedankenverloren auf fließenden Seidentüchern voll blütenreicher Ornamente. Anders als in der Tradition malt Ikenaga nicht auf Papier oder Seide, sondern auf Leinwand. Doch verwendet er – wie die alten Meister – klassische Mineralpigmente, die seinen Bildern eine unverwechselbare warme Tönung verleihen. ¬ Parfois la beauté ressort de manière plus claire lorsque ceux qui la portent ne se sentent pas observer. L’instant de cette beauté est à ce moment-là si fragile que le moindre mouvement peut tout détruire. Ceci vaut aussi pour la technique de la peinture traditionnelle Nihonga – en français : image japonaise. Dans son œuvre, qui s’inspire de cette forme d’art traditionnel, l’artiste japonais Yasunari Ikenaga relie la beauté et le rêve, la tradition et la modernité. Ses merveilleux motifs reposent dans des pensées perdues sur un tissu de soie fluide décoré d’ornements floraux. Contrairement à la tradition, Ikenaga ne peint pas sur papier ou sur soie, mais sur toile. Cependant il utilise – comme les vieux maîtres – les pigments minéraux classiques qui confient à ses toiles une tonalité incomparablement chaude. “The 50th full moon, Mai” No. IYA03: LTD. ED. 100 sign. 100 x 50 cm | 39 x 20“ No. IYA04: LTD. ED. 100 sign. 65 x 32 cm | 26 x 13“ 61 bestseller 1 7 4. michel comte “sharon stone” No. MCO07: LTD. ED. 150 STUDIO STAMP 80 x 100 cm | 32 x 39“ 6 62 2 3 4 5 5. WOLFGANG UHLIG “sea #8” No. WUH15: LTD. ED. 100 sign. 123.2 x 178 cm | 49 x 70“ 1. beatrice hug “Mer Lumière” No. bhu25: LTD. ED. 100 sign. 60 x 180 cm | 24 x 71“ 6. kevin best “Still life with cascading lemon” No. KBE03: LTD. ED. 100 sign. 90 x 72 cm | 35 x 28“ 2. OLAF HAJEK “Big Tree” No. OHA16: LTD. ED. 100 sign. 54 x 62 cm | 21 x 24“ 7. Alexander Von Reiswitz “Bao-Bao” No. ARE03: LTD. ED. 100 signed 60 x 60 cm | 24 x 24“ 3. GERO GRIES “AlfaRalfa” No. GGR20: LTD. ED. 100 sign. 80 x 120 cm | 32 x 47“ 8. farin urlaub “Benten-do (Daigo-ji)” No. JVE05: LTD. ED. 100 sign. 55 x 171 cm | 22 x 67“ 8 63 LAST Prints 6 5 8 1. erin cone “countenance” No. eco10: LTD. ED. 100 signed 100 x 74 cm | 39 x 29“ 2 1 7 2. David burdeny “Starboard View from the KLickitytat, WA, USA” No. dbu19: LTD. ED. 100 sign. 125 x 125 cm | 49 x 49“ 3. MATTHEW CUSICK “kara´s wave” No. MCU02: LTD. ED. 100 sign. 50 x 75 cm | 20 x 30“ 2 4. ROBERT LEBECK “Joseph Beuys, Schottland 1974” No. RLE25: LTD. ED. 100 sign. 34 x 49 cm | 13 x 19“ 5. PENELOPE DAVIS “Assemblage” No. PDA22: LTD. ED. 100 sign. 40 x 184 cm | 16 x 72“ 3 6. JOERG MAXZIN “Travelling I” No. JMA66: LTD. ED. 100 sign. 45 x 180 cm | 18 x 71“ 4 7. CHRISTOPHER PILLITZ “The Spirit of Tango III, Buenos Aires” No. CPI19: LTD. ED. 100 sign. 80 x 123 cm | 32 x 48“ 8. HOLGER LIPPMANN “Tree I” No. HLI21: LTD. ED. 50 sign. 95 x 180 cm | 37 x 71“ 5 64 9 9. thomas eigel “hlxu 5215512” No. tei50: LTD. ED. 100 sign. 60 x 56.2 cm | 24 x 22“ 65 modern MOUNTING by whitewall LUMAS trusts in the high quality of In addition to LUMAS, 68,000 photography connoisseurs and 3,500 professionals trust the gallery-quality of WhiteWall. Discover WhiteWall online at WhiteWall.com WhiteWall – the Lab of the artists LUMAS editions are printed at WhiteWall’s professional photo lab on Fujicolor’s Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II (guaranteed for 75 years) with a Lambda exposure system and then developed using traditional photochemical processes. The works are custom framed or mounted: mountings at WhiteWall are finished by hand to assure museum quality. This form’s edgeless simplicity suits any environment, and thanks to the mounting system, images seem to float only centimeters from the wall. Our solid wood frames are custom made for every piece – down to the exact centimeter – in the WhiteWall workshop. LUMAS Editionen werden im Fachlabor