THOMAS TRONEL

THOMAS
TRONELGAUTHIER
" The archipelago is drifting, from land to sea, it harbours the waves and the early hours. "
Edouard Glissant, Traité du Tout-Monde, 1997.
Thomas Tronel-Gauthier's work is the translation of an experience: the encounter with a landscape. From
the North of France to the Marquesas Islands, via Thailand, the artist invites us to join him on his journey.
Using sculpture, photography, video and installations he brings back fragments of a land or seascape
deriving either from natural phenomena or from violent interventions. These fragments, seemingly
isolated from their original context, turn out to be zones of projection. They harbour a mental landscape,
one which we (re)create after our own souvenirs, our demons and our imagination. Gauthier's works
release a field of possibilities where memory and perception become mutually dependent. "For the
landscape to appear, the gaze needs to wander"¹ The casts and moulds are the remains of an ensemble, of
a territory of which the artist aims to retain a specific moment. The process of moulding and the process of
taking pictures (still or moving images) creates an intense relationship not only with space, but also with
time. This allows the artist to absorb and to translate a natural and fleeting event: a wave passing by, the
glistening sea, a rock, swallows taking flight, the movement of the sand once the sea has withdrawn. We
tend to perceive these moments like miracles, and yet they're part of an ongoing cycle. In isolating them,
the artist brings the landscape back to a human scale (its body and temporality) and reminds us of its
immense nature.
His monochromatic paintings work differently. The idea of a landscape is conveyed by the production of
rhizome-like imprints: motifs in the shape of roots featured on blue, white, black or green surfaces. In a
similar way, the artist uses shells, particularly fan mussels and engraves their backsides with images of
explosions. These latter ones echo the testing of nuclear weapons carried out by the French in the Pacific
Ocean. Thus the artist captures something invisible. While the tests have modified the life there in a way
that's indelible, the nuclear presence remains indiscernible. Shellfish, usually an object of exotic reveries,
becomes the carrier of a political reality. Thomas Tronel-Gauthier preserves the trace of a journey, of an
emotion, of a sense of uneasiness or else, one of exaltation. More than just a reminder of a lost moment,
each of his works gives evidence of a vision and a way of being in this world. In this sense, the artist applies
the philosophy of Edouard Glissant, in particular his notion of traces: "A mode of thought centred on the
notion of traces presents itself, in contrast with a mode of thought centred on a system, like a wandering
journey that provides some orientation. We recognize that traces connect us, all of us, regardless of where
we are coming from.[…] Traces teach us how to read the branches and the wind: being oneself, drifting
towards the other. Like sand in a real utopian disorder. […] Traces make for fierce divagations in our
common mode of thought."²
Thomas Tronel-Gauthier's relationship with landscapes is centred on giving back, in a physical and
sensitive way, a journey. Through his eyes and hands he brings it to the surface to reveal its trace.
Julie Crenn
¹ JULLIEN, François. Vivre de paysage ou L’impensé de la Raison. Paris : Gallimard, 2014.
² GLISSANT, Edouard. Traité du Tout Monde. Paris : Gallimard, 1997.
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" L’Archipel est errant, de terre en mer, il est ouvert de houle et de petit matin. "
Glissant Edouard, Traité du Tout-Monde, 1997
L’œuvre de Thomas Tronel-Gauthier est la traduction d’une expérience, celle d’une rencontre avec un
paysage. Du Nord de la France aux îles Marquises, en passant par la Thaïlande, l’artiste nous emporte dans
ses voyages. Par la sculpture, la photographie, la vidéo et l’installation, il restitue des fragments de terre
ou de mer, d’un phénomène naturel ou d’un éclat. Ces fragments, apparemment isolés de leur contexte
originel, s’avèrent être des zones de projection. En eux réside un paysage mental, celui que nous (re)créons
d’après nos propres souvenirs, nos fantasmes et notre imaginaire. Les œuvres ouvrent un champ des
possibles au sein duquel le regard et la mémoire sont interdépendants. « Il faut que le regard se promène
pour que le paysage apparaisse.»¹ Les moulages et les captations sont les résidus d’un ensemble, d’une
étendue dont l’artiste a souhaité retenir un moment spécifique. La technique du moulage et la prise
d’images (fixes ou en mouvement) génèrent un rapport intense non seulement avec l’espace, mais aussi
avec le temps. L’artiste peut ainsi absorber et traduire une manifestation naturelle et éphémère : le passage
d’une vague, les scintillements lumineux sur la mer, une roche, l’envol des hirondelles, le mouvement du
sable une fois la mer repartie. À nos yeux, ces petits moments sont envisagés comme des miracles, ils
s’inscrivent pourtant dans un cycle d’éternel recommencement. En les isolants, l’artiste ramène le paysage
à l’échelle humaine (son corps et sa temporalité) et nous rappelle son immensité.
Ses peintures monochromes fonctionnent de manière inverse. L’idée du paysage est amenée par la
production d’empreintes rhizomiques. Sur les fonds bleus, blancs, noirs ou verts se révèlent des motifs
racinaires. De même, au creux des grandes nacres, l’artiste grave les dessins d’explosions. Celles-ci font
écho aux essais nucléaires réalisés par la France dans le Pacifique. Par là, l’artiste saisit l’invisible. Si les
essais ont modifié le vivant de manière indélébile, la présence nucléaire est indiscernable. Le coquillage,
objet d’exotisme, devient le vecteur d’une réalité politique. Thomas Tronel-Gauthier conserve la trace
d’un voyage, d’une émotion, d’une inquiétude comme d’une exaltation. Plus que le souvenir d’un instant
perdu, chacune de ses œuvres témoigne d’une vision et d’une manière d’être au monde. En ce sens, l’artiste
matérialise la pensée de la trace telle qu’elle est développée par Edouard Glissant : « La pensée de la trace
s’appose, par opposition à la pensée du système, comme une errance qui oriente. Nous reconnaissons
que la trace est ce qui nous met, nous tous, d’où que venus, en Relation. […] La trace, c’est manière opaque
d’apprendre la branche et le vent : être soi, dérivé à l’autre. C’est le sable en vrai désordre de l’utopie. […] Elle
est l’errance violente de la pensée qu’on partage. »² Il fait de sa pratique du paysage la restitution, physique
et sensible, d’une traversée. De ses yeux et de ses mains, il l’effleure pour en livrer la trace.
Julie Crenn
¹ JULLIEN François, Vivre de paysage ou L’impensé de la Raison, Paris, Gallimard, 2014
² GLISSANT Edouard, Traité du Tout Monde, Paris, Gallimard, 1997
Emmanuelle Lequeux
Texte publié à l'occasion de l'exposition "CE QUE J'AI VU N'EXISTE PLUS" à la galerie 22,48m² en janvier 2015
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CE QUE J'AI VU N'EXISTE PLUS
Exposition personnelle à la galerie 22,48m², Paris
2015
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Thomas Tronel-Gauthier : From density to dissolution
Thomas Tronel-Gauthier was shown at the 55th Salon de Montrouge in 2010. Since then he has taken part
in several group and individual shows in France and abroad. Until 14 February 2014 he presented Matière
d’origines (The Matter of Origins) at the Galerie Saint Séverin in Paris then from January to May he was
offered a creative residency at the Yvetot agrofood vocational school in partnership with the Galerie
Duchamp.
No doubt as a child he must have received as a gift the Perfect Little Alchemist Set. Indeed, ever since
Thomas Tronel-Gauthier has been practicing experiments on matter, any kind of matter. His Paris studio
is probably more like a melting pot where polyester foam volcanic sand, colourful candy, tiger balm and
a jumble of resins are mixed and smelted. But the young artist, born in 1982, is not interested in changing
lead into gold, his pursuits are elsewhere and though more modest they are still essential. His work turns
nature into artifice, the instant into eternity. His taste for tinkering with matter stems from roaming the
studios at the Strasbourg Decorative Art School where he was trained and learned to handle, right from
the start, wood, ceramics and metal. However, it was another aspect that drew the attention of the Salon
de Montrouge, where he was shown in 2010: the sculptures he produced using elements normally found
in kitchens that he re-appropriates with his poetic touch. Thus he scored a tree trunk with the type of
red paste used for making sweets and hung fake fruit, actually candies, onto a real raspberry bush. He
sometimes also uses gelatin. By gluing transparent squares onto the window panes, he tampers with our
perception of the landscape thus composing a nicely myopic stained glass effect, “a skin which becomes
alive with sounds as it retracts”. Still the young man is not at all limited to culinary elements. He rapidly
broadens his scope, starts fossilizing sponges and even manages to capture in paint the fog lacing the bay
of Ha Long. “In fact, what I am interested in are the cycles of life, shaping deforming and reforming what
has been destroyed”, he explains. Whether at the Villa Cameline in Nice or the Centre d’art de Clamart,he
challenges the fleeting instant : the lines left by the tide on a sandy beach, even the wave itself. Thanks to
a sophisticated moulding technique, he is able to reproduce elusive landscapes. They become, under his
touch, fragments of dark waves, or again a wave captured as it is swelling within an old fashioned bathtub.
Unsurprisingly, his art bloomed during his three-month residency in the Marquesas Islands last year. Of
Gauguin’s paradise he discovered the sad truth: a society seduced by the all-American, stripped of any
original identity, a priori. However he probes deeper, hangs around, observes the children he organises
a workshop for, and learns the ancestral technique of tapa bark cloth, studies the phallic shapes of the
kitchen pestles carved from local lava rock, listens to hopes of renewing ties with the original culture.
Then his work takes a turn. With the video, medium yet unknown to him, he captures the graceful beauty
of the waters where the amphibious “sirens” – as an endemic fish is called locally – live, clinging to their
rocks between sea and air. His photographs freeze the sudden impact of a wave on the black sand. But
most of all, he reflects upon the ultimate taboo for these prudish – thanks to evangelization – islands: the
consequences of the nuclear tests at Mururoa. He witnesses the unspoken words of some of the many
cancer patients. And then, after his initial sculptures representing algae lacework carved in Japanese
packing polystyrene, he begins engraving the carefully kept unmentioned nuclear mushrooms on the
mother-of-pearl oyster shells. As Gauguin did, he questions the legitimacy of our presence on these islands
while actually changing profoundly. Clearly it is not by chance that his works speak of transition, the
passage from density to dissolution: our contemporary paradises are they not made of such unstable
matter.
Emmanuelle Lequeux
Published in The Art Daily News (decembre 13th 2013) and in the 59thSalon de Montrouge catalogue (May 2014).
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Thomas Tronel-Gauthier : de la densité à la dissolution
Thomas Tronel-Gauthier a exposé au 55e Salon de Montrouge en 2010. Depuis, il a participé à plusieurs
expositions collectives et personnelles, en France et à l’étranger. Jusqu’au 14 février 2014, il présente «
Matière d’origines », à la Galerie Saint Séverin, à Paris, avant de bénéficier de janvier à mai 2014 d’une
résidence de création au lycée agroalimentaire d’Yvetot, en partenariat avec la Galerie Duchamp. Portrait.
Enfant, on lui a sans doute offert l’attirail du parfait petit alchimiste. Depuis, Thomas Tronel-Gauthier ne
s’est jamais lassé d’expérimenter la matière, toutes les matières. Et l’on peut imaginer son atelier parisien
comme un creuset où se fondent mousse de polyester et sable volcanique, bonbons acidulés, baume du
tigre et résines de tout acabit. Mais pas question pour le jeune artiste, né en 1982, de changer le plomb en
or : il a d’autres quêtes, plus humbles mais aussi essentielles. Lui, c’est la nature qu’il fait artifice, l’instant
qu’il fait éternel. Ses bidouillages de matière, il y a pris goût en arpentant tous les ateliers de l’école des Arts
déco de Strasbourg où il a été formé : bois, céramique, métal, il a appris à les maîtriser tous dès ses débuts.
Mais ce sont d’autres expériences qui l’ont fait remarquer par le Salon de Montrouge, où il a exposé en
2010 : des sculptures réalisées à partir d’éléments normalement destinés à la cuisine, qu’il détourne d’un
geste poétique. Il pratique ainsi une saignée dans un arbre à partir de pâte rouge destinée à fabriquer des
sucreries, et affuble un vrai framboisier de faux fruits qui ne sont en fait que des bonbons. Il lui arrive aussi
d’utiliser la gélatine. En collant des carrés transparents sur une vitre, il brouille la vue sur le paysage, et
compose un vitrail joliment myope, « une peau qui se met à vivre, et devient même sonore en se rétractant
». Mais le jeune homme est loin de se restreindre au domaine culinaire. Il élargit vite son horizon, il fossilise
des éponges et capte en peinture le brouillard de la baie d’Halong. « Finalement, ce qui m’intéresse, ce sont
les cycles de la vie, former, déformer, refaire à partir de ce qui est détruit », explique l’artiste.