WhiteWall mit einem Lambda-Belichter auf das beste Galerie-Papier von Fujicolor, das Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II (75 Jahre haltbar), belichtet und traditionell fotochemisch entwickelt. Die Werke werden sodann auf Wunsch gerahmt oder kaschiert: Kaschierungen werden bei WhiteWall in 66 Handarbeit auf Museumsniveau gefertigt. In ihrer randlosen Schlichtheit fügen sie sich perfekt in jedes Umfeld ein. Durch die Aufhänger scheinen sie wenige Zentimeter vor der Wand anmutig zu schweben. LUMABOND LUMAsec Mounting on aluminum plate under UV protective foil Mounting on aluminum plate under acrylic glass Kaschierung auf Aluminium-Platte unter UV-Schutzfolie Kaschierung auf Aluminium-Platte unter Acrylglas mit dauerelastischem Silikon Montée sur une plaque d’aluminium et recouverte d’un voile protecteur UV Montée sur une plaque d’aluminium et recouverte de verre acrylique Dans le laboratoire professionnel WhiteWall, les éditions LUMAS sont tirées sur le meilleur papier de Fujicolor, le Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II (dont la durée de vie est de 75 ans). Le papier est exposé et traditionnellement développé chimiquement. Les œuvres sont ensuite encadrées ou contrecollées au choix : les contrecollages sont réalisés artisanalement par WhiteWall, pour une qualité digne des plus grands musées. Ce style épuré sans rebord s’intègre parfaitement dans chaque environnement. Par le biais du système d’accrochage, les œuvres sont à quelques centimètres du mur et semblent ainsi planer sur celui-ci. Le laboratoire WhiteWall confectionne sur mesure pour chacune des œuvres un cadre en bois massif. 67 finest framing by WhiteWall Our frames are made of solid German and Canadian wood or of aluminum. All frames are constructed down to the exact millimeter in our workshop, then professionally assembled in a dust-free environment. Unsere Rahmen werden aus deutschem und kanadischem Massivholz oder aus Aluminium gefertigt. Alle Rahmen werden in unseren Werkstätten auf den Millimeter genau für das von Ihnen gewählte Kunstwerk gefertigt, gefolgt von der fachmännischen und staubfreien Einrahmung. Nos cadres sont en bois massif canadien et allemand ou bien en aluminium. Tous nos cadres sont préparés dans nos ateliers, sur mesure, au millimètre près et en fonction de l’œuvre que vous avez choisie. L’encadrement est assuré par des spécialistes et garanti sans poussière. © Cordula Lebeck “I searched for a professional laboratory for my work for a long time until I discovered WhiteWall: here, everything feels right.” Passe-partout frame Shadow gap frame Solid wood frame, 21 mm width (aluminum, 13 mm). Passepartout: museum-quality Hahnemühle matting paper; offwhite, pH-neutral, PAT-tested, extremely light-resistant, beveled inner edge. The photograph is mounted on a 3 mm mounting board under UV-protective film, then placed in a 14 mm-wide solid wood frame with an additional 7 mm shadow gap between frame and image. Rahmen Massivholz, 21 mm breites Profil (Aluminium 13 mm). Passepartout: Museumskarton von Hahnemühle, altweiß, pH-neutral, da PAT-getestet, extrem lichtbeständig, mit Schrägschnitt an das Motiv angesetzt. Die Fotografie ist auf eine 3 mm starke Trägerplatte und unter einer UV-Schutzfolie kaschiert. Dann wird sie mit einer sichtbaren, 7 mm breiten Schattenfuge in einen 14 mm breiten Massivholzrahmen eingesetzt. Cadre en bois massif, 21 mm de profondeur (cadre aluminium : 13 mm). Passe-partout: carton qualité muséale de la société Hahnemühle, blanc cassé, pH-neutre, extrême résistance à la lumière, coupe biseautée. La photographie est contrecollée sur une plaque rigide de 3 mm et protégée par un film anti-UV. Elle est ensuite intégrée dans un cadre de bois massif construit sur mesure. La bordure du cadre mesure 14 mm. L’espace ajouré entre la bordure du cadre et la photographie mesure 7 mm. Sabine Wild on page 28 “Here, I can produce all of my work in flawlessly precise museum-quality – that is what convinced me.” Robert Lebeck on page 64 Our photo lab partner: WhiteWall.com 68 69 ABOUT LUMAS EDITIONS LUMAS was established in 2004 by art collectors in Berlin. Today in 14 galleries around the world, as well as on the website www. lumas.info, LUMAS offers hand-signed original artwork by over 160 international artists, primarily in editions of 75 to 150. These limited editions are higher in number than those of traditional galleries, which enables LUMAS to offer more affordable prices ranging from $170 to $1100. LUMAS editions are traditional photo prints on Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II with a 75-year guarantee. WhiteWall, the renowned professional photo lab for fine art photography, exclusively produces all LUMAS editions and provides mounting or framing according to the artists’ wishes. The five- and six-figure works sold by traditional galleries often see the largest increases in value on the art market; however, as a number of specialized auctions have shown, larger editions such as those sold at LUMAS hold great potential as well – especially considering the original relatively small investment. LUMAS is dedicated to its limited edition policy: once a motif has sold out, no amount of demand will reopen the edition. Sometimes a work’s value may increase only slightly, but sometimes five or ten fold. The best advice remains to purchase a piece of art not as a calculated investment but rather for the joy and love of the work itself. LUMAS wurde im Jahr 2004 von Kunstsammlern in Berlin gegründet. In heute 14 Galerien weltweit und auf der Website www.lumas.info bietet LUMAS in Zusammenarbeit mit mittlerweile über 160 internationalen Künstlern handsignierte Originalarbeiten von meist 75 bis 150 Exemplaren. Diese streng limitierten Auflagen sind höher als die Auflagen der klassischen Galerien und ermöglichen so im Gegenzug günstigere Preise – meist zwischen €120 und €800. LUMAS Editionen sind klassische Fotoabzüge auf Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II, das 75 Jahre haltbar ist. WhiteWall, das renommierte Fachlabor für künstlerische Fotografie, fertigt exklusiv alle LUMAS Editionen an und kaschiert oder rahmt sie nach den Vorgaben der Künstler. Die größte Wertsteigerung am Kunstmarkt versprechen Spitzenangebote von Galerien mit fünf- oder sechsstelligen Kaufpreisen. Aber auch Editionen mit höheren Auflagen haben, wie hierauf spezialisierte Auktionen zeigen, überraschendes Potenzial – gerade gemessen am geringen „Einsatz“. Einmal ausverkauft, steht der regen Nachfrage kein Angebot gegenüber. Der Preis steigt manchmal nur geringfügig, zuweilen aber auch um das Fünf- bis Zehnfache. Am besten ist aber derjenige beraten, der ein Kunstwerk auch ohne diese Überlegung besitzen möchte: aus Freude und Liebe zum Werk. “To collect photographs is to collect the world.” Susan Sontag En 2004, LUMAS a été fondé par des collectionneurs d’art à Berlin. Avec 14 galeries dans le monde entier et son site internet www.lumas.info, LUMAS offre aujourd’hui, en coopération avec plus de 160 artistes internationaux, des travaux originaux et signés avec un nombre de tirages limités entre 75 et 150 exemplaires. Ces éditions restreintes dépassent, par leur nombre, les éditions des galeries classiques. Par conséquent, elles sont moins chères et coûtent en moyenne entre €120 et €800. Les éditions LUMAS sont des reproductions classiques sur papier photographique Fujifilm crystal Archive Digital Paper Type DP II dont la durée de vie est de plus de 75 ans. Toutes les éditions LUMAS sont produites par