De la Villa Cameline de Nice au centre d’art de Clamart, il s’attaque au summum de l’éphémère : le dessin
provoqué par la mer sur le sable d’un rivage, ou la vague elle-même. Grâce à une technique sophistiquée de
moulage, il parvient à dupliquer ces bribes de paysages. Elles deviennent sous ses doigts fragment d’ondes
noires, ou vague saisie dans son mouvement au cœur d’une baignoire ancienne.
Rien d’étonnant à ce que son art s’épanouisse pleinement depuis sa résidence de trois mois dans les îles
Marquises, l’an passé. Du paradis de Gauguin, il découvre la triste réalité : une société conquise à tous les
américanismes, dépouillée de ses racines identitaires. A priori. Mais il fouille, s’attarde, observe les enfants
avec qui il organise un atelier, s’initie à la technique ancestrale du tapa, s’intéresse aux formes phalliques
des pilons de cuisine taillées dans la lave locale, écoute le désir de renouer avec la culture originelle. Et il
opère un virage dans son œuvre. Par la vidéo, médium encore ignoré, il capte la beauté gracile des flots
ou des « sirènes », comme on appelle là-bas les poissons endémiques, amphibies du partage des eaux qui
s’accrochent à leurs rochers. Ses photographies arrêtent l’impact soudain d’une vague sur le sable noir.
Mais surtout, il s’interroge sur l’ultime tabou de ces îles prudes, depuis leur évangélisation : l’impact des
essais nucléaires de Mururoa. Il rencontre les si nombreux malades du cancer, écoute leur silence. Alors,
celui qui sculptait à ses débuts des algues fragiles dans un polystyrène d’emballage japonais, se met à
graver dans la nacre des huîtres perlières ces champignons atomiques dont le souvenir est tellement tu làbas. Comme Gauguin en son temps, il questionne l’étrangeté de notre présence sur ces terres, et en profite
pour changer profondément. Nul hasard si ses œuvres disent la transition, le passage de la densité à la
dissolution : c’est de cette matière mouvante que sont faits nos paradis contemporains.
Emmanuelle Lequeux
Paru dans le Quotidien de l’Art le 13 décembre 2013 et dans le catalogue du 59e Salon de Montrouge en mai 2014.
Texte publié dans le cadre du programme de suivi critique des artistes du Salon de Montrouge, avec le soutien de la Ville de Montrouge, du Conseil
général des Hauts-de-Seine et du ministère de la Culture et de la Communication.
55ème Salon de Montrouge / 2010
www.salondemontrouge.fr
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La Borne, Saint Jean de la Ruelle / 2012
www.poctb.fr
Tracé(s)
exposition collective
Commissariat : Julie Crenn
Galerie Perception Park, Paris
2014
www.perceptionpark.com
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The Last Piece of Wasteland #4 / #2 / #3
2014
Résine
116 cm x 76 cm / 116 cm x 72 cm / 121 cm x 98 cm
The Last Piece of Wasteland #3 (2014), le dernier terrain vague, se présente comme un fossile
de la marée basse en mer du nord, une esthétique du fragment que l'on retrouve dans la série
des Peintures Outremer. Ces œuvres prennent toutes la forme de plaques minérales sombres,
associant le sillage maritime à l'idée d'une absence, d'un vide, d'une désertion. En première
lecture, on peut prendre ces motifs pour les supports d'un discours sur la raréfaction de l'eau
dans le monde contemporain, mais la plasticité singulière de ces témoignages ajoutent à
l'intention d'alerte une volonté forte de stimuler l'imagination. La richesse du dispositif tient
en grande part à l'indécision quant à la texture de l'objet : tantôt pyroclastique, lunaire et
caverneuse, tantôt végétale, veineuse et synaptique, les pièces se jouent des écarts entre
fragment de terre désolée et nouveau territoire à investir. Le travail du négatif plaçant
l'horizon d'attente au-delà de l'interprétation post-apocalyptique, l'hypothèse futuriste qui
semble s'y dessiner relève moins d'une science-fiction appliquée, à l'esthétique marquée,
que d'une poésie de la reconstruction mentale, tout en sobriété. La cristallisation désertique
devient en effet l'occasion d'une reconquête rudérale, comme si le public innervait ces
minéraux, les frappait de son organicité mentale pour leur redonner vie..
(Florian Gaité, revue Contemporéanité)
La mécanique des fluides
2014
Résine, feuilles d'or 22 carats
101 cm x 63 cm
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RANCHO MIRAGE
exposition collective
Galerie Perception Park, Paris
2014
www.perceptionpark.com
Peintures noires
2011-2015
Acrylique sur châssis lin et caisse américaine
100 cm x 80 cm
Le travail de peinture résulte de la répétition d’un même geste simple et primordial, qui est à la fois un
héritage du Rorschah et une réminiscence de l’enfance : contraindre de la peinture entre deux surfaces,
plier puis déplier, et observer. Observant soigneusement les motifs arborescents en surface générés par
la matière arrachée, l’artiste peaufine au fil des années sa technique par empirisme, et développe ses
outils qui permettent de trouver un point d’équilibre entre l’aléa du processus naturel et le geste très
chorégraphié qui le contraint. Il donne aujourd’hui naissance à de grandes toiles dont la surface est
recouverte d’une silhouette évoquant la coulée dont vient ensuite s’extraire en relief des arborescences
fractaliennes partant de la base du tableau puis venant s’échouer en d’infimes ramifications. Ce travail
d’abord achrome puis monochrome noir se décline depuis 2013 dans des couleurs emblématiques
associées aux voyages et contextes de production : bleu outremer et vert de chrome.
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Récif d’éponges (capita vitium)
2010
Porcelaine
25 cm x 47 cm x 41 cm
Accumulation d’éponges naturelles de mer, végétales de cuisine et de mousses synthétiques, qui, après un
procédé de « fossilisation » et de transmutation de matériau, viennent s’homogénéiser en un même bloc.
Cette nouvelle identité à la fois familière et étrangère, vient questionner le spectateur sur les frontières
ambiguës du naturel et de l’artificiel.
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Corail de terre
2014
Plâtre polyester
dimensions variables
Réalisée durant une résidence de création au lycée agricole d’Yvetot (Haute-Normandie), la série « Corail
de terre » rapproche la démarche du sculpteur de celle d’un cultivateur. La terre des champs qui se fend
et se fissure est ainsi ensemencée de plâtre polyester, jusqu’à infiltrer ses moindres vides. Récoltés, ces
nouveaux fruits de la terre peuvent s’apparenter à du corail et constituent alors de nouveaux fragments de
territoires aux paysages étrangement familiers.
GRAVITON(S)
exposition collective
Centre d'art la Galerie Duchamp, Yvetot (Haute-Noramndie)
2014
www.perceptionpark.com
Les Oracles
2012
Série de gravures sur nacres de l’archipel des Tuamotu (Pacifique)
dimensions variables
La série Les oracles est issue d’un travail d’appropriation d’une technique traditionnelle de l’artisanat
polynésien : la gravure sur nacre. Les huîtres perlières de Polynésie sont fascinantes de sophistication,
et sont à la fois l’écrin et les génitrices des précieuses perles noires. Leur surface interne nacrée offre
d’intenses variations chromatiques allant du blanc au gris anthracite, en passant par des zones de verts,
rouges, bleus et violets. La surface externe laisse quant à elle apercevoir dans ses différentes strates de
calcaire le long processus de croissance de l’animal.
L’ iridescence quasi holographique de la surface gravée donne à l’image un aspect irréel. Le titre se joue de
l’ambigüité temporelle que pourrait engendrer cet effet ; est-on face à une image d’archive à jamais gravée
dans les sédimentations d’une faune marine encore très impactée par l’histoire, ou bien à la prophétie d’un
futur inquiétant où l’histoire pourrait être amenée à se reproduire ?
Peintures outre-mer
2014
Acrylique sur châssis entoilés en lin
47 cm x 57 cm
Tondo outre-mer
2015
Acrylique sur châssis entoilés en lin
diamètre 80 cm
TAHITI-MOOREA
2012
Vidéo HD, 2mn en boucle, sans son
Cette vidéo a été tournée sur le trajet de retour d’une résidence d’artiste aux Îles Marquises, depuis le
célèbre bateau Aremity Ferry, qui effectue la traversée de Tahiti vers Moorea, véritable destination paradis
de la Polynésie.
Elle tend à rendre compte autant de l’aspect graphique dessiné par le soleil ricochant à la surface de l’eau,
que du volume de cette dernière, du bleu profond de l’Océan Pacifique. La cadence singulière du bateau
vient rythmer le défilement de l’image filmée en plan fixe.
Nageant entre ces deux immatérialités bi et tri dimensionnelles, le balayement effectué par les rejets d’eau
pulvérisée par le bateau en rematérialisent l’essence même.
Cette boucle de 2mn en fondu enchainé rejoue une traversée sans fin sans point de départ ni point d’arrivée. La picturalité de l’image oscille entre une abstraction graphique proche de celle d’une pellicule grattée
ou de la neige d’un téléviseur, et des moments de matérialité où l’eau déploie une alternance de contrastes
allant du quasi noir et blanc à une grande variété de bleus outremer.
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Territoire #2
2014
Résine
101 cm x 63 cm
Recel de motifs et explosions douces : les relevés biomorphiques de Thomas Tronel Gauthier
La trajectoire plastique de Thomas Tronel Gauthier se dessine dans le temps à la manière du sillage qui
s'étire à la surface de l'eau. Mouvement subtile imprimé en creux puis en relief par le liquide, se déployant
et s'apaisant jusqu'à retrouver sa planéité vibrante d'origine, ce phénomène est une illustration parmi tant
d'autres des petites manifestations ordinaires du déplacement de la matière. Ce sont ces formes articulées
en motifs, ces traces nées de la rencontre des particules solides, liquides et gazeuses disséminées dans la
nature qui constituent le cœur de la quête délicate de cet artiste. La délicatesse, certainement l'une des
particularités premières de son travail, comme celle d'un hommage qu'il aurait tenu à rendre à une simple
feuille d'arbre et à l'harmonie fascinante du déploiement de ses nervures.
Plein air et matières pleines
La série intitulée The Last Piece of Wasteland est composée de moulages effectués à même le sol,
reproduisant les dessins que la mer du nord imprime sur le sable lorsqu'elle se retire, laissant apparaître
une fois basse une plage humide aux reliefs sinueux. Ces reproductions sous forme de plaques
fragmentaires semblent scinder dans la masse l'éphémère et l'éternel, incarnés par ces formations vouées
à disparaître et réapparaître, à la fois autres et similaires, rythmées par le cycle incessant des marées. Si la
forme est reproduite à l'identique, la couleur appliquée à la résine est beaucoup plus sombre que celle du
sable, introduisant un contraste visuel fort puisque l'aspect ainsi obtenu rappelle la roche volcanique ou
encore le goudron, après solidification. Marée noire ou terrain calciné, la catastrophe ne semble pas être
bien loin. C'est tout du moins ce que suggère ce titre, Le dernier terrain vague : une mystérieuse disparition
est sur le point de se produire. Mais de quel « terrain vague » s'agit-il ? Dans cet étrange scénario, « quand
la mer monte » (1) c'est le sable qui coule à flot et transforme les salles de bain émaillées d'antan en déserts
domestiques. La baignoire îlot n'a jamais aussi bien porté son nom que dans l'incarnation de cette vision
onirique, où inquiétude et apaisement sont tour à tour convoqués.
La question de l'échelle spatiale et temporelle est centrale puisque ces motifs sont issus d'une matrice à
variantes multiples entre micro et macro : les sillons creusés par les fleuves ou les rivières à travers plaines
et montagnes produisent des formes semblables à celles imprimées sur la plage. C'est particulièrement
prégnant dans la série de photographies Hanamate / Dessins de sable, qui pourraient tout aussi bien être
les prises de vues aériennes d'un estuaire ou d'un delta.
Chez Thomas Tronel Gauthier, le moulage est le moyen d'effectuer des prélèvements, d'archiver les
éléments naturels qu'il sélectionne. Cette collecte correspond à la recherche d'un dénominateur commun,
dont l'étude relève de la morphogénèse, autant de manifestations permettant de rendre visibles les
constantes des lois de la physique qui régissent la matière. La terre, l'eau, l'air, le minéral et le végétal font
donc l'objet d'une minutieuse observation, constituant les matériaux de prédilection qu'il emporte dans
son atelier. Commence alors son travail d'expérimentations techniques visant à reconstituer et transformer
ces phénomènes avec ses propres outils : les matières composites remplacent ou coexistent avec les
éléments naturels qu'ils imitent, comme dans Territoire #2 où résine et sable viennent fondre le naturel et
l'artificiel en une seule et même texture.
De l'organique au synthétique
L'arborescence systématique que l'on peut retrouver dans l'écoulement de l'eau, dans la formation des
vaisseaux qui drainent les liquides vitaux à l'intérieur des organismes, sève, sang ou lymphe, a fait l'objet
d'un travail de longue haleine qui se construit depuis 2009. Bons Baisers d'Halong Bay en sont les prémices,
sortes de balbutiements annonciateurs d'une série aux déclinaisons de supports et de couleurs visibles
entre autres dans Native Tongue (A fresco) en 2010, dans la série de Peinture Noire #1 #2 et #3, la Stèle
morphogénique (céladon) en 2012, les Peintures Outremer en 2013, et en dernier lieu les Peintures en vert
de chrome en 2014.