WhiteWall, labora- toire technique renommé pour la photographie artistique. Les experts de WhiteWall font aussi la finition et encadrent les éditions selon la volonté des artistes. Sur le marché de l’art, ce sont les propositions des galeries à un prix d’achat qui comportent cinq ou six chiffres qui promettent la plus grande augmentation de valeur. Comme le montrent les ventes aux enchères spécialisées, les éditions à un plus grand nombre d’exemplaires ont, elles aussi, un potentiel surprenant, mesuré par rapport au prix d’achat. Une fois que tous les tirages ont été vendus, aucune production supplémentaire n’est possible. Parfois, le prix augmente peu, parfois, il est multiplié par cinq et même par dix. Celui qui ne veut posséder une œuvre d’art qu’à cause de son enthousiasme pour le travail particulier et sans arrière-pensée financière, se retrouve, après tout, dans la meilleure position. 70 Artist Page Artist Page Abbott, B.48 – 49 Koentjoro, H. 60 Best, K.63 Lebeck, R. 64, 69 BMW Edition38 - 40 LeMay, Y. 47 Brandenburg, M.36 Lessing, E. 12 - 13 Burdeny, D. 64 Lippmann, H. 65 Busch, D. 34 Major, A. 6-7 Comte, M. 62 Marvel Classics 57 Cone, E. 64 Mathis, P. 31 Cusick, M. 64 Maxzin, J. 65 Derganc, P. 53 McDermott, J. 42 Eigel, T. 65 Neff, R. 58 - 59 Esch, H. G. 41 Pawlok, W. 16 - 17 Falliers, D. 19 Pillitz, C. 65 Feininger, A. 20 Poliza, M. 46 Feuss, A. 43 Rauch, S. 8-9 Föllmi, O. 37 Stangl, R. 44 - 45 Gries, G. 62 Steichen, E. 21 Gudnason, T. 11 Stuht, K. 32 - 33 Hajek, O. 62 Uhlig, W. 62 Haley, S. 22 - 23 Urlaub, F. 63 Halm Schudel, A. 35 Ventosa, P. 27 Heiderich, M. 18 Preussen, S. von 10 Heinze, G. (Cover) 26 Reiswitz, A. von 63 Herdemann, A. Wild, S. 28 - 29 Hiepler & Brunier 2 Young Byun, S. 30 Hug, B. Yust, L. 24 - 25 Zielske, H. & D. 56 50 - 51 62 Human Footprints 54 - 55 Ikenaga, Y. 61 Jacrot, C. 4-5 Author: Kock, A. 52 Stephan Reisner 71 LUMAS GALleries Created by art collectors, brought to life by 160 renowned artists and promising talents from major academies, LUMAS is passionate about offering you original, inspiring art in affordable editions. General gallery hours: Monday-Friday 11 am-7 pm, Saturday 10 am-7 pm, Sunday 1-6 pm 212-219 9497 LUMAS Paris 40, rue de Seine, 6e 01-43 29 10 29 LUMAS Paris 24, rue Saint Martin, 4e 01-76 31 00 90 LUMAS Wien Praterstraße 1 – stilwerk 01-907 26 74 LUMAS Zürich Marktgasse 9 – (Niederdorf) 043-268 03 30 LUMAS Berlin Hackesche Höfe (Hackescher Markt) 030-28 04 03 73 LUMAS Berlin – NEW Friedrichstraße 71 (Quartier 206, UG) 030-46 72 47 63 7 LUMAS Berlin Fasanenstraße 73(Ku´damm) 030-88 62 76 01 LUMAS Bielefeld – NEW Obernstraße 23 (June 2012) 0521-15 60 58 20 LUMAS DüsseldorfGrünstraße 80211-82 82 622 LUMAS Frankfurt Kaiserstraße 13 069-90 02 85 40 LUMAS Hamburg ABC-Straße 51 040-38 90 48 60 LUMAS KölnMittelstraße 150221-31 06 871 LUMAS München Brienner Straße 3 089-25 54 88 30 LUMAS Stuttgart Lange Straße 3 0711-229 61 51 LUMAS Key Accounts Please contact our Art Consultants for major projects and corporate collections. LUMAS ONLINE All artists, works, and details are available on our website www.lumas.info, where you can easily place orders online – simply select the photograph of your choice and even its framing or mounting. We will send your order in our Art Security Packaging directly to you. At www.lumas.info you can also request our newsletter to stay up-to-date on new works, exhibition openings, events, specials, and more. Check our website for your local hotline number. www.lumas.info LUMAS disclaims any responsibility for misinterpretation and such due to typographical errors. The material included herein is © LUMAS and the respective artists. All rights reserved. LUMAS New York 362 West Broadway – SoHo
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