En décollant deux surfaces entre lesquelles la peinture a été préalablement étalée, celle-ci se répartit
entre les supports et avec l'étirement de la matière apparaissent les formes arborescentes. Luttant
avec la gravité qui tour à tour suscite et altère la formation du motif, Thomas Tronel Gauthier parvient à
parfaire sa technique, guidant la peinture pour contrôler à la fois la forme globale de la tâche sur la toile
et le déploiement des ramifications de plus en plus fines et étendues. Bons Baisers d'Halong Bay, série
de rectangles de papier offset dépliés, illustre à merveille la genèse du procédé et la simplicité du geste
originel.
Eprouvant l'élasticité du polymère, la matière du sculpteur emprunte donc le même chemin que la
substance naturelle. On retrouve ce même processus dans la fabrication de Corail de terre #1 et #2, ou
c'est cette fois-ci le plâtre qui vient s'infiltrer dans les fissures d'un sol agricole, épousant jusqu'aux plus
infimes de ses craquelures. L'apparition en négatif du vide crée par les failles rappelle étonnamment les
réseaux polymorphes des récifs coralliens, comme si même les manifestations invisibles de ce phénomène
morphogénique étaient simplement le pendant inversé d'éléments en reliefs existants. Impossible
d'échapper aux lois qui régentent la prolifération de la matière ; cette illustration par le vide en est encore
la preuve.
A la lisière entre minéral, végétal et animal, les formations hybrides que sont les coraux et les éponges
semblent faire l'objet d'une fascination particulière chez cet artiste. Les deux pièces Récif d'éponges (2007)
et Alguorescences (2009/2010) ont ainsi en commun la fragilité du matériau, soulignée par une blancheur
cristalline. Respectivement en porcelaine et en polystyrène extrudé, mêlant naturel et artificiel encore,
cette fragilité n'est pas sans évoquer l'action du temps et les modifications qu'elle imprime sur l'état de la
matière : calcification, fossilisation, érosion sont autant de phénomènes abrasifs qui altèrent les éléments
solides, créant des surfaces poreuses, douces ou tranchantes, lisses ou proliférantes, compactes, cassantes
ou friables. Un état ponctuel et mouvant donc, qu'il tente de fixer dans ses compositions.
Cette friction entre des catégories a priori bien distinctes se retrouve d'une autre manière dans la
formation des coquillages, animaux producteurs de la matière minérale qui les abrite, et autre forme
récurrente dans la pratique de Thomas Tronel Gauthier. Les Coffrets puis la Valise aux morphogénèses
(2011)contiennent les coquilles, sorte de mise en abime du contenant ici contenu : coffrets et valise
deviennent les terrains de jeu du négatif et du positif puisqu'une fois la boîte refermée les moulages
s'emboitent parfaitement, ne laissant qu'un espace plein.
Ses premiers coquillages en pâte de verre de Segalliuqoc Acanthocardia (2007) jouent sur la tromperie
: contrairement aux apparences il n'a pas moulé chaque coquille, mais le vide qui s'immisce entre elles
quand on les superpose : matérialisation du vide et inversion, encore.
L'intérêt de cet artiste pour les coquillages trouve un prolongement naturel lorsqu'il se rend en Polynésie
pour une résidence de trois mois. Les Oracles (2012/2013) est une série représentant des images de
champignons atomiques gravés à l'intérieur de grands coquillages nacrés. La forme géométrique du
champignon vient ainsi parfaitement s'y inscrire et semble faire écho à l'irrégularité de leurs contours.
On retrouve cette double temporalité de l'instantané et de l'immuable, l'explosion furtive et les radiations
stagnantes, cristallisés ensemble à la surface de ce support, dont le contraste entre un recto d'une finesse
irisée exquise et un verso minéral âpre et rustique vient accentuer l'impact visuel. Le symbole persiste,
sachant que la coquille et la capacité de son hôte à produire des perles est attachée au champ de la
fécondité.
Du vide ou du vivant : croyances et quête de sens
A l'occasion de cette résidence particulièrement marquante, l'imprégnation de Thomas Tronel Gauthier
est à la fois biologique, technique et mythologique. La gravure sur nacre est une pratique artisanale qu'il
s'approprie dans Oracles, tout comme la forme des pilons en lave, objets traditionnels aux multiples
déclinaisons locales qu'il réalise dans Ke'a tuki (2012), pièce qui « traite du rapport culturel à la copie
qu'entretiennent les habitants des Marquises. Copier, c'est en effet assurer la transmission des ancêtres.
Partant d'un exemplaire traditionnel de pilon typique de l'île d'Hiva Oa, réalisé par un sculpteur local, s'en
suit une série de huit « clones » qui se dépigmentent par étapes, formant un nuancier de gris jusqu'au blanc
» (2).
Cette œuvre polysémique met à nouveau en scène l'effacement et la disparition, mais cette fois d'un
point de vue symbolique, comme c'est aussi le cas dans l'installation Carte postale des tropiques, dans
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laquelle il soumet une photographie couleur imprimée sur du papier aquarelle à l'action de l'eau, processus
de détérioration volontaire reproduisant en accéléré le passage du temps qui à terme rend les images
surannées, comme ces souvenirs perdus dans un passé aux repères diffus.
De manière transversale, le travail de Thomas Tronel Gauthier est parsemé d'évocations religieuses et de
formes liées au sacré. Différents types de croyances, de rituels et de spiritualités apparaissent en filigrane,
sans hiérarchie aucune : la taloche de maçonnerie en bois de sa Nativité (2011) tapissée de feuilles d'or
semble avoir revêtu l'apparat des icônes anciennes ; ses Peinture lenticulaire #1 et #2 évoquent certes
le procédé qui permet de produire une impression de relief changeant, mais le choix de ce format n'est
pas sans rappeler celui du Tondo propre à la renaissance, souvent réservé aux représentation de sujets
mythologiques, religieux ou symboliques ; le Petit Fétiche d'Atunoa (Paeore) (2012) évoque quant à lui la
cosmogonie et les traditions polynésiennes dont les sculptures totémiques sont nombreuses, notamment
à travers la figure mythologique des Tiki.
Entre naturel et surnaturel, la sacralité intervient comme le témoin d'une quête de sens qui a été la source
de production de formes qui à leur tour viennent s'intégrer à son répertoire, à la manière des éléments
profanes ou triviaux issus de la vie pratique.
L'élément vivant lui-même apparaît à travers ces bribes indicielles qu'il dissémine au cours de ses
déplacements et de ses états transitoires. Il s'incarne partout par son absence. La seule pièce où il apparaît
directement, c'est sous la forme d'un être mythologique, tout du moins par le nom local qui lui a été
attribué, puisque cette Sirène (2012) qu'il parvient à filmer en Polynésie, n'est autre qu'un animal dont
l'évolution est à un stade intermédiaire : ce petit poisson a développé un moyen de ramper à l'aide de ses
nageoires. Ballotté par les remous de la rivière, il s'extrait de son milieu aquatique pour se nourrir des
algues et des minuscules coquillages accrochés sur les rochers. C'est à nouveau l'aspect de la mutation
et de l'hybridité qui transparaît. A cheval entre deux milieux, cet être encore inadapté est en proie à une
grande vulnérabilité.
A la lisière entre différents espaces et temporalités, Thomas Tronel Gauthier interroge le rapport entre
d'une part un savoir scientifique issu des données physiques et biologiques et d'autre part un héritage
symbolique imprégné de croyances et de mythologie. L'inerte et le vivant apparaissent par le biais des
empruntes de leur perpétuelle interaction, à la fois produits et producteurs d'un environnement dont le
mouvement rythme inlassablement les apparitions et les disparitions.
Noémie Monier
(2014)
1. Référence au titre de cette pièce intitulée Le dernier terrain vague (quand la mer monte) présentée en
octobre 2010 dans l'exposition RELATIVES à la Villa Cameline de Nice
2. Selon les termes de l'artiste
Le dernier terrain vague
2010
Installation in situ pour l’exposition RELATIVES Villa Cameline - Maison abandonnée, Nice.
Sable non fixé
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Sirène
2012
Vidéo HD, 1 min 55
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Hanamate / Dessins de sable
2012 - 2013
Photographies numériques, cadres en chêne brut
60 cm x 80 cm
Grains de sable, grain photographique, papier à grain crayonné ou papier de verre... tant de supports
qui semblent ici se métisser. Réalisées durant un séjour aux Îles Marquises en 2012, les photographies
se font ici témoins d’un délicat travail de dessin éphémère prélevé sur une plage de la baie d’Hanamate
(île d’Hiva Oa). Le sable noir basaltique de l’île y laisse progressivement place au sable blanc constitué de
restes d’animaux marins morts et du corail qui commence à s’y installer entrainant la dépigmentation
irrémédiable des plages de sable noir marquisiennes. Ces dessins photographiques en niveaux de gris
attestent de cette mutation, transition géologique de l’île confrontée à son environnement marin.
Ke’a tuki
2012
Pilon en lave des Îles Marquises, plâtre polyester teinté, pigment noir minéral
120 x 15 x 36,5 cm
La pièce intitulée « Ke’a tuki » du nom marquisien donné à ces traditionnels pilons taillés dans la lave
volcanique, traite du rapport culturel à la copie qu’entretiennent les habitants des marquises. Copier, c’est
en effet assurer la transmission du savoir-faire des ancêtres et préserver ce qu’il reste de leur culture.
Partant d’un exemplaire traditionnel de pilon typique de l’île d’Hiva Oa, réalisé par un sculpteur local, s'en
suit une série de huit « clones » qui se dépigmentent par étapes, formant un nuancier de gris jusqu’au
blanc. Le pilon traditionnel marquisien est un des derniers vestiges de la culture des ancêtres (qu’il s’agisse
de religion, langue, mythologie, art, traditions orales, danses, musique) en grande partie éradiquée au
XIXe siècle par la colonisation et l’évangélisation des populations. Il est traditionnellement conçu par des
hommes et utilisé par des femmes pour l’élaboration des différents plats traditionnels tels que la fameuse
Popoi’ (purée fermentée du fruit de l’arbre à pain).
Ergonomique et de bonne maniabilité, le pilon Ke’a tuki, fier de ses différentes formes phalliques (déclinées
d’île en île) se retrouve encore de nos jours dans chaque cuisine qui se respecte (suspendu par le haut à une
corde), et constitue l’un des objets identitaires de la culture marquisienne.
Cette série évoque à nouveau la question de l’original au multiple de sculpture, et pose un regard sur cet
objet utilitaire et artisanal qui n’a pas encore été substitué par un produit de l’ère industrielle.
Cette lignée de pilons d’une même forme, traite ainsi de l’altération par la copie et du déclin progressif
culturel. Ou bien, si l'on inverse le sens de lecture en se positionnant face au pilon blanc, la pièce évoque
un retour aux sources, une identité retrouvée.
Carte postale des Tropiques
2012 - 2013
Vidéoprojection HD sur téléviseur peint
1 min en boucle
Cette installation rend compte de la temporalité distendue observée et ressentie aux îles Marquises. Une
photographie récente de « l’atelier des tropiques » d’Atuona tel qu’il fut imaginé et conçu par Paul Gauguin
pour venir accueillir ses amis artistes venus de la métropole, est imprimée sur une carte postale de papier
aquarelle. Sur la durée d'une minute, l'image se détériore et semble subir l'épreuve d'une temporalité
accélérée ne laissant au final qu'une carte postale jaunie comparable à celles que l'on trouve altérées par le
soleil sur les sites touristiques.
L’image est en réalité soumise à l’épreuve mécanique de l'eau, revisitant ainsi la technique de l'aquarelle
par la fonte des encres imprimées. Le dispositif confronte un vieux téléviseur noir et blanc relégué
au statut d'écran et un vidéoprojecteur HD, rejouant de cette manière la cohabitation insulaire de la
modernité et de la désuétude. Durant cette boucle vidéo la photographie laisse place à une image dont on
ne parvient plus à dater l’origine, ni à évaluer la contemporanéité.
L’absente
2013
Résine, sable
160 cm x 70 x 65 cm
production Centre d’art Albert Chanot – Clamart
Contenant déserté marqué par une double absence des corps, tout autant celle du baigné que celle
de l’eau. Cette baignoire résonne encore du passé domestique et habité du lieu tandis que la vague de
sable qui la traverse témoigne du passage de l’eau et de la vie. La montée des sables poursuivant sa
contamination du contenu au contenant, nous ramène à la lente désagrégation granulaire de ce qui fut
forme. Cette entité restituée de sa dissolution exhibe son trop-plein et interroge le vide et l’absence.
Nativité
2011
Taloche de maçonnerie en bois et plastique, feuille d’or, acrylique
15 cm x 27 cm x 13 cm
Sur une simple taloche de maçonnerie au préalable recouverte de feuilles d’or, est appliquée une matière
acrylique noire. S’en suit la rencontre amoureuse de deux surfaces qui, en se séparant, donnent naissance à
la silhouette au dessin arborescent.
Cet outil emprunté au maçon est composé de plastique et de bois ; c’est un objet industriel brut proche
du ready made, ici sorti de son contexte d’origine, choisi d’une part pour sa forme triangulaire rappelant
l’icône et d’autre part pour son rapport au geste et à la surface. L’oeuvre revisite ainsi le rituel élémentaire
et la gestuelle du maçon servant à édifier, à bâtir. Elle fait également écho à la technique de la fresque, dont
le procédé « a fresco » permettait de figer le dessin dans la matière fraîche.
Le processus de création rejoint ici les questionnements scientifiques et spirituels de l’artiste sur l’origine
du monde, notamment son intérêt pour la morphogénèse, ensemble de lois qui déterminent les formes, la
structure des tissus, des organes et des organismes.
La forme noire obtenue associe un motif de fractale arborescent à une silhouette semi aléatoire pouvant
évoquer celle de la figure humaine. Cette référence directe à l’icône est aussi un hommage à l’œuvre de
Giotto (1267-1337) et à la tradition du support bois traité à l’or et à la peinture.
Le titre Nativité renvoie quant à lui tout autant à la symbolique et à l’histoire religieuse qu’à cette
recherche personnelle sur l’origine des formes.
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Matière d'origines
exposition personnelle
Galerie Saint Séverin, Paris
2013 - 2014
commissariat : Géraldine Dufournet
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Stèle blanche
2012
Plâtre polyester
80 cm x 120 cm
The Last Piece of Wasteland
2011
Plâtre polyester noir, pigment noir
83 cm x 103 cm
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Sans Titre [Made in Italy]
2005
Marbre blanc
32 x 32 cm
Moule en madeleines [Made in France]
2006
Véritables madeleines industrielles compréssées
38 x 25 cm
Les Nappages
2007
Série de pièces en cristal, flan en résine souple rouge
Dimensions variables
Résultat de l’observation du geste et du processus de coulée du verre sortant de la louche, évocateur
des manipulations de cuisine, de la fabrication de sauces, coulis ou caramels.
Chaque pièce en verre possède deux entités fortes et contradictoires : celle de la partie inférieure
constante de la matrice, et celle de la partie supérieure, répondant aux aléas du geste et du processus
naturel de coulée.
Au delà de contextualiser, le flan alimentaire vient poser la question de la pérennité de l’oeuvre.
Les Os à moelle roudoudoux
2007
Os poli, bonbon gélatineux aromatisé à la fraise, verre blanc
28 x 28 cm
Cette pièce s’inspire d’une expérience concrète culinaire : celle de la dégustation du plat italien « osso
buco », dont la particularité est que l’on cuit la viande de boeuf avec des tranches d’os dont on va ensuite
déguster la moelle.
La pièce traduit ce rapport de force ambivalent entre attraction et répulsion observé lors de la dégustation
de la substance flasque et gélatineuse contenue dans l'os.
Ici, la répulsion pour l'os est associée à l'attirance du bonbon dans l'évocation d'un souvenir d'enfance : les
roudoudous, bonbons édulcorés contenus dans des coquillages (à l’origine véritables, puis, en plastique
pour la commercialisation).
Cette pièce offre donc un potentiel ludique, de par l'approche enfantine de la dégustation d’un bonbon
qui se cache et se fait désirer, mais également érotique dans la gestuelle qu’entraîne ce trésor caché, la
nécessité d’aventurer sa langue dans le creux de l’os.
On peut y voir enfin un signifiant plus grave, l’évocation de la maladie, dégénérescence de la moelle
épinière, confrontation de l’immuable carcasse à son contenant périssable.
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Saignée d’arbre
2012
Bonbon gélatineux rouge sur écorce d’arbre.
Dimensions variabes
Expostion En mai, fais ce qu’il te plaît, Synesthésie, Saint-Denis, mai 2010
Les framboisiers du mont Ida
Framboisiers en pots, bonbons arôme et forme de framboise
dimensions variables
Au cœur du jardin, la Saignée d’arbre laisse apparaitre le long de l’écorce une longue coulée de bonbon
gélatineux rouge, qui vient se recueillir en galette sur le sol. Cette sève rougeâtre et délicieusement sucrée
vient parer l’arbre et exalter nos sens tout en dessinant une blessure à plaie ouverte.
En son pourtour, tel un principe de fructification artificielle, sont implantés des framboisiers en pots.
À leurs branches sont greffés des bonbons gélifiés goût framboise, qui contrefont l’apparence de ces
mêmes fruits. Cette nouvelle récolte, calibrée, au goût invariable, de couleur stable et presque inaltérable,
toujours à maturité, évoque les enjeux contemporains de notre politique agricole.
Le roncier domestiqué aura néanmoins raison des artifices et fournira quelques mois plus tard sa
production naturelle, apportant ainsi sa part pérenne à l’installation éphémère.
L’ensemble forme une sorte de jardin des délices, ponctuant la végétation verdoyante de différentes notes
de rouge, et offrant aux visiteurs une proposition ludique et sensorielle.
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Membrane
2010 - 2011
Gélatine alimentaire porcine 100% sur vitre, colorant rouge,
Dimensions variables
Exposition RELATIVES, Villa Cameline, Nice
Exposition La fabrique de l’ellipse, Espace Eugène Baudouin, Antony
Cette installation consiste en l’apposition d’une membrane organique sur une membrane architecturale
vitrée qui permet, dans un jeu d’altération du réel, la communication intérieur - extérieur. Le verre devient
l’élément solide et porteur de la pièce. Les feuilles de gélatine, découpes géométriques et tramées de
losanges, composées d’une matière pourtant vouée au flasque, se rétractent en séchant, créant des
tensions et un crépitement continu. L’accumulation du matériau révèle enfin de façon olfactive son origine
organique et animale.
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Le Maschere
2010
Baume du tigre d’Inde, chaines métalliques, patères anciennes.
dimensions variables
Elaborée à partir de la célèbre pommade médicinale au parfum de plantes (camphre, menthol, eucalyptus,
girofle…) de couleur vert émeraude dans sa version indienne, cette pièce s’intéresse à la prolongation de
l’espace sculptural par l’odorat. « Le maschere » nom italien pour les masques, est également un clin d’œil
à la Commedia dell’Arte et son personnage du médecin masqué lui-même inspiré d’un épisode de l’histoire
italienne. En 1348, pour se prémunir d’une vaste épidémie de peste ramenée d’Asie, les médecins y avaient
effectivement eu l’idée de confectionner des masques à long nez dont ils remplissaient l’extrémité de
plantes aromatiques aux propriétés désinfectantes.
Terre d'accueil
2014
photographie
60 cm x 80 cm
Vue de l'exposition de fin de résidence au LAY, partenariat Galerie Duchamp, DRAC/DRAF Haute-Normandie
Peintures au vert de chrome (les végétales)
2014
Acrylique sur châssis entoilés en lin
dimensions variables
Alguorescences
2009
Polystyrène extrudé
Dimensions variables
La série d’Alguorescences vient défier les lois de la gravité, par l’utilisation d’un matériau composite dont le
poids ne dépasse pas les quelques grammes et permet d’étonnantes interactions entre le mur qui leur sert
de support et le vide qui les anime.
Subtil jeu de découpes, de collage et de compositions, les ramifications s’expriment comme d’infinis jeux
de fractales dans une évocation récurrente d’une nature artificialisée.
Sculptures poids-plumes et robustes à la fois, les alguorescences s’agrippent contre vents et gravité aux
parois des espaces, permettant l’investissement d’espaces inhabituels.
Bons Baisers d’Halong Bay
2009
Acrylique sur papier offset, contre collé sur aluminium
12 pièces de 10,5 x 14,5 x 11 cm
Bons baisers d’Halong Bay est une série de peintures acryliques blanches sur papier offset de format carte
postale, marouflées sur plaques d’aluminium pliées en équerre. La pièce nait de la réappropriation d’une
pratique simple et enfantine qui consiste à plier de façon plus ou moins contrôlée de la peinture entre
deux surfaces afin d’obtenir des formes tout aussi aléatoires que symétriques. Le procédé s’apparente
égaldement à celui utilisé en psychologie sous le nom de test de Rorschasch.
Il n’est en revanche ici pas tant question du motif obtenu que du relief qui en résulte. La matière jointe, en
se séparant de part et d’autre du support, se sculpte alors d’infimes arborescences d’une
fascinante précision. Le contre-collage du papier sur l’aluminium plié rend toute potentielle retrouvaille
des deux faces impossible en dépit de la forte attraction visuelle qui s’y crée.
Les silhouettes fantomatiques ainsi représentées, viennent évoquer les célèbres sucs de roches de la baie
de Ha Long se reflétant dans la mer, observées lors d’un récent voyage au Vietnam.
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Moullusques
2009
Porcelaine brute
Dimensions variables
Les moullusques sont une série de sculptures en porcelaine blanche non émaillées réalisées à partir de
petits moules à tartelette. L’artiste se joue ici avec humour des conventions, en apparentant le moule
ustensile de cuisine au moule du sculpteur, dans une composition imitant les coquillages de type
berniques qui colonisent les rochers en bord de mer. Les matrices bouleversées et contrariées composent
des plaques modulaires qui offrent alors une multitude d’investissements possibles de l’espace.
Trilogie de moullusques
2011
Porcelaine, bois peint
19 cm x 19 cm x 16 cm
5 exemplaires
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[made] leine
Multiple édité par Astérides (Marseille)
2010
plâtre polyester, pigment naturel,
sachet plastique sous vide
(10 ex. dont 2 épreuves d’artistes)
[made]leine s’inscrit dans la continuité d’un travail autour de l’objet, de réflexions sur le rapport
forme - matériau et des difficultés d’identification qu’il entraîne.
Le gâteau-matrice surdimensionné, a été réalisé de mémoire, tel un souvenir reconstitué et déformé.
Née d’un jeu de dupe, cette petite sculpture résulte du moulage répété d’une madeleine initialement taillée
dans la pierre. Les traces de cette pratique traditionnelle de la taille sont apparents : griffures, découpe à
la gradine, éclats de matière. Ce geste archétypal se déploie sur le gâteau de faux marbre et s’amuse de la
rencontre improbable du moule et de la pierre.
Cette madeleine n’est ni directement issue de la main du tailleur de pierre, ni d’un moule à pâtisserie :
elle navigue dans cet entre-deux et questionne l’unicité de l’œuvre. Chaque pièce de forme similaire se
distingue par la répartition aléatoire des veinures obtenues par inclusion de pigment dans la masse.
La connotation nostalgique de l’objet associée à l’évocation du funéraire motif marmoréen, dépasse
les qualités périssables de la matière comestible. La madeleine devient un produit inconsommable qui
continue cependant de se décliner comme un objet de consommation. L’emballage plastique sous vide
rejoue les notions de conservation et de présentation de la pièce, laissant libre son acquéreur de la
conserver sous cette forme ou de l’extraire de son écrin.
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Valise aux morphogénèses
2011
Valise en bois, silicone gris, plâtre polyester blanc
65 cm x 40 cm x 52 cm
Réalisée en amont d’une résidence de trois mois aux Îles Marquises (Hiva Oa), la Valise aux morphogénèses
se présente comme une invitation au voyage.
Un voyage géologique dans les paysages stratifiés que restituent ses moulages de coquilles de diverses
provenances. Une quête originelle où le moule de silicone gris en négatif et son produit blanc en positif
se font face, pour ne laisser, une fois la valise refermée, que le plein. La pièce interroge ainsi l’étroitesse du
rapport qu’entretient l’œuvre à son support-conditionnement et ses outils de fabrication.
Le cratère
2011
Impression numérique sur bâche, œillets, clous acier
120 cm x 80 cm
L’image étendard se présente comme une figure de l’ellipse, moment de narration interrompu entre
deux étapes de la création. S’offre alors un vaste champ d’interprétations qui oscillent de la création à la
destruction, entre impact, enfouissement et déterrement.
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Le dernier terrain vague (échoué 1 et 2)
2010
Tirage numérique contrecollé sur aluminium, châssis bois.
50 cm x 75 cm
Photographies réalisées durant un travail in situ d’empreintes au plâtre sur le sable à marée basse des
plages de la Mer du Nord. Les motifs prélevés en négatif sont repositionnés sur leur trame d’origine
vennant perturber toute notion d’échelle et dessiner de nouveaux territoires.
Le Havre
2011
Photographie numérique
114 cm x 74 cm
Cette photographie représente une empreinte laissée naturellement par l’écoulement des eaux usées de
la ville du Havre sur sa plage. L’image se fait témoin de l’étroite coexistence d’un site naturel maritime
avec une zone d’urbanisme très industrialisée. Le travail numérique sur la teinte et les textures, permet
de simuler une minéralité proche de celle du granit, tendant à figer doublement par la photographie et
l’ébauche de fossilisation, cet éphémère phénomène.